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■ Textes de recherche ▼ Art contemporain


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Moteurs de recherches internet autorisés. Avant-propos.  Les différents éléments des publications 2020 figurant sur la page internet TEXTES DE RECHERCHE des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, www.artisticmuseography.com sont sous copyright et ne peuvent  être reproduits ou utilisés, directement ou par quelque procédé que ce soit, ou dans un système documentaire, ni transmis sous quelques formes ou moyens que ce soit (procédés électroniques, mécaniques, photocopies, enregistrements), aucune traduction ni adaptation ne peuvent être faites, sans l'autorisation écrite préalable de l'auteur, qui peut être donnée par e-mail (pour presse, audiovisuel, recherche universitaire, enseignements, formation professionnelle et continue...) Seules de courtes citations sont autorisées en citant le titre de la publication et le nom de l'auteur. Lequel peut être joint par e-mail à  editions_edmc@yahoo.fr ou telemuseologie@yahoo.com (Tel FRANCE 0610999098-Tel INTERNATIONAL+336 1099 9098.)Textes de recherche © 2020 Antoine Antolini, Recherche, Editions EDMC. Tous droits réservés pour tous pays. Moteurs de recherches internet autorisés. Les organismes privés ou publics souhaitant mettre en oeuvre les recherches du Laboratoire de télémuséologie "NTIC-Muséologie" peuvent joindre celui-ci aux coordonnées mentionnées. 

 

 

■ Département Recherche Sciences des arts - EDMC-Europe
Les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe au cœur de l'évolution numérique.


 

Les Editions EDMC-Europe au cœur de l'évolution numérique, les Editions EDMC-Europe ont adapté leur action et sont devenues au fil des années, fer de lance en Europe et sur l'international pour l'utilisation des outils numériques et de l'image en créant de nombreuses actions événementielles, afin de déceler dans la complexité de notre société, de nouveaux talents artistiques. Ceci dans l'objectif de mettre en valeur les styles et les tendances dans l'art actuel, qui apparaissent sous nos yeux, souvent innovants. C'est pour tenter d'aller par-delà les climats d'indifférence, qui accueillent les progrès de l'esthétique et les œuvres d'artistes exceptionnels, que les Editions EDMC-Europe s'efforcent de montrer l'art vivant en temps réel en créant des événementiels novateurs susceptibles de sensibiliser grâce à internet et aux réseaux sociaux un très vaste public. Il faut connaître et savoir reconnaître cet art de grande qualité, qui construit notre identité, souvent avant-gardiste, tel qu'il se pratique chaque jour, au cœur de nos régions, dans la France profonde, dans notre Europe, berceau de civilisations, mais aussi dans le monde plus généralement, des États-Unis à la Chine, en passant par le Japon. Une expertise numérique a été ainsi acquise, depuis de nombreuses années, pour faire rayonner l'art européen, l'art actuel de haut niveau, la diffusion culturelle de talents vivants, bien au-delà de nos frontières nationales ou des limites de l'Europe. Avec les rencontres de "Styles et Tendances dans l'Art International", c'est une nouvelle strate internationale que EDMC-Europe a su créer grâce à la communication numérique. Si les réseaux sociaux, tel Facebook ou YouTube, ont su créer des schémas conviviaux, c'est en dernier ressort à l'humain que revient le dernier mot, pour les animer, les faire vivre. Les Editions des musées et de la culture, EDMC-Europe, conservent cela présent à l'esprit lorsqu'il s'agit de donner formes dans leurs actions à ces nécessités d'innovation et de progrès dans la société, dans les arts, la culture. En s’efforçant dans ses relations avec les acteurs artistiques, culturels et sociaux, de mieux faire connaître et comprendre l'art d'aujourd'hui, en recourant au progrès des nouvelles technologies de l'information et de la communication. L'art, c'est de l'expression humaine, de l'humanité dans la société. L'art est aussi l'espoir de faire occuper une place indispensable à l'humain dans un nouveau monde connecté.

 

 

                                                                                                                      Editions EDMC-Europe Mai 2020

 

 

 

©  2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés.

 

 

■ La pandémie du coronavirus 2019 COVID-19 et les Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC)


La pandémie du coronavirus 2019 COVID-19 a mis en suspens les activités de nos sociétés partout dans le monde. Néanmoins, l'utilité d'internet et des technologies de la communication, ont permis de recréer un nouveau lien individuel et collectif et finalement d'irriguer notre société d'une nouvelle forme de relations humaines, dans le confinement que nous vivons aujourd'hui. Dans le domaine de la muséologie et des arts, les Editions EDMC-Europe, ont compris, depuis de nombreuses années, toute l'importance des relations visuelles à distance, grâce aux nouvelles technologies communicantes, notamment via internet et les réseaux sociaux, et ont su les utiliser, les mettre en pratique. Ces relations informatiques, télématiques, ces échanges informationnels numérisés, forment aujourd'hui une nouvelle conscience collective et un nouveau monde connecté, voire, dans certains domaines, hyperconnecté. C'est dans cette techno-communication sociale, qui va de la télé- à la visio- conférence, en passant par les transmissions électroniques, notamment par courriel et transmissions d'images, que les artistes, les créateurs, la société d'aujourd'hui plus généralement, évoluent au quotidien. Chacune et chacun, s' immerge plus ou moins, selon ses aptitudes, ses besoins, le temps dont il dispose, dans ce nouvel univers, dont l'attractivité utilitaire, performante, est devenue indispensable. Un nouvel espace convivial sociétal, à la fois virtuel et réel, se construit à grande vitesse et dans lequel il faut réduire solidairement une fracture numérique, aux multiples causes. Les sociétés elles-mêmes, partout dans le monde, reposent de plus en plus sur des systèmes connectés, interconnectés et interactifs. Ce développement des nouvelles technologies du numérique, appelle de nouvelles pratiques, de nouveaux modes de fonctionnement, dans tous les secteurs. Les relations publiques, les agences de communication, les agences de presse et de fournitures de photos et d'images, les agences de publicité, les tîtres de presse et les médias, de la radio locale à la TNT, se sont adaptés, par nécessité de survie économique, à de nouveaux modèles technologique de production et de diffusion. Les grands événementiels d'actualités, de l'artistique au scientifique, en passant par la mode, le sport, le littéraire ou le cinéma, n'échappent pas à cette règle d'adaptation. L’audiovisuel et ses programmes en direct live, les retransmissions, avec les mises en œuvre des nouvelles technologies numériques et télénumériques des NTIC, au regard de leurs coûts, doivent les appliquer au plus près des besoins, afin d’éviter non seulement les déperditions budgétaires mais les pertes d'audiences si ces technologies ne sont pas employées comme il faut dans la concurrence des sociétés internationales de diffusion. On doit, dans notre époque, repenser les relationnels sociétaux, en particulier les créations d'événementiels. De nouveaux télé-événementiels sont arrivés. Bienvenue aux NTIC*.

* Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC)

 

                                                                                                                   Editions EDMC-Europe Mai 2020



©  2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés.

 

 

■ A l'aube du XXI ème siècle, la naissance d'une "e-télécivilisation" une nouvelle "e-Civilisation-IA-NTIC" . ■ Application des NTIC* aux Télé-Evénementiels (TE), *Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication


Dans ce chapitre Antoine Antolini définit ce qu'est la

Dans ce chapitre Antoine Antolini définit ce qu'est la "e-télécivilisation AI-NTIC"

télé-événementiel.com

télé-événementiel.com

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"At the beginning of the XXI century, the birth of a new e-telecivilization."

- www.artisticmuseography.com - www.tele-evenementiel.com -


Les Editions EDMC-Europe  présentent ci-après, une étude de leur Département Recherche Sciences des arts, et mettent en relief l’idée d’une "e-télécivilisation" émergente et analysent dans ce cadre, un nouveau concept du télé-événementiel, de nouvelles modalités pour sa mise en pratique connectée à distance, au niveau local, national ou international. Ceci via une rationalisation des NTIC sur la base d’un référentiel simplifié pour leur meilleure adaptation aux télé-événementiels. Une version plus technique de certains passages se trouve en un addendum intégré, à la fin de l’étude sur cette page TEXTES DE RECHERCHE 

 

 

 

La "e-Télécivilisation-NTIC". Une nouvelle "e-télésociologie"pour une "e-Civilisation-IA-NTIC"

 

 

En 2020 apparaît la naissance d'une nouvelle e-civilisation IA-NTIC (*). Cette e-télécivilisation se fonde sur les NTIC et l' IA, créant un nouveau "e-tissu social". Ce "télétissu social", fruit d'une "e-évolution", doit être analysé par la "e-Sociologie"ou"e-Télésociologie", qui constitue une nouvelle "e-Science", "croisant Sociologie et NTIC-IA". Concepts termes définitions © MAI 2020 Antoine Antolini Dépt. des Sciences de l'art des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe


 (*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC) - Intelligence Artificielle (IA).



 

 

"A L'AUBE DU XXI EME SIECLE, NAISSANCE D'UNE

NOUVELLE "e-TELECIVILISATION-NTIC" ou

  "e-CIVILISATION-IA-NTIC" (*)



(*) que l'on peut définir comme une nouvelle "e-civilisation" qui se construit sur les NTIC et l' IA (Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication - Intelligence Artificielle IA).

"At the beginning of the XXI century, the birth of a new "ICTs-e-telecivilization",

or "AI-NICT-e-Civilisation" (*)

that can be defined as a new civilization that builts on ICTs (New Technologies of Information and Communication and Artificial Intelligence (AI).

par Antoine Antolini.

Chargé de recherche au Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Mai 2020

 

 

 

2020 "Une nouvelle "télécivilisation" est née et se développe: On peut définir cette télécivilisation, comme une nouvelle étape d'avancement de notre civilisation, qui a évolué plus vite que la conquête des nouvelles formes d'énergies, pour s'imposer avec urgence aujourd'hui dans les besoins sociétaux mondiaux, jusqu'à constituer un nouveau modèle identificatoire de l'évolution civilisationnelle". Mai 2020 Antoine Antolini



2020 "A new "telecivilization" is born and develops: We can define telecivilization, as a new stage of advancement of our civilization, which has evolved faster than the conquest of new forms of energy, to impose itself with urgency today in the global societal needs, up to constitute a new model of identification of civilizational evolution." Mai 2020 Antoine Antolini 



Nota: Sur un plan conceptuel et pédagogique, il convient de ne pas confondre le concept défini ici de "télécivilisation", avec divers aspects sociologiques concernant la télévision en tant que telle, qui ont pu être développés par de nombreux auteurs. Il ne sagit pas d'évoquer ici la télévision, le terme dans son sens premier, celui de TV, de la "télé", destinée à des spectateurs regardant des émissions devant leurs postes de télévision. Phénomène qui ont engendré et engendre encore bien des analyses sociologiques, socio-culturelles ou socio-éducatives. Il n'est pas question non plus ici de la télévision, objet de loisirs, de distractions, d'information, d'éducation ou de culture, qui peut être regardée par les téléspectateurs sur de nombreuses chaînes dans presque toutes les langues du monde. Le présent concept ne concerne, ni ne définit, ici un modèle civilisationnel ou socio-culturel issu du développement du phénomène de la "télévision" dans le monde et des incidences qu'il a produit ou peut produire sur les sociétés, ou qui ferait émerger une nouvelle civilisation modelée par des idées, des images, des créations de mythes...

 

 

Il s'agit ici dans l'exposé de ce concept de "e-télécivilisation", d'une nouvelle "télécivilisation-NTIC" "une nouvelle "e-civilisation-NTIC-IA" (*) qui marque une étape d'évolution de la civilisation. Une civilisation du IIIème millénaire qui s'éveille avec des sociétés en progression dans un cursus évolutif systémique dont les NTIC-IA sont devenues actrices principales et locomotives de cette "mutation évolutive". Nous voyons aujourd'hui cette "e-civilisation-NTIC-IA"(e-civilization ICTs-AI) créér un nouvel environnement télésystémique, technologique qui est mondialisé. On constate que les NTIC et la IA ont produit une structure "technologisée" transculturelle et inter-sociétale, une "e-télé-civilisation-Puissance plus", dont les ramifications sont planètaires. Cette nouvelle "e-télé-civilisation" est en pleine expansion et concerne les macro ou micro-systèmes, les macro ou micro-économies.

 

 

Paradoxalement dans cette nouvelle "e-télécivilisation-puissance plus", technologique, le terme "télé" qui indique l'éloignement au sens étymologique grec têle "loin", évoque ici le rapprochement ultime ultra rapide, en temps réel, dans l'immédiateté de relations inter-personnelles. Alors que l'on pourrait parler de "télécivilisations" "galactiques" pour indiquer leur "éloignement" cosmique dans l'infini, ici, dans la e-télécivilisation qui nous intéresse, le terme "télé" prend à contrario, sémantiquement, l'idée et le sens "de lien et de rapprochement", puisqu'il s'agit de nouveaux "e-liens" tissés "électroniquement" de loin, "télé" s'appliquant à une "e-télécivilisation", vivant en temps réel, en mode "rapproché", "connecté". En résumé on est proche et loin à la fois. On comprend ici la particularité de cette "e-civilisation" que l'on peut décrire comme une "nouvelle télécivilisation-puissance plus", se définissant plus précisément telle une conjugaison "e-civilisation-IA-NTIC "(*) ceci bien distinctement par rapport à d'autres concepts. (*) NTIC Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication et IA pour Intelligence Artificielle.

 

 

Cette "e-télécivilisation-NTIC-IA", s'inscrit dans l'avènement d'un nouvel âge des hautes technologies et des technologies de pointe, dont les technologies NTIC-IA sont devenues l'épine dorsale et la courroie de transmission. Dans la société, au quotidien, c'est une nouvel entendement de la distance et de l'éloignement (télé), qui sont devenus inexistants par le numérique, grâce aux technologies télématiques et électroniques, aux logiciels et autres progiciels de contact. Les téléconsultations ou e-consultations, le télécommerce ou e-commerce ne connaissent plus les barrières de l'espace et du temps. L'éloignement (télé) et l'éléctronique (e) se sont conjurés et unis dans une nouvelle "e-télé-société". On y voit avec en toile de fond la nouvelle intelligence artificielle (IA) et les nouvelles technologies de l'information et de la communication (NTIC), nous faire aller, encore plus loin vers des relations sociales multiples publiques ou privées ultra-rapides, en visuel et en audio connexions, composant désormais un nouveau "télétissu social". IL sécrète l'avènement d'une nouvelle compréhension des sociétés au travers du fondement d'une nouvelle "e-sociologie" mondiale, une véritable "e-télésociologie" est née définitivement. C'est le nouveau fonctionnement de ce développement e-sociétal qu'il convient d'analyser dans l'avenir. Il faudra s'habituer à ces termes qui seront demain, je pense, dans le langage courant des générations à venir. La plupart des concepts intellectuels, économiques, sociétaux, transcendent les limites physiques, géographiques et deviennent des concepts, interdépendants, se développent ensemble, non dans le cadre d'une révolution technologique mais d"une nouvelle "e-évolution" incontournable et décisive. Le développement économique et social, sociétal, est devenu un "e-développement" qui a bouleversé nos façons de voir à l'entrée de ce XXIème siècle, nous montrant ce qu'il sera. Ce"e-développement" s'effectue désormais de manière irréversible avec comme supports les NTIC et l'IA. L'évolution générationnelle participe à combler une fracture numérique et a déjà amorcé ce nouveau stade civilisationnel. En ces débuts de troisième millénaire est née ainsi, cette nouvelle "e-télécivilisation" ou "e-civilisation-NTIC" qui intègre en son sein, l'intelligence artificielle IA.

 

 

Une nouvelle "e-Télécivilisation" constituée et constituante d'un nouvelle étape d'avancement civilisationnel. Une "e-étape d'évolution" qui se caractérise par l'utilisation majeure des ressources des NTIC, et tissant de plus en plus profondément le "télétissu" social, au moyens des potentialités de l'IA. On voit se déployer l' hyper e-connectivité mondiale que ces "e-ressources" génèrent dans tous les domaines. On remarque que le fonctionnement toujours plus évolutif des NTIC, permettent de développer en leur sein, la nouvelle Intelligence Artificielle, dotant intrinsèquement la "télécivilisation-NTIC" de nouveaux progrès et l'optimisant. Quelques soient les secteurs économiques et sociaux ou les nomenclatures, plus les acteurs sociaux, économiques, culturels et artistiques, sont connectés, plus ils se développent. Il s'agit ici dans mon approche de mettre en lumière cette "e-Télécivilisation Plus" qui conjugue en synthèse la "télécivilisation-NTIC & IA". [En anglais nous indiquons "ICTs- AI- télécivilization"(*)]. Laquelle déjà génère et tisse les liens, "tisse les e-liens" d'un "nouveau télétissu mondial". On y voit l'espérance d'une nouvelle forme de rapprochements possibles entre les sociétés, la possibilité de renforcement des liens économiques, sociaux, culturels et artistiques. Le distanciel et le présentiel ne seront plus dans l'avenir les composantes premières de la nouvelle consciences collective que la e-société à déjà commencé à créer à travers internet et les réseaux sociaux. L'espoir est devenu réalité pour une solidarité humaine plus efficace, dans un nouveau "e-tissu social" international qui ne pourra que se développer encore plus dans sa dynamique irréversible. Il s'agira de sauvegarder l'humain dans cette nouvelle "e-civilisation". L'art y sera fondamental. © MAI 2020 Antoine Antolini.

(*) on peut abréger en anglais les concepts de "New Technologies of Information and Communication" en sigles soit par NICT, ICT, ou ICTs ou pour Artificial Intelligence, AI.

 

 

 

Texte Concepts termes définitions © MAI 2020 Antoine Antolini, tous droits réservés pour tous

pays. Laboratoire de Télémuséologie NTIC-Muséologie Département des Sciences de l'art des

Editions des musées et de la culture EDMC-Europe

 

 

 

 

 

Un "Télé-Evénementiel" (TE) qu'est-ce que c'est ?


C'est dans ce contexte que le "télé-événementiel" peut se définir comme étant un événement d'actualité, organisé à distance en temps réel ou en différé, ou en mixant les deux. Celui-ci permet de mettre en place et de faire fonctionner les relations humaines et sociales, au travers de liens inter-personnels, établi grâce aux moyens des technologies de communication. L'action du télé-événementiel s'applique à un domaine du champ sociétal, comme par exemple, dans le domaine artistique, culturel, littéraire, scientifique, ... (non exhaustif) et comporte également en contexte un lien avec la conscience collective. Il concerne la plupart du temps un groupe social plus ou moins important. Ce peut être avec un spatialité aussi bien locale, que nationale ou internationale. En corollaire, on peut y trouver des aspects relationnels quantitatifs divers, au niveau de la participation ainsi que selon les techniques de connexion utilisés. Les participants peuvent être connectés entre eux, en relation directe, direct live, temps réel, ou en relation différée, post-vision ou reportage (post-reportage). En interface les participants peuvent être en relation directe ou différée avec un public, soit un large public, ou un public restreint. Le télé-événementiel n'est pas un outil figé mais dynamique et interactif. Il peut faire appel à la créativité de chacun pour aménager la relation communicante, selon un mode original, qui conciliera les possibilités des NTIC et la relation humaine selon les besoins. Le quantitatif pourra être élevé (télé-festivals, télé-concerts, télé-opéra, ), ou avec des publics plus restreints (télé-visites muséales ou d'expositions picturales ou artistiques, télé-défilés de mode, télé-spectacles, télé-matches, télé-démonstrations commerciales) ou spécialisés (grandes premières médicales, télé-opérations chirurgicales à public restreint spécialisé, enseignement des universités, télé-concours, télé-jeux, télé-débats, télé-conférences, télé-cultes, non exhaustif). Il doit y avoir un aspect "d'interactivité". L'interactivité peut être directe si elle s'applique au moment fort du télé-événementiel, ou indirecte si elle s'applique au niveau des retombées. On pourra parler ici d'interactivité primaire, si il y a des connexions directes sur l'événementiel, ou secondaire, s'il y a un protocole prévu pour des connexions différées ultérieures, via d'autres supports communicants de lien. Un télé-événementiel peut faire appel à divers domaines et outils des NTIC, allant des plus simples aux plus complexes, (de l'ordinateur de bureau connecté à internet, jusqu'au multiplex international). Les NTIC seront adaptées au mieux, le plus rationnellement possible, sans surcharges, au plus près des besoins et objectifs. Dans la phase de préparation, en première étape du tété-événementiel, l'adaptation des moyens la plus judicieuse sera, dès le départ, la garantie des meilleurs résultats. En télé-événementiel, l'aspect d'immatérialité, consiste dans la dématérialisation physique des liens inter-personnels de face(s)-à-face(s), qui s'effectuent par les canaux numériques. La relation sociale se crée en mode numérique, mais il faut insister sur le fait que les relations humaines ne sont pas virtuelles, mais restent bien réelles. On peut le vérifier a un autre échelon inter-personnel non collectif comme avec télé-consultations du secteur médical, ou dans des formes de télé-travail. Revenons au contexte collectif et aux distanciations physiques dans la relation de techno-communication, pour préciser que le tété-événementiel doit être en phase, en prise directe ou indirecte avec la notion de "conscience collective". Celle-ci sera plus ou moins large. Cette notion de "conscience collective" est fondamentale dans le processus du télé-événementiel. En effet même si celle-ci n'est pas connectée en interactivité directe, cette notion de "conscience collective" englobe aussi bien les caractères géographiques, sociaux, quantitatifs, spécifiques à un public, les divers profils de télé-participants, qui se refléteront dans le télé-événementiel. Au plan de leurs apports socio-éducatifs, socio-culturel, dans le progrès de la société, les télé-événementiels les plus réussis seront ceux qui arriveront a créer par le lien communicant, les participants, les thèmes et les contenus, la qualité des échanges, une logique vivante d'échantillon représentatif en terme sociologique, susceptible de devenir ainsi relais connecté d'une « conscience collective». Le télé-événementiel pourra, dès lors, jouer pleinement un rôle phare. Avec l’action des participants reliés entre eux en inter-activité, primaire ou secondaire, un télé-événementiel est par nature social, plus globalement sociétal et donc ouvert sur le collectif qui en constitue son background (contexte).

 

 

 

                                    "Télé-Evénementiel" (TE) - "Télé-Evénementiel International" (TEI). 


■ Définition: 

 

Un Télé-Evénementiel (TE) est avant tout fondé sur les NTIC (*). Il à ainsi vocation à mettre en oeuvre l'événementiel par la dématérialisation physique et la distanciation éloignée (télé) des éléments qui le constituent. Ainsi un Télé-Evénementiel s'effectue par l'utilisation des moyens des NTIC les plus adaptés pour l'établissement de relations interpersonnelles ou de présentations matérielles. Le Télé-Evénementiel à pour vocation à transposer le "in situ" dans un espace numérisé pour le transmettre à disposition et en direction d'un public distant. Par ses fondements numériques et les facilités offertes par les NTIC, il est voué à se développer et évoluer sur le champ international, en "Télé-Evénementiel International" (TEI), dans de nouveaux réseaux de télérelations mondialisées.

 

(*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC).

NTIC Appliquées aux Télé-Evénementiels (NTIC-TE) et aux Télé-Evénementiels internationaux (NTIC-TEI). © 2020 Laboratoire de télémuséologie "NTIC-Muséologie" 

 

 

■ Definition:

 

A Tele-Event (TE) is primarily based on Nicts (*). It thus aims to implement event planning through the physical dematerialisation and the remote (tele) distancing of the elements that constitute it. Thus a Tele-Event is carried out by the use of the means of the most suitable Nicts for the establishment of interpersonal relations or material presentations. The Tele-event, aims to transpose the "in situ" into a digitized space to transmit it to a remote audience. With its digital foundations and the facilities offered by the Nicts, it is destined to develop and evolve in the international field, in "International Tele-Events" (TEI), in new networks of global telerelations. (*) Application of New Information and Communication Technologies (NTIC) to Tele-Events (TE) and to International Tele-Events (ITE).

International application NICT to Tele-Events (NICT-TE) and to International Tele-Events (NICT-ITE). © 2020 Télémuseology Laboratory "NICT-Muséology" 

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe

Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

OMPI - World Intellectual Property Organization (WIPO) Conventions of Berne and Stockholm July14,1967,

www.artisticmuseography.com - www.tele-evenementiel.com - Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC"  courriel: telemuseologie@yahoo.com

© 2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020 

(voir du même auteur "L'archéologie de l'esthétique, de l'esthétique spatio-temporelle à l'art significatif" Paris Bibliothèque Nationale de France 2001).

 

 

 

 

■ "Télé-Evénementiel International" (TEI) : "Téléprojet-NTIC" étapes d'un "Télé-Evénementiel" (TE) et "Télé-Evénementiel International" (TEI)


Selon Antoine Antolini, nous vivons la naissance d'une

Selon Antoine Antolini, nous vivons la naissance d'une "Télécivilisation"

LOGO  Télémuséologie - Concept e-Muséologie du Laboratoire de Recherche Art EDMC pour NTIC et Muséologie. A New EDMC Arts e-Science © 2020 EDMC-Europe

LOGO Télémuséologie - Concept e-Muséologie du Laboratoire de Recherche Art EDMC pour NTIC et Muséologie. A New EDMC Arts e-Science © 2020 EDMC-Europe

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Les étapes d'un "Téléprojet-NTIC" Télé-Evénementiel (TE) et "Télé-Evénementiel International" (TEI)

Steps of a "Teleproject-NICT" : Tele-Event (TE) and International Tele-Event (TEI)

 

 

[International Telemuseology EDMC "New Arts e-Science e-Museology Laboratory NICT-Museology" concept

 International Telemuseology e-Museology. Concept EDMC Art Research Laboratory for NICT and Museology. A New EDMC e-Science Art. DEFINITION: "Telemuseology", "Tele-museology" or "e-Museology" is a new transdisciplinary arts science belonging to both museology and ICTs, a new "Arts e-Science" that unites,implementing together NTIC & Museology. © 2020 Antoine ANTOLINI Telemuseology Art Science Laboratory. of Museum and Culture Editions EDMC www.artisticmuseography.com Edmc-Europe] 

 

 

 

■ Définition:


Un Télé-Evénementiel (TE) est avant tout fondé sur les NTIC (*). Il à ainsi vocation à mettre en oeuvre l'événementiel par la dématérialisation physique et la distanciation éloignée (télé) des éléments qui le constituent. Ainsi un Télé-Evénementiel s'effectue par l'utilisation des moyens des NTIC les plus adaptés pour l'établissement de relations interpersonnelles ou de présentations matérielles. Le Télé-Evénementiel à pour vocation à transposer le "in situ" dans un espace numérisé pour le transmettre à disposition et en direction d'un public distant. Par ses fondements numériques et les facilités offertes par les NTIC, il est voué à se développer et évoluer sur le champ international, en "Télé-Evénementiel International" (TEI), dans de nouveaux réseaux de télérelations mondialisées.

(*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC) aux Télé-Evénementiels (TE) et aux Télé-Evénementiels Internationaux (TEI).

 

 

■ Definition:

 

A Tele-Event (TE) is primarily based on Nicts (*). It thus aims to implement event planning through the physical dematerialisation and the remote (tele) distancing of the elements that constitute it. Thus a Tele-Event is carried out by the use of the means of the most suitable Nicts for the establishment of interpersonal relations or material presentations. The Tele-event, aims to transpose the "in situ" into a digitized space to transmit it to a remote audience. With its digital foundations and the facilities offered by the Nicts, it is destined to develop and evolve in the international field, in "International Tele-Events" (TEI), in new networks of global telerelations. (*) Application of New Information and Communication Technologies (NTIC) to Tele-Events (TE) and to International Tele-Events (ITE).

 

 

Quelque soit la dimension de spatialité géographique ou quantitative, ou sa spécialisation, on peut considérer qu'un télé-événementiel, pour réussir d'un point de vue pratique et méthodologique, devrait être organisé selon trois étapes essentielles et logiques. Les trois étapes sont les suivantes:

 

1° La préparation, évaluation sémantique et technique du Télé-projet-NTIC

2° Le moment fort de l'événementiel, la distinction moment central, moment principal

3° Les retombées, qui feront l'objet d'une relation télé-communicante en post-traitement.

 

Posons à présent le principe qu'un télé-événementiel est un processus de média-communication interactive, le sens de média étant ici pris dans le sens de médium, d'intermédiaire, et non dans le sens de presse ou journaux. Pour cette analyse, l'interactivité (In) est ici un segment spécifique et est traité dans une autre étude, mais on peut tenir compte de ce paramètre pour l'appliquer si l'on veut dans les 3 phases.

En résumé sur le plan plus technique je définirai le télé-événementiel comme étant un Moment central principal événementiel, qui se déroule entre un moment de préparation et un moment de traitement des retombées.

 

Sur cette base on doit définir le télé-événementiel selon un triptyque: préparation - Moment (M)- retombées ultérieures.

 

Tout télé-événementiel, correspond tout d'abord à la création d'un cursus méthodologique de travail et d'organisation avec un contenu thématique ( arts, culture, littérature, sciences, ou encore plus affiné peinture, sculpture, danse, théâtre, roman, best-sellers, physique, biochimie... non exhaustif). En étudiant successivement chacune des 3 étapes, on pourra savoir comment organiser et déployer les moyens technologiques, selon les contenus et les objectifs sémantiques.

 

En d'autres termes comment utiliser tels ou tels procédé technique interactifs de communication, en fonction de la manière dont on veut aborder ou traiter le sujet ou le thème du télé-événementiel. Ensuite c'est à partir de ces trois étapes et selon le contenu sémantique que l'on aura défini, que on appliquera à celles-ci les outils des NTIC, en fonction des diverses intentions et besoins spécifiques. Cette logique d'étape, apparaît être une méthodologie indissociable de tout télé-événementiel, devant permettre de rationaliser l'affectation des différentes NTIC, en termes d'efficacité logistique et d'économise de coûts. Dans les versions techniques de l'étude présentées sur la page Textes de Recherche site EDMC des formules spécifiques utiles montrent comment cette optimisation peut s'établir.   

 

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

OMPI - World Intellectual Property Organization (WIPO) Conventions of Berne and  Stockholm July14,1967,

Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC"  courriel: telemuseologie@yahoo.com

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© 2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020

 

 

■ "Télé-Evénementiel international" La structure de communication du Télé-Evénementiel


La structure du télé-événementiel en termes de communication

La structure du télé-événementiel en termes de communication

International Telemuseology Logo - e-Museology Concept EDMC Art Research Laboratory for NICT and Museology - A New EDMC Art e-Science - © 2020 EDMC

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La structure de communication du Télé-Evénementiel (TE) Télé-Evénementiel International (TEI)

The communication structure of the Tele-Event (TE) International Tele-Event (ITE)


Triptyque: préparation - Moment (M)- retombées ultérieures. 

 Tout d'abord, il convient de faire un distinguo dans le moment M du télé-événementiel entre son aspect "central" et son aspect "principal".

 

Il y a dans un télé-événementiel un temps-fort du déroulement, qui se situe pour simplifier entre préparation et retombées ultérieures. Or dans de nombreux cas, on remarque qu'il peut y avoir plus d'importance dans les retombées ultérieures, que dans le moment central lorsque le télé-événementiel se déroule au Moment M.

 

Dès lors l'aspect "principal", dans ce cas se déplace pour aller se situer dans l'étape des retombées ultérieures. Cela peut être le fruit d'une volonté délibérée dans le choix de la stratégie de communication, qu'elle soit économique ou sociale, culturelle ou artistique, ou objectivement du fait incontournable lié au contenu initial thématique. Cela peut provenir de la manière dont l'organisateur souhaite articuler son projet et donner plus ou moins de puissance à telle ou telle étape.

Dans les trois étapes de déroulement l' étape 3, peut être plus longue et durable dans le temps, envisagée à visée restreinte, ou ouverte, nationale ou internationale, thématiquement ciblées, ou multidisciplinaire. Selon le choix des organisateurs, plus les retombées s'étaleront dans le temps, plus elles pourront êtres porteuses pour les participants, alors que le Moment central (Mc) lui-même aura été plus court.

 

En conclusion: Ainsi, dans le déroulement des télé-événementiels, bien que le moment fort puisse rester toujours central, ce ne sera pas toujours le moment le plus porteur ou dès lors "principal" dans l'action. L'aspect principal peut dans certains cas se situer dans le segment de communication des retombées.

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

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Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC"

©  2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020

 

 

 

■ Référentiel pour l'application des Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC) aux Télé-Evénementiels (TE) et aux Télé-Evénementiels Internationaux (TEI)


les télé-événementiels axe des NTIC Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication

les télé-événementiels axe des NTIC Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication

Laboratoire de Recherche EDMC  en Art  Télémuséologie- e-Museology

Laboratoire de Recherche EDMC en Art Télémuséologie- e-Museology "NTIC-Muséologie" "The Télémuséologie ICTs- Museology" is a new "e-Science of Arts" of EDMC-Europe © Edmc 2020

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Référentiel pour l'application des Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC) aux Télé-Evénementiels (TE) et aux Télé-Evénementiels Internationaux (TEI).

 

Repository for the application of New Information and Communication Technologies (NICT) to Tele-Events (TE) International Tele-Events (ITE)

 

"Télé-Evénementiel International" (TEI).

 

■  Définition:

 

Un Télé-Evénementiel (TE) est avant tout fondé sur les NTIC (*). Il à ainsi vocation à mettre en oeuvre l'événementiel par la dématérialisation physique et la distanciation éloignée (télé) des éléments qui le constituent. Ainsi un Télé-Evénementiel s'effectue par l'utilisation des moyens des NTIC les plus adaptés pour l'établissement de relations interpersonnelles ou de présentations matérielles. Le Télé-Evénementiel à pour vocation à transposer le "in situ" dans un espace numérisé pour le transmettre à disposition et en direction d'un public distant. Par ses fondements numériques et les facilités offertes par les NTIC, il est voué à se développer et évoluer sur le champ international, en "Télé-Evénementiel International" (TEI), dans de nouveaux réseaux de télérelations mondialisées.

(*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC) aux Télé-Evénementiels (TE) et aux Télé-Evénementiels Internationaux (TEI).

 

 

■  Definition:

 

A Tele-Event (TE) is primarily based on Nicts (*). It thus aims to implement event planning through the physical dematerialisation and the remote (tele) distancing of the elements that constitute it. Thus a Tele-Event is carried out by the use of the means of the most suitable Nicts for the establishment of interpersonal relations or material presentations. The Tele-event, aims to transpose the "in situ" into a digitized space to transmit it to a remote audience. With its digital foundations and the facilities offered by the Nicts, it is destined to develop and evolve in the international field, in "International Tele-Events" (TEI), in new networks of global telerelations. (*) Application of New Information and Communication Technologies (NTIC) to Tele-Events (TE) and to International Tele-Events (ITE).

 

Ainsi dans un télé-événementiel, dans certains cas tout simplement le moment "central" ne sera pas "principal", mais on retrouvera le moment principal en termes de Résultats à attendre de l'événementiel, (R), dans le traitement des retombées plus significatives dans la conscience collective que le moment central. Cela dépendra de comment les organisateurs souhaitent mettre en place leur télé-événementiel, en donnant plus ou moins d'importance au trois étapes selon leurs objectifs et stratégie de communication.

 

Le lecteur peut avoir plus d'informations dans notre version technique de ce texte destinée aux agences de communication et de référencement, qui comporte notre nouveau référentiel symbolique d'application des NTIC aux télé-événementiels, une formule conçue pendant la période de confinement de la pandémie COVID 19 en Avril-Mai 2020 permettant de rationaliser l'application des NTIC aux télé-événementiels. Cette méthodologie en trois étapes permet de prévoir, répartir et déployer selon la formule de notre référentiel EDMC-Europe , dans la plupart des télé-événementiels en règle générale, les divers outils de téléphonies 3,4,5G, de télécommunications satellitaires et d'informatique générale ou spécialisée, les systèmes informatiques, bureautiques, télématiques, audio et visiocommunications, les technologies multimédias de stockage de traitement et de transfert, les rédactions et publications dématérialisées, internet et les supports des réseaux sociaux, visuels ou audiovisuels, les technologies audiovisuelles de la télé-visio-conférence 3,4G à la télévision TNT, les moyens initiaux de capture de l'image et du son, de traitement et de diffusion de l'image, différents types et modèles de caméra, de filmage et système vidéo, de photographies, par procédés de drone-filmage, drone-communication, drone-cinéma.

 

Ces moyens pourront être affectés sur les trois étapes vues précédemment, en fonctions des différents besoins généraux ou spécialisés de chaque télé-événementiel et ceci avec la plus grande souplesse et le souci du meilleur résultat. Nous ajouterons dans ces technologies interactives les hauts débits et le câble, ainsi que les logiciels et progiciels télé-communicants, et le software dédié. (non exhaustif).

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

OMPI - World Intellectual Property Organization (WIPO) Conventions of Berne and Stockholm July14,1967,

Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC"  courriel: telemuseologie@yahoo.com

©  2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020

 

 

■ Avancement des arts dans la société. La nouvelle "e-télécivilisation NTIC-IA" du XXIème siècle. "e-télé-muséologie" et "e-muséologie NTIC-IA" bâtissent une nouvelle "e-science des arts".


Pour Antoine Antolini définit la

Pour Antoine Antolini définit la "télémuséologie" comme une nouvelle science des NTIC Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication

 International Telemuseology Logo - e-Museology Concept EDMC Art Research Laboratory for NICT and Museology - A New EDMC Art's e-Science - © 2020 EDMC

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Cette "e-science" étudie, unit et met en oeuvre ensemble: "Muséologie NTIC et IA". Ce tryptique fonde un nouveau concept dans les arts et les sciences de la communication. Laboratoire de e-Télé-muséologie "Muséologie NTIC - IA" et de "e-Muséologie Optimisée". Antoine Antolini. Editions des musées et de la culture EDMC-Europe Mai 2020.

Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC)

Intelligence Artificielle (IA)



"A l'aube du XXième siècle, naissance d'une e-TELECIVILISATION-NTIC" une "e-CIVILISATION-IA-NTIC" (**) que l'on peut définir comme une nouvelle "e-civilisation" qui se construit sur les Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication *(NTIC) et l' Intelligence Artificielle *(IA).

"At the beginning of the XXI century, the birth of a new "ICTs-e-telecivilization", or "AI-NICT-e-Civilisation" (*) that can be defined as a new civilization that builts on NICT(*) New Technologies of Information and Communication NICT and Artificial Intelligence (*) AI.



La télémuséologie, qui depuis plusieurs années balbutiait a été confrontée avec la Pandémie coronavirus COVID 19, à un besoin de maturité urgent en 2020 . Celle-ci sera désormais sous nos yeux.



[Anthologie active - Compilation et mise à jour de sources:] -[1984] On peut rencontrer le terme "télémuséologie" utilisé en 1984 dans un article intitulé: Des "musées sans murs" ? de Marcel Calfat, publié dans le magazine "Continuité, le patrimoine en perspective" - page 4 du N° 23 Printemps 1984, Québec - Canada. In la rubrique Propos de la Rédaction, l'auteur, rédacteur adjoint du magazine la considère comme ..."forme de muséologie nouvelle"...] [Editeur "Continuité". Magazine du Conseil des Monuments et des Sites du Québec CMSQ et de la Fondation Canadienne pour la Protection du Patrimoine FCPP. - Continuité trimestriel Printemps Avril 1984] - [Mai 2020] Antoine Antolini, chercheur en sciences des arts et patrimoine, apporte la définition scientifique et technique de la "télémuséologie" et en pose les fondements comme une nouvelle "e-science" associée aux NTIC et à l'I.A. Editions publications numériques EDMC-Europe Mai 2020 France]. ■ Merci de nous faire connaitre grâce à internet notamment, d'autres sources et références publiées, avec le mois et l'année, mentionnant le terme "télémuséologie", nous les ajouterons à l'Anthologie active du terme.(adresser à: editions_edmc@yahoo.fr).

 

 

 

Editions des musées et de la culture EDMC-Europe

 

> Département Recherche Sciences des Arts EDMC-Europe (France) <


Télémuséologie,Télé-Muséologie, e-muséologie, e-Télémuséologie,


Concept d'une nouvelle "e-Science des Arts" qui unit les NTIC(*), la Muséologie et l'IA (*)



(*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication (NTIC)

(*) Intelligence Artificielle (IA)



e-MUSEOLOGIE e-TELE-MUSEOLOGIE"

LA "TELEMUSEOLOGIE" - ou "TELE-MUSEOLOGIE"



DEFINITIONS

Résumé. La "Télémuséologie", "Télé-muséologie", "e-Museology", est une nouvelle discipline des arts , qui est inter et trans disciplinaire, qui appartient à la fois à la muséologie et aux NTIC. ( Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication) ainsi qu'à l'IA dans l'art (Intelligence artificielle). On peut appeler cette muséologie du XXI ème siècle "e-muséologie" et plus précisément, "NTIC e-muséologie" - C'est une nouvelle "e-science". La "Télémuséologie" ainsi que la "e-muséologie" étudient et unissent de façon interdisciplinaire et mettent en œuvre de façon transdisciplinaire, NTIC Muséologie et IA.

Summary. The "Telemuseology", "Tele-museology", "e-Museology", is a new discipline of the arts, which is inter- and trans-disciplinary, which belongs to both museology and ICT. (New Information and Communication Technologies) as well as AI in Art (Artificial Intelligence). This 21st century museology can be called "e-museology" and more specifically, "NTIC e-museology" - It's a new "e-science". The "Telemuseology" as well as the "e-museology" study and unite in an interdisciplinary way and implement in a transdisciplinary way, NTIC Museology and AI.



Selon mes approches et définitions (Mai 2020). La "Télémuséologie", "Télé-muséologie" ou "e-Museology" est une nouvelle science des arts, inter et trans disciplinaire qui appartient à la fois à la muséologie et aux NTIC ( Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication) ainsi qu'à l'intelligence Artificielle (IA). Elle constitue la synthèse d'étude et de mise en œuvre de ces trois domaines, qu'elle peut utiliser en fonction de ses besoins. Dans le sens de ma démarche de recherches, je nomme en particulier la "muséologie connectée ou hyperconnectée" en fonctionnement la "e-muséologie" ou "e-museology" et plus précisément, afin d'en souligner ses caractéristiques et fondements scientifiques et techniques la "IA- NTIC e-muséologie". Celle-ci étudie, unit et met en oeuvre, NTIC et Muséologie, ainsi que l'IA dans l'art. (Intelligence Artificielle). La "e-muséologie" étudie et unit de façon "interdisciplinaire" et met en œuvre de façon "transdisciplinaire", NTIC-Muséologie et IA. On peut la nommer spécifiquement de ce fait une " e-Muséologie IA-NTIC" C'est une nouvelle "e-science", ou "e-Art-Science" qui est inter- et trans disciplinaire.


According to my approaches and definition (May 2020). "Telemuseology" or "Tele-Museology" is a new science of the arts, inter and trans disciplinary that belongs to both museology and ICT (New Information and Communication Technologies) as well as Artificial Intelligence (AI). It is the synthesis of the study and implementation of these three areas, which it can use according to its needs. In the sense of my research approach, I name in particular the "connected or hyperconnected museology" in operation the "e-museology" or "e-museology" and more precisely, in order to emphasize its scientific and technical characteristics and foundations the "IA- NTIC e-museology". It study, unites and implements NTIC and Museology, as well as AI in art. (Artificial Intelligence). The "e-museology" study and unite in an "interdisciplinary way" and implement in a "transdisciplinary way" NICT - Museology and AI. It can therefore be specifically called an "IA-NICT e-Museology" "It is a new "e-science" or "e-Art-Science" which is inter- and trans disciplinary.

© 2020 nouveaux concepts termes et définitions Antoine Antolini chercheur en art au Département des sciences de l'art des Editions EDMC. Editions des musées et de la culture EDMC-Europe





Cette définition s'applique à la "Télémuséographie" (Telemuseography) ou "Télé-muséographie" (Tele-museography) "e-Museography" qui est une nouvelle science transdisciplinaire qui appartient à la fois à la muséographie et aux NTIC*.

(*) Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication.

Nota: à partir de la traduction de notre concept qui peut s'écrire en anglais "e-museology", on pourra utiliser aussi plus communément en français la terminologie "é-Muséologie" (avec accents) ou événtuellement rencontrer parfois "e-Muséologie", en notant que le préfixe "e" signifiant "electronic" en anglais est sans accent aigu, sera ici utilisé avec l'accent dans sa version française abrégée de "électronique". Pour la "e-science" la terminologie peut fonctionner aussi bien en français qu'en anglais sans difficultés, d'autant plus que souvent, ont devra se dispenser des accents dans les relations numériques ou sur internet ou en anglais. (dans le cas de tele-evenementiel.com, par exemple, ce sont quatre accents qui ont du être abandonnés pour des raisons techniques de circulation électronique sur internet.)



La muséologie met en oeuvre son domaine en symbiose avec les NTIC pour ne plus former qu'un seul domaine celui de la télémuséologie. Il en va de même pour la muséographie et les NTIC qui forment ensemble la télémuséographie.

Les modalités d'applications interdisciplinaires des NTIC dans les domaines précités valent pour la Télémuséologie et la Télémuséographie.

Les Sciences de la télémuséologie ou e-muséologie, englobent le domaine de la Télémuséographie, e-muséographie.





Principaux axes de mise en œuvre de la Télémuséologie ou e-Muséologie en tant que Science.

On peut dégager trois axes principaux. La Télémuséologie ou e-Muséologie s'attache en résumé à:



1° la préparation "NTIC images" des œuvres d'art et des expositions dans la perspective de l'exploitation des images avec les NTIC pour la présentation et et la transmission à distance, en lien avec le public.



2° La gestion systémique de la phase de connexion, comportant la phase d'accessibilité, de transmission et de relation, en interactivité interpersonnelle ou non avec le public.



3° Le suivi opérationnel du feed-back, l'adaptation et le développement en direction de international.



Une discipline essentielle de télémuséologie dans tout enseignement de cette nouvelle science doit être "Le transport de l'image et l'exploration de l'espace muséal" qui seront les nouveaux enjeux pour les futurs "télémuséologues", avec d'autres techniques de visualisation et de numérisation des oeuvres-d'art. La télémuséologie nécessite une connaissance de nouveaux outils technologiques et elle doit être adaptative. La technologie devient vite obsolète dans le cursus de progression des NTIC. La télémuséologie ou e-muséologie est la muséologie qui a transmuté, en une nouvelle dimension de relation et de contact avec le public par la présentation à distance des oeuvres d'art en direction du plus grand nombre, ceci au moyen des outils des NTIC.



Le Laboratoire e-Télé-Muséologie "Muséologie - NTIC - IA"

 

Un nouvel outil de recherche innovante a été créé par EDMC-Europe, en 2020, le Laboratoire de recherche en "Télémuséologie" - "NTIC-Muséologie", il s'agit d'un pôle de recherche artistique de "e-Muséologie Optimisée" (lab. e-M.O.), qui étudie le croisement et la mise en oeuvre des NTIC et de l'IA avec la Muséologie, ainsi que le concept original pour le développement d'une "e-Muséologie systémique" qui a vocation à devenir une Science pluridisciplinaire. Une réflexion expérimentale se fait sur des aspects de transmission de l'image de l'oeuvre-d'art qui est très spécifique, mais également des modalités d'accessibilité du public, de l'approche systémique de l'interactivité, le redéployement des objectifs de la muséologie, mais aussi le rôle de la NTIC et de l'IA, dans l'art, dans les arts et la culture des sociétés partout dans le monde, et une nouvelle approche des nouveaux phénomènes de transculturalités internationales. Les possibilités nouvelles éducatives. Le rôle des NTIC-IA et de la muséologie dans l'évolution d'un nouveau marché de l'art international. Réalisations de catalogues. (non-exhaustif) De nouveaux concepts, tels celui de "dématérialisation numérique de l’art", se substituent aux anciens concepts d’ expositions "hors-les-murs", même si effectivement les paramètres de ces deux modalités ne sont pas similaires. Ce laboratoire est une création française qui peut être contacté par les musées et les organismes qui le souhaitent pour élaborer et mettre en oeuvre conjointement des projets de "télémuséologie NICT-IA" ou "e-muséologie optimisée e-M.O."



Contact : Laboratoire de e-TéléMuséologie

"Muséologie NTIC-IA" & "e-Muséologie Optimisée e-M.O."

"IA-NICT-Museology" e-TeleMuseology Laboratory

Responsable du Laboratoire Antoine Antolini - Département Recherche en Sciences de l'art Editions des musées et de la culture EDMC-Europe

courriel : telemuseologie@yahoo.com ou editions_edmc@yahoo.fr France tel : 06 10 99 90 98 - International: + 336 1099 9098

www.artisticmuseography.com - www.tele-evenementiel.com



Les conservateurs de musées, les commissaires d'expositions, experts, galeristes, amateurs d'art ou collectionneurs, qui souhaitent disposer, non seulement de connaissances en matière de nouvelles stratégies de communication mais aussi connaître les principales techniques et modalités d'application des NTIC à la muséologie peuvent contacter ce nouveau Laboratoire. La télémuséologie abolit les frontières et permet aux musées du monde de s'adresser à tous les pays. L'atout essentiel de la télémuséologie est, qu'elle est universelle, car l'art ne connaît pas la barrière des langues, ni des géographies. Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC" responsable Antoine Antolini. Intégré dans le Département de recherches en Sciences de l'art des Editions EDMC.



De nouvelles stratégies de télémuséologie sont déjà en cours à l'instar de nombreux pays pour mettre en valeur leurs musées et centres d'art et faire ainsi rayonner encore plus leur patrimoine sur l'international, auprès de larges publics étrangers. Avec ces nouvelles technologies la muséologie est sortie des murs et à présent se développe très vite en parcourant le monde, il n'y a plus de temps à perdre.



Dans nos conclusions les concepts de cette nouvelle science "télémuséologique" telle que définie ci-dessus s'appliquent non seulement au monde de l'art, mais aussi aux domaines du patrimoine culturel et à divers autres domaines connexes.



a) A la sauvegarde, conservation et promotion du Patrimoine bâti historique, de sites, littoraux, et lieux à mettre en valeur dans une convergence d'objectifs avec la muséologie. De nombreux sites sont classés au patrimoine mondial de l'Unesco et d'autres sont sur le point de l'être.



b) A la mise en valeur européenne et internationale du Patrimoine culturel au sens large, qui englobe le patrimoine ancien bâti historique, les biens culturels, les objets et les oeuvres d'art. Mise en valeur de la dimension immatérielle du patrimoine culturel.



c) Au Tourisme, qui est étroitement lié à la muséologie, et donc à la télémuséologie, à la conservation et mise en valeur du patrimoine matériel et immatériel. Développement de la notoriété des déstinations touristiques.Toutefois le concept de "Télétourisme" doit être orienté afin de favoriser ultérieurement la visite sur place, en organisant à distance les futures fréquentation sur site.



Selon les mêmes modalités d'utilisation transdiciplinaire des NTIC pour :

Une télé-mise en valeur, le téléfonctionnement et la télé-exploitation dans ces domaines précités, dans une relation à distance avec le public, sur un plan national ou international. Mise en valeur et retombées utérieures possibles pour le tourisme en termes de meilleure connaissance du patrimoine par la télémuséologie et diffents télé-événementiels (TE) ou (TEI).



voir sur ces thèmes texte en page "Muséologie" de ce site "Les Nouvelles dimensions de la muséologie et de la conservation du patrimoine".





Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957 OMPI - World Intellectual Property Organization (WIPO) Conventions of Berne and Stockholm July14,1967, www.artisticmuseography.com - www.tele-evenementiel.com -

Laboratoire de e-TéléMuséologie "Muséologie NTIC et IA"

© 2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation Mai 2020 EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE EDMC-EUROPE








 

 

■ Version technique Référentiel pour l'application des NTIC aux Télé-Evénementiels


Laboratoire de Télémuséologie

Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie et NTIC" responsable Antoine Antolini

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Version technique

Référentiel  pour l'application des NTIC aux télé-événementiels

 

Technical Version

Repository for the application of New Information and Communication Technologies (NICT) to Tele-Events (TE) International Tele-Events (ITE) 

 

Ainsi quelque soit la dimension de spatialité géographique ou quantitative, ou sa spécialisation, on peut considérer qu'un télé-événementiel pour réussir devrait être organisé selon trois étapes essentielles et logiques. Les trois étapes sont les suivantes: 1° la préparation, 2° le moment fort de l'événementiel, 3° les retombées, qui feront l'objet d'une relation télé-communicante en post-traitement. Posons à présent le principe qu'un télé-événementiel est un processus de média-communication interactive, (le sens de média étant ici pris dans le sens de médium, d'intermédiaire, et non dans le sens de presse ou de journaaux). Pour cette analyse, (l'interactivité est ici un segment spécifique (I) et est traité dans une autre étude, mais on peut l'appliquer aux 3 phases). En résumé je définirai le télé-événementiel comme étant un moment central principal (Mcp) événementiel, qui se déroule entre un moment de préparation (-M) et un moment de traitement des retombées (M+). Sur cette base définissons le télé-événementiel selon une formule (-MMcpM+).

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

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©  2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020

 

 

■ Version technique Concept et formules d'application-développement


Laboratoire de Télémuséologie

Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie et NTIC" responsable Antoine Antolini

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Version technique

Concept et formules d'application-développement.


Technical Version - Concept and application-development formulas


Cette formule (-MMcpM+). a deux grands avantages. Le premier est qu'elle facilite l'analyse de tout télé-événementiel, car on pourra créer un cursus méthodologique de travail et d'organisation du contenu thématique de l'événementiel ( arts, culture, littérature, sciences...) en abordant successivement chacune des 3 étapes. Le second grand avantage est que l'on disposera d'un référentiel identifié en (-MMcpM+) pour permettre de rationaliser l'affectation des différentes NTIC, comme nous allons le voir ci- après.

 

Pourquoi dans notre étude faire le distinguo cp entre entre central (c) et principal (p) ?

 

La distinction est indispensable car dans certains cas le moment "central" ne sera pas "principal", mais on retrouvera le moment principal en termes de Résultats (R), à attendre de l'événementiel, (R), dans le traitement des retombées qui seront plus importantes que le moment central, ce qui nous donnera alors, au lieu de la formule initiale R(-MMcpM+) un télé-événementiel de type R(-MMcMp+).

 

On s'aperçoit dans cette dernière formulation que le "Moment Principal" est déplacé dans les post-traitements (Mp+). Cela veut dire que ce sera ici l'étape 3, qui sera la phase la plus importante et la plus lourde à développer.

L'on à présent à l'esprit l'objectif de résultat défini par R on peut identifier indifféremment sémantiquement dans le raisonnement la lettre M comme "Moment" ou idem comme "Moyen" afin de faciliter la compréhension de la structure même du télé-événementiel.

 

 

 

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■ Version technique Nouveau référentiel pour les télé-événementiels.(TE et TEI)
Utilisation de la nouvelle formule NTIC / R(-MMcpM+) .


Laboratoire de Télémuséologie

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 Version technique 

 Nouveau référentiel pour les télé-événementiels.(TE et TEI)

Technical Version - New repository for Tele-Events (TE and ITE)



[ Télémuséologie- e-Museology Concept du Laboratoire de Recherche Art EDMC pour NTIC-Muséologie. A New EDMC e-Science Art. DEFINITION:La "Télémuséologie", "Télé-muséologie" ou "e-Museology" est une nouvelle science des arts transdisciplinaire appartenant à la fois à la muséologie et aux NTIC, il s'agit une nouvelle "e-science des arts" qui unit et met en oeuvre ensemble les NTIC et la Muséologie.© 2020 A.Antolini EDMC. ]

 

 

 L'aboutissement de cette analyse permet d'affecter avec précision dans le "télé-événementiel" selon son dimensionnement, tout au au cours de ces trois étapes définies précédemment (-M) (Mcp) (M+) les différents outils des NTIC (Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communications) qui seront utilisées pour R(-MMcpM+) et lesquelles pourront être réparties maintenant, selon leur nature technique et les besoins spécifiques de R(-M) ou R(Mcp) ou de R(Mp+) selon cette nomenclature. Un nouveau référentiel symbolique d'application des NTIC au télé-événementiel à ainsi été créé.

 

Utilisation de la nouvelle formule NTIC / R(-MMcpM+) .

(*NTIC: Nouvelles Technologies de l'Information et de la Communication)

 

Avec une nouvelle application de NTIC / R(-MMcpM+). A partir de cette formule initiale il est possible d'introduire divers autres paramètres, tel interactivité (I) et identifier les divers outils des NTIC, par des lettres et les introduire dans la formule d'organisation du télé-événementiel.

 

A partir de notre étude, dès lors, télécommunications satellitaires (Ts) et téléphonies 3,4,5G, (T3,T4,T5G,) informatique générale ou spécialisée, (Ig-Is), les systèmes informatiques, bureautiques, télématiques, audio et visiocommunications, les technologies multimédias de stockage de traitement et de transfert, les rédactions et publications dématérialisées, internet (initiale W recommandée) et les supports des réseaux sociaux visuels ou audiovisuels, technologies audiovisuelles de la téléconférence à la télévision-TNT, les moyens initiaux de capture de l'image et du son, de traitement et de diffusion de l'image, différents types et modèles de caméra, de filmage et système vidéo, de photographies, par procédés de drone-filmage, drone-communication, drone-cinéma, pourront être affectées selon les besoins sur les trois étapes (-M) (Mcp) (M+) en fonction des différents besoins spécifiques de chaque télé-événementiel.

 

Nous ajoutons dans ces technologies interactives, le haut débit et le câble, ainsi que divers logiciels et progiciels télé-communicants et le software dédié. (non exhaustif)

 

 

Etudes et Recherches Editions EDMC-Europe. Texte de recherche © Tous droits réservés. L. Juillet 1957

OMPI - World Intellectual Property Organization (WIPO) Conventions of Berne and Stockholm July14,1967,

Laboratoire de Télémuséologie "Muséologie-NTIC"  courriel: telemuseologie@yahoo.com

© 2020 Antoine Antolini. Tous droits réservés pour tous pays. Département des Sciences de l'art EDMC-Europe. Datation May, 05, 2020

 

 

 

 

 

 

Textes de recherche ▼ Art contemporain


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CONFERENCES ANTOINE ANTOLINI EDITIONS EDMC


Tître. "Les nouvelles relations inter-muséales" : De la Muséologie à la Conservation du Patrimoine. L'Interactivité muséale entre le secteur public et privé dans le développement de la muséologie et la conservation du patrimoine. (2018)

 

 

 

 

 

■ Régine BAZIN, peintre numérique, son art numérique défend le monde animalier. La talentueuse artiste à voulu que les technologies les plus avancées de l'art actuel puissent aussi servir à défendre la cause animale. Elle nous montre un nouveau chemin.


Régine BAZIN, peintre numérique, défend la cause animale

Régine BAZIN, peintre numérique, défend la cause animale

"Troupeau Onirique" oeuvre numérique de Régine Bazin

"L'Esprit du Loup" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Réflexions Anthropologiques" ou "le Voyage de la Vie" oeuvre numérique diachronique de Régine BAZIN

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La cause animale à de fervents défenseurs dans le monde des artistes, du cinéma à la chanson, bien sûr parmi les artistes d'art contemporain actuels aussi, tel que nous le démontre Régine BAZIN, peintre numérique, qui depuis de nombreuses années a fait sienne la cause animale, toutefois avec la particularité de créations avec les nouvelles technologies que nous offre la maîtrise des pixels et des logiciels les plus pointus. Les nouveaux moyens de l'image artistique viennent donner à la cause animale, grâce à cette artiste, un nouveau souffle pour la défense des animaux, plus globalement de la cause animale, au sens large, avec les moyens de la nouvelle esthétique numérique. Depuis son plus jeune âge, la peintre numérique Régine BAZIN,  à été en contact avec la nature, la vie à la campagne peuplée de divers animaux. Elle fut ainsi, très tôt, sensibilisée à ce lien qui existe entre l'être humain et le monde animalier. Elle a su tout au long de son existence, conserver intacts ces enseignements de son enfance, et ce sera en définitive, dans la pratique de son art que cet amour pour ces autres êtres vivants, parfois plus forts, ou plus fragiles que nous, réapparaîtra. Inspirant ses œuvres. Régine BAZIN sait nous dire tout ce que l'homme à perdu, au fil du temps, de son instinct et de sa proximité avec la nature. L'animal demeure indissociablement en osmose avec l'évolution de nos civilisations et le restera. Régine BAZIN, nous explique cela et en explique aussi le pourquoi, à travers ses œuvres numériques et ses réflexions profondes, qui fondent solidement sa démarche artistique. Des visuels qui touchent aussi bien à l'anthropologie, à la sociologie, ou encore à la philosophie. Découvrons une artiste contemporaine pas comme les autres, qui a compris et exprime que, depuis l’écologie, la sauvegarde de l'environnement, en passant par la faune sauvage, des savanes, subaquatique, ou ailée, le monde animal en arrive à jouer un rôle considérable sur terre, dans la mer, les forêts, les campagnes, les villes, jusqu' au cœur même de nos sociétés modernes. Jusque dans les familles aussi, avec les animaux de compagnie, qui souvent comblent un besoin affectif. Régine BAZIN au travers de ses peintures numériques construit une muséologie nouvelle, telle un florilège, depuis les écosystèmes complexes jusqu'aux fondements de nos valeurs sociétales et humaines, pour nous dire en langage de pixels une nouvelle voie  « d'entendement ». Des allégories profondes ressortent de ses œuvres, pour essayer de nous faire comprendre notre monde, à partir d'impact visuels où s'entrecroisent l'art figuratif et l'abstraction, hyperréalisme et fiction, signes et symboles, un sens apparent ou plus mystérieux. Ceci permettra-t-il de nous faire mieux prendre conscience du monde animal dans notre modernité ? On peut l'espérer, car Régine BAZIN nous apporte un autre regard sur le monde animal, un autre questionnement, par des visions novatrices, avec les moyens artistiques nouveaux de notre siècle...   

 

 

■ Régine BAZIN, déploie les nouvelles technologies de l'art et de l'image pour donner à la cause animale, un nouveau souffle.L'artiste, maîtrise pixels et logiciels les plus pointus pour faire évoluer les concepts éthiques grâce à ses peintures numériques


"Brave Animal" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Nuit Sauvage 2" oeuvre numérique de Régine Bazin

'Le Bonheur est dans le Pré ...

'Le Bonheur est dans le Pré ..." oeuvre numérique de Régine Bazin

Régine Bazin, peintre numérique

Régine Bazin, peintre numérique

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Régine Bazin, peintre numérique

Régine Bazin, peintre numérique

"Le Bonheur est dans le Prè 2" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Pensées Animales" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Troupeau Paisible dans la Nature" oeuvre numérique de Régine Bazin

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" Interrogation 2 " oeuvre numérique de Régine Bazin

"Interrogation" oeuvre numérique de Régine Bazin

" Oiseau à Respecter" oeuvre numérique de Régine Bazin

Régine Bazin, peintre numérique

Régine Bazin, peintre numérique

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"Troupeau Onirique" oeuvre numérique de Régine Bazin

"L'Esprit du Loup" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Réflexions Anthropologiques ou le Voyage de la Vie" oeuvre numérique de Régine Bazin

"Curieusement Révélateur" oeuvre numérique de Régine Bazin

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I - Régine Bazin, artiste numérique, a une démarche esthétique particulière. Elle travaille sur le lien qui existe entre l'homme et l'animal dans le monde et dans nos sociétés. Pour aider les animaux , l'artiste fait entendre la voix de son coeur, dans un nouveau langage artistique, celui du numérique.

 

Sa démarche esthétique est unique. Elle souligne que la défense de la cause animale sauvage, celle des animaux apprivoisés ou domestiques, n'est pas une lutte contre un dommage collatéral des ruptures de nos écosystèmes. C'est pour elle une priorité à part entière dans la logique de sauvegarde de notre planète. Il ne peut y avoir de bonne conception de protection de l'environnement et de la nature sans une protection élaborée de la faune sous tous ses aspects. Pour Régine Bazin, l'environnement est un tout. Elle aborde dans ses oeuvres numériques les aspects de la protection animalière sans exclusive. Faune sauvage, semi-sauvage, apprivoisée , domestique, élevages, animaux de toute nature, de terre, des eaux, ou ailés, en somme le biotope animalier en milieu naturel, rural ou urbain. On peut voir dans ses nombreuses oeuvres, des peintures numériques qui concernent autant la faune sauvage ou les animaux domestiques. Il s'agit pour l'artiste de nous faire entrevoir et comprendre la dimension qui nous lie étroitement, depuis la nuit des temps, aux animaux comme une solidarité. Depuis l'Homo sapiens et la horde sauvage primitive, suivie par les loups affamés, peu à peu apprivoisés par le partage de la nourriture, "L'Esprit du Loup"(oeuvre numérique), jusqu'au siècle des technologies avancées, quand l'animal sert de cobaye pour les progrès de la science, ou va à notre place explorer l'espace en pionnier pour le progrès de l'humanité... "Ham le Chimpanzé" fut la première créature vivante envoyée en vol orbital par la Nasa. Régine Bazin veut nous faire prendre conscience de ce lien entre l'homme et l'animal et ce qu'il est devenu aujourd'hui, dans le quotidien de notre société contemporaine. Ses oeuvres numériques sont autant de messages à décoder, d'évocations, d'allégories, pour nous dire autrement ce lien. Avec une immense sensibilité, parfois avec poésie, mais toujours pour nous amener à une prise de conscience par l'art numérique de la vie de ces animaux, qui nous entourent et de notre relation à leur existence. "Troupeau Onirique " (oeuvre numérique) ces animaux en enclos nous rappellent une anthologie du grégaire et les prémices des actions de l'homme pour élever les animaux. Un colorisme aux accents luminescents, lunaires et cosmiques, nous entraîne dans un surréalisme néolithique. Aurions-nous une attitude intemporelle face au bétail, un comportement inscrit en nous, qui aurait pu traverser les siècles ?... Un contexte abstrait numérique vient donner une autre notion de l'enclos, plus optimiste, avec un espace d'accès ouvert en plein centre de l'oeuvre, entre deux piquets de bois. Une démarche esthétique subtile et une philosophie pratique pour expliquer, par l'art numérique, la grande aventure des hommes et des animaux. Une autre de ses oeuvres, "Réflexions Anthropologiques ou le Voyage de la Vie" (oeuvre numérique) vient nous montrer l'irréversible processus d'évolution diachronique de l'homme en stratifications du vivant. La peintre Régine Bazin innove ainsi, en étant la première artiste numérique à notre connaissance, à mettre cet art de notre siècle et la nouvelle esthétique qu'il offre, au service objectif de la défense et de la protection de la cause animale.

 

II - Régine Bazin innove "dans" et "par" l'art numérique une autre vision de la protection des animaux. Elle crée avec son art, une relance de la défense de la cause animale. Par ces nouveaux moyens visuels numériques, elle redonne un second souffle à cette noble cause. Elle est devenue une nouvelle référence en la matière, dans l'art numérique.

 

Régine Bazin nous révèle comment et pourquoi, ce potentiel des pixels et des logiciels, peut ouvrir une nouvelle ère pour la protection animalière. Les oeuvres de Régine Bazin, jouent ainsi aujourd'hui, un rôle essentiel dans une "nouvelle approche" contemporaine et plasticienne, de la défense des animaux, pour tous publics et pour toutes générations confondues. "Brave Animal", oeuvre numérique de Régine Bazin est une réflexion sur la société, mais aussi sur la violence face au monde animal. Le titre donne aussi à réfléchir, "Brave" gentil et "Brave" courageux, tous à-prioris bousculés... La peintre numérique Régine Bazin, nous offre une manière de voir, au sens propre comme au sens figuré, qui est tout à fait différente quant à la façon de défendre la cause animale. Elle utilise les nouveaux moyens du numérique, à la fois pour "concevoir" de nouvelles images, tel " Oiseau à Respecter", oeuvre numérique de Régine Bazin, mais aussi pour que ce "progrès esthétique" puisse entraîner un nouveau "progrès éthique" par un nouveau questionnement concernant la vie animale. Il est urgent de faire,  au-delà de notre prise de conscience, une réévaluation des fondamentaux de cette démarche de protection, pour savoir quel peut-être le meilleur rôle de l'homme et de la société, dans lle présent et l'avenir, confrontés à ces créatures vivantes, qui peuplent notre monde et nous accompagnent d'une façon immémoriale, depuis notre plus lointain passé... "Réflexions Anthropologiques ou le voyage de la vie" (oeuvre numérique). Régine Bazin défend chaque animal et chaque espèce mérite son attention. Elle sait , pour mieux nous en parler, illustrer abstraitement une certaine idée de leur intelligence, les dote et les entoure par le numérique, de capacités imaginatives. Comme avec "Interrogation" 1et 2, oeuvres numériques, ou encore sa très significative création "Pensées Animales", oeuvre numérique emblématique qui nous alerte sur tout ce que l'on voudrait ignorer du monde animal. "Pensées animales" ouvre un débat sociétal autant que scientifique. La faune sauvage mérite d'être respectée et sauvegardée, tout autant que les animaux domestiques. Ceci, afin que l'on ne puisse voir, autant que faire se peut , la disparition annoncée d'espèces sauvages. Cette question touche l'artiste au plus profond de ses sentiments. Ce qui la conduit à analyser et comprendre comment le non respect du monde animal, génère des dommages "primordiaux" et non "collatéraux", qui opèrent ensuite à partir de ces altérations de la biodiversité,  de nouvelles conséquences supplémentaires induites sur notre environnement. Un cycle infernal de doubles peines, ces dégradations du monde animalier entraînant la dégradation du fragile biotope, au final c'est l'écosystème dans son ensemble qui s'en ressent en une irréversible dynamique interdépendante . La dégradation de l'environnement entraine à son tour la dégradation des espèces animales aussi bien sur les continents, que dans les mers ou les airs.  "Curieusement Révélateur", oeuvre numérique de Régine Bazin. Si la préoccupation de Régine BAZIN porte sur l'écosystème et sa sauvegarde, son approche protectrice s'intéresse d'encore plus près aux animaux domestiques. "Le Bonheur est dans le Pré..." oeuvre numérique de Régine Bazin . Nous sommes tous concernés par ces animaux domestiques, qui sont au coeur de nos sociétés au plus près des populations humaines et qui partagent leurs destinées. Qu'il s'agisse du milieu rural ou urbain, un grand nombre d'animaux vivent au quotidien dans l'environnement le plus proche de l'homme.  En orientant son travail vers les animaux domestiques Régine Bazin, aborde dans sa peinture numérique, d'une part, les animaux dits sauvages et domestiqués, ceux restés semi-sauvages mais apprivoisés, les animaux de la ferme, ainsi que les animaux de compagnie, qui partagent la vie des individus seuls ou des familles. Régine Bazin, considère ce phénomène comme sociétal et  ne peut y rester indifférente, elle y prend part en tant qu'artiste. La peintre numérique a mis en lumière cette forme de vie sociale des animaux, pour les faire apparaitre tels de véritables "être sociaux" , d'ailleurs protégés de plus en plus aussi par la loi. Cela différemment selon les latitudes et selon les espèces, lutte ou régulations quant à la chasse ou la pêche d' espèces protégées, dans les sociétes modernes lutte et prévention de la maltraitance, sachant qu'il y a encore à faire dans ce domaine. La peintre numérique Régine BAZIN, estime que ces "êtres sociaux" que sont les animaux domestiques en particulier, devraient être mieux reconnus et appréciés pour tous les bienfaits qu'ils nous apportent. Il existe un potentiel éducatif et pédagogique de la ferme qui est immémorial. Celui-ci à toujours été mis en avant, depuis l'apprentissage de la lecture ou de l'écriture, qui s'appuie sur la déscription des animaux, avant même les Fables de la Fontaine, jusqu'aux représentations nombreuses dans les dessins animés de Walt Disney, encore aujourd'hui cela est visible dans les Disney Lands. Régine Bazin, en défendant les animaux de compagnie, veut préserver au mieux ce lien affectif qui s'établit entre un maître et son animal, chiens, chats, chevaux, chiens d'aveugles, ou de secours d'avalanches... De plus en plus de nouvelles tâches utiles sont assignées aux animaux, grâce à leur flair, leur ouie... Certains de leurs sens sont bien plus développés que ceux de l'homme, comme aime le préciser Régine Bazin lors de son interview sur son œuvre "l'Esprit du Loup". Elle dit ..."les animaux, ont conservé cet instinct que les hommes ont perdu, le loup en particulier, a toujours eu dans les sociétés un aspect mythique, il est très intelligent, il vit en meute, mais sait s'isoler, et il a su conserver intact son très fort instinct"... Régine Bazin travaille et étudie par sa peinture numérique, le lien entre homme et animal dans le contexte de notre société, urbaine ou rurale.

 

III- Avec Régine Bazin, l'art et la peinture numérique sont devenus de nouveaux moyens de défense et de protection des animaux.

 

Le progrès des technologies avec l'art numérique a ouvert un nouveau monde de création plasticienne et esthétique. Régine Bazin sait utiliser les logiciels et leur faire rendre le meilleur d'eux-mêmes, qu'il s'agisse de techniques fractales, de superpositions, de saturation des couleurs, d'ultra-pixellisation, rien n'arrête le talent de l'artiste, dans cette nouvelle dimension du progrès de l'art. Aujourd'hui, après avoir exploré le champ de ces nouvelles modalités d'expression, elle est revenue avec ce nouvel outil artistique qu'elle maîtrise au plus haut point, sur ce qui lui tient à coeur depuis son enfance, à savoir l'amour des animaux. Elevée dans la proximité des animaux, Régine Bazin a compris, dès son plus jeune âge, les principes de respect indispensables à avoir face aux animaux, qui nous apportent tant de bienfaits. Soit d'un point de vue affectif, utilitaire, ou économique ou les trois aspects à la fois. L'art numérique est encore aujourd'hui, en cours de développement de toutes ses possibilités qui ne sont pas encore toutes découvertes. C'est un nouveau monde artistique dans l'art qui s'offre aux artistes tel un nouveau continent à découvrir. Régine Bazin pratique cet art depuis plusieurs années et compte des centaines d'oeuvres numériques à son actif. Elle sait aller sur tous les registres de cet art de notre siècle, non seulement au niveau du style, du figuratif à l'abstrait, mais aussi au niveau le plus technique, par la connaissance poussée de cet instrument de création qui annonce notre futur. Cet art est devenu pour elle comme un second langage. Allégorique ou réaliste, figuratif ou abstrait elle en juxtapose les effets pour crer un nouveau style d'expression. Avec l'art numérique, elle sait nous décrire le monde animalier dans la paix et le repos des paturages, "Troupeau Paisible dans la Nature" oeuvre numérique de Régine Bazin ou encore nous surprendre au détour d'un pré avec "Le Bonheur est dans Le Pré"... (1-2) (oeuvres numériques ). Pour la peintre numérique cette forme d'art est compatible avec des scénographies qui renouvellent la façon de mettre en valeur la vie animale. Comme "Interrogation 2" oeuvre numérique de Régine Bazin. L'artiste peut intégrer de nombreux aspects pédagogiques grâce au numérique, parfois ludiques et attractifs, évocateurs, narratifs, étonnant le regard. Si nos peintres classiques aimèrent l'académisme ou l'hyperréalisme d'une figuration extrême en fidélité avec la Nature, Régine Bazin préfère pour sa part extrapoler, aller au-delà, dépasser les "déjà-vus", pour proposer sa vision contemporaine du monde animalier. Dans une hyppermodernité de style, avec des photos du sujet et une interface abstraite qui joue en dialectique et en esthétique, entre image et imaginaire, pour adresse son message directement au coeur du spectateur. Son recours à la couleur, aux jeux d'intensités, viennent aisément en appuis de ses thèmes animaliers, pour saisir des moments forts de ce monde commun, dans lequel nous vivons avec eux. L' artiste sait utiliser la force du numérique pour pousser plus loin son message en faveur de nos amis les animaux. "Nuit Sauvage 2" donne un bon exemple d'une esthétique différente, pour évoquer par les couleurs et la technique, tout ce qu'il peut y avoir de mystérieux, voire de quasi-magique, dans la manière de créer une atmosphère étrange grâce au numérique. Régine Bazin par son parcours artistique ouvre une nouvelle voie, celle d'une artiste contemporaine qui défend le monde animal par l'art numérique. Ses œuvres puissantes et subtiles, nous rappellent les animaux sous nos yeux, les non-dits de leur existence, que souvent nous oublions. Régine Bazin marie hyperréalisme photographique et art numérique, en une nouvelle image qui convoque le figuratif et l'abstrait, dans une atmosphère qui nous dit combien rêve et réalité sont en fusion constante, l'artiste utilise l'art abstrait pour pousser plus loin son langage, rendre son expression encore plus complète et explicite au delà du visuel premier. Régine Bazin veut utiliser l'abstraction comme un pontage, un lien spirituel entre la réalité de l'image et le spectateur. C'est en ce sens qu'elle conjugue étroitement abstraction et photographie. Une nouvelle forme d'expression numérique du XXIème siècle qui intègre des photoraphies de divers animaux, pour essayer de nous faire comprendre à travers le coté abstrait de l'oeuvre, la part de leur monde intérieur, de leurs sentiments, comme un contact plus avancé vers nous. Pour Régine Bazin l'intégration de l'abstraction dans l'oeuvre devient message de leurs vies, par des évocations, des couleurs; c'est une nouvelle grammaire esthétique subtile,  qui a été créée ainsi dans notre modernité, qui parle pour les animaux avec l'art. En confrontant l'abstrait au réel, Régine Bazin explore la part immatérielle, voire symbolique et métaphysique de leur existence près de nous. Une artiste et une oeuvre qui nous font prendre conscience, autrement, de notre environnement dans notre société contemporaine, au travers du prisme des animaux.

 

                                                                                                                                      Antoine Antolini © EDMC Mai 2018

 

 

 

                                  Titre: "Régine BAZIN, déploie les nouvelles technologies de l'art et de l'image

                                                       pour donner à la cause animale, un nouveau souffle."

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Mai 2018

© Editions des musées et de la culture EDMC 2018

Le texte peut être seul utilisé librement, en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

 TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

Textes de recherche ▼ Rédactionnels


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■ Betty de Rus. Une oeuvre picturale, un talent, au coeur de l'abstraction contemporaine. Un style abouti qui se déploie en compositions abstraites, en nouvelles grammaires d'un paysagisme abstrait entre terre et mer.


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* * * * ANALYSE ESTHETIQUE DE L'OEUVRE  * * * *  ANALYSE ESTHETIQUE DE L'OEUVRE  * * * *

 

 

Pour la peintre Betty de Rus, l'art est un moyen d'expression intérieur, qui doit aller sur plusieurs registres picturaux, de la même manière que des sentiments peuvent être variés. On voit chez cette artiste un travail puissant sur les principaux registres de l'abstraction. Elle réalise des compositions abstraites ainsi que de l'abstraction paysagiste ou paysagisme abstrait. Pour cette artiste c'est aussi une recherche sur les couleurs qui la guide. Les tonalités sont étudiées et peuvent être vives et mises en contrastes. Betty de Rus à recours à l'utilisation de plusieurs médiums et supports, qui serviront ses intentions expressives. Huile sur toile, acrylique sur toile, encres sur papier, encres et acrylique sur papier, c'est selon son objectif et son goût du moment, qu'elle choisira médium ou support le plus adapté pour mener au mieux son projet pictural. La complémentarité et la coéxistence dans le style abstrait, de compositions abstraites non-figuratives ou plus lyriques, ainsi que des formulations de paysagisme abstrait, se retrouvent dans son oeuvre, dont l'analyse des principaux aspects est développée ici.

 

 

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■ Betty de Rus. Compositions abstraites


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Oeuvres de Bettty de RUS,

 

N° 1 - "Percolation" - Encres sur papier  (41x27) - N° 2 - "Composition abstraite" - Encres sur papier (50x60cm) - N° 3 - "Palétuvier" - Encres sur papier (54x48cm) - N° 4 - "Rhizome" - Encres sur papier (55 x 24cm) - N° 5 - "Composition Abstraite" - Huile sur toile (70x50cm) - N° 6 - Composition abstraite - Encres sur papier - (41x27cm) - N° 7 - "Rythme des Saisons" - Acrylique sur toile (90x90cm) - N° 8 - "Gemme - Composition abstraite" -Encres sur papier (44x33cm).

 

 

■ Betty de Rus au travers de ses compositions abstraites souhaite laisser son inspiration voguer au fil de ses sensations, de ses émotions. Ses compositions abstraites sont des représentations de moments forts qu'elle a pu ressentir, et qu'elle exprime sur la toile à sa façon, avec des formes et des couleurs qui sont son langage, en provenance du cœur. De son "Palétuvier" - Encres sur papier (54x48cm) à ce "Rhizome" - Encres sur papier (55 x 24cm), lorsque des titres plus précis apparaissent ce sont en fait des sensations qui sont nées au fur et à mesure de la réalisation picturale, abstraction idéalisée de ces plantes exceptionnelles aux tiges-racines aériennes qui viennent émerger dans la composition, puis deviennent la composition et qui vont faire résonner le talent de la peintre d'une idée, d'une vision fugace, dont elle seule détient les clés. Elle concède au final à nous livrer les déterminismes possibles d'un message ambivalent de signes polysémiques. Avec "Gemme -(N°8) Composition abstraite" -Encres sur papier (44x33cm) c'est ici un hommage à la beauté des couleurs, à la beauté chatoyante des pigments et des formes étonnantes que la peinture peut rendre sous le pinceau libre de l'artiste. L’œuvre "Rythme des Saisons" (N°7)- Acrylique sur toile (90x90cm) témoigne de la manière comment Betty de Rus arrive à être à l'aise pour maîtriser l'abstraction, comment l'artiste a su faire sien ce mode interprétatif pour en créer un univers. Elle donne à présent sa propre lecture de notre environnement par l'intervention esthétique. Ce tableau "Rythme des Saisons", de grande portée, représente bien la puissance coloriste du style de la peintre, la prédilection de cette artiste pour les allusions à la nature, avec cette manière dynamique et contrastée, qui n'appartient qu'à elle, et qui nous entraîne au fil des saisons qui changent... La créatrice en redéfinit pour nous un vocabulaire, en lointains échos d'un subliminal végétal. La beauté d'ensemble de ces compositions abstraites laissent poindre l'harmonie sous tendue d'un monde floral, dans lequel le spectateur peut se projeter. Le regard se retrouvant au gré de l'imaginaire, transporté en des extrapolations sensibles, de bourgeons délicats, ou de veinures de feuilles, de tiges, ou de pétales... - N° 5 "Composition Abstraite" - Huile sur toile (70x50cm) - N° 6 - Composition abstraite - Encres sur papier - (41x27cm) – L'ensemble de ces peintures, en compositions abstraites, vient d'une certaine façon, développer à nouveau, les fondements de l'abstraction, ceux qui naquirent lorsque Kandinsky lui-même créa en 1910, sa première "Aquarelle abstraite", lançant les premières salves picturales de l'abstraction en un lyrisme coloré et toujours resté énigmatique de sens. Betty de Rus vient nous confirmer, nous donnant par sa peinture les preuves aujourd'hui, avec le style de ses compositions, que la plus belle des abstractions pourrait effectivement avoir du lien avec le non-dit d'un monde qui appartient au floral. © Editions EDMC. Décembre 2016.

 

 

■ Betty de Rus. Paysages abstraits terrestres


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Oeuvres de Bettty de RUS,

 

N° 9 - "Regard dans la Forêt" - Encres sur papier (55x38cm) - N° 10 - "Végétation" - Peinture acrylique (50x70cm) - N° 11 - "Arbustif" - Peinture acrylique (50x70 cm) – N° 12 - "Futaie" - Encres sur papier (41x47cm) - N° 13 - "Les Roches" - Encres sur papier ( 35x27cm) – N° 14 - "Les Galets" - Encres sur papier (61x50 cm) – N° 15 - "Clairière" - Encres sur papier (41x27cm) – N° 16 - "Lac de Brienz et sa Flore" - Encres sur papier (41x27cm) – N° 17 - "La Forêt" - Encres et acrylique (33x22cm) – N° 18 - "Paysage abstrait" - Acrylique sur toile (90x90cm) – N° 19 - "Paysage abstrait 2" - Acrylique sur toile (90x90cm) - - N° 20 - "Fondrière" - Encres sur papier (61x50cm).

 

 

■ Betty de Rus dans son abstraction du paysage aborde la Nature en traduisant dans ses œuvres, par les couleurs et les formes, les lignes, les volumes, cet impact que la Nature produit en elle. Ces sensations qu'elle a vécu devant la contemplation du paysage et qui se sont imprimées dans sa mémoire. Betty de Rus a beaucoup voyagé et fait le tour du monde, s'attardant sous toutes les latitudes avec son regard de peintre pour capturer des images, des émotions. Au delà d'une poétique de ressentis ultérieurs dans ses œuvres rappelant la démarche de Klee peignant dans un autre style d'abstraction, celle « du peintre avec des souvenirs », Betty de Rus identifie dans le paysage quant à elle les caractéristiques majeures et sait se libérer d'une image du souvenir qui pourrait devenir avec le temps réductrice , pour aller plus loin, vers une exaltation de la Nature. Cette approche la situe dans le prolongement de notre paysagisme abstrait français, qui marqua l'art contemporain à partir du milieu du 20ème siècle jusqu'à aujourd'hui encore. A l'a différence de peintres comme Bazaine ou Messagier, De Rus quant à elle importe dans ses interprétations plus d' éléments référentiels du paysage, pour en donner une image esthétiquement volontairement plus structurée, plus « significative » , filtrant l'essentiel qu'elle ressent. Ainsi on retrouve une déconstruction analytique cubiste-abstraite, N° 13 - "Les Roches" - Encres sur papier ( 35x27cm) – voire une géométrisation cézannienne, pré-cubiste, de certains aspects de la nature N° 14 - "Les Galets" - Encres sur papier (61x50 cm) – que l'artiste entraine et confirme en abstractions paysagistes. - N° 20 - "Fondrière" - Encres sur papier (61x50cm). N° 12 - "Futaie" - Encres sur papier (41x47cm) – Le style de paysagisme abstrait de Betty de Rus sait rester puissamment évocatoire, sans tomber dans le narratif. Qu'il s'agisse des oeuvres telles N° 15 - "Clairière" - Encres sur papier (41x27cm) – N° 16 - "Lac de Brienz et sa Flore" - Encres sur papier (41x27cm) – N° 17 - "La Forêt" - Encres et acrylique (33x22cm) – c'est uniquement par le titre parfois que l'artiste nous donnera si besoin une orientation de lecture de ses oeuvres. Toutefois la liberté du spectateur face à l'abstraction reste toujours sauvegardée par cette artiste, car les sensations dominent toujours l'image du réel dans ses créations. La peintre réussit à traiter par son talent la surjascence emblématique du paysage. Betty de Rus sur le territoire de son tableau crée un pont d'universalité avec la beauté de la Nature. N° 10 - "Végétation" - Peinture acrylique (50x70cm) - N° 11 - "Arbustif" - Peinture acrylique (50x70 cm) Dans certaines de ses toiles les plus récentes, voir notamment N° 18 - "Paysage abstrait" - Acrylique sur toile (90x90cm) – N° 19 - "Paysage abstrait 2" - Acrylique sur toile (90x90cm) - on trouve un jeu dynamique de couleurs vives, une palette plus restreinte, contrastée, qui nous montre une abstraction paysagiste, que Betty de Rus sait renouveller sans cesse, en exprimés d'évocations modernisés, en apports nouveaux d' interprétations très actuelles, par une grammaire picturale toujours plus avant-gardiste de la Nature et du paysage. © Editions EDMC. Décembre 2016  

 

 

 

■ Betty de Rus. Paysages abstraits maritimes


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Oeuvres de Bettty de RUS,

 

N° 21 - "Fonds de Boréas" - Encres sur papier (41x27cm) - N° 22 - "Aquifère" - Encres sur papier (55x24cm) - N° 23 - "Sous-Marin" - Encres sur papier (61x46cm) - N° 24 - "Fond Marin" - Encres sur papier (40x50cm) - N° 25 - "Suspension" - Encres sur papier (46x55) - N° 26 - "Littoral" - Encres sur papier (30x40cm) - N° 27 - "Epave" - Encres sur papier (61x38cm) - N° 28 - "Grands Fonds" - Encres sur papier (41x27cm) - N° 29 - "Mer des Ténèbres" - Encres sur papier (27x19cm) - N° 30 - "Rêve au Bord de l'Eau 1" - Acrylique ((50x70cm) - N° 30 - "Rêve au Bord de l'Eau 2 "- Acrylique ((50x70cm) - N° 32 - "Rapace des Mers" - Encres sur papier (35x24cm).

 

 

■ Les paysages maritimes en abstraction de Betty de Rus viennent, telles de grandes vagues submerger notre imaginaire. De mers en océans ou d'abysses en rivages, l'artiste aime nous faire partager ses visions marines, nous en donner des représentations aux couleurs diaphanes, aux étrangetés luminescentes. N° 21 - "Fonds de Boréas" - Encres sur papier (41x27cm) ou encore N° 25 - "Suspension" - Encres sur papier (46x55) - Sa palette est douce aux accents dominants verts, bleutés, turquoises, parfois rehaussés de tons plus vifs, créant sous le regard, une gamme animée d'harmonies, qui vient nous parler directement au cœur. La peintre nous entraîne tout en nuances, dans les profondeurs mystérieuses de paysages sous les mers. Betty de Rus peint avec subtilité, nous plongeant parfois, dans des sensations inexpliquées, comme autant de miroitements d'inconscient collectif ou plus personnel. Des œuvres d'une beauté vibrante dévoilent un monde rare, hors du temps, sous le pinceau de cette magicienne des couleurs N° 24 - "Fond Marin" - Encres sur papier (40x50cm) - N° 28 - "Grands Fonds" - Encres sur papier (41x27cm) - N° 29 - "Mer des Ténèbres" - Encres sur papier (27x19cm) – Le spectateur se projette dans ces étonnantes configurations aux esthétiques épurées, qui trouvent prétextes de l'inconnu et du connu, pour venir jouer entre l'invisible et le visible. N° 22 - "Aquifère" - Encres sur papier (55x24cm) - La peintre Betty de Rus, dans son abstraction marine, nous donne ici, par son talent, un exemple magistral de la puissance immense de l'art abstrait, lorsque elle parvient par ce style, par les sensations et les seuls ressentis de peintre, à rendre le vrai encore plus vrai, transformer l'imaginaire en authentique. "Grands Fonds" ou encore "Mer des Ténèbres"... Cette capacité que permet l'abstraction à traduire le sensible est parfois connue des peintres asiatiques, comme de certains de nos impressionnistes, lorsque pour mieux atteindre la vérité d'un paysage toujours changeant ils voulaient l'exprimer par ce qu'ils ressentaient intérieurement. Betty de Rus maîtrise l'abstraction et sait lui faire rendre ses pleines fonctionnalités pour interpréter la Nature, la peignant hors des chemins du réel pour amener le spectateur à en vivre encore mieux ,plus pleinement la beauté. N° 30 - "Rêve au Bord de l'Eau 1" - Acrylique ((50x70cm) - N° 30 - "Rêve au Bord de l'Eau 2 "- Acrylique ((50x70cm). La peintre est dans une recherche esthétique, elle conjugue pour nous rêve et imaginaire, pour en extrapoler des propositions picturales, qui vont ouvrir d'autre voies de lecture, non seulement du paysage, mais de l'art lui-même en tant que tel. Une nouvelle approche artistique. Œuvre N° 27 - "Épave" - Encres sur papier (61x38cm) N° 32 - "Rapace des Mers" - Encres sur papier (35x24cm). Le paysagisme abstrait de Betty de Rus s'explique par le besoin d'exprimer plus que ce que permet l'idée première,l'urgence pour elle de forcer l'image de la soudaine apparence pour l'investir du sentiment de l'humain, une synoptique d'impact et d'insight. La peintre dans son œuvre a ainsi réussi à fusionner la Nature et l'Homme, le paysage et l'amour de la vie. Une sublime dialectique qui met en osmose l'Humanité et le Beau dans la Nature. Une recherche expérimentale sans erreur, vers une esthétique universelle et intemporelle. A force d'un travail obstiné et de sa conviction d'un jour les atteindre, Betty de Rus a pénétré aujourd'hui les territoires du Grand Art. Elle nous offre un paysagisme abstrait comme autant de visions artistiques idéales de paysages d'un Éden dans le contemporain. © Editions EDMC. Décembre 2016.

 

 

■ Ces peintres qui sont aujourd'hui des références dans l'art contemporain : La thématique esthétique intuitive de la peintre abstraite Betty de Rus en étroite osmose avec les regards de Gaston Bachelard sur la Nature.


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sous-titre:  En harmonie avec Gaston Bachelard, les grottes de la peintre Betty De Rus, mènent bien de paysages extérieurs en mondes intérieurs...

 

Oeuvres de Bettty de RUS,

 

N° 33 - "Grotte du Monstre "- Acrylique (70x50cm) N° 34 - "Source Souterraine" - Encres sur papier ((27x19cm) – N° 35 - "Congère" - Encres sur papier ((27x18cm) – N° 36 - "Cavus" - Encres sur papier – (65x50cm) N° 37 - "Grotta" - Encres sur papier - (46x27cm) – N° 38 - "Souterrain" - Encres sur papier - (27x19cm) – N° 39 - "Cavité" - Encres sur papier - (33x22cm) - N° 40 - "Cavité 2" - Encres sur papier (55x46cm) – N° 41 - "Infiltration" - Encres sur papier (61x50cm) – N° 42 - "Le Cirque Souterrain" - Encres sur papier (41x27cm) - N° 43 - "Vestiges" - Encres sur papier (55x38cm) – N° 44 - "Racines" - Encres sur papier (55x46cm).

 

 

"La thématique esthétique intuitive de la peintre Betty de Rus".


Ces peintres qui sont aujourd'hui des références dans l'art contemporain : La thématique esthétique intuitive de la peintre abstraite Betty de Rus en étroite osmose avec les regards de Gaston Bachelard sur la Nature.


Betty de Rus est entrée dans le paysagisme abstrait comme si ce style était pour elle une seconde nature qu'elle retrouve par la peinture. A la fois intuitive et sensible, sa démarche reste emplie d'une authenticité originelle, qui donne à sa grammaire, au choix de ses sujets, une puissance esthétique absolue. Betty de Rus, avec ses œuvres de paysagisme abstrait, tels N° 34 - "Source Souterraine" - Encres sur papier ((27x19cm), tel "Cavus" - Encres sur papier – (65x50cm) ou encore l’œuvre N° 37 - "Grotta" - Encres sur papier – (46x27cm), met en peinture tel un don inné, cette loi de Gaston Bachelard que celui-ci nomma "l'isomorphie des images de la profondeur", nous expliquant..."en rêvant la profondeur, nous rêvons notre profondeur...les plus grands secrets de notre être nous sont cachés à nous mêmes, ils sont dans le secret de nos profondeurs"... (extrait Chap I – (IX) "La Terre et les Rêveries du Repos" de Gaston Bachelard, - Librairie José Corti 1948) . On retrouve aussi cette démarche confirmée dans les œuvres de paysagisme abstrait maritime de la peintre (tels "Grands Fonds", "Mer des Ténèbres"...) L’œuvre d'ensemble de Betty de Rus entre en parfaite résonance avec les travaux de Gaston Bachelard sur "La Grotte" et  sur "Le Labyrinthe" chap.VI et VII de l'ouvrage précité. Ceci notamment avec des œuvres picturales telles N° 38 - "Souterrain" - Encres sur papier - (27x19cm) – N° 39 - "Cavité" - Encres sur papier - (33x22cm) - N° 40 - "Cavité 2" - Encres sur papier (55x46cm) – N° 41 - "Infiltration" - Encres sur papier (61x50cm) – N° 42 - "Le Cirque Souterrain" - Encres sur papier (41x27cm) - N° 43 - "Vestiges" - Encres sur papier (55x38cm) – N° 44 - "Racines" - Encres sur papier (55x46cm). L'artiste Betty de Rus, par ses ressentis personnels, par la peinture des images de ses propres rêves dans des représentations paysagistes abstraites, à atteint un sommet dans cet art en rejoignant, en illustrant les propos du philosophe Gaston Bachelard, sans qu'elle eut connaissance auparavant des réflexions de ce philosophe ni qu'elle ait lu son ouvrage. Cela nous permet de constater ainsi valablement que les recherches de Gaston Bachelard sont en convergences et se confirment aujourd'hui positivement par les œuvres picturales de Betty de Rus. Par exemple N° 33 - "Grotte du Monstre "- Acrylique (70x50cm) et les aspects mythologiques ou par ailleurs les peurs de l'humanité qui peuvent s'y rattacher. En d'autres termes, l’œuvre d'ensemble de la peintre vient ici valider les capacités à la fois du rêve et de l'abstraction et vérifie la propension des artistes de paysagisme abstrait à produire des "images" qui peuvent avoir un rôle essentiel, voire primordial car visibles par tous, pour permettre une autre approche du rêve et de la réalité, une autre compréhension philosophique. C'est en fait un nouvel apport par le pictural, à notre relation d'adéquation au monde, ainsi qu'à notre entendement quant à l'Histoire humaine, plus globalement. La peintre Betty de Rus, fait une démonstration objective, positive, par les "titrages" de ses œuvres, qui soutiennent et valident sa démarche, de l'importance du rôle de l'artiste abstrait. Lequel avec les touches de son pinceau, ses tableaux et ses intitulés, peut communiquer des sensations, des vérités que le philosophe quant à lui décrit par l'abstraction du langage et des images qui en résultent, qu'il peut susciter par les idées exprimées sous sa plume. On peut dire que ces deux arts peuvent se rejoindre, se compléter étroitement d'une certaine manière. L’œuvre de Betty de Rus épouse parfaitement, par son talent, un grand nombre de propos de Gaston Bachelard, comme ceux portant par exemple sur La Grotte, lorsqu'il écrit... " pour le rêveur de la grotte, la grotte est plus qu'une maison, c'est un être qui répond à notre être par la voix, par le regard, par un souffle. C'est aussi un univers". (extrait de la "Terre et les Rêveries du Repos" de Gaston Bachelard in Chap VI La grotte (V). Librairie José Corti 1948). Lorsque dans le même ouvrage le philosophe traite Le Labyrinthe, il explique au lecteur..."Dans la vie éveillée l'être qui se glisse dans la crevasse ténébreuse retrouve les impressions du rêve. Dans cet exploit, conscience claire et conscience onirique se rapprochent, se mêlent"...(extrait de la "Terre et les Rêveries du Repos" de Gaston Bachelard in Chap VII Le Labyrinthe (III). Librairie José Corti 1948). On retrouve pareillement dans la peinture de Betty de Rus, les émotions concrétisées, matérialisées par des formes et des couleurs, que la peintre suscite entre rêve et réalité, chez le spectateur. Cf peinture – N° 38 - "Souterrain" - Encres sur papier - (27x19cm) N° 42 – ou encore "Le Cirque Souterrain" - Encres sur papier (41x27cm) - Au tour à présent des artistes, chercheurs, et des philosophes actuels de se pencher, sur les voies modélisées et ouvertes par l’œuvre de Betty de Rus, pour continuer en découvrant encore plus cette artiste abstraite exceptionnelle à questionner l'homothétie, le parallélisme qu'il peut y avoir entre les recherches de la philosophie moderne et de l'art contemporain. Les éléments fondamentaux esthétiques scientifiques et positifs d'une telle recherche existent bien. Il appartient désormais aux philosophes, comme aux peintres, de les mettre en relation dialectique, les fusionner en symbiose, pour faire avancer encore plus l'art et les sciences.

 

 

                                                           © Antoine Antolini & Éditions EDMC – Dept. diffusion numérique - Janvier 2017 -

 

 

Sources et références bibliographiques:

Gaston, Louis, Pierre Bachelard, 27 Juin 1884 -16 Octobre 1962 - Philosophe français. Professeur à Paris, La Sorbonne. Chaire d'Histoire et de Philosophie des Sciences. Est un des principaux représentants de l'Ecole française d'Epistémologie Historique. On doit à Gaston Bachelard, entre autres, parmi ses nombreux ouvrages : "Le Nouvel Esprit scientifique", Alcan, 1934 - "La Dialectique de la durée", Boivin, 1936 - "La Formation de l'esprit scientifique" Contribution à une psychanalyse de la connaissance objective, Paris, Vrin, 1938 - "La Psychanalyse du feu", Paris, Gallimard, 1938 - "L'Eau et les Rêves" : essai sur l'imagination de la matière. José Corti, 1941 - "L'Air et les Songes",  essai sur l'imagination du mouvement, José Corti, 1943 - "La Terre et les Rêveries du repos", essai sur les images de l'intimité José Corti, 1946 - "La Terre et les Rêveries de la volonté", José Corti, 1948 (bibliographie non exhaustive)

 

Article : "La thématique esthétique intuitive de la peintre Betty de Rus". Auteur : Antoine Antolini, auteur- conférencier à l'international (Chine) & recherches en sociologie de l'art (Art contemporain). De cet auteur: ouvrages art contemporain (livres) référencés en France au Catalogue général de la Bibliothèque Nationale de France (Paris): - "L'Archéologie de l'Esthétique", "de l'esthétique spatio-temporelle à l'art significatif", Nouveaux concepts esthétiques en art . Éd. EDMC , 2001 La Seyne-sur-Mer - (Livre) - Bibliothèque Nationale de France BNF (Paris) - "L'Art Abstrait", concepts pour l'évolution des théories de l'abstraction. Éditions. EDMC. La Seyne-sur-Mer . 1999 (Livre). BNF (Paris) - "Les dômes-espaces et leurs concepts", des équipements urbains originaux. A. Antolini Éd. des musées et de la culture, 1995. La Seyne-sur-Mer (Livre) BNF (Paris) - Théorie "Artométrique" et "Abstractométrique" Antolini , Editions EDMC La Seyne-sur-Mer : 2000 (Livre) BNF (Paris) – (bibliographie non exhaustive).

 

 

 

titre  "La thématique esthétique intuitive de la peintre Betty de Rus"

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Janvier 2017

© Editions des musées et de la culture EDMC 2017

Le texte peut être seul utilisé librement, en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

 TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ Titre: Du concept d'une "nouvelle muséologie expérimentale" à un "structuralisme muséologique", véritable structuralisme "esthético-sociétal" dans l'art contemporain.

Article, par Antoine Antolini.


Nous pouvons mettre en relief dans la muséologie contemporaine européenne aujourd'hui de nouvelles formes  de muséologie "expérimentale ". Cette nouvelle muséologie expérimentale ( valant aussi pour une « muséographie expérimentale ») en tant qu'une "science" prise dans sa dimension "expérimentale", peut être définie en ce qui nous concerne, comme la présentation au public d'œuvres, sous diverses formes inhabituelles dans l'art, qui peuvent être interactives, permettant leur appropriation par le public. On peut y remarquer souvent des aspects ludiques. De nouvelles créations plasticiennes " à pratiquer " sont nées et s'imposent à présent dans le panorama artistique muséal contemporain. Cette nouvelle mouvance de " mise en regard " de l'art, peut se faire " hors-les-murs " ( packaging de monuments, land-art, installations en extérieur, assortis parfois de jeux de découverte des œuvres...) ou plus directement en intérieur, dans l'espace du musée, du centre d'art ou de la galerie (installations, tubes ou labyrinthe à traverser... mobiles sonores à activer... installations-cabines aux effets numériques avec bruitages, ou bien encore de stations photos permettant des selfies pour des instantanés pré-construits à partir de contexte thématique de l'exposition). Tout ce qui pourra associer étroitement le public à l’œuvre d'art, à inter-agir avec elle, est bon, non seulement pour attirer des visiteurs, mais pour aussi créer un nouveau partage de l'art. Cela est certes un moyen de dynamiser l'exposition, et rendre plus vivante la visite du public, des adultes ou des familles avec des enfants. Chacun pour son âge y trouvera un contentement, pourra se sentir concerné. Toutefois ce n'est pas seulement le segment du jeune public qui est sollicité et visé par cette  "nouvelle muséologie expérimentale", qui présente souvent les attraits d' une interactivité récréative, mais en réalité tous les publics, toutes générations confondues, qui sont ainsi invités à expérimenter pratiquement une nouvelle approche sensible, sensitive, physique et matérielle, de l’œuvre d'art présentée au musée. Un nouveau statut dans l'art pour ces nouveaux types d' œuvres dites "installations", de scénographies sur la base de vidéos qui vont nous rendre les spectateurs-acteurs d'un réel retransposé par l'image, au centre d'un temps virtuel. Une  nouvelle muséologie expérimentale , qui ira jusqu'à cette table tactile qui permettra au public de composer avec ses doigts des formes plurielles sur un grand écran, des couleurs, des effets, selon ses envies ou bien le hasard. Hologrammes, jeux de lumières et trompes l’œil, les cinétismes sont déjà marginalisés par le dépassement des limites de l'art. Celui-ci a trouvé un nouveau territoire. Selon notre concept d'approche d'une nouvelle muséologie expérimentale ont peut considérer que celle-ci offre des échappatoires aux conformités, l'accès à d'autres horizons et cela grâce à l'inter-activité des œuvres, l'inter-subjectivité des expressions numériques, au final le positionnement dans le musée d'une nouvelle relation inter-personnelle entre le créateur et les spectateurs. L’œuvre plasticienne devenant passerelle vers l'art, qui entraîne le spectateur au-delà du strict visuel vers un sensible physique. On voit ainsi apparaître par ces exemples précités, une autre « modalité » d'accès à l'art, par d'autre " formes de présentations " de l’œuvre d'art, les prémices de nouveaux musées. Ainsi de nouvelles démarches plasticiennes intègrent en statut créatif l'objectif participatif des spectateurs lors de leurs visites de l'exposition, reconfigurant l'objectif culturel du musée. Ainsi dans le contexte de ce nouvel art interactif, de nouvelles "scénographies muséales" ont émergé, avec le besoin de présentation différentes pour de nouvelles formes d'art "à pratiquer". Le concept de ces diverses œuvres et installations devenant les ressorts d'une nouvelle muséologie expérimentale, laquelle devant réussir à permettre toutes les nouvelles conditions pratiques et techniques en adéquation avec la volonté de l'artiste, pour restituer toute la vérité fonctionnelle de son œuvre face au public.  Cet enjeu pour permettre aux visiteurs de ressentir de nouvelles sensations, s'inscrit comme dans une mission nouvelle de la muséologie et de l'établissement muséal, pour rapprocher encore plus le public de l'œuvre d'art. Une muséologie qui va devoir  garantir le bon "fonctionnement" d' un art "à pratiquer" durant la visite par ces nouveaux spectateurs-acteurs, pour que ceux-ci puissent expérimenter les ressentis de nouveaux messages plasticiens. Des perceptions diverses de signes, de matières, sont de plus en plus proposées par des créations contemporaines en de nouveaux statuts esthétiques, qui vont amener à terme, inévitablement, vers un questionnement fondamental et une réflexion quant à une redéfinition des contenus et périmètres de l'art.  La transition en cours se développe pour aller de plus en plus d'un « art d'application du concept », d'une "esthétique du style" conceptualisée, de l'abstraction à la figuration, vers un "art factuel" , une quasi- expression sublimée de "l'acte et de l'art", de la relation entre "art et action". Une œuvre tel un existant matériel qui devra se suffire à elle-même, tel un ready-made générique, unique, originel. La rencontre de l’œuvre avec le public et sa mise en interactivité avec le spectateur, apportant la justification de sa véracité artistique. L'évolution de ces œuvres reposent sur cette nouvelle muséologie expérimentale. On peut bien identifier ici le besoin de nouvelles plates-formes de médiation et de présentation qui devront aller, de plus en plus, dans le sens de l'adaptation d'une nouvelle forme d'accès du public aux nouvelles expressions de  l'art, L'aboutissement à un nouveau  structuralisme de "l'Esthétique ", plus généralement à un nouveau  "structuralisme esthético-sociétal" s'est ainsi opéré d'une façon incontournable. Ce structuralisme esthético-sociétal contemporain, pouvant  être défini comme les manifestations positives de la conscience émergente d'une nouvelle esthétique de solidarité entre l'individu et l'artiste. Une dialectique esthétique nouvelle s'est matérialisée entre "l'artiste et l'art", pour intégrer "l’œuvre et le spectateur ". Ce lien redéfinit le rapport premier de l'art au monde, vécu essentiellement en tant que message polysémique abstrait, pour en donner maintenant une version plus humaine, charnelle, que le spectateur peut s'approprier autrement que par son intellectualité ou par la vision, mais aussi par les quatre autres sens du corps humain ( le toucher, l'odorat, l'ouïe, ou bien encore le goût.) Une perception différente dans ces rencontres avec les œuvres d'art font que ces apports nouveaux avant-gardistes génèrent une scénographie mouvante, évolutive, adaptative qui redéfinit une grande partie des missions muséales. Un nouveau réel esthétique sous diverses formes, vient faire appel désormais dans les musées, aux capacités des individus-spectateurs à dépasser les conventions de présentations. Ceci afin de recevoir l'art différemment, pour apprendre à s'investir en solidarité plasticienne avec l'artiste. Cette nouvelle conscience collective artistique, qui transcende à sa façon, les idées installées de « ce qui est art », déploie une nouvelle pratique inter-individuelle, inter-générationnelle, qui se généralise, avec une viralité inouïe dans la création actuelle, comme la venue à terme d'une éclosion sui généris dans l'art contemporain d'une nouvelle muséologie attendue dans la société. Parrallèlement un nouveau "structuralisme esthético-sociétal" naissant, simultanément, redéfinit socialement les fondements de l'art, pour proposer après une organisation et une compréhension « intellectuelle » de l'Esthétique, au fil des siècles, une autre organisation, à présent dans une dimension  "physique  et matérielle", en "inter-action", appelant une muséologie casuistique de l’œuvre dans un objectif ultime de proximité de présentation: à savoir pour son utilisation sur place par le spectateur. L'oeuvre appellant le spectateur à inter-agir pour qu'il la vive, la pratique, pour vivre l'art. Le paradoxe apparaît clairement, d'une société, se déshumanisant, dans l'indifférence de l'autre, d'une part, et d'autre part produisant dans le même temps, cette restructuration de l'art, avec une esthétique qui se "reformate" en une approche esthético-sociétale au plus proche du spectateur. Ceci en d'autres expressions de liens, laissant apparaître une nouvelle structuration du développement d’œuvres d'art "d'osmose", entre artistes et publics. En créant les pendants de rééquilibrage, les pontages imaginatifs, solidaires et chaleureux, d'un art contemporain ré-humanisé, ce nouveau "structuralisme  muséal esthético-sociétal", paradoxe d'une "hyper- recherche" expérimentale et d'une "nouvelle fonctionnalité sociétale" inter-générationnelle, permet d'appréhender et organiser de mieux en mieux, cette nouvelle dimension de l'art, vers un autre art, un art pour tous. Un art en plus grande proximité de contact. Un lien quasi-sensoriel "inter-artistique" entre les spectateurs et l’œuvre d'art, apporte ainsi, dans et par le musée contemporain, un nouveau ciment culturel, éducatif et social, non seulement dans le groupe, mais aussi pour la société toute entière. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Janvier  2017.

 


titre:  Du concept d'une "nouvelle muséologie expérimentale" à un "stucturalisme muséologique",
véritable structuralisme "esthético-sociétal" dans l'art contemporain.

© Texte et reportage, Antoine Antolini – 31 Janvier 2017

© Editions des musées et de la culture EDMC 2017

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Reportage sur le peintre Gérard SUISSIA. Texte intégral


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Gérard SUISSIA. peintre contemporain. PEKIN 2015. Style: Gérard Suissia était déjà connu depuis plusieurs années en Chine, avant d'obtenir le Grand Prix International des Arts « étoilé Tendances » Pékin 2015. Son style et sa peinture ont été présentés à plusieurs reprises dans la capitale ainsi que dans des conférences artistiques. Chez Gérard Suissia le sens et le signe se rejoignent en un ensemble unique, pour produire une œuvre-d'art à part entière. Un style nouveau et différent sur l'international. Gérard Suissia innove une nouvelle forme de paysage abstrait, construit avec avec des mots, des lettres, qu'il désigne comme de «l'art significatif». Sa persévérance a été récompensée par la remise d'un Grand Prix International des Arts étoilant la tendance qu'il impulse, obtenu lors du «Styles et Tendances dans l'Art International, Pékin 2015». Son travail est une réflexion qui fait avancer l'art en général, mais également d'un point de vue esthétique, car l'artiste donne un autre sens au mot peindre, lorsque l'on parle d'abstraction. Ceci en utilisant l'écriture dans un autre système sémantique et sémiotique, celui de l'art abstrait contemporain et de l'esthétique. Lorsqu'il utilise l'écriture cet artiste crée avec les mots et les noms de rues une autre forme d'abstraction du paysage urbain, citadin.

 

Avant Gérard Suissia, l'écriture, si elle a pu parfois être utilisée dans l'œuvre d'art cela pouvait survenir en complément du tableau, en illustration du peint par l'écriture, le poème, ou utilisée à titre subliminal ou poétique, dans différentes œuvres dites d'abstraction lyrique ou parfois de surréalisme abstrait. Parfois l'écriture étant abondamment utilisée au titre de message, y compris en ajut dans des œuvres abstraites. Gérard Suissia produit une abstraction distincte du message ou du poétique. Il s'inscrit quant à lui en pleine abstraction. L'écriture dans sa peinture reprend un autre statut. Gérard Suissia redonne son sens d'abstraction initial à l'écriture et lorsqu'il positionne l'écrit dans le tableau, dans la peinture sur la toile, le sens y est posé « in abstracto » dans une simultanéité avec les signes graphiques porteurs du sens et des couleurs, des formes. C'est un tout abstrait coloré qui s'épanouit sur le tableau. Gérard Suissia a réalisé une série d'oeuvres sur Paris, dans son style. Sa collection permet de mieux faire comprendre cette notion qu'il développe d'un paysagisme abstrait urbain. Chaque toile représente dans cette série, une interprétation en peinture de paysagisme abstrait, d'un arrondissement de Paris, les titres des oeuvres reprennent la numérotation de l'arrondissement parisien, par exemple le tableau au titre « 75004 » une huile sur toile de lin (100 cm x 100cm) représente le quatrième arrondissement , « 75008 » le huitième ou « 75001 » le premier. Gérard Suissia crée des paysages avec de l'écriture. Ainsi lorsque l'on regarde cette toile de « 75004 », qui représente une interprétation en peinture abstraite du quatrième arrondissement, nous pouvons retrouver dans le tableau les noms des différentes rues qui y sont écrits, non seulement comme une donnée objective, informative, c'est-à-dire le nom de la rue précis, mais la manière dont les signes, qui composent les mots sont peints vont produire eux-mêmes une esthétique picturale par la couleurs, l'épaisseur. Des espaces différents sur la toile peuvent être aussi assimilables à des îlots, des parties de quartiers, en somme a des ensembles bâtis, qui constituent au final un arrondissement parisien. Le jeu des couleurs est très étudié ,comme dans sa toile sur le quatrième arrondissement « 75004 », où l'on peut remarquer des formes très géométriques avec des avenues, des rues très rectilignes. Des couleurs se répondent, s'équilibrent selon diverses intensités. Selon des groupes de noms la palette diffère , ce qui apporte une animation particulière, intéressante, sur la toile. Ainsi on reconnaîtra des noms de rues portant le noms d'hommes célèbres, des noms de places, telle la place des Vosges , ou encore les artères connues telles Rambuteau, Célestin, ou encore le Pont Louis-Philippe. En s'approchant plus près de l'œuvre on n'y verra encore plus de détails, avec d'autres rues plus petites, telle celle du Cherche-Midi, des noms de ruelles, de traverses, qui constituent le tout nominal, écrit, le patrimoine urbain nominatif d'un arrondissement, devenu un paysage artistique abstractisé. Dans la toile qui concerne « 75001 », l'intitulé du tableau (huile sur lin de 100cm sur 100cm) les formes du paysage sont différentes ; on les y voit plus anguleuses, plus effilées parfois.Le tableau propose ici une grammaire esthétique autre, qui montre toutes les possibilités du peintre dans son concept. Des superpositions plurielles , qui vont dans diverses directions, certaines peuvent même apparaître telles des bandes écrites, le nom de rue est représenté en plans fugaces, en perpendicularité, telles des lignes de fuites artistiques. Cela donne beaucoup de vies, étonnement, émotion aussi pour ceux qui connaissent l'arrondissement. C'est une façon d'interpréter le paysage urbain qui sort des sentiers battus et de tout ce que l'on a pu remarquer jusqu'à présent. À noter que nous ne sommes pas là dans la logique du plan de ville, nous ne sommes pas non plus dans la logique du répertoriage indicatif. Nous sommes en présence d'une intervention artistique qui intègre, « transfère » la signification directionnelle, le signifié des mots, le sens des intitulés qui meublent le contenu nominatif de l'arrondissement. L'artiste hisse cet ensemble sémantique et sémiotique dans une nouvelle configuration esthétique, en oeuvre-d'art novatrice sous son pinceau.Avec son tableau sur le huitième arrondissement « 75008 »(huile sur lin de 100cm sur 100cm), Gérard Suissia montre toute la diversité, la gaîté, mais aussi toute la force expressive qui peut émaner d'un travail spécifique sur le graphisme, dans son concept de paysage abstrait urbain. Le graphisme étant pour lui, un élément qui vient ajouter de la forme au signe. Cela lui permet de répartir sur l'œuvre tout une évocation d'allures mouvantes et mobiles telle que l'écriture en peut donner les sensations. La superposition, l'enchevêtrement des noms de rues, montrent la vitalité, la vie d'un secteur de quartier, mais aussi interprète une ambiance qui peut régner dans l'arrondissement. À la différence de la toile aux espaces géométriques du quatrième arrondissement « 75004 » ici on est dans un contexte tout autre, moins géométrique avec « 75008 », plus récréatif, festif. Gérard Suissia montre ainsi comment avec les différentes interventions de signes de l'écriture, mixée aux épaisseurs et coloris, il peut produire des différences d'atmosphère à l'intérieur de ses paysages citadins.

 

Tendances : Avec ses toiles Gérard Suissia renouvelle l'approche paysagiste dans l'abstraction. Gérard Suissia a toujours considéré l'abstraction comme une manière d'interpréter le réel, le visuel direct. Lorsqu'il utilise l'écriture et qu'il pose des noms de rues sur ses toiles, il ressent profondément le sentiment d'être toujours dans cette démarche abstraction, pour reporter sur la toile la sensation paysagiste. Une abstraction nouvelle, différente, l'expression du paysage est capturée par le sens et le signe, pour la mettre en forme picturale avec un nouvelle logique d'art abstrait. Un style fort, qui exprime une grande modernité de vision, des graphismes aux signifiants abstraits et pourtant lisible et intelligibles pour un concept qui décloisonne la linguistique et l'esthétique en un véritable progrès de l'art contemporain. Un style qui redéploie l'approche « in abstracto », questionne la non-figuration, l'art tout entier du siècle, il ouvre la voie à nos générations curieuses et en attente de nouveaux fondements du pictural pour évoluer encore plus. le style de Gérard Suissia modélise sur le plan international une nouvelle génération d'artistes qui ont su faire usage des graphismes et des écritures au titre d'éléments plasticiens essentiels, incorporés à leur peinture pour donner une nouvelle dimension à l'art, dépasser les frontières d'un pictural « stricto-sensu ». Gérard Suissia maîtrise parfaitement les conditions picturales et linguistiques de cette nouvelle esthétique. Il a su faire entrer l'écriture en tant que telle dans l'abstraction,dans la composition d'une nouvelle forme d'abstraction. Avec l'écriture , la toile est support pour créer des sensations nouvelles au-delà de ce que peut produire « l'écrit message » au-delà de l'écriture poétique « illustrative » ou « sensible » au delà d' utilisations uniquement « sémiotiques » dans l'abstrait général; Ici nous sommes avec cette Tendances Suissia 2015 , dans le sens et le signe, un nouveau paysage abstrait de la ville. Une référence dans le cadre international, avec une nouvelle acception de l'écriture en nouvelle fonction d'abstraction dans la peinture contemporaine. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015.

 

 

▼ Rédactionnels


■ Régine BAZIN, peintre numérique. Texte intégral


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Régine BAZIN. peintre numérique. PEKIN 2015. Style: Régine Bazin (France) est une artiste contemporaine des arts numériques. Régine Bazin s'efforce de réconcilier pigments et pixels, lumière en clairs-obscurs et rétro-luminosité intense, créant ses peintures numériques au travers des cristaux liquides, au coeur des écrans. Elle réalise dans sa nouvelle génération de computer artist, des œuvres à partir de logiciels complexes, qui permettent de travailler autrement dans l'art, sur des formes, des graphismes, sur des éléments à maîtriser qui seront constitutifs d'une oeuvre-d'art avec des références visuelles absolument novatrices. La capacité créative de l'artiste dans ce domaine est très importante. A Pékin pour mieux faire connaître son style, trois œuvres caractéristiques sont présentées successivement, « Orion » , « New abstract painting III» , « Songe de Rose ». Les œuvres de Régine Bazin se situent dans une nouvelle mouvance qu'elle impulse, une nouvelle tendance qu'elle initie dans le numérique, qu'elle nomme peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive Digital Painting".

 

Style. Son style met en relief cette terminologie et ces concepts, qui consistent à amener l'image vers le spectateur, avec toute la force de l'éclairage en coloris pixelisés, issus de la lumière et formes construites et pensées, issus du procédé de création numérique. Optosuggestivisme (et/ou optosubjectivisme), ces concepts créés par l’artiste Régine Bazin, se définissent comme des moyens instantanés de visions d'ensemble, l'« opto », véhiculant à travers l'œuvre un certain nombre de « suggestions » en direction de la personne qui regarde, et devient dès lors réceptrice du message, de l'émotion, de la sensibilité qu'introduit l'artiste dans son œuvre. C'est la transmission instantanée d'un « insight » esthétique créé, construit et transmis par l'artiste au spectateur. Il s'agit de procurer « l'illumination intérieure esthétique» (insight) chez celui qui regarde, par la soudaineté du message, mais aussi dans l'expression dans son entièreté transmise, dans son « tout ». Cette nouvelle forme de peinture numérique est à recevoir en première émotion, mais on peut aussi cheminer ensuite sur la voie de découvertes de signes et de sens cachés qui se révéleront peu a peu... Ce n'est pas antinomique. La peinture numérique « Orion » » est ainsi pour exemple une œuvre dite d'optosuggestivisme, par laquelle l'artiste présente une forme complexe et complète de son travail, en relation avec le cosmique et le spirituel. « Orion » étant le nom d'une constellation, il y a là une interprétation de l'artiste qui fait une proposition visuelle, fait ici une suggestion, elle suggère et propose ce que peut être une vision d'Orion. Cette œuvre d'optosuggestivisme « Orion », une constellation, est aussi prétexte pour l'artiste de faire une proposition explicite en numérique, qui est d'associer la technologie de pointe, et l'art contemporain avec un thématique spécifiquement avancée, un sujet futuriste, Orion. Les atouts numériques sont au rendez-vous : rétroéclairage numérique, graphismes, plans différents, associant art et technologies de pointes du médias et de la recherche esthétique logicielle. Régine Bazin, lorsqu'elle utilise, aujourd'hui, ces nouvelles technologies de la création produit des œuvres-d'art d'un type nouveau. Correspondant à notre siècle. Elle évolue dans un nouveau langage pictural, avec de nouveaux pigments-pixels, de nouvelles densités de couleurs et de lumières, de nouvelles tonalités intenses, qui créent des dégradés 3D . Régine Bazin, avec son jeu de logiciels, innove différents reliefs, effets, aspérités, plans et contre-plans, effets d'optique inégalés, et elle dépasse allègrement dans ses œuvres, toutes les grammaires des arts visuels du siècle écoulé. Elle intègre maintenant, de façon logicielle, un vocabulaire artistique nouveau du visuel dans « son » numérique, qui bouleverse l'ensemble des données et des concepts que l'on pensaient immuables dans la recherche en art visuel. Régine Bazin, à l'ère où le regard en arrive à présent à s'équiper de lunettes 3D face à l’œuvre-d'art, défend la faculté de créer en « numérique authentique » dans ce nouveau concert de prolifération de moyens techniques. Régine Bazin prouve que les peintures numériques, peuvent être produites avec beaucoup d'ingéniosité par le traitement logiciel, pour aller vers une nouvelle voie : celle de  « l'esthétique numérique ». Son œuvre « Orion » devient un titre signifiant, qu'elle veut « mot-signal » dans cette démarche créative de cet optosuggestivisme. « New abstract painting 3 » marque cette force de réalisation qui touche aux limites de l'expression artistico-numérique, par le travail sur les éléments les plus délicats, les plus infimes qui participent à la luminosité de la composition numérique. Avec « Songe de Rose » belle œuvre emblématique, nous pouvons nous rendre compte que, dans ce type de travail numérique, la poésie peut être sauvegardée au milieu des aspects et caractéristiques techniques, technologiques. Régine Bazin a su aménager, gérer, les reliefs-pétales en plans gradués de forces lumineuses, superposés, offrant une sensation nouvelle de cette fleur qui est adressée aux yeux du spectateur en mode d'art numérique. Un nouveau style de création. Cet « optosuggestivisme » de Régine Bazin donne la mesure des caractéristiques du poétique, du langage de l'humain, qui peuvent être généré avec des outils du numérique. Régine Bazin donne ici la démonstration avec l'optosuggestivisme que le technologique et l'humain peuvent faire bon ménage, converger grâce aux territoires de l'art, grâce au champ de l'esthétique. Régine Bazin avec sa peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive" Digital Painting. nous montre que la sensation que va percevoir le spectateur va émaner d'un tout esthétique. Un tout qui va se dégager de l'œuvre-d'art, d'une manière quasiment instantanée (opto) et impacter le regard d'une manière bien particulière, qui sera « numérico-suggestive » ou en sensations « digitalisée ». Ainsi l'optosuggestivisme procure une avancée dans l'art contemporain, puisqu' aux différentes mouvances de l'expressionnisme, de l'impressionnisme, ou de l'abstraction, qui jouaient sur un ressenti ou une interprétation d'un sujet donné dans le contexte et en forme d'une peinture sur une toile, (on canvas), Régine Bazin introduit une nouvelle donnée technologique à prendre en compte. Pour elle ce qui prime, c'est la force et l'intensité du message qui peut être envoyé tel un « insight » préconstruit, offert, proposé, suggéré vers le spectateur avec rapidité, simultanéité, immédiateté, critères indispensable, de la notion d'opto. Ceci, afin de produire un effet de ressenti totalement différent des œuvres d'art habituelles, sur toile par exemple. Seul l'art numérique peut ainsi y parvenir. C'est ainsi que Régine Bazin sait donner à la peinture numérique une véritable identité notamment par rapport aux mouvances d'un art sur toile, d'art sur toile. Il s'agit ici d'une identité plus technologique de l'art, correspondant à notre siècle.

 

Tendances artistiques internationales 2015 : Régine Bazin défend avec talent une nouvelle dimension pour l'art numérique. Elle accentue avec sa créativité la reconnaissance du travail artistique accompli à partir de logiciels et affirme la pleine vérité esthétique de l'œuvre-d'art conçue grâce avec les moyens issus du technologique. Régine Bazin porte aux premiers rangs dans l'art non seulement, dans le numérique mais dans l'art contemporain en général, la nouvelle notion de l'image numérique oeuvre-d'art visuelle à part entière. L'artiste rend encore plus évidente au plan international, la prise en considération de composantes techniques qui ont vocation a être indissociables de la création et sont devenues outils de création. Régine Bazin démontre comment l'œuvre-d'art peut-être reçue différemment par les spectateurs. Régine Bazin avec la mouvance créative de sa peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive" Digital Painting qu'elle impulse, fait entrer plus globalement l'art contemporain en général dans de nouveaux horizons. Ceux qui se dessinent autour de la prise de conscience quant à la portée esthétique de l'art numérique dans nos sociétés. Une conception, une tendance nouvelle hors des sentiers battus, une recherche de plusieurs années sur l'art numérique, qui ont permis à la peintre numérique Régine Bazin d'obtenir à Pékin le Grand Prix International des Arts « étoilé Tendance » qui marquera définitivement la présence incontournable cette grande artiste dans l'art numérique. Ce Grand Prix International signale un progrès nouveau identifié par « Styles et Tendances dans l'Art International » PEKIN 2015 , pour la compréhension des nouvelles formes d'art contemporain. Régine Bazin artiste peintre numérique française se situe ainsi aujourd'hui, aux toutes premières places de la création numérique contemporaine internationale. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015. 

 

 

■ Le peintre Alain DELIC. Texte intégral.


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Alain DELIC. peintre contemporain. PEKIN 2015. Style: Le peintre Alain DELIC a fait spécialement le déplacement depuis la France où il réside durant l'année, pour présenter ses œuvres dans la capitale chinoise. Après une carrière en Australie et en Europe, ce peintre international se positionne actuellement dans le contexte artistique chinois. Une exposition l'an dernier , en 2014, toujours en Chine a été un succès et a contribué à y faire connaître l'artiste sous les vocables de "peintre des étoiles". Le maître a décidé de revenir en 2015 à PEKIN pour être présent durant le "Styles et Tendances dans l'Art International" 2015 qu'il a illuminé de son grand talent, accueilli dans cette "Grande Rencontre des Styles" à PEKIN comme peintre d'honneur européen. Il a obtenu à l'unanimité du Jury international le Grand Prix International des Arts de PEKIN 2015 "Étoilé Tendances". Il s'agit d'une marque d'honneur suprême qui a pour objectif de consacrer une carrière internationale de haut niveau pour le peintre, mais aussi de témoigner un signal artistique lorsqu'il y a l'évaluation d'une émergence de tendance dans les arts, suffisamment explicite. Alain DELIC incarne sur l'international, la tendance d'une peinture abstraite de l' « énergie cosmologique ». Il a creusé une trace profonde, tel un sillon nouveau: sa peinture et son style sont désormais gravés dans l'art contemporain international de notre époque.

 

Parmi les oeuvres présentées sur place par le peintre Alain DELIC, "Space Gravity" (Huile 130x89 cm), huile laque papier indien plissé sculpté. Double support sur toile. Cette peinture est emblématique de ses créations en relations étroites avec la cosmologie fondamentale, métaphysique, en étroit lien avec les sciences spatiales, astronomiques. La peinture du Maître rejoint une réflexion sur la consistance d'une nouvelle esthétique du "stellaire" et du « galactique ». Il réorganise les concepts interprétatifs de l'abstraction en donnant au pictural la capacité de la représentation de l'inaccessible en vision technique astronomique. Pour le peintre il ne s'agit pas d'un acte interprétatif au sens « imagier » , mais plus d'un stade expressif d'une intériorité prédisposée, intuitive, qui fait de la toile le réceptacle d'un écho quasi-médiumnique par lequel l'artiste « capte et peint » les couleurs, l'énergie, les sources génériques des forces gravitationnelles, au -delà du système solaire ou des systèmes stellaires. Alain DELIC énonce un nouvel entendement conceptuel du peindre en abstraction au XXI ème siècle, fait de photons coloriques et d'ondes vibratoires, dont ses mains qui froissent le papier, ses pinceaux, ses pigments, la toile, sont devenus des bandes passantes, via le "peintre-récépteur". Comme une nouvelle mission du peintre au cœur de la société contemporaine, animateur des représentations universalistes de l'inconscient collectif depuis la nuit des temps... Le peintre Alain DELIC véhicule dans notre présent une nouvelle intuition du spatial, du futur technologique, il possède cette aptitude anticipative de l'existant, à la fois moteur et acteur-esthète d'une réalité cachée. Pour l'instant nous ne savons aborder, même par les plus puissants télescopes la représentation des mystères enfouis au-delà des milliers d'annés lumières. L'artiste se pose comme un peintre leader sur le courant pictural du scientifique spatial, cosmo-énergétique, pour donner une véritable forme d' imagerie exceptionnelle de force et de plausible à l'extrapolation des représentations inter-planétaires. Il acte sa peinture comme un lien avec le hors-limites des sciences, aux confins des forces magnétiques des ultimes éclats de la vie des étoiles... "Divine Infinity" (Huile 130x89 cm), huile laque papier de soie plissé sculpté Double support sur toile; Avec la peinture de "trous noirs", des circulations "d'énergies cosmiques" Alain DELIC travaille spécifiquement sur l'énergie, la force, qui peut résider dans des espaces intersidéraux et qui régissent la ronde des astres, la course des planètes, les circum-navigations calendaires des comètes aux queues éblouissantes. Concernant ses oeuvres et son approche des supports, Alain DELIC utilise du papier de soie (ou d'autres types de papiers), pour lui c'est une matière noble, il considère que l'art contemporain aujourd'hui se situe très fortement au niveau du matériau, des supports, qui jouent d'ailleurs dans sa peinture rôle essentiel, comme appui et vecteur de son expression et de ses ressentis. "China Sky", (Huile 130x89 cm), huile laque papier de soie plissé sculpté. Double support sur toile. Il dit "...dans ma peinture je parle des planètes du cosmos , de la lune, des étoiles, du soleil ...je capte des couleurs... je vais plus loin que le soleil pour ressentir des couleurs autres"... et toujours avec "l'énergie" de tous ces astres qui gravitent, dans et autour des systèmes de galaxies, qui produisent encore et encore de l'énergie"... il nous a précisé ..."je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je ressens, ce ne sont pas des paysages que je vois, mais que je ressens, au plus profond de moi" ..."lorsque je parle des planètes, des trous noirs et des étoiles, je parle de l'Univers, celui que je ressens et non pas de l'Univers que les scientifiques peuvent expliquer par exemple à la télévision. Je suis un chercheur."

 

 

Tendances 2015 : Alain DELIC, pose la problématique de la représentation de l'infini cosmique et reflète la mouvance de courants picturaux qui donnent un nouveau sens à l'abstraction au XXI ème siècle. En complément des photos qui peuvent être prises par les satellites ou par les sondes spatiales, par les télescopes électroniques de notre siècle, une certaine abstraction prolonge au-delà, cette quête de l'image ultime de l'infini par l'impulsion créative. La science, montre les représentations de l'infini accessibles par des photographies du réel, et aborde ainsi une iconographie nouvelle. Ces photographies apparaissent parfois comme des œuvres abstraites au niveau du signe, de leur sémiotique au regard de la peinture abstraite. (Sujets narratifs évanescents, formes fugaces des nébuleuses voilées de couleurs diaphanes...) Par le concept du pictural, avec des supports et des couleurs, avec Alain DELIC, la peinture abstraite contemporaine reprends la main, et recentre sur son territoire de l'abstrait, intuitif, imaginaire, ou interprétatif, tout ce que la science pourrait arracher à l'abstraction par la photographie astronomique. Alain DELIC, incarne cette tendance qui renvoie l'imagerie astrale photographique dans ses propres critères hyperréalistes. Le peintre Alain DELIC recentre le discours pictural abstrait métaphysique, il repositionne le rôle démonstratif majeur qui appartient au peintre abstrait face à l'infini invisible et à ses représentations. Ceci au moyen des sensations humaines et de l'interprétation évocatoire des possibles. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Pékin 2015.

 

 

Textes Reportages


■ La peintre Gilberte FERRARI. Elle crée une abstraction vivante internationale. Sa démarche artistique confirme aujourd'hui l'actualité des meilleures grammaires picturales qui ont fondé l'art abstrait.


"Sans-Titre" Peinture abstraite de Gilberte FERRARI

Gilberte FERRARI a obtenu la Médaille de

Gilberte FERRARI a obtenu la Médaille de "Peintre d'Excellence TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2013"

Abstraction en couleurs restreintes de la Peintre d'Excellence Gilberte FERRARI.

Abstraction en couleurs restreintes de la Peintre d'Excellence Gilberte FERRARI.

Découpages-collages en jeux esthétiques, une oeuvre étonnante de la peintre Gilberte FERRARI

Découpages-collages en jeux esthétiques, une oeuvre étonnante de la peintre Gilberte FERRARI

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Ici, la peintre abstraite Gilberte FERRARI, au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur

Ici, la peintre abstraite Gilberte FERRARI, au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur

Abstraction de la peintre Gilberte FERRARI, ses oeuvres-d'art reflètent souvent une amplitude quasi-cosmique

Abstraction de la peintre Gilberte FERRARI, ses oeuvres-d'art reflètent souvent une amplitude quasi-cosmique

Au sources de la gestualité picturale, Gilberte FERRARI matérialise dans l'oeuvre abstraite l'énergie qui la traverse.

Au sources de la gestualité picturale, Gilberte FERRARI matérialise dans l'oeuvre abstraite l'énergie qui la traverse.

Sélectionnée TALENT DES ARTS D'AUJOURD'HUI, titrée

Sélectionnée TALENT DES ARTS D'AUJOURD'HUI, titrée "Peintre d'Excellence" en 2013, l'artiste Gilberte FERRARI, crée en Catégorie Abstraction

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La peintre abstraite Gilberte FERRARI redéploie les techniques picturales avec de nouvelles logiques créatives.

La peintre abstraite Gilberte FERRARI redéploie les techniques picturales avec de nouvelles logiques créatives.

Peinture abstraite de Gilberte FERRARI, une résonnance de plans colorés en harmonieuse architecture

Peinture abstraite de Gilberte FERRARI, une résonnance de plans colorés en harmonieuse architecture

La peintre Gilberte FERRARI va parfois questionner les limites de l'impressionnisme pour créer d'autres lectures de formes et couleurs.

La peintre Gilberte FERRARI va parfois questionner les limites de l'impressionnisme pour créer d'autres lectures de formes et couleurs.

la peintre Gilberte FERRARI fait ici de son oeuvre un territoire de forces immatérielles, d'énergies posées.

la peintre Gilberte FERRARI fait ici de son oeuvre un territoire de forces immatérielles, d'énergies posées.

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La peintre Gilberte FERRARI crée en abstraction avec un talent qui provient avant tout d'une nécessité profonde pour elle, d'un besoin irrépressible d'évacuer de son intériorité un ensemble d'énergies, de sensations extérieures, qui l'environnent, l'habitent, la dépassent. Elle pose sur la toile, des formes et des couleurs, des graphismes peints, des traces, des ruissellements, pour se libérer de ces flux en elle, qui la traversent devant la toile. Elle aime à dire  « ...Lorsque je peins, je suis toujours physiquement présente devant l'œuvre, mais en réalité je suis ailleurs.... ».


Il émane de l'oeuvre de Gilberte FERRARI, une atmosphère incomparable, de force et de vérité, qui laisse le spectateur à la fois admiratif et dans un questionnement face à l'art, face à lui-même. L'artiste ne donne aucune piste à suivre , aucune indication, chacun devant ses tableaux doit faire son propre cheminement. Le choix des modalités de « Sans-titres » pour nommer ses peintures, résume bien, pour l'artiste cette notion de territoire de liberté que l'art est avant tout, espace où personne ne détient la vérité première. Gilberte FERRARI, recentre l'abstraction dans une de ses dimensions les plus initiales, dans le périmètre de cette fonction de l'abstraction, qui permet que l'art, la peinture, puissent aller encore plus loin dans l'expression, pour capturer les plus subtiles vibrations et les poser en visuel sur la toile. Gilberte FERRARI, s'est rendue mâture, maitresse de tout ce pan de l'abstrait, qui consiste à vivre le déconditionnement devant l'œuvre, pour laisser passer l'état premier le plus « objectif » du peintre; Elle sait laisser le support devenir témoin de cet ailleurs inconnu, par-delà l'inconscient, individuel ou collectif, dont l'artiste devient alors peu à peu le médium, le récepteur-transmetteur; Si les surréalistes avaient compris les premiers le rôle de la peinture pour traduire l'état si particulier de la pensée, entre conscience présente et lacher-prise du monde réel, dans des dialectiques esthétiques très diverses, ils ont exploré avec bonheur, les convergences ou les divergences entre rêve et réalité et toutes les expressions artistiques possibles en ce domaine. Ces surréalistes tels des peintres-chercheurs, avaient su sortir du figuratif pour explorer les abysses d'un autre langage sur la toile, venu d'un ailleurs... psychologique ? anthologique ? ou bien en résurgence d'une conscience immémoriale depuis la nuit des temps ?... Gilberte FERRARI, est bien dans ce contexte théorique entre conscience et immatérialité. Elle fusionne en symbiose avec l'œuvre, tout en restant extérieure et nous démontre bien que l'abstraction est un tout, un moyen plus qu'une fin ; Que le dripping, la peinture en coulures et ruissellements, dès lors, peut être une modalité technique d'expression picturale simplifiée et directe, efficace. De ce potentiel expressif qui peut être autant une écriture-« peinture », l'artiste en crée des jeux multiformes, en multicolorisme, en coïncidences, en véritable chaos de vie. Pour Gilberte FERRARI, son style, ferme et toujours inédit, nous confirme dans plusieurs de ses peintures, que la trace, le signe, peuvent se poser sur une même œuvre, ce, en mixité avec un informel composé d'à-plats, de résonances impromptues de tons variés, tels des sons colorés, d'équilibres intuitifs, de profondeurs inextricables. Le travail de Gilberte FERRARI, sa démarche picturale, spontanée se veut absolue, mais aussi culturellement émanation d'une ecriture-peinture européenne. Sa créativité est utilement débridée, dans notre contexte d'art contemporain aujourd'hui, pour venir faire un pontage, dire une « charnière », clarifier les logiques picturales, l'évolution des courants, comme on l'attend et en avons besoin -dans nos générations actuelles- pour mieux comprendre l'abstraction américaine et celle initiée par des artistes européens. Au-delà d'à-priori clivants trop vite installés, une avancée cognitive émerge dans cette démarche profonde de la peintre, évidente pour tous ceux qui s'intéressent aux progrès de l'art contemporain. Les peintres européens ont su produire leur propre peinture gestuelle, avec leurs propres logiques, qu'il s'agisse d' André MASSON ou de Georges MATHIEU, avec leurs approches intellectuelles spécifiques quant au langage abstrait, le voulant déconditionné de son environnement immédiat. Déconnexion, lorsque le peintre ne devient plus qu'esprit qui peint, sur une toile réceptacle, son pinceau devenant son seul lien matériel au vivant; Même s'il est un fait qu'en matière d'expressionnisme abstrait, l'Ecole New-yorkaise, a su s'exporter avec succès, au travers de diverses grammaires picturales, cela par des approches théoriques appréciées sur les cinq continents, tel avec « l'action painting », et notamment avec les célèbres Jakson POLLOCK ou Willem DE KOONING. Toutefois l'expression picturale en performance, en spontanéité sur la toile, ou en échos de spiritualité, est une modalité à la fois avant-gardiste et intemporelle, sous toutes les latitudes. L'Asie, la Chine, connaissent bien la traduction de l'immatériel dans l'œuvre depuis des siècles avec le « Chi », ou le « Qi », ce souffle cosmique, qui produit le signe, le sens, la beauté spirituelle de l'oeuvre-d'art.... Gilberte FERRARI, peint des sensations qui lui viennent d'une autre dimension du monde sensible qui l'entoure et dans laquelle elle baigne, de tout son être, en une immersion non codifiable. Sa peinture ne vient pas exprimer un message diffus de son intérieur personnel, qui aurait des accents impressionnistes; Ce n'est pas pour elle la traduction de ses ressentis intimes... Au contraire, elle laisse s'échapper sur ses toiles, ce qui la transcende, « qui la dépasse...» selon ses termes. La peintre ne cherche pas à inter-agir sur cette influence métaphysique, elle nous dit «... parfois j'ai presque besoin de peindre dans l'urgence, il faut que mon œuvre sorte de moi, que je puisse éjecter sur la toile ce qui m'envahit, ce qui se passe dans ma peinture m'échappe, je m'écarte pour laisser passer ces sensations qui me traversent, qui semblent comme venir d'ailleurs...». Gilberte FERRARI, dans un expressionnisme abstrait européen, vit ce déconditionnement, essentiellement en une projection du geste et du signe, de la trace, de l'espace coloré, qu'elle rapporte et sur lequel elle n'intervient pratiquement pas pour aménager, composer. Les couleurs sont appliquées comme elle le dit « dans l'urgence ». Sa peinture n'est pas fondée sur une recherche esthétique, mais bien se veut la réponse à son besoin d'extérioriser un univers de sensations inconnues, hors de l'espace et du temps. Pour l'artiste, sa peinture se situe hors du champ de ressentis émotionnels, ou des interprétations de vécus. Gilberte FERRARI, ne transmet pas des impacts visuels ou sensibles, qu'elle filtrerait ou retraduirait picturalement. Sa démarche est unique de non implication dans la construction de l'œuvre, son style se situe entre écriture-peinture automatique et gestualité libérée. Son amplitude de geste reste hors de tout contrôle esthétique pensé, qui induirait, conduirait, déciderait, des formes ici ou des couleurs là... Sa peinture est principalement générée d'impulsions, abstraites et non interprétatives du réel. La peintre s'abstient de l'évocation, de l'allégorie, des souvenirs. Gilberte FERRARI sait rester toujours à distance de ce que les conventions d'un art admis, pourraient lui suggérer; Elle dit « Je peux vite m'ennuyer sur une toile, il faut que je change alors mes couleurs, il faut qu' il se passe quelque-chose... ». C'est bien de cette œuvre urgente qui devient un évènementiel en soi, dont nous parle l'artiste, avec l'authenticité de l'aventure vécue. Parfois elle s'autorise des incursions récréatives aux limites de l'impressionnisme, pour aller y questionner la forme ou la couleur, interroger le lien au réel, comme pour mieux baliser son territoire d'abstraction. L'artiste a été remarquée en France lors d'une sélection nationale de « Talents des Arts d'Aujourd'hui» en 2013. Le style et la démarche expressionniste que Gilberte FERRARI porte en elle, à sa façon, au-delà de tous ressentis intérieurs, hors de toutes intentions esthétiques, lui permettent de conduire une « liberté du peindre » à un paroxysme de pureté non-figurative absolue. Cette recherche lui a valu la distinction de Peintre d'Excellence 2013 Talents des Arts d'Aujourd'hui; Une artiste qui propose un entendement pictural, essentiel et intemporel, quant à l'acte de peindre en abstraction. Sa démarche de créativité rafraîchit, réactualise, tout ce qui a pu être analysé, voire énoncé, sur l'art abstrait, tout autour du monde, ces vingt dernières années.

 

Antoine Antolini, Février 2014

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2014 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre « La peintre Gilberte FERRARI. Elle crée une abstraction vivante internationale ». sous-titre: « Sa démarche artistique confirme aujourd'hui l'actualité des meilleures grammaires picturales qui ont fondé l'art abstrait.  »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Février 2014

© Editions des musées et de la culture EDMC 2014

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


■ Laurence LAMANDAIS déploie dans l'abstraction un style en phase avec le monde actuel. Sa démarche artistique ouvre des horizons nouveaux dans la peinture européenne abstraite.


LA PEINTRE ABSTRAITE LAURENCE LAMANDAIS. SON OEUVRE PARTICIPE AU DEVENIR DE L'ART CONTEMPORAIN

LA PEINTRE ABSTRAITE LAURENCE LAMANDAIS. SON OEUVRE PARTICIPE AU DEVENIR DE L'ART CONTEMPORAIN

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

LA PEINTRE LAURENCE LAMANDAIS, L'ABSTRACTION EST POUR ELLE UN PARCOURS DE VIE

LA PEINTRE LAURENCE LAMANDAIS, L'ABSTRACTION EST POUR ELLE UN PARCOURS DE VIE

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"MEMOIRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

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LAURENCE LAMANDAIS PEINTRE CONTEMPORAINE ABSTRAITE

LAURENCE LAMANDAIS PEINTRE CONTEMPORAINE ABSTRAITE

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

"SANS- TITRE" PEINTURE ABSTRAITE DE LAURENCE LAMANDAIS

LAURENCE LAMANDAIS PEINTRE ABSTRAITE

LAURENCE LAMANDAIS PEINTRE ABSTRAITE

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Le style de la peintre abstraite Laurence Lamandais, se pose dans l'art contemporain d'aujourd'hui avec les nouveaux critères de ce début de 21 ème siècle. Elle rénove le rapport de l'art non-figuratif avec une nouvelle façon de voir de la société. Le rôle du peintre, la portée de sa création, la manière dont le spectateur peut ressentir l'expression de l'art abstrait, Laurence Lamandais, artiste de la nouvelle génération, nous apporte des réponses plurielles, multiformes, qui mettent en symbiose les ressentis individuels et collectifs.


La peinture de Laurence Lamandais est une peinture abstraite, qui est un pontage entre le « soi » et les autres, qui met en osmose la statique et le mouvement, l'unitaire et le tout, qui relie la conscience individuelle et l'inconscient collectif. Son talent créatif, sait faire progresser la vision de la non figuration en construisant un style puissant, diversifié en formes et couleurs, qui ne lasse jamais le spectateur, sait rester fidèle au cap qu'elle s'est choisi. Elle met en résonance à travers ses « Sans- titres » un langage pictural allégorique, interprétatif de ses ressentis, de ses intentions. Ses tableaux sont des espaces de rencontres entre la peintre, le spectateur, la société... Des œuvres abstraites intenses, un exprimé polysémique accessible à l'intériorité de l'individu tout comme à la révélation de son lien au groupe. La démarche de la peintre situe l'oeuvre-d'art comme un ensemble construit de nombreux éléments homogènes dans la perception visuelle. Le contenu des toiles appelle toutefois à discerner  le foisonnement des motifs, leur multiplicité, leur réplication apparente, avec des particularités portées par chaque touche. Une pluralité, un jeu de répartition dans l'espace de la toile, qui composent l'œuvre en créant au final la sensation d'un « tout ». Au-delà des concepts de l'école New-yorkaise, novateurs dans la seconde moitié du 20 ème siècle, la peintre a su imaginer sa propre grammaire contemporaine. Par ses compositions, ses architectures d'aménagement des sujets, ses résonances de formes, souvent ses motifs répétés, Laurence Lamandais fait passer un message pictural en plein phasage avec notre société. Celui de l'individu et du groupe, les partitions dans l'ensemble, on y voit poindre la structuration qui nous englobe, l'homme dans la société qui le dépasse parfois mais ou il s'affirme aussi pourtant, comme dans ces tableaux de l'artiste dans lesquels les touches et motifs trouvent leurs dimensions pleines qu'en étant parties d'un ensemble. La force conceptuelle de Laurence Lamandais, surfe sur ce registre d'interdépendances, d'échos en retour de la marque colorée, différente, nuancée, mais qui se conjugue en une complétude, une plénitude, une cohérence, qui donnent une identité synoptique à l'oeuvre-d'art. La peintre Laurence Lamandais affirme ainsi une esthétique dualiste, qui permet au public de se confronter, par cette expression, à la fois à sa conscience et à son propre inconscient. La peintre sait poser sur ses toiles le questionnement de la grégarité dans la société, celui de la propension instinctive au regroupement. Ses tableaux permettent à chacun de se plonger dans un véritable univers bien relié. L'œuvre muséologique de l'artiste est à l'image de chacune de ses toiles; Chaque peinture fait partie intégrante de l'œuvre globale, s'y imbrique, y trouve sa place particulière et remarquable, dans un continuum esthétique et vivant: Un style abstrait véritable et novateur. Non enfermé dans un postulat de départ, mais libéré dans une fraîcheur créative. S'il arrive que Laurence Lamandais titre, exceptionnellement, le tableau, comme « Mémoire » ou « Profondeur », elle sauvegarde toujours une notion d'infinitude, d'ouverture, d'intemporalité subjacente. Le travail de Laurence Lamandais puise sa source dans la recherche de l'idée d'un mouvement perpétuel dans la réplication, des modalités d'occupation de l'espace pour qu'il ne soit pas statique, de la dialectique du tableau en tant que contenant circonscrit et contenu proliférant... Point de non-dits, mais des gestualités signifiantes, des couleurs en harmonies créent des peintures unies et animées dans l'imbrication des formes, pour accueillir le regard, le faire circuler dans un immensité différente. Ce qui prime chez l'artiste, dans ses compositions, dans ses peintures « Sans-titres », c'est la manipulation des formes et des couleurs, leurs étonnantes structurations, qui arrivent à créer un potentiel évocatoire inouï, une cinétique. L'artiste devant sa toile en a maitrisé à la fois l'espace limité et illimité, entre l'intériorité individuelle et l'extraversion tournée vers la société. Une peinture qui concentre un caractère de mobilité implosive, de non-limite intrinsèque, endogène. Seule la dimension du tableau vient cadrer, délimiter matériellement. L'impact en ressentis allégoriques et mécaniques en déborde : l'artiste a su générer une grammaire exponentielle, l'œuvre porte en elle sa propre dynamique, s'auto-régule sous la main de la peintre. C'est un territoire visuel absolu, qui s'autosuffit. Laurence Lamandais à su conquérir le paradoxe en abstraction, de l'œuvre immanente, construite en processus d'expansion latente et  à la fois contenu, mais qui va, au fil de l'entendement, envahir, comme en miroirs à l'infini, le cœur du spectateur, son imaginaire, sa capacité à ressentir... Les uns après les autres, ses sentiments les plus profonds sont entrainés, mis à jour, à la surface de lui-même ... Beauté, joie, souffrance d'être et du devenir, de "l'ici" et de "l'ailleurs", du présent et du futur, tourments de la vie ou sérénité au-dessus du quotidien, interrogation du soi et de la société, tout est dit, tout est a ressentir, dans l'esthétique absolue de Laurence Lamandais. Le public réalise bien cela et sait s'approprier l'œuvre, y adhère dans l'émotion. Il sait se sentir concerné, se projeter pour vivre une nouvelle modernité de conscience, en phase avec son temps. Il y a peu de peintres qui on su utiliser l'art abstrait avec autant de pertinence, de talent, et qui, comme Laurence Lamandais, ont su faire que leur monde deviennent le monde de chacun. Une peinture, comme canevas du visible, qui juxtapose des sentiments vivants, des espaces-territoires, des couleurs-sujets, des mondes dans des mondes : une universalité. Nous sortons avec la peintre Laurence Lamandais, de l'ère des innovations passées des techniques artistiques, du dripping de Pollock ou des monochromes, de l'« action painting » au « tachisme », des abstractions « géométriques » ou encore de celles de l'« optic'art », pour aller vers un contenu autre et nouveau que l'artiste propose aujourd'hui en Europe, et sur l'international. Celui d'autres sens donnés aux signes. L'expression de nouvelles structures picturales, allégoriques, de l'instant de vie et de la vie, de l'humain et du sociétal, de l'espace fractionné, qui s'unifie toujours dans une totalité cosmique... Messages de l'espace assigné et du quantitatif répété, devenant mouvant, ordre cyclique... Apparente similarité de touches picturales, qui pourtant sont toutes différentes. le spectateur se confronte à ce qu'il a en lui de sociétal, côtoie une partie émergente d'une conscience de l'ensemble. Laurence Lamandais ouvre la voie d'une matérialisation esthétique talentueuse, une autre acception du mouvement dans l'espace et de sa signification en peinture abstraite, de l'unité et du tout, avec une interface métaphysique qui approche et révèle l'inconscient collectif. Acte de peindre d'une portée rare et actuelle. Le positionnement aujourd'hui de la peintre abstraite française Laurence Lamandais, dans les premiers rangs de l'art européen et international, apparaît évidente et inéluctable. En contexte des Etas-Unis et de l'Asie, la peintre affirme avec force une authenticité de recherche artistique fondamentale et appliquée, qui génère à travers elle, la promotion de l'abstraction et de la peinture abstraite européenne d'ensemble.

 

                                                                                      Antoine Antolini, Octobre 2013

 

 

Nota : La peintre abstraite Laurence Lamandais, issue de la sélection nationale « Talents des Arts d'Aujourd'hui », à obtenu la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2013.

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE

«  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2013 -

titre « Le style de la peintre abstraite Laurence Lamandais.»


© Texte et reportage, Antoine Antolini – Octobre 2013

© Editions des musées et de la culture EDMC 2013

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant: titre,auteur,sources et date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ La créatrice des "sensa" picturaux, la peintre et photographe, Annie d'HERPIN, innove une nouvelle esthétique en 2012 en inventant les PINXITNUMERICA (c). Un résultat de synthèse peinture-photo.


PINXITNUMERICA - 20 x 27 cm (c) CREATION ANNIE D'HERPIN 2012

PINXITNUMERICA - 20 x 27 cm (c) CREATION ANNIE D'HERPIN 2012

ANNIE D'HERPIN 2012 CREATION DES PINXITNUMERICA - (France)

ANNIE D'HERPIN 2012 CREATION DES PINXITNUMERICA - (France)

 ANNIE D'HERPIN, APRES AVOIR CRÉÉ LES SENSA EN PEINTURE L'ARTISTE A INVENTÉ LES PINXITNUMERICA (c)

ANNIE D'HERPIN, APRES AVOIR CRÉÉ LES SENSA EN PEINTURE L'ARTISTE A INVENTÉ LES PINXITNUMERICA (c)

PINXITNUMERICA - 20 x 27 cm

PINXITNUMERICA - 20 x 27 cm

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PINXITNUMERICA OEUVRE CREE PAR ANNIE D'HERPIN, PEINTRE PHOTOGRAPHE

PINXITNUMERICA OEUVRE CREE PAR ANNIE D'HERPIN, PEINTRE PHOTOGRAPHE

PINXITNUMERICA  ŒUVRE D'ANNIE D'HERPIN

PINXITNUMERICA ŒUVRE D'ANNIE D'HERPIN

PINXITNUMERICA REALISÉ PAR ANNIE D'HERPIN PEINTRE PHOTOGRAPHE

PINXITNUMERICA REALISÉ PAR ANNIE D'HERPIN PEINTRE PHOTOGRAPHE

ANNIE D'HERPIN PEINTRE PHOTOGRAPHE CREATRICE DES PINXITNUMERICA

ANNIE D'HERPIN PEINTRE PHOTOGRAPHE CREATRICE DES PINXITNUMERICA

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La créatrice des "sensa" picturaux, la peintre et photographe, Annie D'HERPIN, chercheur en art, innove une nouvelle esthétique en 2012 en inventant les PINXITNUMERICA (c). Ses oeuvres originales, issues d'un processus de mixité peinture-photo, nous font découvrir une recherche contemporaine, la construction d'un univers de jamais-vu.

 

ANNIE D'HERPIN, PEINTRE ET PHOTOGRAPHE. APRES AVOIR CRÉÉ LES SENSA PICTURAUX (ELEMENTS PROJECTIFS D'EVOCATIONS), L'ARTISTE INNOVE EN  METTANT AU POINT LES PINXITNUMERICA (c)

MAITRISANT L'AQUARELLE ET LE FIGURATIF, C'EST DANS LE DOMAINE DE L'ABSTRACTION QUE LA PEINTRE ET PHOTOGRAPHE ANNIE D'HERPIN CONDUIT DES RECHERCHES SUR LA PERCEPTION DU SENSIBLE.

 

 

Les "pinxitnumérica" de la peintre-photographe Annie d'Herpin, une avancée dans l'art contemporain, au-delà de l'abstraction peinte  

 

Les "pinxitnumérica" © Annie d'Herpin 2012 sont des réalisations originales qui permettent de prendre conscience de la complémentarité qu'il peut y avoir entre la création picturale et la création photographique. Selon Annie d'Herpin le  "pinxitnumérica" se définit comme une oeuvre-d'art, qui recherche au delà de l'exprimé peint, au moyen du photographique, les éléments esthétiques enfouis dans un ensemble de signes et de sens, pour en créer une image originale en une nouvelle acception perceptive. C'est un lien, un pontage et un révélateur, entre l'existant présent et le visible. Le "pinxitnumérica" a été créé pour traduire, montrer, au-delà de la réalité apparente de l'oeuvre-d'art, une autre abstraction visible, qui y réside et constitue une deuxième réalité ou vérité esthétique de l'oeuvre-d'art. Le "pinxitnumérica" révèle et met en exergue la « dimension cachée » de l'abstraction dans l'oeuvre en utilisant le potentiel brut et documentaire de la photo numérique à partir de l'oeuvre-étalon peinte préalablement par l'artiste. Le "pinxitnumérica" est de ce fait une innovation en art contemporain, produite par Annie d'Herpin. La peintre allie avec talent deux disciplines peinture et photographie numérique, les conjuguant pour produire une nouvelle esthétique originale conceptuellement fondée : Le « pinxitnumérica ». Annie d'Herpin à su dans cette démarche stylistique novatrice, maintenir l'acte pictural en pleine validité plasticienne, tout en le redéployant esthétiquement par un autre médium, un autre moyen média: le photographique contemporain. L'originalité de l'approche de l'artiste vient dynamiser un espace peint, en potentialisant sa dimension statique, suggestive, parfois onirique ou projective, par une transposition visuelle du contenu peint maintenu en totalité de grammaire, de formes et de couleurs.

 

L'évocation qui en ressortira sera intensifiée et démultipliée en termes de puissance artistique et interprétative du réel. L'appui du numérique vient en soutien de la création originale peinte en abstraction par l'artiste elle-même, pour en faire rayonner les particularités subjacentes, les mystères induits, les non-dits, les allégories fantastiques, les abstractions en résonnances d'autres interprétations intuitives du monde. Le "pinxitnumérica" vient enrichir l'art par une nouvelle modalité technique et artistique, tant matérielle que conceptuelle, permettant la maitrise de création d'un nouveau matériau esthétique.  Avec le « pinxitnumérica », la trame numérique et pixellisante ne crée pas à proprement parler une nouvelle image peinte, elle permet de révéler un existant matériel enfoui au coeur de l'oeuvre, pour mettre en relief à partir du plus profond de l'exprimé peint, l'élément porteur du sensible. Le "pinxitnumérica" optimise de façon parallèle, d'une part la puissance évocatrice de l'oeuvre, et d'autre part  la capacité de voir du spectateur, son aptitude à ressentir. Annie d'Herpin, peintre-photographe, a su mettre ainsi sa vision en immersion dans le jeu des formes et des couleurs qu'elle a préalablement su produire sous forme de peinture initiale, telle une œuvre-source étalon, pour après un étude et analyse, en faire les relevés choisis, afin de les rapporter à la surface de l'art. Il s'agit d'aller plus loin pour "...identifier, comprendre et positionner un artefact en statut d'œuvre-d'art à part entière..." © (Annie d'Herpin. interview 2012). Les recherches de l'artiste au travers du "pinxitnumérica" se veulent intégrer des dimensions de reportage archéologique, de relevé visuel et d'extraversion d'une imagerie sélective et élaguée. Du fond vers la surface, mais autant du passé esthétique vers le présent. Selon Annie d'Herpin : "...le "pinxitnumérica" est un moyen technique de l'esthétique grâce à la photographie numérique, qui permet de saisir visuellement les archétypes sémantiques et sémiotiques, les caractéristiques innées de l'expression intemporelle du pictural, qui sous-tendent tout l'art abstrait et reposent au fond des abysses de l'art lui-même, qui se substratifient en logiques invisibles dans l'oeuvre-d'art, hors du champ de conscience du spectateur et que je recherche, fais apparaitre, que je fais émerger volontairement en tant que tels..." © (Annie d'Herpin. interview 2012). L'artiste joue avec les architectures abstraites plastiquement signifiantes, émouvantes, avec les échos impressionnistes, impressionnistes-abstraits, les contenus de l'abstraction, les ambivalences de réel et d'irréel, dans ce qui est peint par elle-même au préalable, pour les repositionner par le numérique photographique en des "pinxitnumérica" originaux et évocateurs, lesquels devenant constitutifs d'un nouveau langage abstrait. La créatrice arrive,  au gré de son inspiration, à saisir dans son oeuvre-étalon ce qui sera dans certains "pinxitnumérica", animé de double lecture. Ceci pour faire osciller, ou basculer, l'abstraction dans une logique de réalité et de lisibilité figurative selon la manière de regarder du spectateur. Le rapport entre l'image initiale et finale est transformé par une notion d'échelle sans que le contenu sémiotique ou sémantique ne soit touché ou modifié. Le "pinxitnumérica" n'est pas "trans-formé", mais "trans-posé" à partir de l'oeuvre-étalon devant le regard du public. Annie d'Herpin le considère comme le résultat d'un processus précis d'extraction artistique significative et de redéploiement en une autre stratification de visible. Les trois étapes-clés de la démarche de l'artiste Annie d'Herpin pour la création des "pinxitnumérica" sont : Tout d'abord phase de réalisation de l'oeuvre-peinte, ou « oeuvre-étalon ». Ensuite phase d'investigation esthétique. Enfin phase de prise-de-vue, sélection et restitution en modalité de photographies, La particularité du "pinxitnumérica" est qu'il s'agit d'une oeuvre-d'art abstraite qui véhicule en osmose, en synthèse théorique et optique, à la fois l'instantanéité de la photo, sa fonction documentaire voire historique et l'intemporalité de ce qui est définitivement peint face à l'avenir. Le territoire graphique que les pixels vont venir explorer et enregister, devient celui d'un art abstrait originel et « essentiel ». Le "pinxitnumérica", se définit alors comme prolongement et nouvel existant de l'essence première, comme extrait concentré et "exprimé" (au sens d'expurgé) à partir de l'énergie visuelle esthétique et sensible qui circule dans l'oeuvre-étalon. La démarche d'Annie d'Herpin devient alors synoptique, miroir et reflet, de toute les ambivalences de la partie et du tout et/ou inversement. Une actualité par laquelle l'artiste nous entraine dans une nouvelle « gestalt théorie » comme elle avait su le faire précédemment avec ses œuvres "sensa" dans des relations différentes de perception entre le monde, la réalité, l'environnement extérieur et l'introspection, proposant ses "sensa picturaux" comme le lien enfin conquis pour donner une réponse matérielle par l'art à toutes les ambivalences cognitives de sens et de signe, de ressenti et de senti. Novateurs à leur tour, les "pinxitnumérica" en 2012 organisent et réalisent une osmose entre l'artistique et le technique. Le technique peut aussi être l'art, la numérisation peut permettre l'évolution culturelle et de nouvelles acceptions artistiques, comme le prouvent maintenant les « pinxitnumérica », en prenant statut de représentation fidèle de tout l'insu enfoui au plus profond de l'art abstrait, (l'in-ressenti) et nous faire "trans-voir", "trans-paraître" ce qui se cache derrière l'abstraction. Annie d'Herpin en allant derrière le miroir, plus loin que la réalité objective, plus loin que l'imaginaire subjectif, au-delà de l'apparence de l'art abstrait, nous rapporte au travers de ses "pinxitnumérica" ce qu'il ne nous est pas donné de voir, de ressentir dans l'oeuvre d'art initiale. Cette artiste à su créer ainsi, modéliser par son intuition, son intervention dualiste "une autre réalité du visible" que recélait l'art abstrait. Ses œuvres-étalon abstraites et initiales sont la référence de la création ultime : Le « pinxitnumérica ». C'est un nouveau continent qu'il reste à présent à explorer, celui de la dimension qui se cache derrière l'abstraction. La communauté artistique contemporaine avant-gardiste fait généralement porter ses efforts sur la recherche de nouveaux horizons innovants, en termes de grammaires inédites, de styles exclusifs pour faire avancer l'art, la culture. Annie d'Herpin, chercheuse libre, s'inscrit en Europe dans les avant-postes de cette communauté artistique et apporte clairement et nettement quant à elle, aujourd'hui, une vraie pierre nouvelle et bien définie à cet édifice en continuelle construction qu'est la recherche internationale en art. Il appartient à présent à toutes celles et ceux qui ont un rôle à jouer dans la médiation ou la communication avec le public, de faire connaître et relayer de façon plus approfondie cette avancée esthétique européenne.

 

La peintre et photographe Annie d'Herpin, pour l'intérêt international que représentent son travail abstrait et sa création des « pinxitnumérica » s'est vue décerner la  Médaille de « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2012 le mardi 26 juin 2012.

 

Antoine Antolini, Juin 2012


 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » – Juin 2012

titre "Les pinxitnumérica de la peintre-photographe Annie d'Herpin,

une avancée dans l'art contemporain, au-delà de l'abstraction peinte"


© Texte, Antoine Antolini – Juin 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication


TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -




■ recherche artistique, styles et innovations dans les arts


■ L'univers pictural de Dominique BOYER.
Une signification colorée qui vibre d'une sensibilité fascinante. Son paysagisme impressionniste-abstrait épouse notre siècle de façon exemplaire.


FULL WATER (PLEINES EAUX) PAYSAGISME IMPRESSIONNISTE ABSTRAIT DE DOMINIQUE BOYER

FULL WATER (PLEINES EAUX) PAYSAGISME IMPRESSIONNISTE ABSTRAIT DE DOMINIQUE BOYER

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE  DE DOMINIQUE BOYER EXTRAIT N°1

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE DE DOMINIQUE BOYER EXTRAIT N°1

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE  DE DOMINIQUE BOYER   EXTRAIT N°2

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE DE DOMINIQUE BOYER EXTRAIT N°2

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE  DE DOMINIQUE BOYER EXTRAIT N° 3 (SENS ET  PALETTE)

FULL WATER (LES PLEINES EAUX) PEINTURE DE DOMINIQUE BOYER EXTRAIT N° 3 (SENS ET PALETTE)

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ETUDE DU TABLEAU "FULL WATER" PAYSAGISME IMPRESSIONNISTE-ABSTRAIT DE DOMINIQUE BOYER. La peintre Dominique Boyer produit aujourd'hui en France, un paysagisme impressionniste-abstrait, qui réinvesti de sa signifiance profonde, une implication de l'artiste dans une médiumnité esthétique entre conscience et inconscient collectif, en reportage d'un lien universel et spirituel entre l'homme et le monde. L'oeuvre de Dominique Boyer occupe sa pleine place dans l'espace contemporain. La peintre, au travers de "Full Water", son oeuvre emblématique dans sa dimension expressive, nous porte témoignage exemplaire de la puissance de son style. Bien représentatif de l'engagement de l'artiste à la fois dans les formulations visuelles aux limites de l'impressionnisme et dans les références théoriques du paysagisme abstrait. Ce tableau apporte toute la magie et la cosmicité nécessaires, pour redonner au paysage impressionniste une nouvelle amplitude avec les connotations que peuvent lui apporter l'abstraction. "Full Water" est une toile qui améliore la prise de conscience des fondements de cette modalité de peindre en style impressionniste-abstrait, dans laquelle notre pays à su s'imposer dans le XXème siècle. Historiquement, après l'Ecole de Barbizon, que nombreux situent comme la première école européenne du paysage, il semblait logique que dans la tradition paysagiste poussée aux limites du visible ou du lisble par des peintres tels Monet ou Matisse, il puisse ensuite survenir de jeunes peintres français, pour porter encore plus loin avec succès le paysage, vers les territoires de l'abstraction. Ils se distinguèrent avec un sens élaboré, une culture bien fondée, un talent personnalisé "à l'européenne", en identité pleine par rapport aux Etats-Unis ou à l'Asie de tradition ancestrale impressionniste-abstraite avec la peinture Sei-i. Le travail de Dominique Boyer, ces dernières années, à abouti à une oeuvre marquante de synthèse qu'elle a appellé "Full Water", (Pleines Eaux...). On voit une cascade homogène et lisse, avec un filet d'eau central, constituant un voile d'eau coulant par-dessus l'entrée d'une cavité. Une formulation dans les limites de l'impressionnisme; Ceci en un colorisme sobre, en tonalités déclinées de nombreuses variantes de bleus et de verts, de tons plus sombres, plus sourds, en contre-échos de luminescences, de teintes plus diaphanes, de clartés parfois vives... Dominique Boyer nous tranporte dans une étrangeté, en même temps réelle et irréelle, simultanément apaisante et angoissante, générant chez le spectateur un fascinant attrait, fait de curiosité et de sensations inconscientes... L'eau, au milieu des terres... Objet de mythes et de légendes, entre lueurs rassurantes et obscurités intriguantes, Dominique Boyer traite délicatement ce rideau qui voile d'eau la grotte, laissant en résonnance la cavité, le sens de l'itinéraire secret, là derrière la cascade... un possible retour au coeur de la terre... Sensations mises en relief dans les dialectiques telles qu'à pu les évoquer Bachelard, créant un entendement nouveau pour le paysagisme abstrait français. On est frappé dans "Full Water", par cette émanation de références aux lointaines anthologies sémiotiques, coeur de toutes choses du monde, réminiscences des allégories du passage, accès vers l'essence initiale... Dominique Boyer montre avec ce tableau que le paysage impressionniste, ne peut être simplement une approche esthétique, une relation sensible ou sensitive au réel, mais qu'il s'agit, en "l'abstractisant", d'un nouvel acte de peindre la nature et dès lors indissociablement de spiritualité par l'abstraction pour représenter cette immanence transcendante, que recèle le paysage, que le regard du peintre va venir extraire, pour l'offrir au regard du monde, de la société. L'artiste pose sur sa toile cette eau qui tombe, qui forme cet écran transparent, mystérieux et translucide, en principal plan de "Full Water". De chaque côté, en haut du tableau, c'est la roche dure et vraie, humide, qui vient telle une gardienne de l'entrée, des limites, s'ériger en borne du voile d'eau et de la cavité. Apparaît alors sur le coté de l'œuvre, sur la partie en haut à gauche, un géomorphisme stupéfiant, émouvant, impressionnant, au-delà d'un artefact, il nous crie le lien entre nature et abstraction, pour fusionner l'image de l'homme et du monde, le conscient et l'inconscient. Allusion coincidente et provocante, pleine de sens et de puissance suggestive, qui nous interpelle en un questionnement mimétique entre le moi et le réel. Dominique Boyer fait entrer ici, l'homme et la nature, en une confrontation abstraite et intersubjective. Elle peint, avec son talent intuitif, cette projection d'un inconscient collectif, individuel, en une image symbiotique qui parle de la nature, du ressenti profond, d'un  "hors-du-réel", lorsque que ce "visage-pontage" ambivalent, vient nous désigner la Terre qui va vers l'humain... L'humain quand il se reconnaît en miroir, dans la Terre... Œuvre d'un authentique paysagisme impressionniste et abstrait contemporain, réalisé par cette artiste du présent, qui vit et nous fait vivre sa peinture, tel un lien actuel et immédiat entre esprit et nature; Illustrant l'esprit de la nature... Son travail peut aider a retrouver le sens premier de l'expression artistique, depuis la nuit des temps, d'un environnement naturel, qui a conditionné notre évolution, notre état d'être pluriel. Depuis Lascaux, d'Altamira à nos jours... Lorsque sur les plus vastes continents, aux aubes des civilisations, les premières écritures retraçaient la nature en signes, en un vocabulaire idéographique initial et sacré. Dans cette peinture de Dominique Boyer, se plongent les racines de cet échange continu de l'homme avec le monde, depuis les gestualités pariétales, jusqu'aux recherches picturales les plus avant-gardistes. "Full Water" se pose, aujourd'hui, dans l'art comme une balise, un regard pictural, après les travaux de paysagistes abstraits tel Zao Wou-Ki, ou encore Manessier. Dominique Boyer, peintre au XXI ème siècle, continue à creuser aujourd'hui le sillon de ce mariage entre les impressionnistes et les abstraits, dans leurs prolongements directs de toute leur sensibilité, de leurs significations du sens et du signe. La pertinence des visions de la peintre, relie bien les conceptions fondamentales de ces mouvances. Nouvelle mission, ou nouveau rôle primordial pour le peintre, au cœur même de nos sociétés multimédias ? A notre époque où la communication rend notre monde de plus en plus virtuel, elle nous éloigne autant des impacts émotifs, des liens poétiques, de cet indispensable dialogue suggestif entre l'homme et la nature. Dominique Boyer sait aller vers les universalités, les intemporalités picturales... En proposant ce voile d'eau, couvrant, masquant, la cavité intérieure, la caverne, la grotte, ou l'abîme, son "Full Water" manifeste l'allégorie de la frontière entre les mondes du dehors et les mondes du dedans... La relation entre le monde des vivants et le monde des morts, en rejoignant les mythes initiaux comme par un universalisme induit. La peinture paysagiste de Dominique Boyer se caractérise par cette intelligence spontanée, innée, dans ses choix exceptionnellement justes et efficients du motif. Ses thèmes picturaux, particulièrement intéressants, lui permettent un langage artistique international. L'artiste sait faire de ses sujets, un traitement abouti, les rendre porteur de suggestions plurielles. Le sens de peindre de Dominique Boyer sait saisir, avec talent, l'expression archétype. L'artiste sait faire rejaillir dans notre temps, en images polysémiques, les visions fugaces de ce qui construit notre évolution sémantique, celles du paysage et des sentiments intérieurs de l'homme dans l'écrin du monde.

 

                                                                                                                                                                                     texte: Antoine Antolini, 2012

DEPARTEMENT RECHERCHE EDITIONS EDMC MULTIMEDIA © 2012

 

 "Le paysagisme impressionniste-abstrait de Dominique Boyer" © Texte, Antoine Antolini 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

A distance des étranges tournesols de Van Gogh, ou des nymphéas de Monet, Dominique Boyer, a créé une scénographie originale du sensible en peignant un tableau d'une poétique rarissime de fleurs "qui pleurent"


1 M.J.S. LARMES DE FLEURS © CREATION DE DOMINIQUE BOYER

1 M.J.S. LARMES DE FLEURS © CREATION DE DOMINIQUE BOYER

2 M.J.S LES FLEURS PLEURENT © DE DOMINIQUE BOYER

2 M.J.S LES FLEURS PLEURENT © DE DOMINIQUE BOYER

DOMINIQUE BOYER PEINTRE DECRIVANT SON TABLEAU M.J.S. A L'ESPACE MUSEAL SUD COTE D'AZUR

DOMINIQUE BOYER PEINTRE DECRIVANT SON TABLEAU M.J.S. A L'ESPACE MUSEAL SUD COTE D'AZUR

4 EXTRAIT DU TABLEAU M.J.S - LES FLEURS PLEURENT © PEINTURE DE DOMINIQUE BOYER

4 EXTRAIT DU TABLEAU M.J.S - LES FLEURS PLEURENT © PEINTURE DE DOMINIQUE BOYER

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COPYRIGHT M.J.S ou "LES FLEURS QUI PLEURENT" PEINTURE ORIGINALE DE DOMINIQUE BOYER © TEXTE ANTOINE ANTOLINI EDITIONS EDMC MULTIMEDIA 2011

 

Sous le choc de la douleur la plus cruelle qui puisse exister...l'artiste est confrontée à la disparition d'un être cher, sa fille... Dominique Boyer peindra alors M.J.S. comme un hommage à son enfant disparu, comme un cri de souffrance adressé à l'humanité entière... Une œuvre d'une fascinante beauté, d'une intensité esthétique et spirituelle supérieures, excéptionnelles, une peinture rare... Rare, de par le contenu, rare, de par l'état intérieur de la mère et peintre qui a pu la produire... Les deux étant liées. Ce tableau hors de toute évaluation matérielle possible, montre une allégorie de fleurs... qui pleurent... Cette représentation imaginaire, que certains pourraient à juste titre ressentir comme surréaliste, du fait d'une fiction du possible, rejoint toutefois l'école de l'impressionnisme abstrait, par son style pictural, sa logique expressive, habitée d'un contenu de message fort. Non point onirique, le tableau est en fait, issu de l'intention d'une interprétation de sentiments intérieurs... Ici, la peintre est dans l'expression présente de la réalité, de la douleur humaine, car elle à perdu un des êtres le plus cher à son cœur, sa fille. On se doit d'intégrer intellectuellement ce fait déterminant à la vision même du tableau, pour mieux lire, pour comprendre plus profondément le sens ultime de ce travail, pour sentir toute la portée magnificente, spirituelle de cette peinture. C'est un paroxysme, l'exacerbation d'une tristesse infinie. Les fleurs pleurent, comme une issue à un désarroi intîme de l'auteur, une extériorisation de la douleur et d'un chagrin viscéral, qui noient le cœur de l'artiste... Exemple inouï pour démontrer que l'œuvre d'art, est aussi ce réceptacle, ce territoire pour exprimer le non-dit, le ressenti, tout autrement que par des paroles. Une allégorie peinte par Dominique Boyer, comme une sublime prière, comme un souvenir vivant, comme une souffrance en tonalités et couleurs, en signes et en sensibilité... Un tableau qui montre une douleur pour rejoindre une autre souffrance, mais alors qui celle là, demeure indicible... Dominique Boyer à réalisé avec M.J.S. ce que l'on appelle, généralement, un Chef-d'œuvre. A la différence, toutefois, que ce n'est point ici l'aboutissement d'une recherche technique; c'est un témoignage artistique de la plus forte implication que puisse avoir la peinture,  en tant qu'expression du poétique signifiant, peinture expression de la "poétique" au titre de langage supérieur - Dès lors à ce titre indubitablement évocatoire de spiritualité. Les fleurs, la poésie du monde floral, est depuis toujours si intimement associée à la société, au groupe humain, cela depuis les temps les plus anciens, les fleurs à la naissance, des couronnes de fleurs autour du front synonyme de pureté, bouquets d'amoureux, des lauriers des Césars et de la gloire aux grandes gerbes funèbres in mémoriam... Mais ici, Dominique Boyer, dépasse les dimensions connues, ou conventionnelles de la symbolique des fleurs... Son tableau est un acte esthétique plus que sociétal qu'elle offre aux yeux du spectateur. Par le médium de la peinture, son domaine, son univers, elle redéfinit, re-potentialise le rôle traditionnel de la fleur pour en extrapoler un autre moyen-support artistique d'expression de la douleur humaine. Le mal-être d'un peintre qui pleure et le pinceau traduira cela, sous forme d'art. Les fleurs sont personnalisées, associées, par Dominique Boyer, comme participantes de son chagrin, en même temps celles-ci témoignent, stigmatisent la blessure, sortant de la douceur de Nature, pour ployer de tristesse sous la violence de ce drame humain qui arrache une fille à sa mère par la mort. Ces fleurs qui pleurent pour partager la peine, ces fleurs au côté du deuil... C'est au-delà de la perception possible d'un langage de fleurs, c'est une projection originale, un tableau floral d'une force unique en art par le sujet et les circonstances qui ont produit le contenu. Un signal atypique qu'a réalisé l'artiste dans l'art contemporain pour tenter de vaincre l'irréversible. Car ces fleurs sont avant tout en en elle-même, et si la peintre les transpose sur la toile c'est pour symboliser intuitivement leur mission messagère, leur donner une compassion transcendante, en extraire un lien avec tout le règne de la Nature, lorsque tout ce qui est humain est perdu, lorsque qu'il n'y a plus rien à dire, lorsque l'humain a atteint ses limites, et que seuls lui restent les pleurs pour langage de douleur... Langage des pleurs... Ces fleurs qui pleurent sont aussi souffrantes que le cri de Munch, elles sont le silence de Boyer. Un seul recours pour Dominique Boyer, avec le moyen de l'art pour en faire image intemporelle, impérissable, au-delà de la mort. Dominique Boyer en nouant pleurs et fleurs dans son tableau à donné une autre amplitude à l'expression picturale du ressenti. Dans la délicatesse, le fatalisme, hors de tout les chemins du connu, Dominique Boyer à peint M.J.S. qui entre aujourd'hui, sans bruit, dans notre culture européenne, pour dire toute la sensibilité, la subtilité de notre berceau artistique en continuel renouvellement de beauté et de noblesse d'âme dans la trépidence de notre siècle matérialiste. Souvenons-nous des tournesols polymorphes de Vincent van Gogh, dans lesquels le peintre projetait toutes ses angoisses, toutes ses hallucinations... des nénuphars de Claude Monet, suspendus dans un ailleurs évanescent plein de spiritualité; Les "fleurs qui pleurent" de Dominique Boyer prolongent avec excellence,, comme ont su le faire ces maîtres, le réel dans l'irréel... pour faire sortir des tréfonds du cœur et de la souffrance, de la peine humaine de tout ce qui est vain, la signature florale d'un autre absolu, d'une autre certitude.

 

Ce grand et beau tableau de 100X100 cm est en exposition publique et sera visible en 2011 à l'Espace Muséal des Éditions de musées et de la culture au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur.

 

texte: Antoine Antolini, Août 2011

DEPARTEMENT RECHERCHE EDITIONS EDMC MULTIMEDIA © AOUT 2011

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - Août 2011  Surtitre: "A distance des étranges tournesols de Van Gogh, ou des nymphéas de Monet, Dominique Boyer, a créé une scénographie originale du sensible en peignant un tableau d'une poétique rarissime de fleurs "qui pleurent" - Titre: "M.J.S." ou "les fleurs qui pleurent", peinture originale de Dominique Boyer" © Texte, Antoine Antolini - Août 2011

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

Martine ANCIAUX, artist-photographer,
"The Photo-Paint Martine Anciaux, A new international design."


1 Martine Anciaux,  Photo-peinture

1 Martine Anciaux, Photo-peinture

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5 -  Photo-peinture de Martine Anciaux

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9 - Photo-peinture de Martine Anciaux

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Martine ANCIAUX, artist-photographer,

"The Photo-Paint Martine Anciaux, A new international design."


A European approach to research in the arts, which has managed to transmute the status of the photo in one of contemporary painting and vice versa.

Farther than the traditional masters of the photo or painting, Martine Anciaux able to make a final ambivalent today photo and painting.

Visual artist has produced a work of European art and innovative international, which combines the new digital technologies and the most current knowledge of aesthetics. She has created a new concept of "photo-painting contemporary. (Or "painting-contemporary photography"). With a proven intent pictorial, the artist works in the photo abstraction mainly, and photographic formulations of abstract impressionism. His style, starting with an image of reality, the interpreter, abstractly or deconstructed the image to be reconstructed into new dimensions of abstract landscapes. The artist has a very European approach to confront his artistic references to painting and photography, his innovative style, the creations of other continents, lasting for long in the international art space.

1) - The search for Martine Anciaux: Its aesthetic extends over several decades, to today has an expression involving three key parameters: the concept of an abstract aesthetic advanced the technology of color as means for a photographic work as support material for a new contemporary pictorial aesthetic: the "photo-painting." His palette, his Colorist, have no limits in the optical spectrum known. His work on the light led to the creation of an effective visual that captures light energy and radiates from his creations. The aesthetic content of his work defies the most abstract paintings and contemporary hyper-realism of the most talented, so much so that the work of Martine Anciaux today raises questions about art, painting in the twenty-first century. Anciaux neutralized at the border between pigment and pixels, to give the viewer a piece of art, which contains all the elements of pictorial abstraction, presented as a new form evolved further than oil technique, or acrylics, which she calls "photo-painting". This is a bypass, an interplay between painting and applied techniques of photography in a new modality of contemporary art.

2) - The status of photo-painting: The work of Martine Anciaux, we refer to the same etymology terms "painting" and "photography", to tell us that the means of technology have changed the data of art. Drawing with colors, represent new technological approaches of experienced interior is possible ... With this plastic artist palette "pixelated" may be tempting, sensual, warm, and move the viewer's sensibility, is the paradox that teaches Martine Anciaux marking the art of this essential for the understanding of new forms of contemporary visual. How to represent an image instantly, an idea, how to produce the photo with a feeling simultaneously like a visual action painting, and that he was of abstraction, where the photo was born ...? Martine Anciaux gives us his answers by asking his concept of "photo-painting". The artist has made "transmigrate" each other the two approaches and photo paint, build inter-dependence in a single work. She has helped with his research, the area of the photo of "transgression" that of painting, in a positive and constructive. It is evolving, converging the two technologies into a new expression. The abstraction, the monochrome minimalism, but also the abstract landscape, surrealism or the hyper-realism, no secrets for Martine Anciaux.Elle redefines the redeployment. The artist knows how to provide the public with new expressions modernized, upgraded to standards and forms of the century, "phasing" technique and aesthetics with the progress. The "photo-paintings", the "photographic paintings" Martine Anciaux, have brought the status of photography in abstract painting, like painting hypperréaliste could bring the status of photography in painting. Just turn of events. Martine Anciaux has now internationally and leadership of a new art form. In his interviews in March 2010, the Centre for Research in Art and Heritage Conservation CRACP Europe-Europe, the artist has clearly stated its intent and content of this work, which is an advanced art. The realization of the video "the universe Martine Anciaux, visual artist-photographer" during testimony to the importance of his career and the international scope of its creation. Work, work, marking a milestone in time, a reference design readable, for researchers in contemporary art.

3) - Techniques of the XXI century: the visual techniques could lead only to give a new theoretical statement in art. While spending the continuous painting, his own redefinition, the new components of oils, watercolors, acrylics, dividing the territories of the picture, also in the dimensions of the hyper-realism and abstraction, contained from the 60 and 80 the seeds of this evolution. Since the pictorial compositions with inclusions of photographic pop-art, extensions, and consecutive hypperréalistes HYPP-figurative, then the realization of a computer-art in evolutionary dynamics, a computer and digital art plural "videographer" a new concept was there .. deep in gestation, a page had to be turned, a beacon had to emerge clearly in contemporary art ... Martine Anciaux in the first step and has managed a synthesis based producing a new proposal strong and international contemporary art. This may mark a useful new stage of evolution. The new stage that the work of Martine Anciaux noted the public is expected this mutation in painting as in photography. This new Martine Anciaux vision creates a symbiosis of the two arts, painting, photography, keeping their respective gasoline. Its abstraction is based on the fundamental reference currents of art, incorporates their specific logic to exceed, in a new originality. Visual artist fuses painterly and photographic art. She adapted the digital painting as a way, the picture as a support to go further into abstraction, give us access to new abstract impressionism, at the dawn of this new century.

4) - Europe and internationally. The museums and galleries. The innovation of Martine Anciaux entered the visual aesthetics of international Martine Anciaux now displays in museums and galleries in major capitals around the world, both in Europe and Asia, or America ... In Europe, in France, including Paris, Marseille and Nice, and other major cities in England in London, Dublin Ireland, Italy, Rome, Barcelona, Spain, Switzerland St. Gall, United States, New York, Miami at Florida Institute of Art, Argentina, Buenos Aires, the Museo Roca. Very popular in Asia, including Japan, the Museum of Kobe, but also in the Museum of Taiwan. Martine Anciaux be present in China, with France at the World Exposition in Shanghai.

Anthony Antolini. April 2010

Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)
Painting exhibition by the arts today. "Photo-painting Martine Anciaux" March 2010 - Exhibition Centre and the Research CRACP - Europe - F-83-Toulon/Côte-d Azure - © Text, Anthony Antolini CRACP / editorial EDMC Branch - Centre art research and heritage conservation - 2010 E-mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - © Editions museums and culture EDMC 2010 Research paper art - can be used freely whole or in extracts by any user, writers, students, journalists, citing the title, publication source and author
"Photo-painting Martine Anciaux"
© www.artisticmuseography.com - Anthony Antolini-2010
links on www.artisticmuseography.com Martine Anciaux authorized user or extracted from text according to the above arrangements

NOTE: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

ALL RIGHTS RESERVED FOR ALL COUNTRIES - ACT 11 MARS 1957

 

 

 

Claire Deville, visual artist "Materialization of formulations empty of existing, and light" ...


Statuaire cuivre

Statuaire cuivre

Claire Deville  Oeuvre statique - Nylon

Claire Deville Oeuvre statique - Nylon

Exposition Claire Deville  au Centre Art CRACP

Exposition Claire Deville au Centre Art CRACP

C. Deville installation

C. Deville installation

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Claire Deville, visual artist "Materialization of formulations empty of existing, and light" ...

"A master of form and consistency. New plastic expressions, which are inscribed in the advancement of international contemporary art today ..."

Claire Deville, considered by his work as advancing the art is integrated into the panel of referees European artists, under the auspices of the Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP). The designer is an exhibition that was conclusive. In fact, his works and methods of installation, or suspended in space by positioning statuary on pedestals transparent, with games lightings, showed a group of visual artists stage designs that are redefining the fundamental concepts of occupation of space. The artist has been chosen as the avant-garde visual artist high level by the Centre.

Introduction: Deville has to go initiating new visual identity, as so many of advanced formulations specific to contemporary art. Through the games of a material-support subtle most technically mature, the artist develops itself in metal mesh and structuring of forms, and have have seen other ways of achieving the current art be summoned before the public. By performing original capture of the shadow and light, the artist challenges the viewer through the son of metal, copper, silver, steel, stainless steel, or even nylon. .. It introduces, through various forms and cell widths, building works in the material, calling in a grammar of the compact, or a transcendent light, the essence of other aesthetic dimensions ...

I - For Claire Deville, metallo-graphics, lights and shadows, work in harmony in the work.

Claire Deville, after acquiring several years, understanding of materials most demanding, was oriented towards the use of various metals, processed in the form of filaments. She aestheticizes to perform other statutory impact. The artist produces a new sculptural differential, which said metallic vision of another world. Produced from non-standard logic, the closer in harmony with the light, and the level of its strengths, its metal-synthetic works, such as' scum of days "take us beyond the current art, to of timeless, abstract suggestions ... The visual statements that are not yet final, irreversible, irreversible ...
The works of Claire Deville, are formulations space loaded with mystery, polyvalences, the concept of presence there can be fleeting or fixed on or proven. She lives in balance, volume, contrast, form and matter, light, lights, or synthetic metallic colors ... Translation stealth, formal and informal time, transient and this, this strange sculpture framed, timeless, is likely to renew itself in as many positions complex, provided inspiration allusive and projective, feelings, sensations materialists or imaginary, such as the artist wants. These creations are predestined to link the closest touch with the idea of absolute. The works of Claire Deville, convey in their evanescence, an ethereal and intrinsic multiformis. The artist knows very well the freeze at any time by plastician original form. Claire Deville forward in the provision of works, facing the spectators, the impregnation of its deepest interiority, all the vibrations of his intimate moments-of-being the strongest. The paroxysms of the seen and the unsaid are formed in atmospheres, and exhale around these cosmetic formulations so positive. Unusual works, which remain long in comparison with the interrogative gaze of the public, which stigmatize the exhibition space. Proceedings of art in the open questioning of the ambivalences other strata of perception of other artistic, spirituality ... The piece titled "infinite" wire, compressed between two sheets of plastic, is both explanatory and allegorical, but as evocative of this area of work tirelessly explores the visual.

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Claire Deville, visual artist - II -


Claire Deville Oeuvre statique

Claire Deville Oeuvre statique

Deville Infini

Deville Infini

Oeuvre Deville Claire

Oeuvre Deville Claire

Exposition Cuivre CRACP

Exposition Cuivre CRACP

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Claire DEVILLE Détail oeuvre métal

Claire DEVILLE Détail oeuvre métal

Claire DEVILLE 254

Claire DEVILLE 254

Claire Deville Détail Oeuvre Nylon

Claire Deville Détail Oeuvre Nylon

Claire DEVILLE - Détail Oeuvre Métal

Claire DEVILLE - Détail Oeuvre Métal

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Claire Deville, visual artist (ii)

II - Structure and consistency of tiny forms in the work of Claire Deville

In various colors and thicknesses, assortments, the mixity of components, grouped in widths openwork or more narrow, raised structures Claire Deville statements can not be ignored in contemporary art today. You can see these structures declined in creating visual harmony resonances with their immediate environment. Polymorphisms polygraph, the linearity of the overlying metal internal works Deville, come emerge independently, generating other languages. Vertebrae lines of force, the axes of the metal, are reported in terms artefactual, as signs-lines from the dawn of time. Vision of the suspension space, installed above the floor, textured silver matterism, which is superimposed lines in the visual context of translucent wall background, to bring alive the recollection of a cave painting. Deville contrasts the strengths and forms of material-visual media it manufactures. She redeploy the meaning of the colors originally enslaved by judiciously combining the interaction with light and shadow, empty and full, the visual environment. The position plural work in a dialectic of reality, release all possible aesthetic, and makes the creative intervention of Deville, a trace readable in the field of artistic innovation.

Conclusion: Visual artist marks another potential identificatory, a breakthrough in the field of theories of the volume. Aesthetically, transcending the boundaries of art known procedures, extrapolating his work beyond all preconceived understandings, Claire Deville managed to break the perception, to expand into other abstract expressions. The artist creates his works by new notions about the consistency of forms.
A signature made final frame and lights, tiny structuring and plural, which propagate in our existing societal an artistic world that means instead of Claire Deville in the forefront of European art of the XXI century. His work advances the contemporary approaches to our continent, and produced a new facet of the art internationally.

Anthony Antolini, November 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Memory of the arts today - Exhibition - Installation Claire Deville, artist"
October 13-November 3, 2009 - Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in October / November 2009
Catalog Claire Deville, artist - title "Materialization of formulations empty of existing light. subtitle "A master of form and his consistency; new plastic expressions, which are inscribed in the advancement of international contemporary art today."

Text and photos © Anthony Antolini - CRACP / EDMC -
Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009
- E-Mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Internet broadcasting, audiovisual media and any support
© Editions museums and culture EDMC 2009

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

 

 

 

 

 

Jacqueline MORANDINI, abstract painter
"The meaning and sign a new language ..."
"From gesture painting the message"


Au coeur de la Terre

Au coeur de la Terre

Emotion

Emotion

Jacqueline Morandini

Jacqueline Morandini

Beauté intérieure

Beauté intérieure

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Emotion

Emotion

Exposition

Exposition

Zen attitude

Zen attitude

Souffle de l'émotion

Souffle de l'émotion

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Peintures de Morandini

Peintures de Morandini

Emotion extrait

Emotion extrait

Dans les  profondeurs de la Terre

Dans les profondeurs de la Terre

Objectif passion

Objectif passion

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Aesthetic analysis of the work by Anthony Antolini

WORK OF JACQUELINE MORANDINI


Methodology: After having read the work of the painter, a representative sample of his work was selected and exposed. On the basis of it as an aesthetic analysis has been performed directly in view of the works installed on site, in confrontation with the public. The most referred to works that have been reported are presented in the text; Moreover aesthetic analysis of the content has been prepared taking account of an interview conducted prior to the painter, to better integrate the logic of his artistic process. Morandini Jacqueline has exhibited her work at the Pole Art Publishing museums and culture (EDMC) private organization - The artist was present at various times to explain his approach to the public and clarify his work. Dates: Exhibition organized in Toulon (Var) of 8 to 27 June 2009 - entitled "Talents of the arts today" - extended until July 15, 2009 -

Works put on display
"Daydream" 2009 - (60x60cm) black and white.
"Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black and white.
"Zen Attitude" 2008 - (160x40cm) black, white. Vertical
"Emotion" 2009 (60x30cm) black, white, red.
"Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red
Objective Passion "2009 - (50x50cm) black, white, red.
"Fire" 2009 (50x50cm) white, black, yellow, orange.
"Glow" 2009 - (60x30cm) black, white, orange, yellow.
"Hot Line" 2009 (30x30cm) background orange, yellow, black, white.
"Fire" 2008 - (30x30cm) black, white, orange and yellow.
"Burning Earth" 2008 - (50x50cm) black, white, orange, yellow.
"At the heart of the Earth" 2008 - (140x40cm) black, white, orange, yellow.
"In the depths of the Earth" 2009 - (40x40 cm) copper, silver, gold

"The meaning and sign a new language ..."
"From the act of painting the message"

PART

Jacqueline Morandini expresses in his paintings being in its spirituality, creature in the world. From memory disappeared from the distant past of our civilization has been able to codify messages felt towards our environment and our future, the fates of man and the planet.
Art archetype (1), the artifactual landscapes (2) Morandini, the new universal language that the artist has constructed in our modernity, remain enigmatic and voluntarily make this artist a leading researcher in European culture.
(1) Greek arkhaios: ancient, past and tupos, model form, borrows arkhetupon; lit. ancient form, by ext. "art models a fundamental aesthetic formulation.
(Two) Latin artists factum: that the art we can define the artifact in painting, as the random effect induced and non-product appearing voluntarily in pictorial applications and the artist will construct or not according to his intentions aesthetic.

I - Analysis of the work, meaning and style

I - 1 - Painting and message of civilization.

The painting of Jacqueline Morandini modernity expresses all the questions current human face our future. The artist is interested instead of being in an environment that exists within a civilization, with its share of spirituality which is now in constant confrontation with his share of materiality questions the artist.
Morandini expresses in his work, this duality, evokes ambivalence, sometimes producing message contradictions that can spring forth. These are then projected in terms of spirituality, suffering for the being, the planet, the environment without dissociating the landscape and the human being. The two are closely linked and irreversibly interdependent. Man and Nature are one. To exist as a human, is living in harmony with an environment, an environment.
The artist brings brings the innovative vision of a different landscape, intellectualized: Feeling a landscape designer to know that feeling of being who lives and who lives is to understand and translate their feelings, sensations specific This approach allows the painter to better understand the logic of a place, a forest, a city, a sea .. a landscape may also suffer ... Morandini expresses it, tells us what feels to be living there and warns us about the suffering of Nature damaged, with worrying consequences for our civilization.
Jacqueline Morandini treats the landscape abstraction through a vision and felt that she was able to mail this in a real echoes. The traces that can produce devastating civilization on the planet today can come at stages of irreversibility if one is careful. His approach is intellectual and pictorial itself universalist in space and time. His style becomes the medium of magic messages. Thus it says in tables are the remains of more distant past, the beginning and end of things and beings, the status of this environmental issues and his backup, the uncertainty and threats of an uncertain future. His message Sentinel, crayon and significant in the foreground of his paintings, is superimposed on the deep traces of the latter plans, where we just challenge all questions polymorphisms, artifacts, abstract, landscape and semiotics, we cry the lost civilizations. The viewer can then, as a mirror to see his own past, illuminate the mind through a symbolism of signs that say it all the sense of the transitory nature of civilizations and the evolution of the fragile human being. ("Daydream" 2009 - (60x60cm) black, white .- "Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black and white. - "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - " Zen Attitude 2008 - (160x40cm) black, white. vertically - "Objective Passion" 2009 - (50x50cm) black, white, red.)
Morandini sends us the fleeting passage of time and reduces inevitably remains the most beautiful civilizations of Sumer, Egypt of the Pharaohs, Babylon or ancient Greece-What will happen to our future , our forward thinking, our advanced technology, if we do not respect nature, Planet. The artist with her paintings and convene our present state of our planet and to bring them into questioning the vision of all the past.
His work becomes a medium of collective feeling. His palette eloquent and codified in the grammar mysterious part in the awareness of our pluralistic environment and man, the future of civilization.

I -2 - Analysis of pictorial language

His pictorial language mastered instantly transports us in his paintings, the most distant past to the present, to speak about the future ... As a deciphering all the riddles of writing, the relentless quest of man to the realization of communicating his will. Morandini extrapolate all cognitive functions of the sign text to give him a new understanding and a new status. Having discussed new forms of ideographs, images, correspondence Expressions Colors signifying, Morandini gives even more meaning to the abstraction and marks the original design a new pictorial language innovation. It contains the return, sources founders of hieroglyphics and cuneiform, taking from the origins of all conventional understandings of signs and meaning transcend artistic and use it in new posts.
Beyond protosinaïques mysterious plots, ideograms shamanic; Sumerian pictographs or hieroglyphics, Morandini was able to synthesize all the talk of the wedge, we bring them to an aesthetic alchemy, magical and abstract alerts us the future of civilization today.
("Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red-Objective Passion "2009 - (50x50cm) black and white, red." In the depths of the Earth "2009 - (40x40cm) copper, silver, gold - "Daydream" 2009 - (60x60cm) black, white .- "Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black and white. "Zen Attitude" 2008 - (160x40cm) black, white. vertically - )
The painter of signs leads us color-controlled anamorphosis, artefacts well managed, intentional acts, in a new universe or we feel and see at the same time. Images, traced to deep meanings and hidden, are revealed by the artist who painted together "what is Man" and "what makes the world" ... It shows in his painting that this new link. Having been able to stylize the bridge between now, yesterday and today, in a timeless continuum.
("Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - "Purpose Passion" 2009 - (50x50cm) black, white, red.)

EDMC Editions Antoine Antolini, 2009
Aesthetic analysis of the work of abstract artist Jacqueline Morandini

END OF THE FIRST PART
BELOW: PART TWO

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify.

 

"The meaning and sign a new language ..."< br />" From the act of painting the message "


Objectif passion détails 1

Objectif passion détails 1

Objectif passion détails 2

Objectif passion détails 2

Objectif passion détails 3

Objectif passion détails 3

Zen attitude extrait

Zen attitude extrait

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Zen attitude - détails 1

Zen attitude - détails 1

Zen attitude

Zen attitude

Zen attitude

Zen attitude

Zen attitude - détails

Zen attitude - détails

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Zen attitude vue partielle

Zen attitude vue partielle

Affiche Morandini J.

Affiche Morandini J.

Exposition Jacqueline  Morandini

Exposition Jacqueline Morandini

Exposition

Exposition

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PART TWO (continued)

II - The pictorial Jacqueline Morandini
- Developments -

II - 1 - Being, civilization, a message archaeological said our future

The intellectual approach of the painter, his intention is to express a message plural: Preservation of our environment, confront the dangers of pollution, deforestation, which threaten the rights, issues of protection of nature in modern civilization , The Evolution of Man, taken as a human being, his progress since the dawn of the first time. Companies now operate in fast to the virtual, the dilemma of spirituality and materiality, the risks of unbridled consumerism, the development divisions, which are problematic is interested the artist. Look and past history shows that civilizations follow, as they are more or less ephemeral. An abstract painter, Jacqueline Morandini expresses in his work an original artistic message, humanistic and sustainable conservation and global environment, using wrenches timeless aesthetic, signs and colors that affect our most distant past and as we speak of our present and our future.
("Objective Passion" 2009 - (50x50cm) black, white, Red. - "Burning Earth" 2008 - (50x50cm) black, white, orange, yellow.)
In his concept of being, it is treated in its different levels of felt. The artist combines a range giving a meaning to colors, like a crayon grammar which it set the rules for us to talk about different levels of feeling. Concepts of spirituality and language, and higher planes, the heart and passion, the feelings of emotions, the external environment, society, language feature in its abstract, from specific colors. (See infra III). The concept of roots and the notion of depth is ubiquitous in the painter's thoughts. The roots and archaisms that mark the progress of humanity, the generic features of the evolution of human beings, the human aspiration to return to the source raster, preoccupy the artist. In his work in keeping with the artist confronts his logic, deals with interdependence, the material and the spiritual, the dilemma of the sacred, the timeless and the ephemeral, the contradictory relationship between Man and Nature, the paradoxes technological progress, and involution in the resources first. The environment, a precious heritage recognized, yet the vulgar desecration of nature, its soil and its sub-soil, the waste of its riches, all will produce as many messages alerting signs and colors in his paintings . Technological risks but also related to climate and natural part of these messages, preventive and humanists. ("In the heart of the Earth" 2008 - (140x40cm) black, white, orange, yellow .- "In the depths of the Earth" 2009 - (40x40cm) copper, silver, gold, "glow" 2009 - (60x30cm) black, white, orange, yellow.)
The artist combines the depths of the earth, and seas, in interfaces depths of the dawn of time and humanity. The colors assigned to the different states of sensitivity and feelings, are a particularly significant pallet code, which bears, to produce all elements of construction of messages.
Beyond colors, from deep within the visual codes of ancient civilizations, the artist pro, throws disturbing images, signs and abstract scenes, strange pictographs, routes spontaneous emotional evocations and projective, which frequently appeal to our collective unconscious.
(See also: "Zen Attitude" 2008 - (160x40cm) black, white. Vertically - 'Dream awake '2009 (60x60cm) black, white .- "Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black, white. - "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - "Fire" 2009 (50x50cm) white, black, yellow, orange. - "At the heart of the Earth" 2008 - (140x40cm) black background white, orange, yellow.)
II - 2 - iconography to a new language

In the painting Morandini concepts and style are closely intertwined, they are expressed simultaneously.
The painter starts against both our past, ourselves, our ability to perceive and understand the messages in our future that 's included in his works. The destinies of civilizations is also that of our contemporary world. Awareness is therefore essential. His paintings are there to talk, to help the viewer to think, to question, in trying to unravel the mystery of the artist's paintings, it will show new worlds emerge from the confines of a narrow mind towards other which are his own horizons. The viewer is then confronted with the resurgence of its own history, and more broadly to those of its origin and its future. The artist painted convene through abstraction, the ephemeral, temporal, fleeting and individuals, generations, societies that yet for a time, may be the most successful. The arts past, architectures, symbolic, myths, have failed despite all their power to withstand centuries.
The painter in his work, has made of the collapse of the archeology face of time, a new iconography. A pictorial about innovative, useful for us to warn and alert us to become our own world now.
("Daydream" 2009 - (60x60cm) black and white. - "Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black, white .- "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - " Emotion "2009 (60x30cm) black, white, red.)
By painting in the new language of archaeological timeless memory, the artist tells us that nothing is certain or permanent, for the man on the planet. The progress of civilization, whatever, does not guarantee the continuity and the painter Jacqueline Morandini we deliver the evidence in his paintings.
The semiotic aspect of his work specifically, we take the figure of speech protection of nature but also of Humankind; In a style consistency, consistency authentic. The good homogeneity of the artist's work accentuates the notion of language. The overall visual table is the result of an innovation in the sign, which is a trace, a deep groove in the art ...
Language immediately identifiable, gesture controlled architectures constructed or phraseology abstract, the viewer must know and be able to own. ("Glow" 2009 - (60x30cm) black, white, orange, yellow.)
The artist untied us all frames sacred, all multiple meanings, all levels of reading to come, put on the canvas a mysterious synthesis. Through the strength of its vocabulary and grammar gives a real language that addresses the deepest being. A fact expressed logos, ideograms, pictograms, populated imagery "shamanizing" where the viewer can walk, get lost, "intend", understand, to return to the main message, that of transitional nature of the material world that surrounds it.

II - 3 - Landscapes "artifactual" J. Morandini (style and concept)

At the heart of all civilizations, Morandini reveals in his writing abstract and pictorial, the set designs of the most secret landscapes that populate our collective past.
Each canvas is both Morandini, a mirage and reality, a resurgence in ideograms, imagery spontaneously constructed and reminiscent of a distant past. This painting is our present challenge and is today to us through his questioning multiforme. The "see" and "look" make more sense. You can enter in the foreground works in an essentially aesthetic and abstract logic, derived from the sign as a wedge architecture. It may equally enjoy the paintings in terms of tonal sobriety, color coded, or to feel the spirit of consistency in the expression of form, balance, rhythm regular ... But we can equally see and sail in the second and more distant plans that support the act of painting, to the references, the allusions, allegories of ancient landscapes, with many reminders of complex architectures, and ruins of temples, sanctuaries, acropolis, which the artist can be born of a fleeting glance. No one can remain indifferent to the keys and tell us who tracks black and white, red, ocher and gold, all fragments of plans and sections, from ancient castles, mysterious portals, stairs lost in the past, "traces" these civilizations buried deep in our unconscious ... The artist puts his keys, like so many clues to follow the plot, the writing, for us to walk between a projection objective. Beyond any anamorphic colonnaded reliefs, hieroglyphs in the middle sets, viewers can go to and come in tiers of arches and cross built spaces, symbolic forms or remnants. We come finally to question facing a silhouette anthropozoomorphe, sphinx-like winged deity or ...
A world between dream and reality, between materiality and spirituality.
A fresco imagistic and projective put on the canvas in an austere Colorist, who summons the deepest strata of our civilizations, myths and cannon, to produce a contemporary art abstrait.C message is this unique alchemy that gives us Jacqueline's talent Morandini.
("Daydream" 2009 - (60x60cm) black and white. - "Emotions" 2009 (60x30cm) black, white, red .- "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - " Zen Attitude 2008 - (160x40cm) black, white. vertically)

III - The colors and the act of painting - a style in which the message is colourism

III - 1 - the five states of color within a language:

The painter has built a range of colors in an agreement with its intimate feel. This limited range of tones and studied, 'meaning give an "expression" - language "to its sensitivity. This reflects the different states colourism its internal sensitivity in the outside world. This "language-color" involved in osmosis aesthetics, construction communicating the message Morandini. The painter developed a grammar crayon abstract and allegorical in harmony with the pigment colors of the world. His palette is archetypal and joined the conceptual message. It integrates its intentions messages in their report of colors in the world, (the fire, water, earth, sea minerals) ... These colors can express the feeling inside the artist, his reactions to the world, or to translate and interpret the feelings of human beings in its environment, similarly translate all its thematic message based on the color of this agreement it only established the resonances.
One can distinguish in his work five types of paintings, each with dominant specific staining. Each corresponding to the expression of feelings and sensations to the world. We can inventory, overall, five states of color in the expression of the work Morandini;
So the paintings:

a) - in black and white:
Treat and refer to the level of spirituality, the spirit, the relationship to be a fact, the opening, the past and beyond, the dream and float between two worlds. Dimensions of symbolism or the sacred, languages, knowledge, intelligence, but also reminiscent of our early proto, the idea of reptilian past, the rise in generic dawn of the early eras ... The pictorial representation of being and of civilization, in a symbolic column will be spine axis essential living being. Columns and colonnades that they will, symbolic, vertebrae and referents of past civilizations, architecture, temples ... Columns cultural identifiers, ionic, doric ...
"Daydream" 2009 - (60x60cm) black and white.
"Inner Beauty" 2009 - (30x30cm) black and white.
"Zen Attitude" 2008 - (160x40cm) black, white. Vertical
See also: "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red
Objective Passion "2009 - (50x50cm) black, white, red.
"In the depths of the Earth" 2009 - (40x40 cm) copper, silver, gold

b) - black, white, red: Translate the heart and passion, compassion, and humanism. The period black-white or black-white red marks the emotional side, the black-white-gold, the strengths of the planet, degeneration, the charred
Objective Passion "2009 - (50x50cm) black, white, red.
"Emotion" 2009 (60x30cm) black, white, red.
"Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red

c) - black, white, orange and yellow orange: alarm about the environment, fires, forest conservation and the planet, the social environment, consumerism - "Burning Earth" 2008 - (50x50cm) black , white, orange, yellow.
"" Fire "2009 (50x50cm) white, black, yellow, orange.
"Glow" 2009 - (60x30cm) black, white, orange, yellow.
"Hot Line" 2009 (30x30cm) background orange, yellow, black, white.
"Fire" 2008 - (30x30cm) black, white, orange and yellow.

d) - ocher, brass, gold, silver: evoke roots, origins, depth, mineral Depths both ancestral origins from the Paleolithic caves, the foster-mother earth, the planet and its resources, soil and under -soils, mineral wealth in order to preserve development of civilization in time ...
"In the depths of the Earth" 2009 - (40x40 cm) copper, silver, gold
"At the heart of the Earth" 2008 - (140x40cm) black, white, orange, yellow.
e) - blue: blue-turquoise finally evocation of the sea, the azure blue evoke the coasts, the proximity of the marine, sky, and safeguarding against pollution ...

III-2 - The act of painting: meeting between theory and technique in Morandini

- Conceptually, Jacqueline Morandini knows we propose two readings, one made of the signs and one made sense. She knows how to make the viewer's eye duality of the world on canvas, drawings and cons-plans, empty and full, black and white, good and evil, the most and least, the pros and cons, yes and no, but also more subtly how to be or exist, live or survive. The artist poses the dilemma of being and of societies, or last pass, the allusions to the lessons of these civilizations buried in the rubble of their certainties. The artist painted the conceptual, the intellectual side of a message must save a planet. It can produce this message for the mind and heart, the viewer, the company, the world ...
- Technically the artist has managed to capture all the effects of gestural painting on canvas, causing the effects of exposures of the field, maintain the appearances of light and shade, let the light-induced states, save or are anamorphs lead, strengthen his speech with full color and powerful. Manage and direct all these effects for defining them, give them direction, keeping their formulation spontaneous, expressive and abstract.
Mixed media, acrylic colors to direct rapid drying, are used, as well as applications of oil color. Sometimes fingerprints were made by the artist and customize the pictorial intervention, make more privacy to the canvas in abstraction. Gels and mixtures of pigments are used in turn forces tonal colors. The artist knows the scenography silhouettages, intensifies the s characteristics of shapes, poses and composed. By forcing the lines, sometimes superimposing them rigorously in signs, the painter deep line the path of a grammar of style very original and innovative. By modulating its hilighting thick, architecture his signs in key regulated, the painter has succeeded in arranging a whole and aesthetically elevated into speech. These incidental effects, caused, these artifacts of the original act of painting is carefully channeled, without being distorted from their original strength, to be associated sometimes complementary, or interactivity with buildings more formal, intentional, symbolic.
This is an exceptional result of know-how, extreme sensitivity, intelligence pictorial, which is finally proposed to the viewer with an ideal potential of projective and suggestion.
("Daydream" 2009 - (60x60cm) black and white. "Emotions" 2009 (60x30cm) black, white, red. - "Breath of emotion" 2008 (30x30cm) Dark, white, red - "Beauty Indoor "2009 - (30x30cm) black and white." Zen Attitude "2008 - (160x40cm) black and white. vertically -" In the depths of the Earth "2009 - (40x40cm) copper, silver, gold-)
III - 3 - Assays felt inside like so many incentives to travel

Morandini titrations are invitations, incentives to travel in his paintings. The viewer can project himself with his own history. It can take the feelings of his experience with him, his past, while the lot of his unconscious, his ability to awareness of a present and a future. There are answers in the works Morandini. It is the viewer to discover. The meeting with the message of the work will or not, that depends on the receptivity of the beholder, his imagination, his expectations, his love of art. The title is there to give a track, open a way as possible so that the viewer can walk there without anything being imposed or opposed. The bonds are first sensations, subtle evocations put a veil on the table, it is the art lover to lift, to foresee all the secrets. In this world he can go after a journey of heart, a dream trip, a journey of passion, which on arrival enlighten his reason.

IV - Conclusion museology:
An art archetype culturally innovative

A new contribution to contemporary painting:
Morandini's work redefines the concept of communication, pushing further the limits of the sign and image. Morandini's art, the viewer walks in front of and behind the mirror, signs of an aesthetic to an aesthetic sense-images. The first signs are a vehicle elsewhere.
Morandini went to art beyond the usual forms of abstraction and discovered ways to use language as the potential artifacts and their power of evocation .. She knows how to manage the visual impact and cognitive, and make post.
The artist in a semiotic codified color palette has developed a smart component to paint the world into a personal language, at once universal. Indeed, the logic that the artist has assigned the colors, keeping them in their truth and authenticity pigment that correspond to the world, as the colors of the world, makes abstract colorism Morandini archetype.
In its style, the artist mastered the art of gesture, the key to disciplining the expression and create his own artistic universe. It offers the public a work accomplished, original built and homogeneous.
This makes the art Morandini a rare work. Both in the development of his intellectual approach, as its visual expression. The artist allows the viewer to reflect on his own history, civilization, to project itself in a dimension of abstract art in worlds that may more or less appropriate depending on the intensity of his feelings.
In his act of painting, the artist managed to design and develop an original, coherent and homogeneous in erecting his Masters in logic at once personal and universal.
By creating a sign-specific iconography abstract sense, an archetype palette, the artist has created an aesthetic grammar, which builds a new form of painting in contemporary international art.

EDMC Editions Antoine Antolini, 2009

Exhibition "Talents arts today" EDMC 2009
Catalogue of the painter Jacqueline Morandini - title "The meaning and sign a new language" s / title "From the act of painting the message"
Text: Anthony Antolini - Editorial Director -
Publishing EDMC - 2009
e-mail: editions_edmc@yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
© Editions museums and culture EDMC 2009

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Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

 

 

 

Andrew Bielen painter synthesis of abstract landscape and a new contemporary symbolism


Entre deux mondes

Entre deux mondes

L'Esprit du Basilic

L'Esprit du Basilic

Le Bucher des vanités

Le Bucher des vanités

Supréma lex

Supréma lex

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Andrew Bielen painter synthesis of abstract landscape and a new contemporary symbolism

FULL TEXT © editions EDMC
See also other photos in the gallery page Bielen Site

Andre BIELEN, painter
Aesthetic analysis of the work. "The style of A. Bielen "by Anthony Antolini

"... Bielen, painter of abstract landscapes and synthesis of a new contemporary symbolism ... "

Exhibition from June 15 to July 6, 2009 - Extended to July 11, 2009
Theme pictorial works from 2005 to 2009 exposed referents:
"The bonfire of vanities" 2008 - oil on canvas (hst). 73x60cm (frame-black 110x120 cm)
"The spirit of Basil" 2009 hst. 54x65cm
"Between two worlds" 2008 hst 80x65cm
"Suprema lex" 2008 hst.46x33cm (with black frame 69x81cm)
"On the jinn" 2005 hst. 38x46cm (73x81cm with black frame)
"Fates" 2009 triptych hst.100x20x3 (triptych - with black frame 120x150cm)
"Under the wing of the dragon" hst.40x80cm 2008
Having considered the work of the painter, a representative sample of his work has been selected and displayed. On the basis of this that the aesthetic analysis has been performed. Most referred to works were presented to the public and are reported in the text; Moreover aesthetic analysis of content has been prepared taking into account the screenings conducted interviews with the painter. Andrew Bielen has exhibited at the Pole Art Publishing museums and culture (EDMC) private organization - in Toulon (Var) - Exhibition from June 15 to July 6, 2009 - Extended to July 11, 2009.
Other paintings Bielen (non-exhaustive): "Land-burned -" The World "-" Black Ocean, "-" Under the Volcano "-" Genesis "-" Nebula "-" Abyss "-" Spirit "-" Legend - "The Master-of-water" - "Les Forges de Vulcain -" Spellbinding "-" Balkys.reine of Sheba "-" Eternal war "- also a" Tribute to Leonardo da Vinci

Introduction

Andrew Bielen us into a universe which alone holds the keys. Each work offers a "vision-shock", a powerful and always different facet of the universe Bielen. The painter is part of the new generation of abstract landscape.
His painting today is the result of hard work and daily life, years of reflection on the possibilities of abstraction, on the most appropriate expression to his deep feelings. Having spent all filters pictorial experiments, the creator, born in 1956, arrived today at maturity by staying on track of his style. A dynamic, personal perseverance, and a result which is now the painter among the best performers in the family landscape "abstractisé" with its own language, in the context of European art.

I Part I - Approaches to the deeper meanings of the work of Bielen
Semantic content of the work;

1 - The confrontation between-Matter Universe and Nature

In the territory of abstraction Bielen operates today, with its cosmogonies landscape at the tip of the lineage of the great European landscape tradition. He successfully bridging the abstract landscape with the expression of a neo-symbolism.
"Between two worlds" hst 80x65cm 2008 - "Under the wing of the dragon" 2008 hst.40x80cm We will highlight in particular, throughout this aesthetic analysis of his work, the process that led to the painter this Bielen advanced in the art. With a unique pictorial interpretation of landscape, Bielen addresses both the distortion of the sign, shape or color. It explores the term schematic analytical elements of the plant, to stage a formulation Nature, in contrast with other cosmic. The painter set a new coherent and makes sense for other visions of abstract landscapes. Bielen in its treatment modernist and avant-garde landscape is pioneering a new encounter with nature. In an original approach he was able to unite, combine, elements
vegan closest to us and the most distant cosmic dimensions to develop a relationship, in dialogue, contradictions of meaning and sign, with the idea of tackling the deeper meaning of the original one hand and "finiteness" other. It marks out extreme creative curriculum landscape. As can be seen on the same painting a vision and a micro-macro-vision of Nature, when the floral wreath between contrast, in turbulent convergence, with the colors of light energy in the astral tumult. Layouts sometimes becoming finely painted graphic lines, to dishes, put into games distances and perspectives, Bielen transports us to the heart of a narrative that "transforms" the real to the abstract.

2 For the extremes of nature gesture landscaper Bielen has become abstract.

Bielen helps us to see, but also to understand what we know see that you can not see, and yet built the foundations of our remote past of consciousness. His work is a painting that would act back on space or time. He revisits the present. His act of painting before it caught, conquered, dominated, shapes and impressions from the confines of nature, to come and present it in an aestheticized vision. Reasons abound geometrized harmoniously, in a direction of jets soaring in openwork schematized in thin linearities in stems. Ribbed plots, leaf shapes, simplified, divided, grouped into assemblies, animate the foreground of the painting and make ground. Meticulously both constructed and deconstructed, such ambiguities raised in nearby raw, leafy these are a culmination of the earthly, the ultimate limits of naturalistic evolution in cosmological paradox of deep layers of the table.
In this dialogue between proximity and distance signs and meaning, between fusion generic initial magma and finishes the most fragile of Nature that Bielen us his research. His creative field investigates the dualism of absolute limits of the existing landscape, puts them into tonal resonances in thesis and antithesis narrative to produce an entirely abstract. He then exhales his paintings, these ambivalent, all feelings, all previous questions most of our humanity, we see the dawn of the mystery out of mind, to reach a strength of symbolism, spirituality. "The spirit of Basil" 2009 hst. 54x65cm - "suprema lex" 2008 hst.46x33cm (with black frame 69x81cm) - "D'jinn" 2005 hst. 38x46cm (73x81cm with black frame) -

I - 1 - The Abstraction of Landscape Bielen. Intuition of Nature, poetry and spirituality.

1 - Paint the tub and the synergy of the universe-matter in a state of landscape.

Permanent fusion and color of the material in its original state, until the highest form of links in Nature, the artist questions us, by evoking an allegorical elements of the floral kingdom fragmented. In contrast expressed meaning, signs of contrasts, contrast of eras, but the continuum, since time immemorial, Bielen painted the timeless path of evolution in fusion, combustion, to the accomplished nature, dipped in light plentiful hot and cold of the origins of the world.
"Suprema lex" 2008 hst.46x33cm (with black frame 69x81cm) - "D'jinn" 2005 hst. 38x46cm (73x81cm with black frame)
His profoundly European abstraction in the landscape reached an osmosis between "cosmicity" and spirituality in a positive translation. The artist has realized a formulation of alpha and omega, the genesis of the universe molten heading up a vegetable nature at our feet under our gaze of men. The tables Bielen date and then take note in the system of technical progress in the pictorial. They position the work in the course Bielen competing schools of abstract landscape other continents such as Asia or the United States. Semantic and semiotic constructions works Bielen, place it at the end of a diachronic which he reveals the news today.

2 - The Land lively and colorful Bielen.

It is apprehended by sensation and emotional impacts. By being able to make us accept a new terra incognita, following his intuition, Bielen generated in innovative mapping and marked the sign-meaning color-a different territory. Celeste, mineral, plant, cosmic mergers and high light. Each table brings the proposal of a balanced, or emulsion techniques colorists call a powerful grammar-color signs .... Arc-en-ciel, visions of ghosts, astral and stellar rotate and convulse in scenographies the luminous space. Out of all modes and at all times, the tables are Bielen status of this memory, the memory alive. "Materializing works both archaeological and avant-garde in the heart of our society to progress, technology, one of the essential bases of spirituality is non-cognition of the future ...
"Between two worlds" 80x65cm 2008 hst
In turn the plots and graphs delicate sheaves and branches, knots free strokes, lines, superimposed animated as signs of nature land, plant geometrical forms, which sometimes allegorical meaning other morphisms. Nature constructed and deconstructed, and then developed in bundles of rods radiating and managed by groups of fleeting shapes and furtive. Bielen marks the high point of a present, a "right here" before our eyes and give us hope, the ultimate vision of all beginnings and all ends with a new look.
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame)

I - 2 - Bielen painted felt generic cosmic mystery in a new symbolism.

1 - New contemporary symbolism

By his work, which takes us to the sensations of a mystery hidden in nature, through the new territories logical cosmogonic Bielen opens an additional field research in symbolism.
Andrew Bielen has inwardly felt, consciousness, intuition of a transcendent mystery, buried deep within him, whose expression seems to come from the cosmic dawn of time. It expresses a resurgence in his paintings. Convinced of the correct leadership of his way, he travels in an otherwise unknown to us, but familiar to him. He was able to decipher the codes and riddles of sensitive visible. He offers his works in various aspects of this perception shamanic practically belongs to him. His aesthetic is expressed from the depths of the historical art of our continent, in a glance turned towards the ultimate limits, in harmony with the sublime "with" spirituality "with the" timelessness "as if It was originally included in its notions of painting, painting in his destiny. Bielen "amalgam" then in a sense "alchemical" anticipation and the future, existing and non-being, good and evil, lightness and strength, energy and nothingness, to confront the magma timeless and the ephemeral vegetation in a paradoxical coexistence, which expresses all the vagaries of mankind. Perpetual torment original symbolic fire, pride and humility branches of leaves of all sacred.
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame)
"The spirit of Basil" 2009 hst. 54x65cm
We can not remain indifferent, neutral, doubtful, facing work Bielen, it is logically leads to accede to the fact that artistic product. Manufactured aesthetic osmosis Nature and spirituality, landscape and abstract symbolism. Bielen's painting does not need to win because it is there, omnipresent itself. This exceeds the prior-to, the tastes or modes. The painting becomes culture: "cultural". Innovative approach in its intentionality, became permanently indispensable today in contemporary art. The work of the artist, is a logical perceptual set on the canvas to reveal further, touching the mystery by his brush invisible, the impalpable essence of nature, to come by revealing that his paintings abstract landscape and Symbolism can join together in the same speech. That their language is a higher poetic fusion.

2 - In the existing being, of matter to mind.

This imaginary anecdote and color, the borders of a fantastic vision, remains a process of abstraction, a sensible representation dating from the deepest unconscious of the artist. An abstraction even stronger than an interpretation of reality, for here the expression-vision, speech, image, feeling of a real generic, based on substrates anthology of our memory of humanity. Painter foremost, Bielen, has succeeded in phasing set with the fundamental techniques of painting. This for us unveil the secrets of authentic and pure expression of the perfect performance on the canvas. It arises as an extension of the great tradition of pictorial exercise in order to bring a new term today, the synthesis of landscape, abstraction and symbolism classic.
"The spirit of Basil" 2009 hst. 54x65cm

I - 3 Sense Bielen's work as a social interface.

1 - Reality cultural work and the reference value in society.

Reason-image from the passion, reason, truth that emanates from the love of art. Paintings, paintings of reasonable balance, from a "truth" unavoidable aesthetic, which is demonstrated through an actual pictorial style. Not only works of art existing in the reality of a man, painter Bielen, but his painting is as essential to aesthetic and cultural reality. Reality of the work of art that is born into society and becomes part referring to the company. We may admit the European and international approach of this type of art, in the context of our European cultural heritage, to be positive and advance the art of abstract landscape. The painter of society to an existing design, it highlights a real culture by his act of painting. The viewer in turn, must learn to discern in this painting, in turn, its own references, those who also belong to our cultural birthplace in Europe in terms of abstract landscape. The tables show a progression Bielen, the expression of new criteria for defining artistic landscape.
"Fates" triptych hst.100x20x3 (triptych - 120x150cm black frame),
"Suprema lex" 2008 hst.46x33cm (with black frame 69x81cm)

2 - The spectator in front of the theoretical scope of the work of Bielen. The individual, society.

Leading up to the mysterious glowing in which infinities Bielen invites us interpretations of flow and energy troubling undertow, viewers can see as many fears arise, fear, anxiety, quickly ousted in favor of a wonder reassuring. The Colorist of Bielen then transmits a dynamic and vitalizing energy which includes the light. The oil painting, in its strength and sensuality allows Bielen, language and the means to broadcast publicly the most internalized felt deep in the unconscious of the artist. Unaware of the painter-medium that expresses the feelings of the collective unconscious. It produces images as much to re-situate the place of the spectator as an individual alone against the infinite. to feel that society and civilization their real contexts. A contemporary civilization faces through messages Bielen, at its own history, its future generations mirrored with the question of a future, the meaning of life.
"Fates" 2009 triptych hst.100x20x3 (triptych - with black frame 120x150cm)
"Suprema lex" 2008 hst.46x33cm (with black frame 69x81cm)
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame)

II nd part - Semiotic Approach.
Content of the work in terms of signs and messages.

II - 1 - Technical aspects to achieving aesthetic of the work
Style Bielen

1 - The choice of oil painting on canvas (HST)

The oils on canvas Bielen take us through the work of the artist overlays gradual rise to a delicacy and sensuality, which come directly serve the artist's intentions. The cosmic beauty, transparency nuances, which is also the distance, give a possible light. The eye glides and floats to be hosted in "sfumati, gradients, shades of red, orange, yellow, to convey the heart and mind to the sensible and right evocation, the manifestation of strangeness cosmic origins of life. Bielen shows well in her work how life could have arisen structured chaos, a lot of none existing ... Bielen has direct and refine his technique in the service of his painterly intentions.
In its avant-garde, the painting technique of application choices pigment colorants, intuitions Bielen to translate a cosmology, reconnect with the parameters of pigment chemistry, concepts of transformation and transmutation, the vision of the celestial and unknown world of the old masters.
A technique oriented tonal authenticity, purified with the primary colors, proven in his studio for several years now enables Bielen getting light, which by means of oil paint become incandescent-based perpetual . Stories, intensities, brightness, and asked for our view that should never die out, in line with the expression of the cosmos abstractisé, landscape sidereal interpreted by Bielen. Unprecedented convergence that allows the oil painting and the painter dares. He succeeded, in terms of pigment applications, to use the pictorial field to express the sidereal, the mineral melts. Bielen restored by the core of the most noble of oil painting, created initially to represent the world around us, from plots of this world even pigments.
Bielen reminds us the origins and spiritual mimetic art, the purpose of painting in oil. Both through faithful reflection of the world, but in the modern way of securing expression of the most subtle sensations, emotions, the most ethereal, beyond the real.
Bielen had the intuition to produce depth by various layers that make up the surface, the sanitizing of the traces, to achieve an even sharper imaging of his imagination and reality. His painting on canvas rigorous application becomes a support of his fiction-truth. treats an abstraction of what exists in nature, outside of the visible human, beyond what exists by presence.
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame)

2 - From the web at large built in table

From the canvas as key ingredient for creating, Bielen actually means dedicated his pictorial discourse. In the ways of expressing freedom, his palette firmly fixed to the ground writhing in colourism convinced the painter opened his own path towards the realization of his work tables. By "expressed" in finite sets constructed, each carrying a whole narrative. The painter convene the grand tradition of classical figuration for questioning and ask exceed the dimensions of abstract interpretation. It thus poses a dilemma to another topic, another frame, which will be the ambivalence of what is and is not.
The painter wanted his art mode of work-table, as all built as a set of artistic fulfillment, able to define and carry his message beyond the work's title, namely as an a fundamental aesthetic landscape abstract symbolism.
"Between two worlds" hst 80x65cm 2008 - "The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame) "Under the wing of the dragon" hst.40x80cm 2008

- Methods: The methodology leads a fairly normal in the painter, from the first plan that can give us the representation finely and delicately drawn, or the geometrical manifestation of the vegetable. Herbaceous foliage and tracery vegans, are led by the artist with a real constructive meticulousness to be constants in the act of painting. These first shots lyrical and meaningful nature are there and are bridge to go beyond to the depth, size of distant. Bielen knows how to play well, the statement presentations to switch perspectives to the vision of infinity, he punctuates a light opening. The modality is referent in the implementation of the work. Cosmology and Nature messages become elements of construction. The works remain in force lyrical, poetic, and spiritual are escape Bielen's approach to the compositional technique. Each work has diversity, completeness and originality of a new vision specific.
- Titration: The artist expresses through carefully selected titles that are investigating, differentiate, identify the world around them, to redeploy without directivity, a true concept of strange landscapes and abstract. It expressly understand his personality, his propensities universal, both naturalistic and immaterial, spiritual symbolism. His titles are involved and this définition.Ils also offer entertainment scenic paintings. They convey his message in terms of aesthetic intentions and other produce abstract images from judicious extrapolations. Bielen able to break through the limits of his titles and the meaning of the sign and redefines the potential of the act evocative abstract landscape.
"On the jinn" 2005 hst. 38x46cm (73x81cm with black frame) "The spirit of basil" 2009 hst. 54x65cm - "Between two worlds" 2008 hst 80x65cm

II - 2 - In his paintings Bielen managed to force the paradox of architecture.

The comparison of patterns of nature and the cosmic space, built plans and movements of color, which produce naturalistic cosmologies Bielen master the rhythms.

1st - Architecture of a work that examines the size, distance.

Dimension of space-perspective, the most distant cosmic space, the plane nearest the ground vegan; This questioning of distance is both a painter in the search for signs and meaning between proximity and distance.
- First plans and patterns shaped graphic pictorial geometrized. On a logical composition of the work, one sees first in the vicinity; there in the foreground, the artist express neatly constructed forms, very graphic, slender. Palm leaves, our imagination is challenged so allusive, almost allegorical. These forms sometimes worked in their state or part-furnished, but are grouped into jets controlled to move toward a distant or otherwise the most central intensities. Shapes, patterns, marking a time to life, and the message instead. Built forms laid on the canvas in immediate visual elaborations fragmented, but included a whole bunch of foregrounds narrative, making sense of plant motifs.
- Colors, shapes and depths. The second plans, color sets of intensity or gradient, take us instantly into the deep field of painting, often a central part to the work, which culminates in the greatest intensity between the light projection in cosmic borders with greater force, by contrasts of color and meaning that we could head for the high light intensities, the heart structures. The technical plan is cons-controlled and it tips easily and quickly from grounds, geometrization and traced the borders of the canvas. The creepage colorful and bright, converge to make the prospect of expulsion.
- Clear and dark-shadows: light and dark shadows and enhance the luminous intensities of the central parts. Dark colors and shades darker, lie on the perimeter, or enter the overall construction, to highlight in its intensity, the most vivid colors. Strong contrasts of light and shade purposes, promote animation, complex movement, twisted, coiled, fields brighter.
- Intensities of lights. A high light intensity usually marks a central, main, of the work. An area the most intense light-colored signs calling convergence sense and expresses the most distant visible. A Beyond the work appears in the highest intensities of light, dominant white, the heart of the design. Other lines of leaks, always in motion these events, eddies, flow, colored spirals, are found around, inside, treatment of cosmic space.

2 - The palette of Bielen fire; By colourism worked on the power of light, Bielen in the abstract landscape had become master of the set of ultimate limits.

The tables Bielen respond to a logic control. The color scheme is adopted in the warm hues, often in the ranges of reds, oranges and yellows, sometimes the cool colors of blue and green are also involved; The white tone, may set the highest intensities. The primary colors worked, declined, giving a great variety while maintaining a visual unity to the whole work.
A range of fire and glow, in which the yellow and orange make us live version of upheaval, revolution sidereal, with a unique aesthetic power. The palette is very compact and gives a very personal coherence signal bigger picture. We immediately recognized the painting Bielen. Primary color transparencies declined in a visual sfumati translucent, have arisen from the technical color glaze bunk Bielen. Thin layers, sophisticated, with several consecutive drying, produce a great delicacy and luminosity, essential support to its abstractions.
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame)
His tone, merged into a thousand incandescent, his glowing surround us and take us towards transcendence. Sometimes when entering into dialogue, yellow, bright red, contrasting with a blue, green, emerges a field of colored lights, like a long muffled scream, which echoes extends in all depths.
From the shattered form, deconstructed, reconstituted vegetable Bielen propels us into the confines of colorists burning or heat and mingle with shades shades diffuse, sometimes in violent colors, dazzling and dominant. Integrated synthesis of all the staining, all of cloudiness, energy colorists Bielen draw universal stories in which the voids are filled and harmonies, the existing voids and combine to tell us of other spiritualities beyond the " known ". The spirals cosmogonic Bielen confront the elements and colors, shapes and energies.
Bielen, with layers of subtle brightness and powerful built a new contemporary language of poetry and spirituality.
"On the jinn" 2005 hst. 38x46cm (73x81cm with black frame) - "The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame) - "Between two worlds" hst 80x65cm 2008 - "The spirit of basil" 2009 hst. 54x65cm
Movement forms and tensioning of color - the visual impact. A grammar serves the dual purpose and meaning. Bielen has an inventory of forms, fix them, demarcate, detours carefully. His lyrical formulations, dyes can play to make the informal state of presence and meaning. Controlled distortions of shades and colors, pushed at the height of a movement-emulsion, and sometimes dizzying deep flows, produce in the viewer an unavoidable emotion. Upheaval, questioning his feelings inside, unspeakable question between real and unreal, lead the viewer into the territories of aesthetics atypical. A pictorial world which reveals the beautiful, once the ambiguities and unspoken exceeded. Last facing the viewer, the beauty of the painting Bielen is won by an understanding by everyone inside.
"The Bonfire of the Vanities" in 2008 hst. 73x60cm (110x120 cm with black frame) "Between two worlds" hst 80x65cm 2008 - "The spirit of basil" 2009 hst. 54x65cm

II - 3 - ignore Bielen redeploy the informal part of the cognitive.
1 - A real-time completion today of the European tradition of landscape. With rigorous logic of abstraction Bielen landscape offers the viewer the mysteries of Nature revealed.

Conclusion
Its grammar confrontation plans, semantic contrasts and oppositions, its ability to modulate levels of readability, the differentials in the possible meanings of the visible based paint in high-level strata of European art. This now poses Andre Bielen indisputable as the emergence of innovative talent in the contemporary life of art, in memory of this our existing European culture. The pictorial work can be considered belonging Bielen full title to the building construction of the new contemporary painting. Their personality makes them recognize the changing news landscape of our culture, in relation to our own European heritage, as in the case of paintings from other continents, Asia, USA, Africa ...
Bielen is mature neither too fast nor too slow, it has gradually drain composite elements of his universe and paradoxical language, for we offer them simultaneously with a consistent talent. This means that Andrew Bielen able to bring its research and work in a high-level control. It can have certainty about the validity and quality of his painting for the future, on the stabilization of his art and an evolution carrier. Realists, impressionists to the symbolists, through the Expressionists, over the decades and centuries, landscapers have the reputation of our European continent. Bielen dug a deep furrow current and avant-garde abstract painting landscape today. Her pictorial is specifically with the potential to become a powerful model in the international art world.

EDMC Editions Antoine Antolini, 2009

A presentation of works by Andre Bielen was made public in June and July 2009, at the exhibition of his paintings, medium and large sizes, Pole Exposure "Art and Culture Publishing museums and culture (EDMC) to Toulon (Var) held du15 June to 11 July 2009.
Exposure to Toulon (Var) June-July 2009 - "The Stylistics Bielen, catalog painter Andre Bielen © 2009 EDMC Editions
Text: Anthony Antolini, Editorial Director Publishing museums and culture EDMC - Association L. 1901 for the promotion and development of museum and art - Founded in 1993 -

EDMC -ALL RIGHTS RESERVED -2009

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

 

 


AUTRES TEXTES DE RECHERCHE EN ART

Travaux de recherche et publications

Cf. aussi Bibliothèque Nationale de France
http://data.bnf.fr/13088711/antoine_antolini/


EDITIONS EDMC

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Lien / BIBLIOTHEQUE NATIONALE DE FRANCE

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Travaux de Recherche :

 

liens Bibliothèque Nationale de France

http://data.bnf.fr/13088711/antoine_antolini/


Etude sur " les configurations artistiques " et leurs relations avec l'imaginaire collectif, (inconscient collectif, archétypes et signifiant des formes et des couleurs...) 1996-97 Antolini
v Publication " Les Dômes-espaces et leurs concepts - Des équipements urbains originaux " 1995 - Antolini-Etude sur l'esthétique urbaine - grand format - 41 pages - Désign urbain et théories (c) - EDMC -Dépôt Légal 1995 - Bibliothèque Nationale de France, Paris - et ADAGP-Paris - (cette étude a fait l'objet d'un mémoire de Diplôme en Arts et Arts Appliqués ).

Publication " Le Linéarisme - Principes et fondements - Un nouveau concept pictural dans l'art moderne " 1998 - Antolini - Etude - Synthèse de Travaux de Recherche (c) EDMC - Dépôt Légal 1998 - Bibliothèque Nationale de France, Paris

Publication " L'Art abstrait - Concepts pour une évolution des théories de l'abstraction " - 1999 - Antolini - Ed. EDMC Dépôt Légal 2ème Trim 1999 - Bibliothèque Nationale de France, Paris - Nouvelle Edition 1er Trim. 2000

Publication - " De la systémique appliquée à l'esthétique " - 2000 -Antolini Article de recherche - Ed. Antolini. - Dépôt Légal Paris -2000

Publication : " THEORIE ARTOMETRIQUE ET ABSTRACTOMETRIQUE " © Antoine ANTOLINI, peintre - Edition Antolini - Dépôt légal Paris Décembre 2000

Publications récentes:

- sur la muséologie :

Publication : "LES NOUVELLES DIMENSIONS DE LA MUSEOLOGIE ET DE LA CONSERVATION DU PATRIMOINE" Antoine Antolini 2011 Article de recherche.

 

 

EMISSIONS RADIOPHONIQUES :


Emissions " Recherche et Formation ", sur Radio " Arc-en-ciel", radio comportant des décrochages sur Radio Vatican, devenue à présent R.C.F.,"Radio Chrétienne de France"; Antoine Antolini a constitué les contenus rédactionnels et la présentation des émissions sur la peinture contemporaine (réalisateur Christian Coulomb, ancien Universitaire.)
Antoine Antolini à créé comme animateur principal le contenu et le commentaire d'une quarantaine d'émissions sur la peinture et l'art contemporain. Ses textes ont constitué l'essentiel théorique d'explication, pour des émissions radiophoniques sur l'art abstrait. Comme animateur principal, Antoine Antolini, a présenté, lors de ces émissions, diverses de ses recherches effectuées en art contemporain et notamment :

lors des émissions radiophoniques 1997

 
-" La Gestalt-Théorie ; théories de la forme et de la couleur appliquées à la peinture moderne "
-" Les révélations du cubisme : du cubisme analytique au cubisme
synthétique " I - " Le cubisme analytique " II - " Le cubisme synthétique "
-" La géométrique du trait et de la couleur chez Mondrian "
-" les techniques picturales du cubisme "
-" L'avant-garde de l'art contemporain aux Etats-Unis "

lors des émissions radiophoniques 1998

 
-" Evolution de la représentation du sujet fixe vers la peinture de l'action dans le cubisme "
-" La relation entre le cubisme et le trait "
-" Le concept de linéarité en peinture contemporaine ".
-" Linéarité et réalité dans la peinture chinoise ancienne "
-" Volumes, perspective et modernité picturale "
-" la relation entre les concepts artistiques et la matérialité chez Tapiès ".
-" Esthétique des formes et des couleurs -équilibres et contrastes chez Poliakoff "

 

 

I. TEXTE SUIVANT EXTRAIT DE : " De la systémique appliquée à l'esthétique " - 2000 -Antolini Article de recherche - Ed. Antolini. - Dépôt Légal Paris - 2000


" Si l'œuvre d'art existe et peut permettre le repérage de la " démarche esthétique " au sens large dans le temps - chronologique - , sa " pluralité expressive ", relève du domaine intellectuel et diachronique - hors du temps - L'oeuvre peut être considérée comme un " certain degré d'expressivité " et " de concordance " entre la recherche, la volonté de l'esprit de l'artiste et la " matérialisation " finale . L'œuvre d'art - et c'est sa réelle dimension et sa portée universaliste - permet l'analyse transversale des différentes " périodes esthétiques " non seulement d'un artiste en tant que tel, mais également d'un artiste en tant que vecteur d'une esthétique sociétale "…
… " Si l'on regarde simplement et lucidement l'histoire de l'art contemporain que constatons-nous ? Le progrès de l'abstrait est plus rapide, moins " tâtonnant ", que le progrès du figuratif. Au delà de bonds en avant contemporains formels, provenant du surréalisme, de l'hyperréalisme américain ou du pop art qui constituent une évolution " de surface ", il y a eu une évolution plu lente et plus profonde de l'art figuratif au niveau de ses fondements. En fait si l'on examine les fondements conceptuels du figuratif, on peut établir qu'il évolue lui-même vers l'abstrait, et cela au travers, non seulement de la recherche coloriste sur des bases fauves, mais aussi par le développement de l'impressionnisme abstrait, qui a conduit et entraîné " la mutation du figuratif vers la figuration libre " de la toute nouvelle génération de peintres contemporains des décennies 1980 - 2OOO - De nos jours de nombreux peintres de figuration libre se considèrent abstraits - L'abstrait quant à lui, se développe en de multiples modalités picturales nouvelles, rénovantes. Cela bien au-delà des trajectoires très riches de l'informel ou du tachisme voire des monochromies ou des diverses formes de l'expressionnisme abstrait américain. Il évolue avec, par exemple, le matiérisme, le minimal art, comme en ces nouvelles formes " d'art abstrait spatial " que nous donnent à voir nombre d'installations contemporaines s'appuyant sur les matériaux les plus variés. Au niveau de la conception intellectuelle s'attachant à l'art contemporain, on peut dire qu'aujourd'hui l'art abstrait a surpassé l'art figuratif dans l'expression esthétique du monde, voire dans l'esthétique du réel d'une civilisation. Plus ces analyses porteront sur des " périodes esthétiques " éloignées dans l'espace et dans le temps, plus l'histoire de l'art pourra être approfondie avec une vision spatio-temporelle. "....

2. TEXTE SUIVANT EXTRAIT DE : " L'Art abstrait - Concepts pour une évolution des théories de l'abstraction " - 1999 - Antolini - Ed. EDMC Dépôt Légal 2ème Trim 1999 - Bibliothèque Nationale de France, Paris - Nouvelle Edition 1er Trim. 2000... " b) D


Il est important de savoir comment l'on crée... où l'on va et comment l'on peut évoluer, dans la réalisation d'une œuvre d'art .... Ces travaux de recherche m'ont permis d'établir des concepts, qui favoriseront , je pense, peut être modestement mais sûrement, un phasage actualisé et une progression, de la création contemporaine abstraite, partout ou des créateurs abstraits s'interrogent sur le devenir de leur art dans la société d'aujourd'hui. Il a été trop souvent dit que tout avait été fait dans l'abstrait... la plupart du temps par ceux-là même qui n'avaient jamais rien réalisé en abstrait. Il est temps que les créateurs abstraits démythifient la soi-disant " atteinte des limites " qu'on leur attribue, de pseudo-limites en fait. L'art n'a pas de fin, l'art contemporain abstrait n'a pas de limites intellectuelles ou techniques puisqu'il est spécifiquement création...Il n'appartient à personne d'assigner des clôtures historiques à la création, ou la considérer anéantie...nul ne peut enfermer, cantonner, l'abstrait dans un champ balisé, gradué... L'abstrait est intemporel, et par conséquent immortel... Nous peintres abstraits, sculpteurs, créateurs abstraits, connaissons la suffisance de ceux qui croient avoir tout vu et qui , en réalité, n'ont encore rien vu ... et qui n'ont qu'une infime parcelle de connaissance de l'art abstrait. Puisse, en ce sens, également, le présent essai remettre un peu les pendules à l'heure... Les voies de l'abstrait

3. L' ABSTRACTION, PAR RAPPORT AUX MODALITES D'EXPRESSION DU POETIQUE ET DU REEL DANS L'ART CONTEMPORAIN EN GENERAL...


a) La nuance entre poétique, expression picturale contemporaine et abstraction... Il y a une place spécifiquement particulière du poétique dans la peinture contemporaine en général. En fait la question fondamentale, qui peut se poser avec la poésie exprimée dans la peinture contemporaine est l'art abstrait précisément est la suivante :
- " doit-on parler d'abstraction chaque fois que l'on parle de poésie, au prétexte que la poésie n'est pas le réel ? "....
Il y a, en effet, diverses approches bien différentes en art moderne traduisant le rêve et le réel. Diverses approches picturales existent pour situer l'expression dans un rapport entre le rêve, la poésie, et le figuratif, ou l'abstrait. Le rêve, dans son expression picturale plus traditionnellement " figurative " s'est abondamment exprimé au travers du " surréalisme "... La démarche d'expression du " poétique " existe aussi dans l'abstrait (l'abstrait poétique ou lyrique) . Toutefois, dans une certaine mesure cette forme d'expression du rêve, s'exprimera dans l'abstrait en une retransposition beaucoup plus complexe et donc beaucoup plus originale, mais peut être plus difficilement " lisible " me semble-t-il. Cette modalité particulière du poétique qui appartient à l'abstrait nous la découvrirons dans cette étude avec des éclairages nouveaux. Elle procède d'autres mécanismes psychologiques, d'un autre " entendement artistique " , distincts de ceux qui engendrent la démarche figurative ou surréaliste....

b) Le rôle de la thématique dans le poétique en général.
L'on pourrait aisément ressentir aux limites extrêmes de la peinture poétique dite figurative une certaine forme d'abstraction complexe, au niveau d'un sens original du traitement poétique primaire du réel sans que l'on puisse parler de surréalisme pictural... ( cas d'œuvres de Chagall par exemple, peintre non abstrait). En cette hypothèse l'approche de Chagall pourrait s'identifier, se lire, comme un traitement poétique pur du sujet ou du thème. Son approche ne pourrait échapper à une certaine " modalité d'abstraction " d'une certaine façon. Si ce n'est par rapport au figuratif en tant que tel - qui demeure pourtant à un niveau plus ou moins puissant - çà le sera au niveau thématique par rapport à la réalité, par rapport au normatif, " aux normes du cognitif dans l'expression d'un signifiant vrai "... Cette approche toutefois sait rester à distance du surréalisme avec cette merveilleuse manière de garder les pieds dans le figuratif. Néanmoins l'on voit dans ce cas comment le figuratif pictural poétique peut pénétrer dans le champ de l'abstraction, par le traitement intellectuel et technique de la thématique; Nous verrons qu'inversement le traitement initial en abstraction, pourra intégrer, retransposer du figuratif intellectuellement et techniquement également ; cas du " paysagisme abstrait urbain "....

6. LA POESIE EXISTE-T-ELLE EN TANT QUE TELLE DANS LA PEINTURE ?


La peinture sera poésie lorsqu'elle se voudra création poétique...
La peinture est poésie au sens général ou elle est création artistique, mais surtout parce qu'elle peut, comme la poésie, être une expression sublimée de la sémantique, du cognitif. En son expression abstraite, la peinture peut rester une expression sublimée, plus ou moins distanciée du conventionnel, de la sémantique, du figuratif, en un rapport original avec le poétique... La peinture en tant que telle, plus généralement, pourra être " poésie ", bonne ou mauvaise, plaisante ou déplaisante, belle et/ou dérangeante, lorsqu'elle recherche, traduit le monde intérieur du peintre, le monde extérieur tel que le voit le peintre. L'expression si elle n'est certes pas réalisée au moyen du verbe, n'en demeure pas moins efficiente au moyen préféré de la " forme " et de la " couleur " , telle la " phrase " et le " ton "... Si la peinture est faite par des poètes, elle sera le reflet de leur état d'âme dans certains cas ; mais elle exprimera aussi très souvent une certaine vision du monde à travers cette poésie.
...
En abstrait, plus l'union se fait entre des significations encore plus distantes les unes des autres, plus la peinture sera puissante en termes d'abstraction. Le signifiant en sera d'autant plus transcendé. Voila pourquoi je trouve intéressante la peinture abstraite primaire, brute, le non-figuratif .
En réalisant une œuvre abstraite, un créateur contemporain peut ressentir que la poésie le dépasse, le guide sur son chemin ; il ouvrira la voie d'une réponse à un besoin profond, artistique, abstrait, poétique, et vivra la réalisation de son oeuvre comme un poète écrit un poème, avec simplement des formes, des couleurs, à la place des mots...Son abstraction pourra avoir une relation plus conventionnelle avec le figuratif...à partir du moment ou le langage abstrait s'appuiera sur une sémantique, sur une convention cognitive "…


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