Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose... Un talent entre matière et esprit... La peinture de Kidist Degaffe nous entraine dans un univers de pureté colorique et d' amples gestualités. Son style incomparable, conjugue une culture picturale de la lumière, de la luminosité, et une simplicité objective et directe de traitement du sujet ou du motif. Qu'il s'agisse de personnages, ou de paysages, Kidist Degaffe, sait faire se côtoyer le réel et l'immatériel, comme une peinture entre ciel et terre, entre mer et ciel ... Sa technique d'application en couches légères des pigments colorés, en à-plats dynamiques, sont toujours posés avec une intensité transparente, évanescente, diaphane... dont elle seule détient le secret... Le geste de l'artiste est abouti, long et souple. Parfois, la peintre fait converger ses touches larges, telle une symphonie de nuances, pour nous dire et rendre éclatantes sous nos yeux, toutes les profondeurs de sensations qui ressortent de son intériorité cachée. Energie de la main et justesse du pinceau... Kidist Degaffe va droit au bout de l'art, elle exprime des sentiments comme s'ils surgissaient, à l'instant même, de son contact avec le sujet. Une peinture d'émotion, vraie et incontournable, pour l'amateur du beau et de la qualité. Le regard de Kidist Degaffe, est, naturellement, plein de lumière, d'expérience, pour montrer au spectateur comment un paysage existe dans l'espace, en une dimension qui ne s'arrêtera pas à la taille du tableaux, de la toile... L' oeuvre de la peintre, ses paysages, vont plus loin, que la limite de la surface peinte du tableau, qui n'est qu'un prétexte spatial à une proposition paysagiste ouverte, parce que l'on voyagera ensuite,par le regard, en pénétrant dans l'image vers un infini lointain. Tel dans ces « Impressions de Mombasa Beach » où le spectateur se perd dans ces horizons sans limites, entre mer, terre, ciel... Ce qui est exceptionnel est que chacune des peintures de Kidist Degaffe est un véritable évènementiel, un moment d'actualité vivante, un temps-fort de « jamais-vu »... La version que l'artiste nous donne de la montagne « Saint-Victoire », est d'un fraicheur inouïe, l'amplitude du geste conduit le motif vers son paroxysme, dans une analogie à la fois figurative et impressionniste simultanément. Le pinceau, tonique et puissant, de l'artiste nous conduit de touches vivaces et  vivifiantes, de paliers en paliers, en crescendo, jusqu'à la totalité de l'image, livrée dans sa forme ultime, comme une apothéose du beau au regard du spectateur... La toile « Le Bateau » de Kidist Degaffe, vient nous dire la rencontre d'un impressionnisme abstractisé, avec une autre lumière, une autre notion de l'espace, des espaces, du mouvement. La peintre sait concrétiser l'essence intrinsèque d'un motif, sa vie et tout autant son immanence, l'intemporalité définitive de l'instant, qui ne fait pourtant que passer... Magie de l'art ou talent de Kidist Degaffe, le public seul peut le dire... De cette vision du lointain forgée dans son regard, depuis les hauts plateaux d'Addis Abeba, l'expression de l'espace, du lointain, de la distance, de la poésie cosmique, qui se dégage de la nature, du ciel et de la terre... La peintre a su s'en approprier les sensations, en faire une grammaire picturale a partir d'un sens inné. Sa peinture respire la grandeur, l'immensité, la transparence, la translucidité, que les couleurs ensoleillées de l'Ethiopie, lui ont révélées et offertes comme une nouvelle signature esthétique pour l'art européen. Kidist Degaffe possède tous ces atouts, seule elle en détient les clés, pour les promouvoir, face aux enjeux innovatoires et avant-gardistes de l'art contemporain international. Kidist Degaffe redéploie, dans le contexte du progrès pictural, une nouvelle force expressive, par le savoir de l'intensité, par la gestion technicienne de la douceur colorique; Elle témoigne, ainsi, avec « Mombasa Beach » que l'intensité tonale peut provenir d'autres paramètres, que ceux de la puissance intrinsèque du pigment, d'autres facteurs que ceux liés au potentiel chimique de la peinture... Avec Kidist Degaffe on comprend comment la lumière, si fugace, peut aussi se capturer, par le choix des confrontations de coloris doux, par la légèreté d'application sur la toile; Elle démontre bien comment un artiste peut, par une délicatesse infinie dans l'acte de peindre, un geste sûr, ample et fort, en arriver à « apprivoiser » la luminosité pour la restituer intacte dans l'oeuvre-d'art, pour la porter au regard du spectateur, comme une caresse de l'âme... C'est ainsi que procède et peint Kidist Degaffe et c'est bien cela, qui nous signale qu'elle est prête, maintenant, à devenir ici, en Europe, un maître de la peinture. Son parcours paysagiste, déjà confirmé sur des motifs européens typiques tels les « Alpes dans l'hiver », ou encore « Nuage dans les Alpes », témoignent de cette capacité de l'artiste à redonner à la peinture du paysage européen un nouveau souffle; En laissant le figuratif rendre, tout simplement, la part d'impressionnisme qui y réside naturellement, à l'état latent, basique. L'impressionnisme, comme le prouve Kidist Degaffe, est subjacent, contenu initialement dans le figuratif, et c'est la douceur lumineuse dans la représentation du paysage, qui peut en faire ressortir l'essentiel, mettre en relief et évoquer la spiritualité poétique qui y réside, toujours dans son essence même... Elle rejoint inévitablement les recherches de Paul Cézanne, pour nous dire que l'âme d'un paysage peut transparaitre, apparaître au travers d'un certain visible, et que l'artiste peut être ce lien entre le monde matériel et un au-delà esthétique... Que le passage, le pontage, du figuratif à l'impressionnisme peut se trouver inscrit dans le même geste, en simultnané dans la même couleur, la même touche. On peut dire, alors, que c'est le talent qui viendra rendre ce figuratif, impressionniste... C'est le cas de ce qui se produit dans les paysages de Kidist Degaffe, lorsque l'essence y est aussi à la fois transcendance...

Artiste internationale, connaissant non seulement l'Afrique et l'Europe, mais aussi les Etats-Unis et l'Asie, Kidist Degaffe, possède de grande qualités de cœur et d'altruisme. En effet Kidist Degaffe, a su et sait toujours, mettre son talent et ses pinceaux, au service de causes humanitaires, telles celles de la Croix-Rouge Internationale, ou bien au service d'Organisations Internationales Non-Gouvernementales, pour œuvrer en faveur de la cause de la femme, de l'enfant... Elle a apporté son concours artistique au service de l'O.N.U, avec l'UNFPA. (Fond des Nations Unies pour la Population). Actuellement Kidist Degaffe dans son atelier à Chexbres, en Suisse, prépare sa prochaine exposition de peinture de niveau international.

Le talent et l'engagement artistique de la peintre Kidist Degaffe, on été remarqués par les Editions des musées et de la culture (EDMC) et par le Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP-Europe. L'artiste a été exposée en Décembre 2011 au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Kidist Degaffe à obtenu en France, la Médaille d'Honneur des « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2011.

                                                                            Antoine Antolini. Décembre 2011.

                                                                           Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - DECEMBRE 2011 Titre: "Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose. Un talent entre matière et esprit." © Texte, Antoine Antolini – Décembre 2011 - Direction rédactionnelle, EDMC 2011 - Tel: 06 10 99 90 98

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

Le travail artistique de Sylvie Abel apporte un éclairage original sur la manière dont une artiste européenne peut vivre, aujourd'hui, dans son propre pays, la culture asiatique, en particulier la peinture japonaise. Un acte de peindre d'une valeur transculturelle, inter sociétale, qui nous apporte une actualité délocalisée de l'amour de la peinture en renversements de toutes les barrières de langues ou de civilisations. Pour Sylvie Abel, si l'art n'a pas de frontières, l'artiste non plus.... Après " japonaise au bord de l'eau " de Matisse, ou l'engouement des impressionnistes pour les estampes japonaises, voire l'attrait marqué de Van Gogh, pour le style et les graphismes japonisants, c'est un véritable mythe, au-delà même de la "Grande Vague" d'Hokusaï, que Sylvie Abel vient actualiser au présent, par son travail audacieux, empli d'une forte personnalité. En posant dans le contemporain au quotidien, au centre de  sa peinture de tous les jours, le sujet discret et grandiose à la fois, de l'art japonais, ou plus exactement de l'art des japonais; l'artiste croise son talent, sa technique de peindre avec une culture picturale très différente, celle du pays du Soleil Levant...

Sylvie Abel, dans son attitude de plénitude admirative pour le style pictural nippon, réalise en Europe, des peintures à sa manière, avec la même pertinence qu'une artiste japonaise pourrait le faire au Japon... Transculturalisme émérite ? Oui, dans le sens qu' à partir de notre berceau culturel, si dense et riche de références, cette créatrice sait aussi s' imprégner d'une culture d'ailleurs, s' immerger dans une vision artistique qui n'est pas initialement celle de son lieu de vie, de son pays... L'artiste réussit ainsi, en un exercice généreux du cœur, par ses pinceaux, à marier l'acte de peindre avec une vision du beau, non conformée aux académismes ou aux traditionnels canons gréco-romains. L'artiste exprime une créativité qui n'est pas forcément là pour poindre où l'on veut l'attendre... Pour Sylvie Abel, ce beau pictural, doit être un ressenti, sans aucun a-priori, ni formatage. Cela devient chez elle un acte esthétique et pourrait-on dire sublimement documentaire d'un art d'ailleurs... Cette merveilleuse liberté devant la toile, cette ouverture d'esprit, Sylvie Abel, joue de cette vocation, de son talent, pour mieux pénétrer, comprendre, une autre civilisation " par le peindre ". Cette démarche même, au-delà de toute autre appréciation, vient nous rappeler un certain Siècle des Lumières, lorsque nos encyclopédistes ouvraient leur entendement aux mœurs, aux arts et coutumes des autres peuples du monde dans une dimension universelle.... Sylvie Abel, à partir d'un arbre en fleurs, épuré, poétisé, sait nous emmener plus loin que des sensations habituelles, vers un chemin d' évocations simples et spirituelles, qui nous disent le temps, la vie qui passe, le bonheur; mais aussi la temporalité de notre existence, le futur et d'autres horizons, d'autres visages... De la famille nippone, en costume traditionnel, aux paysages envoutants d'une inexplicable mélancolie, avec une sérénité imperturbable, Sylvie Abel, nous invite, sans excès de couleurs, par sa palette bien réglée en tons vifs et lumineux, à mieux comprendre le Japon. Son " Baiser de la Mer " en honneur à la Nature, ses tableaux aux titrages japonais significatifs, ses portraits de femmes japonaises... c'est toute une diversité emblématique du Japon que l'artiste à filtré, pour nous donner à voir, un condensé, un essentiel. Plus qu'une expression figurative... Lorsque Foujita, natif de Tokyo, vint vivre et peindre en France, il garda une émergence asiatique, très ténue, en graphismes doux, diaphanes, sans cerner ses nus, introduisant dans l'art parisien plus qu'une élégance, en fait toute l'immatérialité et la transparence d'un art voisinant l'estampe... Foujita su montrer une peinture d'une finesse asiatique et l'appliquer à des sujets occidentaux, gracieux et souvent classiques, de nus evanescents, à des maternités a l'enfant... Une démarche d'adaptation stylistique de l'asie à l'Europe autour du choix et du contenu des modèles... Bien différente s'avère la démarche de Sylvie Abel. Celle-ci, sur des supports forts, utilise des peintures denses, peignant quant à elle en Europe, des sujets typiquement japonais. Tout comme une artiste japonaise peindrait chez elle, au Japon des personnages ou des paysages européens. Ainsi, Sylvie Abel, toujours en lien viscéral avec la nature, échappant à tous les académismes, traite dans son style, des sujets diversifiés. Elle réalise un véritable pont, utile et nécessaire, entre l'Asie et l'Occident, au travers d'œuvres compatibles pour les deux cultures. Son approche nous fait prendre conscience qu'en définitive, les goûts artistiques des spectateurs, ou bien du public, plus globalement d'un pays ou d'un continent, peuvent aimer une peinture directement au niveau des sensations du cœur, sans s'embarrasser d'une validation identificatoire, de telle ou telle spécificité culturelle. La peintre nous démontre, avant tout, que la culture peut et doit être universelle, sous quelque latitude que ce soit. Ce qui est le plus important pour elle c'est l'intensité de sensibilité qui se dégagera dans les ressentis profonds, dans sa poésie mise en peinture, recherchant les mystères immémoriaux qui émannent des personnages ou de de la nature, la fraicheur d'un sujet. Sylvie Abel a su mettre en situation esthétique une grammaire picturale lointaine. Elle sait nous faire restitution de la subtilité, de la délicatesse, de l'émotion, que contient cette peinture; nous offrant les séduisantes visions de ses aspects les plus narratifs, telle une talentueuse peintre, certes, mais aussi comme une véritable messagère artistique du Japon.

Sylvie Abel à obtenu pour l'ensemble de son œuvre en rapport avec le Japon, la Médaille d'Honneur "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2011.

Antoine Antolini, septembre 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - SEPTEMBRE 2011"  © Titre: "Sylvie Abel, ou comment une peintre européenne perçoit picturalement le monde asiatique et en particulier le Japon. Elle offre un univers artistique transculturel où dominent spontanéité et pureté." Texte, Antoine Antolini - Septembre 2011 - Direction rédactionnelle, Centre de recherche en Art C.R.A.C.P.-Europe 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

"MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." 

Mic : innove par deux caractéristiques qu'il convient de mettre en relief; tout d'abord l'artiste canalise la spontanéité de l'action painting américaine pour l'appliquer au paysagisme abstrait français, mariant ainsi d'une certaine manière, de grands courants américains et français de l'abstraction. Ensuite la créatrice pratique une nouvelle façon de peindre son paysagisme abstrait ou son abstraction, en dansant... Une peinture en gestualité mouvante... un vide dans la dynamique expressive de "l'action painting" que l'artiste à ainsi comblé.

Réminiscence oubliée de la danse tribale devant le totem peint, ou échos des musiques technos enfouies dans les florilèges des volutes colorées des nights... Cet artiste danse sur le sol juste devant l'œuvre tout en la réalisant... Exit, ici, le dripping à la Pollock, c'est là une autre forme de concentration "hors du monde" ambiant, et en même temps un phasage, une connexion à la toile, générant la libération d'une nouvelle action de peindre. Issue de l'énergie de tout l'ensemble du corps de Mic, en rythme, tendu vers la spontanéité totale, c'est cet élan qui mène Mic vers l'absolu pictural... Elle propose ainsi une nouvelle étape créative: celle des paysages abstraits « dansés », comme nul autre ne l'osa - ou n'y songea - même au temps des anthropomorphies de Klein. Elle innove en créant par sa peinture une autre apothéose colorique et sensible, une autre méthodologie abstraite du paysagisme actuel. L'artiste rend par sa façon originale un honneur enthousiaste, souverain et nouveau à la Nature; tout autant à l'acte de peindre par un paysagisme abstrait contemporain des plus avancés... Libérée de toutes les chaines du conventionnel, de tous les blocages de l'idée construite, des graphismes à équilibrer, Mic, projette une autre conscience du pictural sur ses toiles, en créant des œuvres grandioses animées de toutes les amplitudes culturelles, au-delà des limites de tous nos acquis visuels, de tous nos horizons... Mic (Micheline Siauve) est arrivée à cette phase, après avoir progressé sur un itinéraire au cours duquel elle su expérimenter diverses approches picturales, des plus basiques au plus complexes. Toutefois, c'est à la suite d'un évènement majeur et soudain, qui marqua durement sa vie par la disparition d'un être cher, qu'elle s'orientera vers l'abstraction. Vers un ailleurs qui semble désormais mieux lui convenir, qui lui colle à la peau, c'est sa fenêtre ouverte sur le futur. Plus qu'une nouvelle logique, c'est la rencontre avec une autre conception d'un monde sans contrainte, une autre façon de ressentir l'art sans a-prioris didactiques ou programmés. Aujourd'hui la peintre Mic, nous donne à voir son esthétique étonnante, par laquelle elle conjugue colorismes éclatants et diffus, touches puissantes et gestuelles, tracés jaillissants ou plus signifiants... L'abstraction de Mic peut quand on l'aime et la suit, nous entraîner dans deux dimensions différentes, dans deux sortes de grammaires particulières. D'une part c'est une abstraction paysagiste, qui emportera le spectateur dans une sensation cosmique, face à la l'immensité de nature; avec « Lac soleil », c'est un au-delà de plénitude imaginative, en magma planétaire et tout autant immatériel... Un contentement admiratif, vous envahit les yeux et le cœur... Sa toile « Océanique », redéploie quant à elle un paysage quasiment transcendé, revisité pour réapprendre au spectateur les sens oubliés ou disparus de l'infinie beauté des éléments, lorsque mer et cieux se marient sur l'horizon... Tandis qu'un « Soleil Levant » enflammé vient nous dire la lumière et le feu, crier tout ce qui nous dépasse, pour nous questionner sur tout ce que l'on peut voir ou comprendre d'éternité chaque jour, de chaleur ou de vie... D'autre part, la grammaire de Mic, sait aussi très bien offrir une abstraction pure, qui restera essentiellement gestuelle, totalement non-figurative, évocatrice, interprétative, simplement émouvante, bouleversante de sensations étranges... Son talent d'artiste marquera parfois en synthèse une expression ultime des rythmes à la frontière entre paysage abstrait et recherches sur la lumière, sa puissance colorique... Ainsi « Arizona »  et « Energie » ont été présentées pour cela à côté l'une de l'autre au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur en Aout 2011, pour montrer au public du Sud, l'évidente interpénétration de deux univers d'abstraction qui se relient chez Mic, entre une nature ensoleillée suggestive et géographique et la représentation complémentaire de forces cosmiques immatérielles... Des tonalités rougeoyantes et jaunes dans ces deux tableaux sont frappantes au regard, irradient des intensités et des vibrations rayonnantes. La peintre Mic, sait faire rendre aux pigments tout ce qu'ils peuvent contenir d'éclat. Canaliser celui-ci, le faire sur jaillir encore plus, par l' impact du geste, de la danse qu'elle y ajoute. Souvent elle pousse la couleur pour lui faire prendre le sens d'allégories paysagistes, de ressentis... Mic intériorise...pour mieux extérioriser cette immensité du monde, avec une palette aux résonances vives, aiguës, assourdissantes. Son pinceau lance des échos éblouissants, pour dire une énergie au-dehors, comme celle qui bouillonne en elle au-dedans; Mic veut capturer cette beauté inouïe du paysage... elle a réussi à peindre plus loin que le visible … Tonalités surprenantes des ressentis les plus profonds pour un public définitivement conquis. Mic, aujourd'hui, en associant la musique, le son, le rythme, au jeu de son corps en mouvement, avec le pinceau à la main, comme un sismographe du cœur, va rendre la passion à l'état de matière, nous livrer ainsi sur la toile une vérité personnelle, avant-gardiste, authentiquement magistrale dans le contemporain... Son travail, son engagement artistique total sait nous faire entrevoir une spiritualité, tous ces possibles, accessibles dans ses toiles ... Si Mic a choisi un médium direct tel l'acrylique, c'est pour mieux ressentir, figer, dans l'immédiateté, dans l'instant, le rendu de la touche, pour contrôler son geste en direction de l'idée qu'elle veut atteindre sans détours. Une vérité qu'elle veut par la rapidité d'application, poser son rythme au sens le plus littéral du terme, sa peinture résultant la plupart du temps de sa danse, de son tempo devant la toile. Danse d'amour ? Danse guerrière ? ou tout simplement Danse de vie ?... C'est bien cette gestualité plastique de tout un corps qui exulte de convictions, dont le pinceau reste le seul lien sur la toile entre existant et esprit, qui fait la différence, le talent ... Le geste de Mic, est par essence à la fois son et couleur, va souder la toile à l'ultime instant de l'idée. Dire que Mic apporte un style abouti est une évidence, son œuvre est issue non seulement de sa main, mais à la fois de son corps, de son esprit, de son âme; sa peinture est en provenance directe des profondeurs conscientes et inconscientes de son être même.

Mic a obtenu en 2011 la Médaille "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 

Antoine Antolini, Août 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - Août 2011 ""MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." © Texte, Antoine Antolini - Août 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

Sa peinture, issue d'une créativité sans limite, non-bridée par des intentions préalables, constitue une synthèse entre imaginaire, surréalisme, abstraction, allégories poétiques... Son œuvre apporte ainsi à travers une démarche atypique, une synthèse esthétique, un témoignage supplémentaire sur la frontière séparant l'onirisme pictural surréaliste et l'interprétation abstraite du réel...

Nelly Tapin Hermouet a obtenu la Médaille " Talent des Arts d'Aujourd'hui " 2011, au titre de son travail pictural, mettant en évidence un univers personnel, original, qui reflète spontanément d'importantes références européennes du surréalisme et de l'abstraction lyrique.

L'acte artistique de la peintre est d'une actualité forte par ce carrefour stylistique qui lui est propre. Elle marque aujourd'hui une symbiose essentielle, qui s'inscrit dans le prolongement des modalités d'expressions modernes et contemporaines européennes de la peinture de notre seconde moitié du XXème siècle. L'artiste en redéploie aujourd'hui une nouvelle forme, de façon innée... voire inédite. Une peinture que Nelly Tapin Hermouet réalise, en provenance directe de son intériorité. Les formes et les couleurs sont posées sur la toile pour devenir une œuvre, que le pinceau, l'inspiration directe, guidera jusqu'à son terme, jusqu'à la construction définitive, qui au final, prendra un sens préçis. C'est son talent qui fait que, sans a-priori du résultat final, c'est sur la toile même que l'artiste façonnera l'œuvre, en fera exister le sens dans notre visuel. La peintre amènera le sujet au conscient, à partir de ce qui est enfoui au plus profond d'elle-même. C'est ainsi que surréalisme et abstraction lyrique se marieront, en harmonies synoptiques sur ses toiles. Entre conscience humaine comme avec son tableau "Spermatozoïde" ou inconscient sociétal comme avec "Empreintes" ou "Troisième Œil"... On peut admirer une peinture audacieuse en narrations extrapôlées, une interprétation onirique innée, sinon automatique, qui ne déplairait pas à André Breton, ni même à Hans Arp, pour lequel le surréalisme ou l'abstrait n'avaient pas de secrets. La grammaire de Nelly Tapin Hermouet, comporte une formulation graphique et un colorisme bien reconnaissables, qui donnent une unité à son travail, un style. Le contenu est anecdotique, riche d'une complexité "appétible" au regard... Les titres, bien choisis, proposent un sens de lecture intéressant, constructif, ludique. Face aux tableaux en exposition le spectateur est tout-d'abord "impacté", par un florilège lyrique de signes et de sens, dont l'artiste va lui révéler, démêler, l'alchimie signifiante par ses titrages. Lesquels produisent un soudain insight, une compréhension subite, alors rassurante et qui emporte l'adhésion du public. La peinture de Nelly Tapin Hermouet plait, attire, intrigue et questionne les spectateurs de toutes générations. Si le public interroge la peintre, on peut entendre et voir l'artiste répondre, expliquer volontiers son travail, sa sensibilité, sa démarche, tout en faisant partager son amour de l'art, de la peinture, et toute la mesure, l'intelligence, qu'il y a finalement dans ce que l'on pourrait croire être démesure... Mais c'est aussi la force du message esthétique de l'artiste qui prime, son ressenti. Nelly Tapin Hermouet, manie le pinceau comme un outil de langage. Cette créatrice à conquis un territoire pictural, elle y est à l'aise, elle s'y promène au fil de chacun de ses tableaux. Elle a bâti ainsi chaque jour son univers. La structuration de ses œuvres, leurs architectures, sont autant chez la peintre un acte créatif. On peut voir, par exemple, dans son tableau " Chaise ordinateur", comment les aménagements de la perspective font étrangement échos à la révolution des modernes; lorsque Cézanne lui-même, rompait la notion d'équilibre, pour construire une nouvelle image, préfigurant les recherches cubistes. C'est aujourd'hui, en échappant ainsi, par elle-même, à toute pré-construction logique, que Nelly Tapin Hermouet, rejoint par son abstraction surréaliste lyrique, une nouvelle proposition de message. Tel, un anti-dogmatisme pictural et ...informatique avec "Chaise ordinateur", sujet en prise directe avec notre époque, qui a fait l'objet de l'affiche de son exposition au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, en Juillet 2011. Tableau qui signale bien cette synthèse que véhicule le travail de l'artiste, mais aussi, les fonctions sentinelles et éclairantes que peut revêtir une telle oeuvre-d'art dans la société. Enfin « Le Bateau » est bien celui qui nous emporte vers des terres inconnues, lorsque Nelly Tapin Hermouet devient conquistador d'un nouveau continent, celui issu de son imaginaire, au coeur d'un immense océan sur lequel elle tient bon le cap. "Le Bateau" devient alors emblématique du talent de l'artiste, de l'ensemble allégorique, imaginaire, qu'elle sait traduire et scénographier en nouvelles formulations de beauté sous nos yeux. Grâce à la peinture, elle tansforme ses idées en thématiques et créations, en maîtrisant toute l'osmose, pour nous offrir, nous faire découvrir, partager une autre poésie, une autre ...irréalité, celle d'un monde intérieur unique.

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    "Nelly TAPIN HERMOUET, après MIRÒ et les Surréalistes aux tendances abstraites, la peintre est parvenue à créer un nouvel imaginaire lyrique. Avec une grammaire innée, elle en détient les précieuses clés." © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

Dominique Boyer est une artiste qui sait produire une abstraction à connotation européenne, distincte de tout ce qui peut être issu d'autres continents, sa peinture possède les références de la modernité et de notre berceau culturel. De Matisse aux paysagistes abstraits, la peintre réussit à redéployer l'art informel en de nouvelles sensations signifiantes, par de nouveaux pontages entre matière et esprit. Dominique Boyer a réussi à faire de son message d'abstraction l'ultime miroir du monde. Elle sait évoluer avec une grande aisance, au-delà des limites de l'impressionnisme, pour nous montrer d' autres univers. La peintre  sait capturer, retenir, exprimer sur ses toiles, les ressentis évanescents, les émotions les plus éthérées,  les plus intimes, de tout ce qui nous environne, mais que nous ne percevons que partiellement... et elle vient les poser là, sur ses toiles, en formes et couleurs, devant nos yeux, avec une maestria éblouissante.

I- Quand impressionnisme et abstraction fusionnent en sensations ultimes;

Dominique Boyer redonne dans ses oeuvres, par ses élans du cœur, par l'intelligence de son pinceau, la plénitude de l'impact premier que nous livre le monde. Elle a revisité le sensible pour en faire avec chaque œuvre de véritables actes d'art... C'est une artiste qui maîtrise avant tout, les divers aspects techniques de la peinture, mais qui connaît, de plus, les différents chemins secrets qui conduisent à l'abstraction, aux abstractions... Abstraire; pour Dominique Boyer, ses pinceaux sont comme autant de clés pour ouvrir de nouvelles portes sur la vie, sa palette, ses palettes, sont le moyen de dépasser le quotidien pour figer de façon intemporelle ses états d'être... son état d'âme... au sens littéral du terme... Une peintre qui parvient à faire aller son œuvre dans le sens de ses pensées, en figer les plus fugaces, faire vibrer les non-dits par les formes et les couleurs, apportant ainsi un nouveau langage de sensibilité et de subtilité. Son style, qui lui est si personnel, sa grammaire, interprètent parfois des joies, mais aussi des souffrances de ces temps de réel qui nous imposent des faits incontournables.... (M.J.S. 100 x100 cm). Un style épuré, direct, le talent du peintre sait garder un lien délicat avec la réalité, la nature, comme avec « Essential Flowers » ( 90x90cm). Le titre de son tableau évoque ce qu'il peu y avoir de plus immatériel dans les fleurs, depuis un parfum jusqu'aux essences intrinsèques, mais aussi en terme pictural ce que le regard va pouvoir retenir de sensations esthétiques. La beauté des fleurs est devenue ainsi message emblématique dans ce tableau, des couleurs qui s'entrecroisent en dominantes de tonalités vives ou plus diaphanes... L'art de Dominique Boyer nous dit cela en un effleurement du vrai, qu'elle vient rendre poétique, qui laisse le public entre rêve et réalité, entre sensations du connu et immatérialité flottante... Aura de fleurs que l'on pourrait presque respirer... C'est là le don de cette artiste. Elle sait intuitivement sélectionner dans un sujet ce qui le caractérise le mieux, pour en faire une image « synoptique », qui synthétisera tous ses paramètres visuels mais aussi culturels, en une réflectivité tout autant sémantique que sémiotique: le dénominateur commun est harmonie, goût, une certaine beauté, dont elle détient le savoir du faire-voir. Son tableau « Flamenco » (98x65cm) vient montrer à quel point la peintre peut en quelques touches , en quelques coloris, traduire avec une splendide justesse tout un monde de danse, une culture ancestrale... Avec la couleur et le pinceau, Dominique Boyer sait parler toutes les langues, directement au cœur et à l'esprit du public, pour lui faire comprendre, apparaître aux yeux, la vraie force, l'énergie, le mystère, mais aussi le rythme qui peuvent s'inscrire dans les profondeurs d'un thème ou d'un sujet... C'est ainsi qu'elle incarne bien en Europe toute la magie de notre peinture abstraite, l'écho de nos impressionnismes irréels, creusant le sillon de notre histoire picturale contemporaine. L'artiste au travers de ses fins dosages entre imageries explicites et richesse introspective, jusqu'aux expressions contrôlées des abysses sensuelles de sa peinture à l'huile est exemplaire des nouveaux regards actuels... Face au spectateur conquis.

II - La liberté de créer, le choix de Dominique Boyer. La peintre a érigé sa conception contemporaine du pictural en un style  non-conventionnel, signe du XXI ème siècle.

Le style de l'artiste est avant tout une liberté. Il y a dans l'art des approches plasticiennes, par lesquelles les peintres voudront que leur geste soit aussi expression identificatrice, par l'uniformisation de la palette, de tonalités, de graphismes, voire de thème. Ceci depuis des siècles, du figuratif à l'abstrait. Ce qui en soi est une logique dans la peinture depuis les primitifs de la pré-Renaissance, jusqu'à nos jours. Or, si elle a pu faire école du passé, aujourd'hui pour Dominique Boyer, peindre doit exprimer une création certes, mais aussi une créativité. C'est pour cela qu'elle s'élance dans un renouvellement audacieux avec chaque toile, rendant son geste encore plus original, son abstraction encore plus avancée. Si le style reste aux frontières de l'impressionnisme et de l'abstraction, elle ne se fait pas obligation de s'astreindre, avec ses colorismes différenciés selon les sensations, car elle ne veut rien convenir d'avance avec elle-même, pour ne pas brider les muses, elle veut laisser le flux de son inspiration venir se poser intact sur ses toiles en une modalité initiale, spontanée, de formes, de nuances, en éclosion du tableau, en une apothéose finale... Elle appartient à ces nouvelles générations de peintres dans notre société du présent, qui veulent aller au delà de tout à-priori, de toutes normes académiques ou doctorales, afin de transcender les fondements picturaux pour poser d'autres visions plus nouvelles, innovantes. Le talent, voire, le don de Dominique Boyer, lui dicte sa grammaire esthétique et cela est suffisant. Elle incarne cette hyper-sensibilité féminine qui trouve dans la peinture un mode d'expression noble, pour crier son bonheur ou bien sa peine, en des allégories immatérielles émouvantes, telles avec ces fleurs qui pleurent (M.J.S. 100 x100 cm). C'est le besoin de pousser la peinture plus loin, pour en faire ressortir une dynamique de modernité. S'étant peu a peu libérée de l'image figurative, l'artiste à finalement fait le choix de résonances autres, su accéder aux territoires abstraits dans lesquels elle peut, par le moindre signe, générer des éruptions bouillonnantes de sentiments aux spiritualités bouleversantes. C'est cela le plus vital, le plus authentique pour Dominique Boyer, lorsqu'elle fait danser son pinceau sur la toile. Un regard et une grâce de peindre, cet insight qui lui donne une lumière intérieure qu'elle transmet, pour faire s'élever le spectateur vers d'autres valeurs de l'art, mais aussi vers d'autres dimensions de lui-même. Dominique Boyer, sélectionnée « Talent des Arts d'Aujourd'hui » 2011, en présentation aux Espaces muséaux du Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur, marque une peinture européenne, qui mérite d'être connue aussi bien en Chine qu'aux U.S.A., parce-qu'il s'agit là de quelque-chose de notre art d'Europe, que l'artiste fait jaillir à la surface du monde et de la culture internationale.

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    « Dominique BOYER, peintre. Un exemple des nouvelles mouvances stylistiques contemporaines de l'abstraction. Loin de toutes uniformisations de palette ou d'expressions, elle incarne la liberté créative.» © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

Nathalie Richard, peintre, Médaille d'Honneur "Talent des Arts d'Aujourd'hui" 2011

L'EXPRESSION DU PORTRAIT, SON STYLE, LA REPRÉSENTATION QUE LES ARTISTES ONT SU EN FAIRE DE LEONARD DE VINCI A REMBRAND, DE MATISSE A PICASSO, MAIS AUTANT, OUTRE-ATLANTIQUE, D'ANDY WARROL A WILLEM DE KOONING, CE FUT ET C'EST TOUJOURS UN TERRAIN PRIVILÉGIÉ DE CRÉATIVITÉ ET D'INNOVATION ARTISTIQUES ; EXERCICE HAUTEMENT COMPLEXE, L'ART DU PORTRAIT PEUT ÊTRE SOUVENT LE REFLET D'UNE SOCIÉTÉ, D'UNE ÉPOQUE... IL VÉHICULE UNE SÉMIOTIQUE DE MODERNITÉ ET DE PROGRÈS... EN FRANCE, AUJOURD'HUI, LA PEINTRE NATHALIE RICHARD, STABILISE UNE GRAMMAIRE ET UNE PALETTE POUR GÉNÉRER UNE AVANCÉE INTERNATIONALE. L'ARTISTE, REFONDE ET DÉVELOPPE LES RÉFÉRENCES DU DOMAINE EN DE NOUVELLES ACCEPTIONS ESTHETIQUES; LA PEINTRE SAUVEGARDE L'IMAGE INITIALE DU VISAGE POUR LA POUSSER AU-DELA DU RÉEL, EN UNE INTERVENTION PLASTIQUE AVEC DES ÉQUILIBRES DE FORMES ET DE COULEURS, AVANT-GARDISTES ET MESURÉS. PAR SA RECHERCHE, SES EFFORTS THÉORIQUES ET PICTURAUX, ELLE APPORTE DE NOUVELLES CONCEPTIONS BIEN FONDÉES POUR UN NOUVEAU PORTRAIT HORS DE TOUT DÉJA-VU.

Nathalie Richard à vu son talent émerger tout naturellement, comme une réponse à un état intérieur. Sa peinture, tel un fleuve débordant un barrage, s'exprime en diverses thématiques, que l'on peut résumer en trois grands axes, les portraits, les nus, les paysages urbains. Ce sont les portraits qui mobilisent le plus aujourd'hui la capacité créative de Nathalie Richard, voire l'intérêt du public. La peintre a su trouver dans cette voie matière à innovation. Cela n'est point une discipline facile à renouveler, certes, toutefois comme pour toutes découvertes, c'est un peu le fruit du hasard, mais aussi disons-le, tout autant, beaucoup de travail assidu sur la toile. Les années sont relatives en peinture, selon les efforts et le temps que chacun voudra ou peut y consacrer, selon sa volonté... sa motivation. La réussite de Nathalie Richard montre que l'ingrédient essentiel reste pourtant le talent. Le public ne s'y trompe pas et se trouve interloqué devant ses tableaux de portraits, ses visages, ses personnages, et ressent parfois une sensation familière, de déjà connaître, de déjà avoir vu en exposition cette artiste... Il y a en fait dans les portraits de Nathalie Richard une osmose des plus grandes tendances de l'art moderne et contemporain. L'artiste a su les mettre en synthèse, en harmonie, faire une symbiose, avec une aisance de création déconcertante. Une simplicité de savoir-faire, ceci parce qu'elle a su trouver, comme un chercheur, la bonne équation. Parce qu'elle avait besoin de faire sortir quelque-chose qui était enfoui en elle. A partir de là, c'est un univers portraitiste fort, puissant, abouti, qu'elle décline avec brio, qui fascine et subjugue immanquablement le spectateur... Du fauvisme à l'action painting, Nathalie Richard peint, laissant aller ses pulsions de dripping animer un colorisme cru, parfois violent, mais toujours mesuré, atténué. La lisibilité des formes qu'elle propose, avec des ombraisons très colorées font jouer une autre réalité sous nos yeux. Un figuratif portraitiste qui a su unir des tendances Matissiennes et fauves avec les fougues de l'école américaine des tous débuts du contemporain. Une peinture audacieuse ? Bien sûr, car l'artiste est sortie des sentiers battus sans perdre les références essentielles du progrès de l'art. C'est bien pour cela que cette peinture reste européenne et ne peut être confondue, ni avec de l'art asiatique, ni même américain. L'alchimie des portraits de Nathalie Richard, lui est propre, et l'on voit l'artiste construire son œuvre avec bonheur en gardant son cap, sans inhibitions, en toute liberté. Bien fondé, son travail sur le portrait ne cesse ainsi d'avancer. Les intuitions de l'artiste prennent corps avec succès dans un sourire, un regard, parfois dans l'ambiance diffuse d'un entrelacement de jets de couleurs, de gouttes de peintures, de gestes spontanés, de contrastes atypiques, qui nous feront découvrir les sensations étranges d'une peinture attractive; Nathalie Richard nous fait percevoir la vérité du personnage à partir du plus profond de nous-même. Si l'artiste trouve du plaisir à peindre, elle transmet souvent dans ses toiles une atmosphère optimiste. Elle crée ses visages comme autant de scénographies expressives. Ses tableaux nous interpellent particulièrement sur la vie intérieure de ses personnages. Et c'est bien là où l'on reconnaît le talent du peintre. Chaque figure a sa propre histoire. Une mimique spécifique qui est comme la vision concrète d'un caractère, d'un reflet d'âme... Nathalie Richard est devenue une peintre de paysages intérieurs. Elle traduit un monde introverti qu'elle fait remonter à la surface, dans un regard, un sourire, un cri, une moue... Des paysages intérieurs humains, vivants... un vécu qui transparait au travers d'un aspect parfois rude. Peindre, dire la vie, dire aussi la société avec la représentation d'un visage... c'est ce travail parfois sociologique qui fait sa différence, et rend les portraits de Nathalie Richard, en phase, en prise directe avec le monde d'aujourd'hui. Portraits imaginaires ou images de conscience collective... Un peintre qui peint le monde, ses mythes, ses croyances, ses misères... De « Colère » à « Tiané » l'artiste nous fait passer d'une force, d'un peur ou d'une violence, au monde éthéré des exotismes les plus rêveurs... Avec une toile telle « Provoque », c'est une réalisation qui prend place dans l'art contemporain pour peindre avec beaucoup de justesse tout le non-dit de toutes les révoltes, de toutes les ironies, des fatalités... « Provoque », prend place ainsi d'une manière intemporelle, hors de l'époque ou des lieux, pour figer ce trait de communication non-verbale en terme artistique. Avec le défi contenu dans « Provoque » Nathalie Richard à su s'emparer d'une image archétype pour la mettre définitivement en plein statut esthétique dans l'art contemporain. Cela lui appartient. Les toiles « Homme de l'ombre » et « Illusion » marquent deux versants de son style portraitiste. Le premier, plus intégral, pose un fauvisme modernisé, avec une palette plus restreinte et une économie de tonalités, que l'on retrouve dans d'autres de ses tableaux; Le second, plus dense, fait ressortir beaucoup plus intensément la pluralité colorique et technique de sa démarche picturale. Un style très actuel, qui permet d'apporter une pierre supplémentaire à la construction de l'art. Nathalie Richard, avec ses portraits, incarne bien le talent en toute simplicité, une nouvelle vague d'artistes, qui comprennent la peinture, qui ont la volonté de créer, et qui occupent une place incontournable, dans l'art vivant d'aujourd'hui, par leurs intuitions et la qualité de leurs réalisations .

Antoine Antolini, Juin 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUIN 2011"    « La peintre Nathalie Richard, ayant assimilé l'esthétique occidentale, réussit la synthèse du fauvisme français et de l'action painting américaine » © Texte, Antoine Antolini - Juin 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

HERITIER DE VOLTAIRE ET DU "SIECLE DES LUMIERES", LE PEINTRE-PAMPHLÉTAIRE PATRICE SERVAGE , NOUS PARLE, AVEC SES TOILES, DU MONDE ET DE LA SOCIETE. UN NOUVEAU SURRÉALISME D'AUJOURD'HUI DONT LE MESSAGE EST DEVENU ART CONTEMPORAIN.

Une peinture attendue dans l'art contemporain, qui vient renouveler à l'aube du siècle , le Surréalisme, en une nouvelle portée de messages modernes, à l'heure du virtuel, au cœur des problématiques sociétales et de civilisation.

Patrice Servage détient les clés d'une modernité contemporaine, adaptée à notre époque. S'il est vrai que la société actuelle est devenue un épisode important du progrès scientifique et technique, à la fois univers des technologies de pointe,tout autant que nouvelle étape de civilisation dans les problématiques les plus diverses. Il fallait bien alors, en arriver à ce qu'un artiste sache s'emparer un jour, de la peinture comme moyen de communication culturelle pour venir clamer, dénoncer, souligner, avec pertinence, ce qui nous concerne de plus urgent, dans ces domaines des sciences sociales, humaines, environnementales, de sauvegarde de la Planète, dans ce monde ultra-moderne. Patrice Servage, en respectant et intégrant les fondamentaux de la peinture, peint ce que l'on ne sait pas ou veut pas voir, ou que tout simplement l'on fait semblant de ne pas comprendre, que l'on ne veut, ou ne pouvons regarder en face... On ne peut toutefois échapper aux tableaux du peintre-pamphlétaire Servage et à ce qu'ils montrent devant nos yeux, lorsque la raison et les voix se taisent...

Patrice Servage, tel un Voltaire du XXI ème siècle, manie le pinceau comme le grand écrivain maniait la plume, avec verve et talent certes, mais ceci pour mettre en exergue les paradoxes de notre monde, les contradictions dans les mentalités, l'illogisme des individus et de leur comportements individuels ou collectifs. Le style de l'artiste est percutant. Servage vient du monde de l'image de la communication et de la presse, et nous y fait renvoie dans sa peinture. Il sait impacter artistiquement par sa peinture ce qu'il peut y avoir de plus fort en terme de message, en terme de visuel. Ses toiles, figuratives et narratives , autant scénographiques qu' anecdotiques, se veulent de véritables tableaux-pamphlets sociétaux par la conjugaison du sens, de l'image et de l'art. Son pinceau semble parfois trempé dans l'acide, pour venir nous dépeindre des moments forts, sans concessions, mais qui se veulent de véritables miroirs de société. Messages-traits de société, de charité et de misère, de guerre et de paix, d'amour et de haine... C'est par l'art de la peinture , dans un style hyperréaliste que Servage, vient nous mettre sans ambiguïté la réalité sous les yeux. Tenant haut le flambeau à la suite des maîtres qui l'on précédé et qui assignaient à la peinture la mission de servir la société, du classicisme au réalisme, sous les grandes périodes de l' Histoire. Aujourd'hui, le peintre Servage crée un nouveau surréalisme, car il sait mettre à la portée du spectateur, du grand public, des allégories inédites, pour nous faire prendre conscience par ses tableaux de vérités, de réalités actuelles de notre quotidien. Impressions qui nous échappent dans les visuels pluriels, les imageries multiformes et complexes du cinéma et de la télévision. Ses créations sont alors autant "d'arrêts-sur-image" pour nous donner le temps de réfléchir, de prendre conscience, dans la course trépidante de l'actualité du monde. De l'allégorie qui dénonce la propension à un mal-être de la société, son pinceau va manier parfois la parabole tel son tableau "Bonne Chance" pour aménager des terminologies de messages plus universalistes, Il y a souvent chez Servage, le jeu-miroir d'une société, qui se cherche, dont il vient inscrire les errances dans notre entendement. La peinture de l'artiste, n'est pas une peinture de quartier, ou de pays, c'est une peinture pour le monde entier... C'est un travail qui émeut sous toutes les latitudes, pour exprimer, révéler divers sujets pour une prise de conscience humaine, voire humaniste. Le langage est universel dans la peinture, Servage en fait du message universel, riche, évident, clair, mais qui est parfois plus étoffé qu'une simple lecture au premier degré. L'art du peintre est d'avoir su maitriser la technique du pictural, de savoir construire une esthétique parfaite, de façon optimale, pour la rendre utile, pour une société confrontée par l'artiste à ses propres vides, ses défaillances... Une peinture, au contenu qui favorise une "conscientisation" des problématiques, pouvant permettre alors d' améliorer les comportement humains. C'est en ce sens que le travail de Servage est constructif, positif, car il dit des travers, afin que l'on sache y remédier. Servage vit sa peinture en tant qu'un art immergé dans la société, qui appartient à la société, ce n'est pas une peinture qui veut défendre telle ou telle cause, c'est une peinture qui veut parler de son temps, qui montre son époque en langage de peintre, qui veut bouger dans l'art de son siècle... Si la peinture de Servage peut faire changer la vision du spectateur sur les choses qui l'entourent, c'est avant tout parce qu'elle va faire changer en son fort intérieur l'Homme, un homme, une conscience, mais aussi la conscience collective, la conscience sociale. Tel Dali et ses messages, Servage dans une fraîcheur de vie, dans une jeunesse de cœur, est dans une générosité d'amour de l'autre. Il vient peindre tout autant devant nous sa souffrance, son désarroi de voir que la guerre est ruine, que l'égoïsme fait encore des ravages, que l'indifférence existe bien, et que la planète en souffre à maints égards. Il agit aujourd'hui tel un grand peintre. Servage a bien compris le rôle et la fonction que peut avoir la peinture, il a su après des années de labeur, maîtriser cet art. A présent il le porte sur le seuil de la société pour lui proposer d'évoluer, de s'améliorer. Servage, le peintre-pamphlétaire français, nous fait la démonstration par son œuvre de ce que la peinture figurative et hyperréaliste peut apporter lorsqu'elle devient véhicule d'intelligence, de clairvoyance, de discernement, de ressentis intérieurs pour exprimer l'amour et le bon. Patrice Servage, semble bien  être le premier artiste dans l'histoire de la peinture à porter ce qualificatif de "peintre-pamphlétaire", en tant que peintre  sachant traduire avec le plus de pertinence, à notre époque, dans la tradition des meilleurs esprits, cette forme de sensibilité sociétale tournée vers les autres, avec un talent résoluement à vif, indispensable à la qualité intellectuelle de la culture.

Antoine Antolini, Avril 2010

Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine(CRACP)

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" le peintre Patrice Servage - Avril 2010 -

Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - Côte d'Azur (France) -

© Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC -Direction rédactionnelle-Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP) – 2010 -E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98 -

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en citant le titre et l'auteur et les sources de publication, "Patrice Servage , le peintre-pamphlétaire français"- Antoine Antolini (Avril 2010)

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TOUS DROITS RESERVES POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

Après l'esthétique grecque, Michael-Ange, les nudités de la Renaissance, de Boucher à Ingres, jusqu'aux Baigneuses modernes... Sylvie Auvray Comin, marque une étape nouvelle et originale, en dépassant les grands rendez-vous des années 60, lorsque Yoko Ono en 1966 avec N°4 Bottoms, rendait les fesses sujet et objet d'avant-gardisme …

Un pinceau qui joue sur toute la gamme des techniques à l'huile, des glacis, clairs-obscurs, luminosités, une spatule qui peint et sculpte un nu dans les épaisseurs des pigments... Sylvie Auvray Comin, peintre confirmé, fait de plus en plus parler d'elle; Distanciée de tout néoclassicisme, Auvray Comin porte une palette qui sait convaincre, fraîcheur, sûreté du geste, modernité... Sylvie Auvray Comin à eu l'idée de cerner son territoire pictural autour de plans rapprochés sur des fessiers de corps de femmes, des bas de dos au féminin, qu'elle peint avec toujours un contexte, des titres évocateurs, « Nu sirène »,« Nu d'automne »,« Nu à la cigarette »,« Nu dans les champs »,« Nu au bord du lit »,« Nu tentation »...

Une démarche plasticienne, qui innove dans la tradition d'un sujet immémorial, celui du corps féminin...

Sylvie Auvray Comin peint à partir de modèle vivant, en atelier, cela lui permet de définir un lien figuratif, hyperréaliste, de rendre la sensualité. Courbe d'une hanche, rondeur d'une fesse, elle veut par ses couleurs de carnations, ses ressentis visuels compenser les tonalités froides d'un corps, par la recherche de rendus translucides de la peau, un velouté. Elle aime préciser « pour moi l'idéal c'est d'arriver à faire passer mes propres émotions, j'intègre toujours du poétique dans mes tableaux, comme avec  le Nu dans les champs ». C'est important dès lors, qu'il y ait le contexte bien élaboré. Un environnement, un décor, imaginé, suggéré, qui va situer la nudité et permettre l'imaginaire, l'atmosphère de l'œuvre. Cela en fera sa qualité, sa particularité... Pour ce peintre novateur, l'art doit être aussi reflet de vie, optimisme, tentation... Elle dit : « à l'opposé des fesses de statues qui n'ont que l'histoire de leur personnage, les fesses que je peins veulent raconter, être narratives d'un moment, d'un lieu, par les indices que j'ajoute dans leur environnement ». Une démarche aboutie avec ce « Nu à la cigarette », une synthèse historique de Toulouse-Lautrec au Pop-art, ou bien ce « Nu d'automne » qui à lui seul évoque la Renaissance et vient y apporter, aujourd'hui, comme un chaînon manquant... Ou encore ce « Nu au bord du lit » qui résume, à lui seul, les préalables du Pop-art, lorsque les premières starlettes se libéraient en clichés sur les calendriers d'après-guerre,ou en posters chez les routiers d'Outre-Atlantique... Sylvie Auvray Comin vient nous dire le conscient et l'inconscient sociétal. Pas de non-dit, ni de non-peint, avec tact et talent, douceur et beauté, pudeur et sincérité l'artiste exprime pleinement son art.

Dans l'esthétisme référent du nu féminin, l'artiste a su clarifier un nouveau code pictural...

Sylvie Auvray Comin nous donne la preuve d'un nouveau regard dans ce que l'on croit voir depuis toujours. Le peintre offre un style pictural affirmé, un voir autant un savoir-regarder. Ayant ainsi définitivement mis en symbiose, délicatesse du classicisme et audaces du Pop Art, Sylvie Auvray Comin, vient redéfinir un item esthétique pour en poser et défendre dans notre société actuelle son plein-statut d'art. L'artiste a récupéré en pallier artistique une image déferlante du corps pour l'amarrer solidement en expression qualitative, aux antipodes de tout excès. Son travail intervient telle une nouvelle version du visuel du fessier au féminin, originale et exclusive face à toutes les recherches autour du nu, du corps et de leurs représentations plurielles d'hier à aujourd'hui. Sylvie Auvray Comin, avec un style, à su re-délimiter et ré-conquérir un territoire dans l'esthétique contemporaine, se l'approprier en une nouvelle grammaire. Sa prise de conscience, sa sélectivité et son actualisation d'éléments essentiels et intemporels de l'esthétique du corps de la femme témoignent de son talent. L'artiste à bien révélé ses peintures, au travers de nombreuses expositions en France, sur les médias comme internet où elle a pu faire connaître, internationalement son créneau artistique, qui lui est personnel. Le style de Sylvie Auvray Comin fonde un contenu sémantique fort, pose aujourd'hui une innovation picturale véritable et puissante, que l'on discerne nettement dans le flot des créations contemporaines. Une balise-signal incontournable dans l'art du XXI ème siècle naissant.

Antoine Antolini, Août 2010

PÔLE D'EXPOSITION TOULON CÔTE-D'AZUR

" TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010"

Pôle d' Exposition Toulon Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010" - « Sylvie AUVRAY COMIN, peintre; Un zoom en contemporain sur le fessier féminin, dans le nu du XXI ème siècle » ... © Texte, Antoine Antolini - Août 2010-Direction rédactionnelle, Recherche en Art - Centre C.R.A.C.P. - e-mail: centre.cracp@ yahoo.fr-T:06 10 99 90 98 

The style of Kitou B. is successful, his works are strongly built and well architected. The painter looks at his subjects, landscapes, portraits, still faithful, knowing simultaneously discern the main features of the visual and improvement. His gesture is safe, said his Colorist is vigorous, direct. There is a force of energy that emerge from this painting. The artist comes to protecting, safeguarding, the dull vibration that contains the pattern. Kitou B. brought forth, resurface the truth, the authenticity of the landscape, incorporating deep his feelings, his artistic sensibility confirmed. It is an inward emotion, which gives him the discernment of the essential paint in the selection of his paintings.



The landscape of Kitou B. is both a vision of nature and representation of simple beauty, wild, raw. Whether the landscape of Connemara, Ireland, or those of Ontario in Canada, the painter Kitou B. knows how to provide the quality of French painting, cradle of our European culture, when applying his style to other climes, other views. Figuration, the echoes Cézanne, reflects the understanding of true beauty of nature. The creativity of the artist poses judiciously balances forms, playing space, the harmonies in the values of its colors. . Kitou B. in an international dimension, shows us in his work with his work "night Leenane" (Connemara, Ireland) or his painting "Fallen night on Lake of Two Rivers" (Ontario Canada) that even with most diverse continents, his style is able to discern the dominant tone, the lines of force, to restore the viewer a picture as a timeless moment of reality and life. In order to be resonant colors and shapes key, each key Kitou B becomes paramount. This is to lead the work to its culmination in symbiosis parameters plurals of art. Creations harmony, spontaneity controlled, which appear with "Wonderful Kerry in particular, show a very rigorous artistic and professional, but as the experience of many years of painting, which alone can enable this development style. Today the artist Kitou B. knows how to fashion the image of the landscape to the degree of clarity it wants, until when it wants, there can grasp the intangible ... The painter is almost about the landscape, she learned the language of nature which his palette becomes an interpreter. The artist speaks to the eyes, the viewer, and special attention, to entrust him with the mysterious, magical, rare, that you can see .... Far from a landscape that would be ideal, Kitou B. loves reality, the presence of solitary austerity indomitable nature, such as Connemara, only his brush happen to bring into harmonious relationship with the audience. The tables confirm a logical post-Cezanne, whose construction has just rub us the dimensions of abstraction, as if the unreal could fit into everyday life, as if the landscape could suddenly become another and appear in the fingers of artist, a visual artist gasoline supernatural ... Kitou B. We offer a different aesthetic, that only painting can bring us along and at the end of a road, beyond the beautiful and strong, even beyond the image steep rise ... The artist led to an original poetic, to a feeling almost cosmic, at the beauty, the majesty, the immensity of Nature. A true picture, which without the hassle of devices, without getting lost in superficialities, let us know about all the unspoken distanced from the original vision of the landscape. Through the works reflect the work of Kitou B, we feel that this painting by its strength and power could easily, in his mind, rivaling the most evocative landscapes of an immanent symbolism atmospheres. Other dimensions in the style of Kitou B. In his grammar, but combine content that loves stratify, build, go to almost flat geometry, interpose, insert large keys, an intelligence architecture. This reminds us of the anthology and generic sources of pre-cubism, which Cezanne was a precursor. This is a particularly interesting research that led Kitou B., to the delight of the public. In its visual approach, with its portraits including "Tenderness" and "Look", the artist shows an ability to grasp other volumes, the ability to reposition the visual perception through the impact of colored masses. The painter Kitou B. , Marking mastery style, original, which sometimes makes sense to escape the countryside, to make all the signs on canvas, colored spaces and materialists. An aesthetic that call another formulation of the pictorial beauty and uncommon, which enjoy Kitou B. A work that stands out in France, with a very promising potential for quality that the artist developed in context of contemporary art,


Anthony Antolini, April 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)
Exhibition "Art of Memory Today" the painter Kitou B. (Christine Bruyere) - April 2010
Exhibition Centre and Research - TOULON - Cote d'Azur (France) -
© Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2010

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by himself the errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and we apologize in advance to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

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WHEN THE ETHNOGRAPHIC PAINTING

BEGIN A DIMENSION  OF CONTEMPORARY ART.


Nathalie Dell'Omo Afonso (Alfonso N.) provides valuable input to the evolution of art through its approaches, which renew and invigorate the concept of what we now call "ethnic painting. The "ethnic art" through the world of Melbourne Museum's ethnic dress from Shanghai, Ethnographic museums in Ukraine, to those of Central America, Asia, Africa or Australia, can give evidence of past peoples, showing their memory, the components of traditional societies.


Nathalie Dell'Omo Afonso, works in France, the concept of a new expression of ethnology in the paint and produces an ethno-painting. It superimposes the feelings from the depths of non-Western civilizations to the modern aesthetic of contemporary art today. She was able to achieve in its theme, a European avant-garde interpretation. The artist is pioneering a new pictorial language, both figurative and abstract. His figurative style convene acts for the most academic to resonances in the same work, with abstract impressionism. His work evokes a universal dimension. His delicate brush, his spontaneous gesture, pose a grammar innovative shapes and colors in a paroxysm of modernity, this applied to a timeless art which traces its roots to the dawn of civilization ... Maasai of Africa, a series of paintings created by the artist at the Asian Samurai, N. Afonso Dell'Omo, has formulated a concept of bridging, as expected. With a style incomparably staff, said in an explicit and abstract vocabulary, the common ground of beings, their truth and spirituality, the painting of Afonso N, known to go from the physical to the immaterial. It underlines his works through the authentic, at all latitudes. The artist expresses the force and energy in which groups of people to bathe the strong ties, the nature of transcontinental and trans-cultural attitudes and perceptions, which are not paradoxes, when minorities are as much the peoples of the world .. . The artist innovated unquestionably, a pictorial point of view, making coexist in his figurative and abstract works. This allows it to treat two-dimensional human, physical and spiritual. Therefore Nathalie Afonso Dell'Omo puts signs contrasting the feelings outside and inside. The artist makes to figuration and abstraction their initial capabilities, to faithfully represent reality or to interpret it. The true representation of human expression, face, clearly identifies the character painted by the artist, then it's another expressed sign and intangible, which is artistically raised to the level of spirituality, the artwork . The costumes become an abstract language media. The brush gives the viewer a selection of bold strong colors, that carry us beyond all boundaries, beyond the barrier of languages and dialects mysterious, beyond the myths fantastic to listen to tribal legends, in which contemporary societies find themselves in a dream of the past ... Natalie Afonso Dell'Omo mastered at large logic of contemporary art, to surpass the original artifact, thereby putting into relief with his painting, which can connect the territory, memory, core values, the aesthetics people related. Maasai proud and gentle, archetype from the distant past still alive. Samurai emblematic of human values, out of all time; From 0rient to Africa, Afonso Dell'Omo painted the extremes, is developing a modern reality imagistic. His painting is freeze Rights and societal history, as a trace memory of this, given all the unspoken, non-painted ... Paintings like so many lights twinkling in the deep collective unconscious of modern countries and nations. Why can we now say that the painting Nathalie Afonso Dell'Omo is ethnographic? Because the artist has gone further than an expression of painting by definition "ethnic" later than "Ethnic Art", coming to create, then register with talent in the contemporary art of today ' Today, a grammar for innovative paint subjects typical of timeless beauty, constitute a universal artistic heritage.

Anthony Antolini, March 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Art of Memory Today" painter Nathalie Afonso Dell'Omo - March 2010 -Exhibition Centre and Research - Toulon - © Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC - Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2010-E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 -Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify.Thanks.

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The work of Anne Mathieu on the landscape takes us and it is not by chance, in the light of Provence. The painter has brought together and gives us a pictorial alchemy exceptionally rich in art today. Mathieu has, intuitively, a strange beauty, rarity, both inherited from Cezanne and Matisse, and who lives deeply.

His work makes clear echo of evolutionary logic of Cezanne, in an avant-garde typing, remembering when the teacher was trying to capture the essence of the visual face of Sainte-Victoire, cleaning up all the impacts, grazing without enter the territories of abstractions. Today, Anne Mathieu managed to combine the essential atmosphere of the landscape with the geometry of lines, to tell us the truth of the plain and mountain ... It gives insight into a new contemporary language, space, distance, the complex balance of nature, like so many mysteries hidden from our eyes, she can collect. She captures such a flash spontaneously from the first glance. Mathieu does not paint a place if it vibrates in resonance shapes and colors that emerge. The artist paints nature in osmosis deep Then an aesthetic synthesis result, it gives rise to lines, shapes, colors, but also revealed architectures, new meaning. His talent makes him treat the landscape of Provence, in its way, but always with the strict teacher, uncompromisingly, to achieve and provide the absolute transcendence on the canvas. It can detect and in each table, as will Anne Mathieu to live in a post-modern impressionism different, changed, really relevant to our time. Anne Mathieu finally breaking ground, to put in Provence, the land of the masters of light, a new avant-garde discourse and thought, cool, mature, exclusive and original. It breaks all "was nearly" and "a priori" to impose its own grammar. Its vibrant color is integrated into the landscape with even more strength and energy. She just told us in the technological world of the twenty-first century, the emotion of wonder Matisse at Collioure, and reveals a shocking news, all felt secrets of Fauvism. It gives us in his paintings the song of light and color. The look of Anne Mathieu is a challenge, she dares figuration constructed and full, free from all the academies, she wants to read, in direct confrontation with the international contemporary art today, where it has its Full up. For the first few rows she shouts his vision of the soul of Nature. Like Matisse, Fauve, did in his time. Point in Anne Mathieu revolution, but a living revelation of our deep roots, style, aesthetics, surpassing all hesitations, all delays to come and sign on behalf of timeless Provence, an authentic French setting, facing the world.


Anthony Antolini, February 2010
Center for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Art of Memory Today" painter Anne Mathieu - February 2010
Exhibition Center and Research - Toulon - © Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial direction - Center for Research in Art and Heritage Conservation - 2010
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The luminosity of watercolors Anik frequently astonished the public. The idea of perfection has been built long ago in this artist, as an ideal. Today, his paintings, each detail is an essential gesture for her, finishing, an element at all; Whether characters, landscapes, flowers, or other reasons, the artist conveys to us the strength of the tonal brilliance, the power of light at the end of his brush, as its own specific color palette. Works that become real pieces of life ...

Anik's watercolors painted in a representational style, she can push the academicisms, sometimes the most rigorous, with the desire, however, save all the freshness of a spontaneous painting. For the artist, watercolor called a proven technique, in order to deliver the most direct way possible, without "repentance", the vision offered to him. In his work, the quality of light from the delicacy of application, the accuracy of the line, know-how of the painter ... Indeed, one class of watercolor techniques frequently among the most difficult to handle, so he must acquire dexterity, quickness, experience, to create a work that meets the highest standards of discipline. Anik, over time, has mastered all these rules, to paint this by passing the most important to her, that is, its deep feeling. Also from this subtlety of watercolors she uses to show us through his "Arlesienne" (watercolor 44.5 x35 cm), the youth of a face, fine texture of the embroidery on the veil, decor the fabric of a cap. The brush became under his fingers, a flash of light and fine colors, just the visible part of the invisible, including the topic, character and landscape art in painting, with all the secrets Sheer radiance, diffuse out of the ordinary. Anik, verified with a talent, manages to make the balance right between the beautiful, it extracts a realism too raw, and the truth of the landscape she has preserved, as, for example, with its port from "The Goudes" (watercolor 50x35cm). The artist opens a world of authenticity and has the ability to share with us a different view of the pattern, softer and lighter, sometimes fleeting, knowing insert great sensitivity. In his style, Anik also tells us the elegance, subtlety, the temporality of time that passes, but also the fragility and transience of a moment of life ... Beauty and evanescence of a haul, visions of landscapes that need to seize, to transcribe them onto the support in as many emotions, such as reflections in water, the boats, before the "Fort St. John Marseille (watercolor 46x5x35 cm). Anik is a painter confirmed that decodes intuitively poetry that emerges from the simplicity of the design. She knows how to combine it with the energy of light. The artist is well marked quietly and seriously, its place in the forefront of art watercolorist with his works, including "Poppies" (watercolor 29x38, 5cm). With its "Sainte-Victoire in the snow" (watercolor 50x35cm). She has done a good job of creating more referrals, bold, imaginative, both in the aura that surrounds this pattern Cézanne par excellence, the unexpected choice of this famous mountain in a snowy state unusual ... And it is in the register sets of lights unique to watercolor, Anik we sign a jurisdiction in which it is to combine light, color and luminosités.Avec "Reflections in the Mirror" (watercolor 50x35cm), the artist showed us the extent of the possibilities of watercolor, when in command to better use. This, for precision sharpness of detail in the decorative motifs of particular shawl, worn by the girl who looks in the mirror. The painter shows us how in this painting in watercolors, may, in fact, this actually a real mirror, make clear and real image of a face, pushing it even further in the academic dimensions translucent. However, Anik clarify that loves the beauty of watercolor is unable to give exceptional rendering, sublime, if one feels oneself in what is painted, the work must come from the inner most sensitive, the most profound. The watercolor medium hyper-reactive, reflects the lower impulses, impulses, sensations. Anik knows the land immediately on the carrier paper. Having reached a high technical level, the talent, finds himself in the ultimate degree of sensitivity, the spark that will lead the artist in his relationship, his relationship with the inter-active work that responds. Completing a painting is so for Anik, each time an event and a love story. If the heart and technology must go hand in hand, which appears to go further in Anik is his belief in its quest for beauty, light, art, by such means of watercolor. She is in a race upward, toward the plans are most acute in research on the brightness pictorial, which will meet at the same time the local atmosphere, the atmosphere surrounding the pattern to paint. Thus we come to better understand the reasons why the works of Anik, disrupt and move him to the public.

Anthony Antolini, January 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

"Memory of the arts today, watercolor artist Anik" December 2009-January 2010-Pole Exposure (83.Toulon) Title: "Anik, watercolor painter, Controlling light in the living expression. © Text & photos, Anthony Antolini CRACP/EDMC- Directorate editorial CRACP 2010 - Mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 -

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks. Allrights reserved on all written material and audio-visual, Internet Publishing © DR museums and Culture EDMC - 2010

 Mireille Aldon is a personal style that takes us into a world lyric, poetic, in a representation free of academicisms, which combines elements of a fantastic imagination, aspects of abstraction. Its forms and colors to embrace modernity. She told us with his palette and sensibility, a different pictorial world, a fresh and renewed artistic, free of all treaty obligations. The key to the artist producing a painting as an outbreak, which will emerge from a pure talent, an inner spontaneity, of a generic love of art ...

The sense of color, balance, the proper allocation of construction on the canvas seem to be a relationship to art very innate this painter. "What is conceived well is clearly stated and the words to say it come easily" (Boileau "poetic art") is a bit like what happens with Aldon Mireille, a painter ... Indeed, his ideas, his palette and his brush are expressed in a beautiful harmony, to give us moments of real happiness. Some of his works are painted alluring poetry, like his "Joie de vivre" (acrylic on canvas 50x60 cm). One would wish that more are not disturbed by the artist, as if they feared that his inspiration could fly and never come back to the spectators won before those bright colors, spontaneity graceful, well put on the canvas. .. The work of Mireille Aldon, has kept the truth of a very personal artistic expression, outside influences or trends. More than a painting that is needed is a painting that dares ... It goes beyond the horizons of conventional wisdom. Thus, "With spring" is there to prove that the painter was right to go further ... "Magic" (Oil on canvas 38x55cm), confirms that creativity is at the rendezvous, where shapes and colors to meet, know too overcome real content to go to the limits of abstraction. Aldon there knows how to find beauty to please the eye of the beholder. The result of the work is positive, we detail the finer points of pleasure buttons, carefully identified, revealing a plethora of lyrical tracks, or even a spell points, delicate patterns and finally the image, which will touch on our future unconscious ... The artist with his "Mother and Child" (acrylic on canvas 50x60cm) brings a vision emblematic, elegant, maternity, which is none the less poetic. The painter deploys aesthetics in this table, which includes here the modernity of the past decades in a speech today, post-Matisse. The style of Mireille Aldon in its fundamentals, also known closer, closer, patterns of decorative art, play the use of repeated motifs, shapes like petals, vegan, without falling into a logical revisiting the Art Nouveau or Art Deco. She combines her modern approach, some dynamic aspects of the flower world, the better to lead us towards a new perception of the poetic subject painted. The artist advance beyond the echoes of a new Pop Art or the dilemmas of representation. Aldon can integrate, in his paintings, the essential elements of taste and beauty, our cradle of European culture. It creates and presents us with a poetic imagination, both collective and belongs to him she sends, beyond any school or current. She was able to acquire a true originality. His painting "Ruby" (50x60 cm acrylic), Mireille shows us how Aldon, from 'aesthetic elements plurals, can construct a representation partly abstract and partly figurative. It is this synthesis that interests and challenges the viewer. The artist shows his work in an unusual approach, a strong stylistic intuition. The aesthetic quality it produces opens unexpected content. Mireille Aldon occupies a special place in the new full-competition expertise pictorial, with the advantage of a style remained distant from all types pre-formed or modeled. Simplification, imagination, clarity and sharpness of the act of painting on canvas to produce the representation of the idea is well-established cons of all academics, the artist opens his way His way is abounding ideas, talent, like his painting.

              Anthony Antolini, December 2009
  Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Painting exhibition by the arts today - Paintings by Mireille ALDON "- December 2009 / January 2010
Title: "An imaginative poetry, which speaks with shapes and colors"

Text © Anthony Antolini Directorate CRACP/EDMC- editorial CRACP 2009 - Mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

All rights reserved for all written material Audio-visual, internet Editions DR © museums and culture EDMC -2009

Andree Vermorel, symbolist expression is deeply rooted in its interiority, as part of its essence as a painter ... Beyond the feelings, it is primarily the soaring toward another universalist she proposes through his painterly approach ... Tables full of spirituality, or aesthetics is a way to support the subliminal ... In a diverse figurative beacon's itinerary is always a residual intuition that leads the artist to illustrate with personal talent and imagination, the strangeness and mystery in myths and legends out of the ordinary ...

If for many years, the artist is paid both to landscape painting, as characters, this is undoubtedly an expression of exceeding the figurative into the realm of symbolism that has won the best favors.

More than an attraction to this current allegorical, it is a transcendence of the sensitivity of the painting that motivates. Does this mean that loyalty to the first image does not suit him? ... Not at all, but, specifically, is a form of artistry will speak through his reasons Symbolists. From "fantasies" to "Between Heaven and Earth", the "Horses of the Earth" until "Temple of Angkor, it is more a quest for absolute q'une fresco of imagistic journey Andree Vermorel that the viewer can find in the artist's intention. To get there, Andree has Vermorel first pass and understand all the phases, all states of the painter first, the doubts, works-repentance. D 'unfinished sketches the proofs, it is ultimately emerging from all this work that the Symbolist works have appeared and are to shine like pearls in the dense flow of his museum. Today these paintings are there for us that symbolism, certainly, but also to tell us and perhaps even more strongly, clearly, that is Andree Vermorel ...

A creature of sensibility and sweetness, which endorsed this universe of paint to make our world more beautiful ... What more natural, therefore, that it could at some point cross the boundaries of time and place for us to see the existing spiritualities that bathe our art history.
A follower of Gustave Moreau, Odile Redon, his pictorial universe is true elsewhere in the world of the mind. Fantastic rides in the halos timeless in his works, his diaphanous colors, its winged creatures, both princesses and goddesses, relive the atmosphere of the modern mythologies.

Let us make no mistake, the artist is in the contemporary, the news of his age, his decade ... His "Message to Venus" project during the Gulf War, wanted to denounce the war by his wounded dove sent to Venus, the destruction of the planet, the biosphere, the technology race, occupation of space by satellites, one of which is also painted on the top left of the work below the planet Venus ... She asks us seriously, for his oil on canvas, mastering the techniques of his art, after having followed the steps of learning as they should patiently to arrive today to give us a result of mature paintings, also in terms of style than professional. The painter knows soften the sensuality of oil colors, to mitigate the intensity for us to float in a soft palette, pastel, or otherwise darken, give depth to his palette, to serve his pacifist message and humanistic

Andree Vermorel, marks a discreet presence of Symbolism, as a language of his intuitions, response to an expectation of the viewer, but as much need for art. This is not to lose sight of in the evolution and progress of our contemporary essentials which constitute its soul. This is also the message of Andree Vermorel ...

Anthony Antolini, November 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Painting exhibition by the arts today - Andree Vermorel, Love and tradition of Symbolism "- Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in November 2009

Title "Andree Vermorel, love of art and symbolism. © Text & Photo, Anthony Antolini CRACP / EDMC / Editorial Director - Centre for Art and Heritage Conservation - 2009 / E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98  -  Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

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Catherine Garnier travaille aujourd'hui le mouvement en sculpture. Elle construit la logique d'une occupation spécifique des corps dans l'espace. Positions, enlacements, elle étudie l'interface esthétique qui peut se dégager de la frontière infime qui sépare l' immobilité du mouvement. Elle en a entrepris l'expression de leur symbiose au travers de ses œuvres "Mouvements 2009".

Duo de corps.

Postures en dualités, bi-nomes, le couple, objet et sujet d'une dialectique visuelle, narrative, allégorique... La particularité de ses modèles, ses personnages, nous emmènent dans un univers où les plastiques du corporel, en dualités et situations plurielles, ouvrent une nouvelle imagerie... L'artiste a connu une période de sculpture avant 2009. Sculptures de couples entrelacés intitulés "Unions" . Avant de travailler le mouvement Catherine Garnier à élaboré ces sculptures ou l'immobilité des positions dans l'espace proposaient un questionnement en termes de message. Ainsi dans sa statuaire intitulée "Union 2008" apparaissent au travers des entrelacements des corps, l'inclusion de chaînes, comme artefact externe qui empêche le mouvement. Clarifiant ici l'immobilisme avec une causalité définie. Allégories avec ses "Unions", du non-mouvement dû à tous les impossibles, mais aussi toutes les suppositions de l'enchaînement, moral, depuis celui du mal d'être individuel jusquà celui plus sociétal.

A partir de 2009 - année d'évolution dans le travail de l'artiste - c'est l'abandon de la chaîne allégorique qu'elle associait à ses sculptures. La nouvelle période de sculpture actuelle de l'artiste marque un travail sur le mouvement. Elle élabore une nouvelle vision possible du mouvement dans le dualisme du regroupé, avec le jeux de positions entre deux corps enlacés, à la fois entre statique et mobilité. Il apparait avec pertinence une innovation expérimentale et conceptuelle au travers de ses œuvres intitulées "Mouvements". Catherine Garnier y explore les différents états du déplacement du corps. Corps arrêté, replié, regroupé, celui dans l'ambivalence d'une fixité ou figé d'apparence pour être mieux en dynamique interne, intérieure... Corps en cours, au ralenti ou en intention de pose... Le sculpteur recherche la lisibilité esthétique des éléments des corps en visuels dans l'espace, tout en donnant aux dos des danseurs, un rôle important dans le jeu des repliements corporels, comme ces postures de "Mouvements 2009". Garnier montre un autre sens à l'état du corps dans sa relation à l'immédiateté. Apportant ainsi à l'art statuaire un nouveau regard contemporain.

Les scénographies statuaires de Catherine Garnier.

On ressent la statique des corps capturer l'énergie pour conditionner un mouvement fait à la fois d'intériorité et d'occupation de l'espace... Pour l'artiste la danse, la sculpture, comme le mouvement ou le non-mouvement ne sont pas antinomiques. Le mouvement, peut devenir en danse, comme en sculpture, une énergie contenue pour mieux exprimer la dynamique. Aller plus loin que l'immédiateté du présent ou du geste. La notion de mouvement peut se ressentir, se dégager comme un écho, une mémoire de formes, un impact dans l'espace, à partir de corps immobiles. Les œuvres de l'artiste sont là pour le montrer, le faire ressentir au spectateur...
La caractéristique innovante de cette élaboration expérimentale de Garnier c'est, avant tout, d'avoir eu l'idée de transposer, transférer, dans la composition statuaire, la scénographie mouvante de la danse en donnant un sens à l'immobile... Son arrêt-sur-image reste totalement connecté à l'histoire du couple qui danse, on ne sait s'il s'est arrêté ou en continuation. Le moment immortalisé par Garnier reste autant moment de vie. Ses "Mouvements" expriment le lien avec d'autres volumétries de l'environnement scénique. Il y a une réflexion sur le ressenti de l'espace, de ces corps qui dansent. C'est une autre perception de la dimension esthétique du lieu et du mouvement.. Corps en duo qui repliés font groupe. A la fois dualité et unité dans l'espace. A la fois rythme et silence. Pas et pause. Interface de l'appréhension par l'humain d'une certaine cosmicité.

Catherine Garnier précise: " ...c'est l'expression du dépassement de l'enveloppe charnelle, d'où l'aspect nu de mes sujets, débarrassés de signes de société, ou d'appartenances sociales." L'artiste apprécie le style de danse Butô, leur aspect souvent dénudé, la relation au sol, à la terre, comme un retour à l'essence de l'être... La plasticienne questionne le spectacle de cette danse, de la danse, de l'introspection expressive, de l'extraversion esthétique, qui peuvent permettre de mieux vivre, se retrouver soi-même, face à sa propre histoire, face à la société au quotidien... C'est aussi cette fonction spécifique du spectacle de danse qu'intègre Garnier en sculpture. La spiritualité qui peut émaner de sa statuaire doit pouvoir aussi renvoyer le spectateur d'art à des valeurs essentielles. Les scénographies des "Mouvements" de Catherine Garnier tendent à induire, illustrer les propos de la danse, dans leur potentiel d' intemporalité. Garnier veut inclure dans sa recherche, la notion de spiritualité au sens large, la vie, la mort, mais aussi le sens de l'existence au quotidien. Le sculpteur produit un nouveau segment de recherche contemporaine, particulièrement intéressant, avec un contenu à la fois avant-gardiste et référent.

Antoine Antolini, Novembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Sculptures de C. GARNIER » NOVEMBRE 2009
Titre : « Catherine GARNIER, sculpteur : Une scénographie statuaire issue de l'univers de la danse ».© Texte & photos, Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle,CRACP 2009 - Mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Diffusion sur tout support écrit audio-visuel et internet DR © Editions des musées et de la culture EDMC 2009

Guy BOURGEON proposes an abstraction very personal, artistic research, in conjunction with Nature. Abstract landscape painter, he is offered a job at once lyrical and poetic, spontaneous gesture.

Bourgeon likes to translate his feelings through the expression of forms and colors, the inspiration taken from the figurative world, to mix with abstraction. It involves us in his choice of themes in nature, he painted in all its majesty, its strength, its immensity. The artist can locate a vision and a logical reason, to raise public awareness of emerging imaging outstanding natural features. Bourgeon digs a groove box, in the context of contemporary art today ... The landscape is eternal, as the paint, so the painter develops original stylistic changes, to mingle more and pictorial expression to the canvas, densify its aesthetic potential, nurture an evolution. It then deploys new proposals, which can fit as many tables-research in contemporary painting in general. It refers to the viewer strong works in creative talent, exploring innovative ways. The painter does not arise nor limits, no boundaries in his conquest of another language.

This mythic grandeur and impressive nature painted, is found in its web referent "After the Storm" (92x73 cm hst). With "The Passage" oil on canvas (89x116cm hst.), is the message of the power and mystery of the mountain, multiform, insolent omnipresence. We will deliver the vision of a way ... A summit lost in the magic of an emulsion cloud with strange whiteness as the ultimate link between our physical world and beyond unknown ... Bourgeon, expresses his works in the intimate aspects of nature, hidden from sight daily. The spirituality that s' exhales born in the transcendence of the image of landscape in poetic bud directly expresses the power of abstraction. The artist has a technique proven he can do the work in the sense that it chooses, according to finalize his desires. He will lead canvas and finish his idea, without 's lost in the meanders of the subjacent oil painting.

His gestural and spontaneous interventions, reflect the sentiments of the abstract register. He loves this modality, increasing the intensity of his poetic sensibility, as to cause the real to the unreal. These lines and plots, or elements of dripping in his "Between Heaven and Earth" (100x81cm hst.). The painter develops a search here, to strengthen the "expressed" renew. It goes further than the first glance.

Guy Bourgeon has a real vision landscaping, with a dimension modernist distancing of intuition to take the figurative. His approaches reasons, his feelings of atmosphere in his world of painting, focusing on what, in Nature, may relate to the universal in pictorial terms. The Bourgeon brush makes the viewer aware of the ambivalence between abstract art and moments, particular states of nature. His painting becomes a mirror ambiguous landscapes in another language.
The painter with an aesthetics. He has successfully positioning of a grammar of signs on an impressionistic expression, originally closer to the meaning. This is to produce a unit of abstraction landscape, bridging between the existing meaning and interpretation. the painter Bourgeon plays with great ease of chiaroscuro, depth, tonal expressions, bright lights and sheer radiance of sfumati to launch who knows how to "hear" echoes of a great painting.

Anthony Antolini, September 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Memory of the arts today - Paintings by Guy Bourgeon"
Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in September 2009
Catalogue of the painter Guy Bourgeon - title "A formulation of creative abstraction in connection with Nature. . Anthony Antolini CRACP/EDMC- Text © Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009
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Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

© Editions museums and culture EDMC 2009

The approach of Michele Wiem, appeals to the viewer in the direction of reflection, a questioning of modernity, the act of photography, the representation of the seen, the narrative that is involved in the spontaneous image, but also destiny, the presence of the sign in place.

To Wiem, the relationship at the moment, "reproduced" is made of artistic sensibility and discernment. Capturing a timely reality, for it is an excuse to redeploy a different meaning in repositioning the immediate vision in a range extrapolated, see its cultural depth and timelessness. His approach is built from a constant awareness of a "standby aesthetics," the world around him, in the context of Nature, the landscape, which is integrated and beckons in the form of X . This brought the artist to seek and achieve contact with the very essence of the landscape. His speech focused on the photographic evidence as a common denominator, explores the theme of Nature and X An analytical plans specific views that love the visual redeployed during synthesis facilities (diptychs, triptychs ...). The work outlined by Wiem, demonstrated its strength of commitment photographer-artist, his confrontations with all the co-effects, the co-existence, that contain the interfaces of the landscape, objects references closely related .

Michele Wiem proposes a new logic in the photograph, in which the image generated from the objective reality, will be in resonance, echo sign, suggestive of the interpretation. The artist search from the image, overshooting to other uses. The deep meaning of the landscape will become in-signed photo Wiem. It repositions the photographer as the mediator between the real and the bearer of a new link with the collective consciousness in hyphen Heritage "meaningful" in society. His vision of the fleeting moment, cleverly captured by the goal, we will bring the message content, both landscape and symbolism. It offers the understanding of other spiritualities, creating a dialectic of poetry and realism, overt signs and hidden meanings, materiality and romance, by merging all the contradictions in a visual language of art and non-signal hearsay. The sign in the landscape, for Wiem, is the language of landscape, expressing its essence in a cosmic and universal impact. The artist with his camera, will learn to write definitely for the public, in a split second, which never cease.

Photographer of the sign and Nature, is the artist Michele Wiem-Sentinel, the incidence and the index, which reconstructs for us, tirelessly, with its objective, the lost memory of society and nature, which resemble all hazards, and links ideographic secrets of the first languages.

The initial relationship or initiation, of Human Nature, is found in the work of Wiem. From "Forespondance" to "Point-of-cross" to "Challis plant" to "Fascinating horn-responder tag Wiem a new expression, represents a specific style. It endows the photograph of Nature and landscape, an innovative vocabulary. Photographer and visual correlations between the feelings, the seen and transmitted Wiem, reflecting the reality of the landscape, with its revived X, the mysterious sense, revealing beyond the myths and spirituality, all sacralizations societal, that Man has been projected in nature since the dawn of time.

The timeless Wiem X, X plural semantics infinite, X aesthetic, remains both subject and object of its investigations. It's a whole world that the eye, provided that the spirit of the artist, have been able, with a poetic depiction of the sign, in a supreme osmosis heart, sense and reason.

Anthony Antolini, September 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Memory of the arts today - Installation, Photography Michele WIEM"
Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in September 2009
Catalog Michele WIEM photographer, visual artist - title "A Vision landscaping, diverse and multifaceted reserarching around " X " sign everywhere. Text © Anthony Antolini CRACP / EDMC -

Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009- E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

© Editions museums and culture EDMC 2009

L'œuvre de Monique Pages possède une charme envoûtant et positif, une intuition poétique, qui fascine, questionne le spectateur ....

Monique Pages peint avec un ressenti et une émotion qui se traduisent directement sur la toile par une vibration d'ensemble. Motifs et sujets nous entraînent aussitôt vers un ailleurs étrange, parfois romantique, qui nous dit tout "Le bonheur dans le pré"... Ses tableaux jouent avec la lumière , ses touches fortes et directes,une palette colorée et douce, nous appellent vers un imaginaire, qui dépasse l'instant sur la toile. L'artiste s'attache à aller plus loin que le visible immédiat, elle produit une peinture qui lui est très personnelle et qui dépasse les sensations premières. Son œuvre comme son "Arbre de vie" peut se lire, mieux se découvrir avec le temps qui passe, le recul du regard, la lumière différente qui viendra éclairer le tableau.. L'œuvre prendra une autre dimension, surtout avec les ressentis que chaque spectateur aura devant un tableau, d'une façon très intérieure. L'univers fabuleux qui se dégage des œuvres de Pages, est riche d'un imaginaire suggestif, au moment où la sensualité de la peinture à l'huile, l'épaisseur des touches, les jeux de couleurs, vont produire des formes évocatrices, des interprétations, pour ceux qui sauront y projeter leur sensibilité, qui se laisseront voguer au grès de leur propre passé, de leur vécu, de leur joies ou de leur peines....

Monique Pages propose un monde pictural original et instinctif, qu'elle a su créer, qui provient de sa spontanéité, de sa sincérité. Elle veut peindre en figuratif, avec son cœur, son âme au bout du pinceau, comme pour flirter avec un au-delà, coexister entre un réel et un irréel, comme entre surnaturel et histoire vraie... Son talent à atteint un paroxysme en lien avec les reflets intérieurs de chacun...

Son authenticité fait peindre l'artiste pour l'autre, comme pour offrir plaisir, bonheur et amour de l'art à celui qui sait regarder. Monique Pages laisse le champ libre au spectateur pour qu'il puisse s'approprier l'œuvre avec ses propres flashs, son imaginaire profond, voir son inconscient. L'artiste parfois renvoie le spectateur à sa propre enfance, à son passé, à ses doutes et à ses certitudes, au travers d'une peinture de sensibilité évocatrice et d'émerveillement. S'exprimant avec une plénitude intuitive, un langage dans le langage,elle permet d'autres sens à l'image première du tableau. C'est ce style qu'elle travaille depuis des années. Elle veut que le spectateur puisse s'évader en des directions plurielles d'images et de significations, que l'artiste glissera, laissera poindre dans son travail. Avec sa modalité technique d'application de la peinture à l'huile, son geste souple, contrôlé, en touches fines ou très épaisses, son colorisme en lien avec la Nature, elle sait que des évocations surprenantes, des effets exceptionnels vont se produire... Monique Pages saura alors nous guider dans les chemins secrets de sa poésie picturale, qui sont aussi les chemins secrets de nos cœurs.

Texte : Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Monique Pages » Toulon (var) Septembre 2009
Catalogue du peintre Monique Pages - titre «Un impressionnisme lyrique, un univers fantastique, qui nous renvoient à nous-même» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009
E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC

L'abstraction de Sylviane D'Antoni, nous révèle le langage secret et l'intimité de la Nature, au travers d'un colorisme évocateur et de l'expression de ressentis intérieurs .

La palette rougeoyante de l'artiste vient nous dire la force et la puissance de la Nature, sa vérité. L'artiste maîtrise une abstraction, qui apporte une vision et un style intelligemment affirmés, un cadrage net et logique de la scénographie qu'elle interprète, au delà des figurations que lui envoie le réel. Seul un cheminement intérieur long et la conjuration de tous les accessoires peuvent élaguer et acérer le regard pictural à ce point. D'Antoni sait nous dire l'essentiel avec son pinceau. Ses toiles sont alors, à la fois témoignage et acte construit. Elle a su soumettre la vision de la Nature en révolte, pour l'amener lisible à notre regard de spectateur. Elle exprime avec précision ses propres sensations, toute l'émotion que peut procurer la Nature dans ses différents états de mouvements et d'impétuosité. Le peintre arrive à nous entraîner sans violence, mais avec détermination, de sfumatis en tons chauds, de lignes gestuelles en à-plats, de touches vives en tonalités plus sombres et élaborées, vers une confrontation directe face aux évènements les plus forts de la Nature.. Au cœur d'un "Volcan", en éruption, ou en plein milieu d'un "Ciel en feu"...

Une délicatesse de touches, de glacis, de clairs-obscurs, de nuances évanescentes, traitent sans détours les sujets les plus variés de la Nature. L'artiste ne se cantonne pas dans une palette rigide, au delà de l'exploration des rouges, qui seront bien adaptés pour tel type de sujets, D'Antoni aimera le jeu des colorismes en bleutés, de mauves, ou de violets, pour mieux rendre compte de l'espace, du motif. Ainsi elleva nous entrainer devant "La Montage", ou sous un "Ciel d'Orage", pour nous rappeler toujours néanmoins la force impérieuse des éléments. Elle le dira en termes de formes , de lumière, pour nous faire prendre surtout conscience de la dimension du grandiose de ce qui nous est donné de voir, si l'on sait comme elle, regarder...

D'Antoni,avec ses toiles permet au spectateur de s'imprégner de cette magnificence du paysage. Elle sait en choisir les aspects les plus spécifiques, les interpréter pour nos yeux en termes de ressentis, d'intériorité, avec cette extrême sensibilité, qui fait tout son talent de peintre. Son pinceau devient ce qu'est la plume de l'écrivain, le moyen de décrire le monde qui nous environne, avec des sentiments, une authenticité première en osmose avec le monde. Délicatesse et force, sont les caractéristique d'un style paysagiste et abstrait magistral, qui tend vers un langage supérieur , de la poétique à la spiritualité...

Texte: Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Sylviane D'Antoni » Toulon (var) 24 Aout- 19 Septembre2009 - Pôle d'Exposition du Centre de Recherche en Art
Catalogue du peintre Sylviane D'Antoni - titre «Une conception esthétique abstraite de la Nature dans son authenticité première» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009 E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC 2009

Cecile GELY evolves in the art with the ease and convenience of a natural talent. His works from its interior with all the ease of a speech released, just "make one" with the canvas. The artist shakes his creation of deep feelings, sensations, it filters all of a changing world, society, life ... His work has two main themes; one hand, that of the human form and summary drafted in motion and gestures; On the other hand, that of word-painting in which the distant past resurfaces faces, furnished with modern, present, future .... The painter has rediscovered the timeless level of expression of the "sign" of "meaning" of the "form", the "narrative".

I - The route of the form to the absolute.

Cecile GELY has chosen, through his painting of research, working around the human form of body movement. His paintings capture the more subtle borrows the visual, that can be left in a space in the environment. His work includes paintings that deal with the schematic design of the human body, forms fugitive in vertical markets. His movement style, mastered, book under the impact of most of the existing, with strength, energy, harmony ...

The artist proposes, in an abstract dimension, imaging of the living being totally innovative, elegant, physical evanescent forms, graphics and finely colored. The long, narrow canvases paints tightly fitting these bodies become mirages of signs, lines. The aesthetically built by extrapolation intuitions laid and fixed on the canvas.
C. Gely to create a grammar, writing, a Colorist, a spontaneity, which take us to a world of transcendence of body images of human forms.

II - paintings in which art and civilizations merge ...

A strong theme in blue and ocher, the enigma of man facing his destiny is expressed by ethereal portraits on the edge of the visible, or else messages made much more complex ..
Paintings that focused all his talent, real pieces of cultivation, universes. We thus find, in the course of GELY works more materialists, to larger areas, offering a speech abounding. These are stage sets of living, balanced, poetic, dense. A narrative of civilization deep mirror is there, under the eye of the beholder.
The style, the frontiers of formal clarity, wants to let the public an opportunity to project his own feelings with plurals. The artist leads us in turn to abstract impressionism, lyrical abstractions for us to revive its own way, an understanding of the origins of humanity, of civilization, man ...

In the timeless magic of his paintings, GELY confronts us with the same version, that may mean, mention, in the mists of time overlap and our more distant future ... Thus Roots in shades of white and original land, adorned with yellow sun calls us from the graphs parietal and prehistoric drawings, simultaneously, to humanoid forms of the most futuristic atmospheres ... The painting "Blue" in questioning us overseas tones, turquoise, almost cosmic about the logic of artistic proto-civilizations and our pictorial modes of expression today in contemporary art ... His painting "Belly" takes us back to our origins and our generic irrevocable predestination of mankind ....
Cecile GELY to understand how to express both in real time, a memory and a future ...

Text: Anthony Antolini, 2009
Research Center for Arts and Heritage Conservation CRACP

Exhibition "Memory of the arts today - Paintings of C. Gely "Toulon (Var) in August 2009
Catalogue of the painter Cecilia GELY - title "Vision archetypal form", subtitle "When research on the human form becomes timeless expression of civilization" Text © Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009
E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

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 © Editions museums and culture EDMC 2009

La peinture de Marie-Josée Brotons nous emmène dans un tourbillon de sensations multiples. Des propositions picturales harmonieuses, simples et bien construites autour d’un monde floral et végétal. Une nature, dans laquelle feuilles ou tiges sont prétexte à des dynamiques de traits, à un florilège de lignes, de couleurs déclinées, de courbes, d’ entrelacs, qui nous entraînent dans l’univers du peintre et nous subjuguent...
Usant avec talent de la sensualité que procure l’huile unie aux grains du papier d’art, Marie-José Brotons, à su se définir avec bonheur, face au choix infini des supports à peindre, face au choix pluriel des formats. Elle nous offre, dès lors, un travail abouti, dans lequel elle se consacre essentiellement à une recherche sur le contenu pictural. Elle a su faire parler pigments et liants dans leur force et leur douceur, au travers d’une impression d’ensemble suave et chaleureuse. Ses couleurs jouent dans des gammes de verts tendres ou plus aigus, de jaunes mats, de rouges, de mauvesou de violets. Brotons sait décliner, conjuguer les tonalités, pour procurer un tout sensible, plaisant, qui reste explicite ou bien va plus loin, vers des chemins abstraits... Ses tableaux sont chaque fois des univers qui vers un ailleurs...On s’y faufile, on y entre, on en sort différent...
Dans son style, à la technique maîtrisée, l’artiste veut dépasser les visions premières du réel. Elle utilise les couleurs, les clartés, les intensités, leur résonances, leurs complémentarités, mais aussi les formes, les lignes, fines, plus épaisses, pour créer un langage personnel qui s’adresse autant au regard qu’au ressenti du spectateur.
Marie-José Brotons au-delà de la poésie , du lyrisme, des allégories végétales, travaille à développer une tendance en abstraction. Son œuvre « Composition rouge » marque une étape importante dans son parcours. On peut y voir toute la distance que le peintre a su prendre avec la réalité florale, pour nourrir un nouveau discours, un nouvel essor...L’artiste a su s’approprier une dimension colorique personnelle et créer une grammaire évocatrice, faites d’émotions, parfois d’espaces vibrants ou de nuances tonales plus subtiles... Son geste artistique est mature et sait traduire son intériorité, son imaginaire...
L’itinéraire de Marie-Josée Brotons traverse la peinture, comme si elle-même traversait un jardin. D’une figuration de plus en plus libérée, elle est passée à une forme d’abstraction lyrique. L’artiste nous donne à voir un travail qualitatif, dans lequel, chose rare, gestualité et abstraction laissent se dégager une atmosphère intîme et feutrée... Elle apporte au regard du public des peintures en compositions d’abstraction lyrique, fortes, veloutées et poétiques...

Antoine Antolini , Exposition « Arts Actuels » EDMC Janvier 2009
Texte : « Quand imaginaire et réalité se rencontrent: la peinture de Marie-Josée Brotons » Antoine Antolini (EDMC) - Catalogue du peintre Marie-Josée Brotons

Sally Rebière, dans sa logique de peinture de paysage, théoriques ou techniques des académismes traditionnels.
C’est avec un grand bonheur que le spectateur peut retrouver dans les tableaux de l’artiste, une harmonie, une sensibilité réciproque, qui devient « pontage », lien entre le peintre, le paysage et celui qui regarde. On ne peut admirer une œuvre paysagiste de Sally Rebière sans être aussitôt transporté, « transposé », dans une autre dimension d’esthétique. L’artiste a su ériger en stylistique, une élégance de lignes, un florilège de touches, une représentation de la Nature à la fois fragile et pleine de personnalité. Le résultat est produit par une délicatesse d’écriture qui surprends, révèle un univers pictural épuré, dans lequel chantent formes et couleurs ...
Avec des oeuvres telles « Passion », « le Mas », ou les « Barques »... c’est une grammaire maîtrisée qui s’impose, en termes d’expression originale et différente, pour peindre les paysages. Le motif : Vues de hameaux, arbres, la Nature, sont traités dans ce qui s’en exhale de doux et de fort à la fois. La vision que nous propose le peintre, c’est parfois, de juste poser quelques éléments, en une architecture d’ensemble légère. Par des lignes simplifiées, on peut lire, approfondir, sentir l’atmosphère des lieux par le foisonnement de touches méticuleuses.
Le colorisme paysager de Sally Rebière, lumineux, parfois translucide, est essentiel dans son style.
L’artiste a su prendre ses distances d’avec les conventions strictement figuratives, elle nous montre cette beauté de la Nature, qui se cache derrière les apparences évidentes d’un premier regard. Les bleus sont poussés en luminosité, de même que les roses, les turquoises, les jaunes ou les oranges.. C’est une palette qui sait faire jaillir le ton pastel dans sa plus belle puissance. L ’artiste a le talent d’entraîner le spectateur dans son monde... « semi-réel » ou « semi-irréel » ?... pour faire douter, redouter, en tous cas, toute idée préconçue du visuel. En démontrant à travers ses toiles, son jeu de pinceau, son geste artistique, qu’il peut exister un autre état de conscience du voir, du vrai, du beau, de l’authentique.. L’artiste nous offre ainsi un langage émouvant : le sien, celui d’un peintre-poéte.
De la quiétude qui ressort du « Hameau provençal », de « la Basilique », ou encore de sa toile « le Moulin », jusqu’à la force tonale de « Paysage embrasé », apparaît une synthèse de ses différentes intentions d’ambiances... Avec son œuvre paysagiste récente Sally Rebière s’affirme, comme une artiste-peintre qui a su lever le voile sur une autre approche paysagiste.
Une façon de peindre, sans convention, moderne, qui ranime, égaie, rafraîchit d’un souffle de jeunesse, les nouveaux tous-derniers postulats du « contemporain »... C’est dire combien, au-delà de toute formulation de ressemblances, la peinture de Sally Rebière a échappé à la peinture dite « japonisante », ou même « naïve » ,ou bien encore « fauve », pour nous proposer son propre écho intérieur en un acte pictural neuf.

Texte du Catalogue du peintre Sally Rebière © 2009 Editions EDMC
© Texte: Antoine Antolini Direction rédactionnelle des Editions des musées et de la culture- Association L. 1901 pour la promotion et le développement de la muséologie et des arts.

Fins of the Encouragement Public Vermeil - Médaillle Honorary Lay Education.
Member of the Society of Authors in the Graphic and Plastic Arts (ADAGP, Paris), Director of Laboratory of qualified research in art and heritage.

Author. Antolini's approach in contemporary art is above all that of a sociologist, a philosopher, a teacher of the arts who meet, combine, appear in an artist-researcher in the field of abstract. He believes that contemporary painting can also bring a form of basic research in the sphere of non-verbal communication. After studying sociology and psychoanalysis, among other disciplines, he focused attention on the concepts of shapes and colors (gestalt theory) and their level interface of the collective unconscious (Jungian school). After several years of interdisciplinary scientific research on the intrinsic character of shapes and colors as a * media, it directs its high-level working towards the abstract. It marks the discipline by a vision and archaeological anthology of abstraction. Its main areas are common denominators-linearity and the sign. It creates a theory on a "linear", which would underpin © abstract art, both in the field of his break with the figurative * 2, but at the same time in its production. It also deals with writing in the paint as a sign. At the level of abstraction, it boasts a revival of abstract landscape, he was able to advance through various works, texts, conferences, and initiated a wave of "urban abstract landscape" ©. It strives to promote and recognize the "linear" in the art. It covers originally abstraction by ridding the partitioning of the poetic and geometry in a new affirmation and the search for an archetypal pictorial. Its innovative approach seeks deep, far and timeless, with a constant clarification towards critics and a wider public. Furthermore, it has developed a new method in the abstract painting, or "abstraction break (s) Space (s)" ©, defined "as a realization of abstract composition split into subdivisions of different spaces in the same theme" and treated pictorially, so autonomous, or "intersubjective" ... shall be a methodological approach and specifically based abstraction ...* 3.
His research seeks to supply answers to questions often buried deep within the collective unconscious, in close connection with basic research in art. In his art and society must evolve in harmony; Socially, he participates in international associations for peace and economic development, for cultural education, and has committed to preserving the planet, nature protection and wildlife, prevention against Drug Abuse and AIDS. He has conducted research on urban aesthetics applied to the sociological dimension .* 4 - He has developed and taught conducted public education programs specializing in various national and European fields of vocational and continuing training, among others, as National Center for Public Service Region. It also works for the social development of culture and publishing pamphlets on art, social sciences and humanities. Author of several writings and reflections on modern art, which focuses both on painting than sculpture, but also on the aesthetics of the city and the environment. It is, moreover, with competence in both theoretical and practical, contemporary designer, it taught in art school and moves in the field of basic research and experimental science for the advancement of arts museology and heritage conservation. On the positive side, various organizations of symposia, meetings of art exhibitions public and private social numerous honors, among other writings and lectures, some forty radio programs on contemporary art, interviews (Radio diocesan Var, RTL ...), as chief guest on modern art. Creation activities, structures, social, cultural centers, art, punctuate constructive plan of European and international art. It has been recognized by the Council of Europe for its action in favor of Europe. Recently his creation of "European Symposium, styles and trends on the Riviera Côte d'Azur" facilitate the readability of the art in the Southern European Arc in context of northern Europe, the United States, the Africa or Asia ... Anthony Antolini is particularly interested in his teachings and writings on art and ancient civilizations in the vanguard of contemporary art in interdisciplinary research in the fields of fine arts, linguistics, Beauty and sociology. He has conducted conferences in China to increase awareness and explain the European contemporary art and innovative aesthetic approaches in the West. Some of his writings:

PUBLICATIONS
1 - Research Work: Study on "artistic configurations" and their relations with the public imagination (collective unconscious, archetypes and meaningful shapes and colors ...) 1996-97 - Urban Art deco - Aesthetics and Functionality -
2 - Publication "The Domes-spaces and their concepts - The original urban facilities", "The concept of Urbaports" 1995 - Antolini - Study on the Urban Design - Large Format - 41 pages - © Urban Design and Theories - EDMC - 1995 Legal Deposit - Bibliothèque Nationale de France, Paris - and ADAGP, Paris - (this study has been the subject of a memorandum of Arts Degree in Applied Arts and "Urban Beauty").
3 - Publication of "The Linear - Principles and Foundations - A new concept in modern art painting" 1998 - Study Summary of Research Works © Editions EDMC - 1998 Legal Deposit - Bibliothèque nationale de France, Paris -
4 - Publication "The Abstract Art - Concepts for a development of theories of abstraction" 1999 Legal Deposit 2nd Ed EDMC Trim. 1999 - National Library of France, Paris - New Edition 1st Trim. 2000 -
5 - Publication - "From the Aesthetics Applied Systems' - 2000 - current museum of art
Studies and Research in Contemporary Art - Legal Deposit Paris - 2000 -
6 - Publication - "Theory artométrique - 2000 - Research articles in contemporary art and aesthetics of art (30 pages) Visual perception and artwork-Legal Deposit Paris, December 2000.
7 - Publication - "The Archaeology of Aesthetics" (below "Significant Art") 2001 - Editions EDMC - 2001 Legal Deposit - Bibliothèque Nationale de France, held under the Heritage Fund of the Art Library and Archaeology (Paris) -
8 - "Aesthetic Concepts for a marine and maritime research work (under publication)




                                                           M U S E O L O G I E


Elements concerning the work of artists to present text, for museums, art experts, auctioneers, collectors, art lovers contemporaries, journalists and documentalises, but also art students ... If one wants to address a museum of the work of artists presented above allow the texts to better understand their theoretical and pictorial universe, in order to appreciate the essence and scope in terms of contemporary art today. This presentation is useful to approach a good museum of the work of artists. The elements analyzed in the texts are likely to change depending on the route of the artist in time.


TEXTS FOR RESEARCH IN ART; Elements editorial and photos copyrighted - Act Mar. 11, 1957. Any piece of text or citation shall specify the name of the artist and author. All rights reserved worldwide - Conventions WIPO -

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