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■ Département Catalogue Evénementiels EDMC - Culture “Histoire de l'Art” - 2018
Programme international pour l'information inter-muséale et grand public © EDMC


Le Département Catalogue Evénementiels EDMC - Culture "Histoire de l'Art" - 2018, est un département d'activité spécialisé des Éditions des musées et de la culture EDMC, qui réalise des événementiels à caractère historique international ou des conférences, qui montrent et mettent en valeur, divers aspects de la création artistique de toutes époques, divers styles dans l'art, mouvements artistiques, les progrès de l'esthétique. Le Catalogue EDMC est un outil actif et vivant pour le maintien de la mémoire collective. Le Programme international pour l'information inter-muséale et le grand public, conçu et réalisé par EDMC, qui est attaché au Catalogue, a pour objectif de permettre de conserver, par l'information, un lien entre le passé et le présent voire être un pont de souvenir vers le futur. Ce concept inter-muséal dans ce contexte de communication se définit, ici, comme une possibilité d'interactivité communicante autour de la présentation des événementiels du Catalogue.© EDMC

 


■ REPORTAGE ACTUALITE Le peintre Alain DELIC en Chine


VIDEO Le peintre abstrait Alain DELIC en Chine

VIDEO Le peintre abstrait Alain DELIC en Chine

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Alain DELIC peintre contemporain international - Interview en Chine - Mai 2018 Interview réalisé en exclusivité par Antoine Antolini à PEKIN  (Salons de l'Hôtel Hua Qiao Beijing) © EDMC Mai 2018

 

Alain DELIC, bonjour, vous êtes un peintre contemporain et vous êtes en Chine actuellement pour présenter votre peinture. Vous avez présenté votre travail tout récemment dans deux manifestations en Chine, l'une à l'Université de Technologie de l'Hebei , lors d'une conférence de présentation de vos œuvres, à savoir plus de trente œuvres projetées en haute définition grand écran dans l’amphithéâtre de l'Université et l'autre manifestation c'était durant le « Styles et Tendances dans l'Art International » Pékin Printemps 2018 qui s'est tenu dans la capitale chinoise où vous avez été invité à présenter votre travail d'innovation des représentations esthétiques de l’énergie, devant le public et des peintres chinois. Je vous remercie de nous avoir accordé cette interview en exclusivité.

 

 

- Antoine Antolini. Cher Maître pouvez-vous nous dire pour les Editions EDMC en quoi consiste votre peinture ?


- Alain Delic. C'est la grammaire esthétique de l’énergie et de la force magnétique, composée de couleurs et de graphismes.

 

- C'est à dire...?

 

- Alain Delic. C'est un nouveau langage de l'énergie, des forces magnétiques, qui illustre l'invisible, les particules... les ondes, les flux, le mouvements des ondes et leurs connexions, leurs crépitements, parfois les éclairs, la foudre, tout ce qui peut se passer dans l'Univers et qui est énergie...

 

- Votre style est-il une recherche scientifique et technologique ?

 

- Alain Delic. Oui, mon œuvre est expérimentale, elle illustre l'énergie et des flux magnétiques et cela dans trois niveaux que je considère essentiels, tout d'abord dans l'ionosphère, ensuite dans le champ cosmique est l'infini et enfin les trous noirs que je nomme aussi de par leur intensité des mégatesla, en hommage à l''esprit de recherche du grand savant Nikola Tesla que j'admire beaucoup, depuis longtemps.

 

- Pouvez-vous nous en dire plus ?...

 

- Alain Delic. J'ai des ressentis, j'exprime dans mes œuvres différentes intensités dans mes toiles, qui correspondent, pour moi dans mon esprit, à des unités Tesla , par exemple, pour moi les trous noirs sont des mégatesla....C'est virtuel certes mais bien significatif de ma démarche de peintre...

 

- Pensez-vous que l'art et la recherche scientifique et technologique peuvent aller ensemble ?

 

- Alain Delic. Bien sûr ! Globalement les sciences et les technologies peuvent être une forme d'art, la beauté est partout dans l'univers. Pour moi en tant que peintre abstrait, je pense que les plus belles œuvres sont celles que l'astronomie nous permet de voir au bout des galaxies, pourtant même si ce sont les plus belles œuvres réelles de l'univers, on ne voit pas l'énergie qu'il y a dedans, autour, pour nos yeux d'êtres humains... L'énergie dans l'univers entre les étoiles, dans la nuit cosmique est invisible, pourtant il y en a énormément, qui traverse tout, notre planète et nous mêmes aussi... C'est cette énergie que personne ne voit et qui est partout, qui me passionne de représenter... En en tant que peintre abstrait, j'ai ressenti le besoin de rajouter la vision de l'énergie à ces œuvres grandioses que nous offre le spectacle de l'univers, je dis bien la vision de cette énergie qu'il est impossible de discerner à l'œil nu d'un être humain. Nous sommes peu de choses face à l'Univers. C'est déjà extraordinaire que nous existions. La vie est un miracle. Pour moi l'énergie c'est la vie ! La peinture, les couleurs, toutes les couleurs, c'est de l'énergie, c'est la vie...!

 

- Vous considérez vous comme chercheur ?

 

- Alain Delic. Oui, avec modestie je peux dire que je suis un peintre chercheur, parce que je cherche, je cherche toujours et je continuerai à chercher toute ma vie...et peut-être qui sait même après ... (petit sourire malicieux)...

 

- Finalement que recherchez vous ?

 

- Alain Delic. Je cherche à mettre au point un langage esthétique pour traduire l'invisible. Et je crois que j'y suis arrivé. Mais je cherche, je cherche encore... Aujourd'hui le progrès et l'évolution du monde ne peuvent se faire que par le croisement des arts des sciences et des technologies, c'est ce que je veux représenter, ce que j'exprime dans mes toiles. En tant que peintre abstrait que je suis, je croise les arts et les sciences et technologies, dans ma façon de représenter ce qui se passe dans l'univers, les galaxie, le cosmos, l'infini, je traduit en peinture l'énergie, les ondes, les flux... L'esprit à besoin de représentations de ce qui lui échappe. L'art que je crée, par la force des couleurs, des graphismes, par mes supports doubles, supports de papier de soie sur la toile, par les sensations que je transmets, au final je donne au spectateur une visibilité de l'énergie qui est invisible...

 

- Antoine Antolini. En Chine vous êtes déjà connus vous avez fait des expositions et des présentations de vos œuvres depuis déjà 2014, vous avez obtenu l'année suivante à Pékin le Trophée Etoilé des Arts de Chine en 2015 et vous êtes venu cette année 2018 présenter vos peintures à l'Université technologique de l'Hebei qui vous a attribué la Médaille d'Honneur de l'Université, c'est une reconnaissance de votre talent,  de vos recherches ? vous qui êtes un peintre abstrait pouvez-vous nous dire quel effet cela vous a fait de recevoir cette Médaille et que représente pour vous l'abstraction ?

 

- Alain Delic. Oui, j'ai été vraiment très honoré de recevoir cette Médaille d'Honneur de cette grande et importante Université Technologique de l'Hebei qui est très connue en Chine. Pour moi c'est bien sûr une extraordinaire reconnaissance, ici en Chine, après toutes ces années de travail artistique d'abord en Australie, puis en Europe, autour du monde... Pour répondre à votre question, l'abstraction pour moi c'est une passion, c'est une recherche pour dire ce qu'on ressent dans un langage qui dépasse tout en sensibilité, pour partager des ressentis uniques avec le public, la jeunesse, qui est très ouverte à l'art et à tout ce qui est nouveau en Chine. Chacun avec l'abstraction peut se projeter comme il veut sur mes œuvres, les regarder et ressentir peut-être tout ce que j'ai moi même ressenti et que je transmets. Je veux que cette énergie ce soit aussi une énergie qui donne de la force et du bonheur au spectateur qui voit mes toiles, grâce a une beauté qui se dégage par l'équilibre, la puissance des couleurs, la beauté c'est de l'harmonie, l'harmonie donne de la confiance en soi. Ma peinture...c'est de l'énergie, c'est la vie ! L'abstraction c'est aussi un vrai besoin qui est plus fort que moi, mais c'est aussi un vrai besoin pour le public, pour aller plus loin, pour mieux comprendre le progrès du monde, mes toiles, mon abstraction c'est comme une fenêtre ouverte sur notre XXI ème siècle...

 

- Vous avez un très bel accent, qui semble un accent italien... pouvez-vous nous en dire plus ?

 

- Alain Delic.  Pas tout à fait italien... mais c'est l'accent d'un pays qui est collé à l'Italie au Nord-Est, c'est la Croatie, ma terre natale. Je suis de nationalité française. Je suis très heureux d'être originaire de Croatie, du même pays que le physicien Nikola Tesla, dont j'ai beaucoup entendu parler quand j'étais très jeune...Le hasard du destin fait que mon travail de peintre abstrait aujourd'hui, rejoint ses recherches, c'est le même domaine, celui de l'énergie... mon œuvre a croisé son chemin génial...il aimait l'art.

 

- Je vous remercie pour cet entretien.

 

Interview en Chine, à Pékin, du peintre Alain Delic réalisé en exclusivité par Antoine Antolini © Editions EDMC Mai 2018 Tous droits réservés.


******************** Traduction anglaise de l'interview

 

Alain DELIC international contemporary painter - Interview in China - May 2018 - Interview conducted exclusively by Antoine Antolini at BEIJING - (Salons of the Hua Qiao Beijing Hotel)  © EDMC May 2018

 

- Alain DELIC, hello, you are a contemporary painter and you are currently in China to present your painting. You recently presented your work in two events in China, one at the Hebei University of Technology, during a presentation conference of your works, namely more than thirty works projected in high-definition widescreen in the university's amphitheater and the other demonstration was during the "Styles and Trends in International Art" Beijing Spring 2018 held in the Chinese capital where you were invited to present your work. innovation of aesthetic representations of energy, in front of the public and Chinese painters. Thank you for giving us this exclusive interview.

 

- Antoine Antolini. Dear Master can you tell us for EDMC Editions what is your painting?


- Alain Delic. It is the aesthetic grammar of energy and magnetic force, composed of colors and graphics.

 

- That is to say...?


- Alain Delic. It is a new language of energy, magnetic forces, which illustrates the invisible, the particles ... the waves, the flows, the movements of the waves and their connections, their cracklings, sometimes lightning, lightning, all that can happen in the Universe and that is energy ...

 

- Is your style a scientific and technological research?

 

- Alain Delic. Yes, my work is experimental, it illustrates the energy and magnetic flux and that in three levels that I consider essential, first in the ionosphere, then in the cosmic field is the infinite and finally the black holes that I also name by their intensity megatesla, in tribute to the research spirit of the great scientist Nikola Tesla whom I admire a lot, for a long time.

 

- Can you tell us more? ...

 

- Alain Delic. I have feelings, I express in my works different intensities in my paintings, which correspond, for me in my mind, to Tesla units, for example, for me the black holes are megatesla .... virtual certainly but very significant of my approach as a painter ...

 

- Do you think that art and scientific and technological research can go together?

 

- Alain Delic. Of course ! Globally science and technology can be an art form, beauty is everywhere in the universe. For me as an abstract painter, I think that the most beautiful works are those that astronomy allows us to see at the end of galaxies, even if they are the most beautiful real works of the universe, we do not see the energy that is inside, around, for our eyes as human beings ... The energy in the universe between the stars, in the cosmic night is invisible, yet there is a lot, that goes through everything, our planet and ourselves too ... It is this energy that no one sees and which is everywhere, which fascinates me to represent ... As an abstract painter, I felt the need to add the vision of the energy to these grandiose works offered by the spectacle of the universe, I say the vision of this energy that can not be discerned with the naked eye of a human being. We are few things facing the Universe. It is already extraordinary that we existed. Life is a miracle. For me energy is life! Painting, colors, all colors, it's energy, it's life ...!

 

- Do you consider yourself a researcher?

 

- Alain Delic. Yes, with modesty I can say that I am a researcher painter, because I search, I always search and I will continue to search all my life ... and maybe who knows even after ... (mischievous smile). ..

 

- Finally what are you looking for?

 

- Alain Delic. I am trying to develop an aesthetic language to translate the invisible. And I think I got there. But I'm looking for, I'm still looking for ... Today, the progress and evolution of the world can only be achieved by the intersection of the arts of science and technology, that's what I want to represent, what I expresses in my paintings. As an abstract painter that I am, I cross the arts and sciences and technologies, in my way of representing what happens in the universe, the galaxies, the cosmos, the infinite, I translate into painting the energy , waves, flows ... The mind needs representations of what escapes it. The art that I create, by the force of the colors, the graphics, by my double supports, supports of tissue paper on the canvas, by the sensations that I transmit, in the end I give to the spectator a visibility of the energy which is invisible …

 

- Antoine Antolini. In China you already knew you did exhibitions and presentations of works already from 2014, you got the next year in Beijing Trophy Etoilé of China Arts in 2015 and you came this 2018 show your paintings at the Hebei Technological University who awarded you the University Medal of Honor, is recognition of your talent, also for your research, for you who are an abstract painter can you tell us what effect it has made you to receive this Medal and what does abstraction represent for you?

 

- Alain Delic. Yes, I was very truly honored to receive this Medal of Honor from this great and important Hebei University of Technology, which is well known in China. For me it is of course an extraordinary recognition, here in China, after all these years of artistic work first in Australia, then in Europe, around the world ... To answer your question, the abstraction for me is a passion, it is a search for say what you feel in language that exceeds any sensitivity, to share special feelings with the public, the youth, which is very open to art and everything which is new in China. Each one with abstraction can project himself as he wants, on my works, to look at them and to feel, perhaps, all that I myself have felt and that I transmit. I want this energy to be also an energy that gives strength and happiness to the viewer, who sees my paintings, thanks to a beauty that emerges by the balance, the power of the colors, the beauty is also harmony, harmony gives confidence in oneself. My painting ... it's energy, it's life! Abstraction is a real need that is stronger than me, but it is also a real need for the public, to go further, to better understand the progress of the world. My paintings, my abstraction,  is as an open window on our 21st century ...

 

- You have a very beautiful accent, which seems an Italian accent ... can you tell us more?


- Alain Delic. Not quite Italian ... but it's the accent of a country that is stuck to Italy in the North-East, it's Croatia, my native land. I am of French nationality. I am very happy to be from Croatia the same country as the physicist Nikola Tesla, whom I heard a lot about when I was very young ... Chance of fate means that my work as an abstract painter today, joins his research, it's the same domain, the energy field ... my work has crossed its great path ... he loved art.

 

- Thank you for this interview.

 

Interview in China, in Beijing, of painter Alain Delic directed exclusively by Antoine Antolini © Editions EDMC May 2018 All rights reserved.

 


■ REPORTAGE. "Talents à la Une"


VIDEO 1 ÉVÉNEMENTIEL ACTUALITÉ

VIDEO 1 ÉVÉNEMENTIEL ACTUALITÉ

VIDEO 2 EXPOSITION

VIDEO 2 EXPOSITION "Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre Alain DELIC" II

VIDEO 2 EXPOSITION

VIDEO 2 EXPOSITION "Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre Alain DELIC" II

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■ A European tribute of the painter Alain DELIC to the physicist Nikola TESLA took place during the national event "Current events of Styles and Trends in the Art" on February 10th, 2018 in salons of Hotel Mercure ★★★★ in Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur


Les Editions EDMC-EUROPE  à l'initiative du peintre contemporain Alain DELIC ont rendu le 10 février 2018 un Hommage européen au savant Nikola TESLA né le 10 juillet 1856 à Smiljan, Croatie, mort le 7 janvier 1943 à New-York (É.-U.)

Les Editions EDMC-EUROPE à l'initiative du peintre contemporain Alain DELIC ont rendu le 10 février 2018 un Hommage européen au savant Nikola TESLA né le 10 juillet 1856 à Smiljan, Croatie, mort le 7 janvier 1943 à New-York (É.-U.)

Le peintre abstrait Alain DELIC crée une peinture qui exprime et illustre une capture de l'énergie cosmique et sa transmission sur la toile. Son Esthétique est une recherche expérimentale qui l'a rapproché de Nikola TESLA. Il a souhaité lui rendre hommage

Le peintre abstrait Alain DELIC crée une peinture qui exprime et illustre une capture de l'énergie cosmique et sa transmission sur la toile. Son Esthétique est une recherche expérimentale qui l'a rapproché de Nikola TESLA. Il a souhaité lui rendre hommage

"Hommage européen au physicien ingénieur et inventeur Nikola TESLA", Exposition ART CONTEMPORAIN du peintre abstrait international Alain DELIC, 10 Février 2018 à Hyères-les-Palmiers, dans les Salons de l'Hôtel Mercure ★★★★ Côte d'Azur.

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" est la première Exposition de peinture abstraite au plan international, connue à ce jour, expressément dédiée à TESLA avec uniquement des oeuvres en liens avec les concepts du physicien

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A long artistic career around the world for the painter Alain DELIC, from Australia to China, passing through Europe, he is an artist whose painting knows no borders and which obtained the greatest rewards in many latitudes. This master of contemporary art practices abstract art at the highest level. He has been working for a very long time, transmitting a form of cosmic energy in his paintings. Very close to the concepts of Nikola TESLA, his works in contemporary art reflect the research of the great scientist. From a city near of the birthplace of the physicist and inventor Nikola TESLA, during his young age, Alain DELIC heard about the famous scientist, without knowing that much later, their destinies would cross themselves out of space and time, in the immateriality of research ...

 


■ For Alain DELIC, energy, wave and light can be felt and captured from the cosmos and visualized permanently by means of contemporary painting and especially by Abstract Art.


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Le peintre Alain DELIC à reçu le Trophée d'Honneur du Palmarès des Styles pour son

Le peintre Alain DELIC à reçu le Trophée d'Honneur du Palmarès des Styles pour son "Hommage Européen à Nikola TESLA" attribué par les Editions des musées et de la Culture EDMC-EUROPE le 10 Février 2018 à Hyères, salons de l'Hôtel Mercure ★★★★ Côte d'Azur.

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Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici « Eruption Supersonique » (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici "Particules Transfixiantes" (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles en Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici "Incandescence Solaire" (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l'Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre international, "Le Trou Noir" (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l'Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

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Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici "Divine Infinity" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici "Ondes Gravitationnelles" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, ici "Implosion Originelle" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, "Luminescence Cosmique" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

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Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, "Gravitation Spatiale" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, "Explosion Stellaire" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, "Energie Astrale" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

Exposition

Exposition "Hommage à Nikola TESLA" par Alain DELIC, peintre, "La Rose Galactique" (Huile 130x89cm. laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile) "Actualité des Styles dans l' Art" 10 Février 2018 à Hyères (Côte-d'Azur)

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                                                                                                     ■ Physical sciences and abstract art

 

 

■ WHEN PHYSICS ENTER IN ABSTRACT ART, UNDER THE FINGERS OF THE CONTEMPORARY PAINTER ALAIN DELIC

 

Nikola TESLA and Alain DELIC: two destinies that have crossed out of space and time.

 

For Alain DELIC, the work of Nikola TESLA is the interface in the sciences of his research in art. The artistic works of the abstract painter appear in mirror of the discoveries of the scientist.

 

Alain DELIC's aesthetic and visual research on cosmic energy for many years was quite spontaneous, until he discovered that, in fact, without knowing it, in his style and in the content of his creation, he walked in art, in the footsteps of Nikola TESLA. He realized that he worked in the same field, that of energy, as for him in the art and as for Tesla in the sciences and physics. Well beyond a meeting between art and science, it was a splendid coincidence and a surprising revelation for Alain DELIC. He had already, behind him, a work of several hundred abstract paintings of research on energy, waves and electrostatic flows. A surprising crossing of two destinies. A lot of memories came back to the painter. the painter Alain DELIC and the scientist Nikola TESLA are both from the Western Balkans, the physicist was born in Smildjan, Croatia, Alain DELIC, being from a nearby town and speaking the same language, he had often heard, in his youth, to evoke around him, the name of this famous scientist. The fate of the painter has become international today, well beyond Europe, he is well known from Australia to China (where he was nicknamed "the Peintre des Etoiles"). When one sometimes speaks of art and science, there can be no better example in this field than the study of common intuitions of the painter and physicist, than this artist-scientist couple formed across the time by DELIC-TESLA, in the light our current of contemporary history of art, and more precisely o the art and science.

 

I - With an Artistic Work mirroring the research of Nikola TESLA, the painter Alain DELIC, introduced the physics into contemporary art, adding another dimension: the dimension of the artistic and aesthetic.

 

The symbiosis between this artist Alain DELIC and the scientist Nikola TESLA is easy to understand for those who know the content of scientific work on energy related by the physicist, engineer and inventor Nikola TESLA, on electricity, lightning, but also the capture of most subtle magnetic fluxes, the domestication of invisible waves, the capture of the most intangible and yet the most efficient energy, extracted in particular from space, the stratosphere or the mesosphere, from these circum-terrestrial flows, around the Earth, wich the famous scientist knew how to control and capture and to pose there in our world, opening the eyes of humanity. A unit of measure in physics bears his name. We will better understand the link that exists between the physicist and the painter, when we know the content of the artistic work on energy that follow for years the painter Alain DELIC, on these same themes. Apart from the lightning and flash of lightning, which everyone can see, the painter managed to share with us, to fix in abstract technics, what we can not see: energy and magnetic flux. Alain DELIC presents in his works his pictorial researches on gravitational waves, electrostatic, magnetic strength, vortex, cosmic rays, vibratory waves, energies coming from space, coming from stars and the sun, among others . This shows so many convergences in his painting, with the research of the scholar Nkola TESLA.

 

Alain DELIC made it not only an artistic proposal, but it gives much more than a painted illusion, because it feels these energies, this fundamental energy of the matter itself, which was highlighted by the surprising researches of Nikola TESLA, which  goes farther than appearances, to explain the invisible. In fact, the painter Alain DELIC manages to physically capture the energy, in him, captures it and he discovered how to integrate it into his paintings using art techniques. " I captures the energy and it is by my hands that I throw it on the canvas," according to his words. A detail can make us think about; Nikola TESLA was almost always gloved, Alain DELIC paints directly with his bare hands, his fingers, his palms to transmit his energy, his flow on the canvas. He thus applies his painting composed of rare pigments, sometimes of gold pigments, like a fluid charged with an invisible amperage. He transmett vibrant energy, in the heart of the pictorial matter. His works of art are designed with crumpled tissue paper with his hands, crinkled natural tissue paper, using only his bare hands for that. Alain DELIC understood an essential parameter.

 

The tissue paper is an ultimate sensory receptor, very fine, pure and absolutely natural, which absorbs well, the waves that the painter has in the body. He kneads, wrinkles, sculpts, the tissue paper to unload on this support all the static electricity that he has in him, all his magnetic flux, all his most subtle waves. He wrinkles, rub, gives form, paint, still with pure pigments, on this tissue paper, with his two hands bare, with his fingers, his palms. He directs the tiny pigments, transmitted in molecules of water, loaded in the oil molecules or lacquers, which will go in turn to penetrate in the microscopic granulated "pores" of the silk paper , folded, crumpled,   becoming as many vehicles of subtiles energies. Alain DELIC uses for this, rare pigments, pure, natural colors. He also uses powders of pure gold which he projects on his paintings, preparing silk papers on which he applies a layer of pure gold by misting. Once fully covered , the crumpled silk papers, pleated, prove particularly inductive and receivers of the electrostatic charge that the painter will release and transmit in the supports by his hands. This is to play in his works to the maximum of his electrostatic charge and its effects on the gold film, again pleated and shaped by his hands. By electrostatic induction, using the purity of gold. The painter discharges the energy that he has been able to accumulate in him beforehand, or that passes through him and that he relays in the thickness of the material on the support. A process that joins the concepts of Nikola TESLA. Then it confines this charge of energy, fixing everything in the receptacle support, applying oil paints, protective lacquers, and sticking all of this result on a second support, the canvas, (double support). The choice of each color is also used in a harmony of vibratory and evocative impacts. The result is a beautiful shimmering work, colorful, with a relief from wrinkles, which shines or remains dull, such a strange territory, a wave world visualized. An art, developed to offer a spectacle of light in the eyes of the spectators. During his exhibitions the audience is often astonished in front of these works, sometimes jostling one another in front of a canvas, as was the case in 2014 in China. Tianjin Academy of Fine Arts, third great school of Fine Arts in China, in this city of nine million inhabitants, now keeps, in museological title, a work of Master Alain DELIC so that it can be seen by the Chinese youth.

 

 

■ EUROPEAN TRIBUTE OF THE INTERNATIONAL PAINTER ALAIN DELIC TO THE PHYSICIAN NIKOLA TESLA on February 10, 2018 in the salons of the Mercure Hotel ★★★★ in Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur. Reports from  EDITIONS EDMC Museums and culture publishing 2018


"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" est la première Exposition de peinture abstraite au plan international,connue à ce jour, expressément dédiée à TESLA avec uniquement des oeuvres en liens avec les concepts du physicien

Nikola TESLA (1856 - 1943 ). Le savant à  fait évoluer les données des sciences et de la physique avec de nouvelles théories. Il a maîtrisé les technologies avant-gardistes de l'énergie marquant ainsi le point de départ d'un nouveau stade de civilisation.

Nikola TESLA (1856 - 1943 ). Le savant à fait évoluer les données des sciences et de la physique avec de nouvelles théories. Il a maîtrisé les technologies avant-gardistes de l'énergie marquant ainsi le point de départ d'un nouveau stade de civilisation.

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" Trophée d'Honneur des Editions EDMC attribué au peintre pour l'hommage rendu et la présentation de ses peintures

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC". Cérémonies d'ouverture hommage à Nikola Tesla.10 Février 2018 Hyères, Hôtel Mercure★★★★ Côte-d'Azur

Hyères-les-Palmiers,Côte-d'Azur Hôtel Mercure★★★★

Hyères-les-Palmiers,Côte-d'Azur Hôtel Mercure★★★★"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC". Hommage à Nikola Tesla. Cérémonies Ed. EDMC-EUROPE.

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" Ouverture des cérémonies d'hommage avec Antoine ANTOLINI délégué des Editions EDMC-EUROPE

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" Trophée d'Honneur des Editions EDMC-EUROPE attribué au peintre pour l'hommage rendu au travers de l'exposition de ses peintures

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" (10 Février 2018)

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EDITORIAL

(February 2018)


"European tribute to Nikola TESLA by the abstract painter Alain DELIC" is the first international exhibition of abstract painting, known today to 10/2/2018, according to research that has been carried out with major international media in Europe , in the United States and internationally, which is specifically dedicated to the scientist Nikola TESLA, with only works related to the different concepts and research of the physicist, engineer and inventor. Nikola TESLA, through his outstanding scientific work, opened the way and laid the foundations for the main current advances in "new" or high-tech technologies, as well as "clean" technologies, particularly with the progress made in energy. We can have a glimpse of that in the beginning of this century. Nikola TESLA's research and discoveries in science, physics, and technologies are generic discoveries. These numerous works of the scientist in the sciences of physics, are fundamental works, of genesis, thus produce an impact which is largely multidisciplinary, transdisciplinary. From then on, the scientist's influence is far from over. This impact will continue for a very long time, perhaps even forever, to positively influence science and technologies, to drive their progress. The discoveries of TESLA are already marking our future in new discoveries of today. Now we understand better the meaning of the words of Nikola TESLA when he said in his time: "the present is their ..... the future is mine."

Through the european  tribute that the abstract painter Alain DELIC has made to Nikola TESLA, with the collaboration of Editions des Musées et de la culture EDMC-EUROPE, it is also the testimony of all the powerful innovation dimension of this great scientist, who arrive to provide answers today in the research of a contemporary artist, in abstraction, in the heart of art. See above the text of Antoine Antolini, "WHEN THE PHYSICS ENTERS IN ABSTRACT ART, UNDER THE FINGER OF THE CONTEMPORARY PAINTER ALAIN DELIC".

The EDMC-EUROPE Editions, in joining this tribute, demonstrate their constant phasing with the great moments of current events and progress that mark contemporary art.

                                                                                        EDITIONS EDMC-EUROPE February 2018

 

 

For Alain DELIC, Nikola TESLA remains an intellectual model. Exhibition "European tribute to Nikola TESLA" of the painter Alain DELIC. Each painting is a tribute to the famous scientist on February 10,2018 Salons of Mercure Hotel★★★★Hyères-Les-Palmiers


"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" est la première Exposition de peinture abstraite au plan international,connue au 10/2/2018 expressément dédiée à TESLA,avec uniquement des oeuvres en lien avec les concepts du physicien

Le physicien Nikola TESLA, ingénieur,inventeur (1856-1943) Ce savant a marqué l'évolution de notre civilisation créant, dès son époque, de nouvelles technologies de pointe et de nouveaux moyens de production de l'énergie, qui font école aujourd'hui.

Le physicien Nikola TESLA, ingénieur,inventeur (1856-1943) Ce savant a marqué l'évolution de notre civilisation créant, dès son époque, de nouvelles technologies de pointe et de nouveaux moyens de production de l'énergie, qui font école aujourd'hui.

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Hommage au physicien Nikola Tesla Exposition de peinture Alain DELIC artiste contemporain abstrait (10 Février 2018 Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur)

Hommage au physicien Nikola Tesla Exposition de peinture Alain DELIC artiste contemporain abstrait (10 Février 2018 Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur)

Le peintre Alain DELIC lors de son exposition en hommage à Nikola TESLA

Le peintre Alain DELIC lors de son exposition en hommage à Nikola TESLA

"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" Trophée d'Honneur des Editions EDMC-EUROPE attribué au peintre pour l'hommage rendu au travers de l'exposition de ses peintures

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Alain DELIC peintre abstrait international lors de la présentation de l' Hommage à NikolaTesla

Alain DELIC peintre abstrait international lors de la présentation de l' Hommage à NikolaTesla

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"Hommage européen à Nikola TESLA par le peintre abstrait Alain DELIC" est la première Exposition de peinture abstraite au plan international, connue au 10/02/2018, expressément dédiée à TESLA avec des oeuvres en liens avec les concepts du physicien

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An intuition brings ever more closely, from several years, the painter Alain DELIC of Nikola TESLA.


"Champ Magnétique" peinture d'Alain DELIC, peintre abstrait, (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile)

"Vibrato Cosmique" peinture d'Alain DELIC, peintre abstrait, (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile)

"Tourbillon Interstellaire" peinture d'Alain DELIC, peintre abstrait, (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile)

"Rayonnement Cosmique" peinture d'Alain DELIC, peintre abstrait, (Huile 130x89cm laque, papier soie plissé sculpté Double support s. toile)

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Editorial Article on gravitational waves and the painter Alain DELIC - Archives Year 2016 on February 10th, 2016, written on the eve of the discovery about gravitational waves.

 

 

■ Gravitational waves, cosmic strength and energy. When art joins the sciences. For several years the painter Alain DELIC realizes paintings at the forefront of the theoretical searches on the vibratory fields and the cosmoplanetary energy


Le peintre international Alain DELIC lors d'une de ses expositions de peinture en CHINE

Le peintre international Alain DELIC lors d'une de ses expositions de peinture en CHINE

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"Turbulence Magnétique" d'Alain DELIC (Huile 130x89cm laqué papier soie plissé sculpté Double support s. toile)

"Space Gravity" Alain DELIC (Huile 130x89cm huile laqué papier de soie plissé sculpté Double support sur toile)

"Trou Noir" ou "Divine Infinity" peinture Alain DELIC (130x89cm, huile laqué papier de soie plissé sculpté Double support sur toile)

"Les Racines du Ciel" peinture d'Alain DELIC (Huile 130x89cm huile laqué papier de soie plissé sculpté Double support sur toile)

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ARTICLE ON THE PAINTER EDITIONS EDMC February 10, 2016. "Gravitational waves, cosmic force and energy"


EDITORIAL. From his series of works on the "Eruptions Chromosphérique", to the pictorial representation of "Black Holes" and the pictorial expression of the energy that is there, and comes out in the cosmos, the painter Alain DELIC, rightly nicknamed the "Peintre des Etoiles" explores the Universe in the expression of his abstract works. Oils on double support on crumpled silk paper pasted lacquered on canvas, he illustrates and gives his artistic images of the energy expelled from the astral gravitation, these gravitational vibratory waves which populate the intergalactic spaces, float and circulate, by extrapolating of their generic stars, galactic magmas, visible or non-visible planets. The painter has created an aesthetic grammar, constant, expressed by interpretations in abstraction. From the far-off space of the star lands, to the very limits of the idea of ​​the sidereal, Alain DELIC brings back to us the visions, the sensations, of this energy which animates the void, invisibly comes from the planets. "I capture the energy and throw it on the canvas" as the Master of Abstract Art likes to say. Only an avant-garde painter, after years of work and studies in the pictorial, can in art, advance with similar accuracy, apprehend the invisible, and dare to illustrate it as a challenge plastic, paint the art in the heart of science with the subject, beyond the knowledge of the moment. Today, on the eve of a "new physics of the sensitive" which is inevitably looming at the doors of our 21st century, by these new and exceptional discoveries that we are expecting, on the gravitational waves, Alain DELIC painter-researcher in  abstraction contemporary, as an artist is happy and rejoices in the leap forward that is realized in the astral sciences and physics. In contemporary art, he works to advance a new understanding of science through his aesthetic research on energy. Through his work made with deep and inner personal sensations, by his paintings, by approach of his  open sensibility on the Universe, Alain DELIC is a visionary precursor in the field of technoscience in our era. As they have been in their time, to the rhythm of the techniques of their own progress, the greatest modern Cubist painters, constructivists, futurists ... On the eve of this historic date of the step forward of science and physics, the work of the artist Alain DELIC wants to pay tribute to all these outstanding scientists who have made evolve our world.

Let their see here, a special thank you in the arts.

 

 

                                                                                             Antoine Antolini  © EDITIONS EDMC  2016, February 10th. 

 

 

Editorial Article on gravitational waves and the painter Alain DELIC - Archives Year 2016 on February 10th, 2016, written on the eve of the discovery about gravitational waves.

 

 

■ Reportages


Biographies d'artistes ▼


Marie-Solange RAYMOND
■ Une artiste qui témoigne dans son œuvre d'une évolution de l'abstraction à notre époque.


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Son esthétique picturale contient les expressions les plus avant-gardistes au plan international de ce que peut être la spiritualité, dans l'art contemporain d'aujourd'hui.

                                                                                                                                               Texte par Antoine Antolini

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- Introduction -

                           La démarche artistique abstraite de Marie-Solange Raymond présente de nombreux aspects novateurs dans le contexte de l'art contemporain de cette dernière décennie. Sa peinture représente en France et en Europe, les nouvelles tendances de l'esthétique abstraite de notre début de XXIème. L'art contemporain, au fil de la seconde partie du siècle écoulé, depuis les sixties, a vu progresser l'abstraction, du "pop art" jusqu'aux monochromes. Qu'il s'agisse de l' "Action painting" de Jackson Pollock ou des travaux Willem de Kooning aux USA, la recherche portait en abstrait, sur le déconditionnement du peintre devant la toile; une quête inlassable vers l'essentiel immatériel du geste. L'écho d'un art informel fit réponse en Europe, avec la gestualité abstraite et lyrique de Georges Mathieu, les recherches du Tachisme de Jean Fautrier à Hans Hartung. Une mouvances d'un "expressionnisme abstrait", euro-américain, se voulant universel voyait le jour. Depuis Mark Rothko, (1903-1970), qui voulu traiter en son temps la spiritualité par ses monochromes, dans une approche mystique, aujourd'hui les choses ont bien évolué. La mondialisation, l'écologie, le retour à la Nature, ont ouvert une nouvelle ère de réflexion sur l'individu. La conscience de soi, de nouveaux entendements, de tous horizons, de tous continents, sur l'Homme et sa spiritualité. Mode ou phénomène de société, les générations futures le diront. L'art comme à chaque période d'évolution des sociétés vibre, palpite et reflète le monde, son environnement sociétal. Marie-Solange Raymond, en regard de tous les nouveaux parcours des générations actuelles sur les divers continents, à su faire progresser à son tour son propre domaine de peintre, celui de l'abstraction. Elle à su y insuffler le sens de son époque. Grâce à son œuvre, on comprend de nouvelles significations fondamentales de l'art abstrait, d'autres fonctionnalités inédites. Un art actualisé de notre début de XXI ème siècle. Son œuvre vient traduire des investigations picturales novatrices. Son style et sa démarche artistique émergent clairement, dans ces territoires hors-limites, où se juxtaposent à travers le monde, les genèses d'un nouvel art abstrait.

 

1 - Les "mondes abstraits" de Marie-Solange Raymond


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La peintre Marie-Solange Raymond, en provenance d'un monde des sciences, dans lequel l'humain est central, donne un contenu à l'art abstrait en phasage absolu avec son temps, sa peinture résonne des visions neuves de sa génération. La présence de l'artiste apparaît nettement par un talent très différent, dans le continuum de l'histoire de l'art contemporain vivant. Une peintre que l'on doit accueillir comme peintre-sentinelle de son temps, révélatrice et catalyseur, à la fois d'un nouveau genre pictural. Son œuvre est une tête-de-pont avancée dans l'art international, transcriptrice d'une autre conscience du peindre. C'est ainsi qu'elle actualise l'abstraction de son époque et se pose aujourd'hui par la qualité et la persévérance de son travail en leadership des nouvelles mouvances internationales actuelles, incarnant une "abstraction subtile du sensible", "métaphysique" mais aussi "métapsychique". Ses conceptions font avancer l'art abstrait, la peinture, son approche esthétique apporte une pierre supplémentaire à l'édification de l'art, au cœur de l'actualité de sa génération. Marie-Solange Raymond maîtrise la perception et la capture d'autres émotions, encore plus fines, plus subtiles, plus élevées. Ses peintures abstraites sont en dialectique avec l'énergie, avec les champs sensoriels qui peuvent nous entourer sans que nous puissions les voir. L'énergie est aussi partie intégrante dans la création même son œuvre, du "Ki" japonais au "Chi" chinois, Marie-Solange Raymond propose son impulsion intuitive pour nous apporter sa propre vision du peindre "in abstracto". Tel Léonard de Vinci, peintre, scientifique et savant universel, qui avait compris, lui en tant que figuratif, que la peinture était un art mais aussi un procédé, un outil technique de reproduction du réel (avant la photographie), Marie-Solange Raymond, dans le prolongement et la complétude de l’œuvre du Maître à compris, quant à elle, en tant qu'abstraite, que la peinture est bien cet outil de la représentation du monde, de la vie, du réel certes, mais aussi encore de l'expression de l'esprit voire d'une capacité descriptive transcendantale. Dès lors, son oeuvre évolue dans l'immatériel, à la recherche de ces représentations positives sur ses toiles de ce qui nous échappe, de ce que l'Homme n'a pas encore su comprendre, mais a pu capter.

 

L'artiste Marie-Solange Raymond, se situe ainsi en pointe d'une recherche esthétique, avec la rigueur d'une scientifique et l'intelligence du cœur. C'est bien cela qui lui fait choisir l'art pour s'exprimer, pour traduire par la peinture, les autres, leur intériorité, tout ce qui peut leur être inconnu d'eux-mêmes, de leur conscience. Ses toiles sont des espaces de voyages, hors du temps, sans échelles, dans lesquelles apparaissent des mondes emplis d'émotions, naissants sous les artefact guidés par le hasard, l’écho, les coïncidences invisibles, dont la main de l'artiste est devenu le relais quasi-médiumnique. Ainsi c'est l'évolution de tendances conceptuelles avérées de ce début de siècles qui ont pénétré et sont l'abstraction de cette artiste. Par rapport à l'existant contemporain artistique international, l'abstraction de Mari-Solange Raymond renouvelle les approches, est une synthèse dans d'autres acceptions contemporaines, pour de nouveaux abords dans l'acte du peindre.

 

2 - Les visages, portraits d'ailleurs, les "morphographies" de Marie-Solange Raymond


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Marie-Solange Raymond réussit à exprimer par l'abstrait des nuances impercéptibles, telles ces émanations diffuses, colorées, qui flottent à l'intérieur et autour de ses "portraits abstraits". Marie-Solange Raymond, peint des visages comme des paysages abstraits, en un impressionnisme de l'ultime. Au-delà des "anthropométries" du peintre Yves Klein, ou des visages tourmentés de l' expressionnisme psychologique d'un Francis Bacon, Marie-Solange Raymond, avec sa peinture de visages, véritables "anthropomorphies picturales cinétiques", va encore plus loin, entre l'expression d'une essence et d' auras, aux caractéristiques picturales bien posées. Ses visages mystérieux et rares, dégagent un cinétisme morphique et projectif, qui fonctionne sous le regard du spectateur. Ses visages polysémiques énoncent une conscience subjacente, produisent leur image holographique, intersubjective, entre projection de l'intériorité du spectateur et cette image furtive à la fois réelle et irréelle d'un de ses "visages-portraits". Plus qu'une perception par son inconscient le spectateur aborde ainsi des œuvres étranges qui appartiennent à la fois aux deux mondes, en ambivalence entre celui des vivants et d'une représentation de l'au-delà. Avec ses peintures-portraits d'ailleurs, aux cinétismes morphiques Marie-Solange Raymond nous donne à voir de véritable "morphographies" de l'humain.

 

3  - Les "Instants d'âmes" de Marie-Solange Raymond


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Avec ses "Instantanés d'âmes" La peintre Marie-Solange Raymond met en symbiose  par ses couleurs diaphanes, vives ou plus douces une peinture qui arrive à évoquer à la fois une image dynamique de vie et de ressenti immatériel, d'un homme et d'une âme, d'un corps et d'un esprit, d'un cœur et d'un souffle. Marie-Solange Raymond met cela en peinture, tel Mozart ou Bach, ou encore Beethoven, auraient mis une idée du divin en musique. La peintre a créé des toiles qui portent une représentation abstraite de la spiritualité humaine, qu'elle sait poser en couleur, qu'elle "fixe" sur le support de sa toile devenu réceptacle d'un ailleurs: l'ailleurs de l'autre. (Série d’œuvres "Instantanés d'âmes").

 

- Conclusion - L'oeuvre de Marie-Solange Raymond reste avant tout guidée par la recherche du Beau, sa toile doit en être d'abord une expression aboutie. C'est le critère qui justifie le moment où elle considèrera que son tableau est achevé. Pour elle, le  "Beau", tout comme "l'Amour", sont des valeurs essentielles de l'être, qui lui en sont indissociables; universelles et intemporelles. Au cœur de l'évolution de son temps, en prise directe avec son époque, l'artiste Marie-Solange Raymond crée avec ses toiles une nouvelle grammaire de sens et de signes, au-delà de tous les acquis culturels de l'abstraction connus jusque là. L'artiste propose une peinture novatrice, audacieuse, qui introduit de nouvelles notions picturales et de nouveaux entendements conceptuels dans les sphères plasticiennes de l'Esthétique.

Toujours recherché depuis Kandinsky et si rarement atteint, Marie-Solange Raymond, a su trouver sur la toile ce fameux "spirituel dans l'art". Une peintre qui a non seulement du talent, mais aussi qui révèle un véritable don artistique, qui la placent aux premiers rangs de l'innovation contemporaine en matière d'art abstrait.

 

                                                                                                       © Texte Antoine Antolini, Editions EDMC, Mai 2016

 

"Marie-Solange RAYMOND, une artiste qui témoigne dans son œuvre

d'une évolution de l'abstraction à notre époque."

    © Peintures Marie-Solange Raymond (Tous droits réservés) - Texte et reportage, Antoine Antolini – MAI 2016

© Editions des musées et de la culture EDMC 2016

 Seul le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel, sous réserve d'en citer le titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

(Copyright International Convention OMPI-GENEVE) 

 

 


Editions EDMC Communiqué de Presse. Chine. Présentation du style abstrait de la peintre contemporaine française Marie-Solange RAYMOND, sa conférence en Chine a été un succès.


La peintre abstraite Marie-Solange Raymond en Chine, ici à Pékin.

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond en Chine, ici à Pékin.

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond à Pekin

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond à Pekin

Chine - Université de Technologie de  l'Hebei -

Chine - Université de Technologie de l'Hebei -

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la peintre abstraite Marie-Solange RAYMOND durant son interview à Pékin

la peintre abstraite Marie-Solange RAYMOND durant son interview à Pékin

Collection des

Collection des "Mondes Abstraits"

Collection les

Collection les "Morphographies"

Collection

Collection "Instants d'Ames"

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Editions EDMC - Communiqué de Presse.
Chine. Art international. Présentation du style abstrait de la peintre contemporaine française Marie-Solange RAYMOND, sa conférence en Chine a été un succès. Mai 2016. Chine. Art international. Présentations du style d'artistes français en Chine. Dans le cadre des conférences en Chine, effectuées par des Editions des musées de la culture (EDMC-Europe), organisées par Antoine Antolini pour la promotion internationale de la muséologie et de l'art contemporain, différents styles d'artistes préalablement sélectionnés en Europe et particulièrement en France pour 2016, ont été présentés en Chine, à l'Université de Technologie de l'Hebei (50.000 étudiants), située dans le nord du pays à proximité de Pékin (20 millions d'h.) aux abords de Tianjin (8 millions d'h.).Parmi les artistes issus de la sélection nationale française a été présentée dans le cadre des conférences des Editions EDMC-Europe, la peintre Marie-Solange RAYMOND, de style abstrait, laquelle a tenu une conférence pour expliquer de façon approfondie dans le cadre universitaire chinois, sa démarche artistique et son style pictural. La conférence de cette artiste sur sa peinture dans l'université chinoise, a eu lieu avec plusieurs de ses toiles parmi les plus représentatives présentées en appui de ses explications. Egalement des photographies de ses oeuvres ont été présentées. Sa présentation a été pleinement réussie. La peintre a répondu aux diverses questions posées par les étudiants sur les trois axes principaux apparaissant dans son oeuvre, à savoir les "Mondes Abstraits", les "Morphographies" et les "Instantanés d'âmes". L'esthétique novatrice de Marie-Solange RAYMOND, la qualité de sa recherche picturale originale, tendue vers la recherche de la Beauté dans l'art, ont suscité un réel intérêt, précisément auprès des étudiants qui suivent les enseignements en langue et culture françaises au sein de cette importante Université chinoise. Ceux-ci ont unanimement apprécié son style très actuel, sa technique de réalisation de l'oeuvre d'art, et un talent avant-gardiste, bien inscrit sur l'international. L'Université de Technologie de l'Hebei compte parmi les plus renommées en Chine, se situant en pointe sur différents enseignements et diplômes, d'économie, de management, de savoirs éminents quant aux nouvelles technologies. Ce haut-lieu universitaire chinois a voulu honorer les Editions EDMC-Europe, tout comme les artistes présents sur place, en leur remettant la Médaille d'honneur commémorative du Centenaire de cette Université, dont a été attributaire la peintre Marie-Solange RAYMOND. Les Editions EDMC-Europe, tiennent à féliciter l'artiste pour sa conférence, qui contribue à faire rayonner l'art européen, participant aux progrès et à l'évolution de l'abstraction. Un temps fort culturel et artistique international qui permet une meilleure connaissance en Chine, de styles hautement maîtrisés de peintres contemporains français novateurs. Un reportage est actuellement en cours sur cette actualité internationale des arts en Chine, qui sera diffusé prochainement, par vidéos, via les chaînes internet et médias numériques, afin de permettre aux publics européens de mieux connaitre à leur tour, les démarches artistiques de ces "peintres d'excellence", telle Marie-Solange RAYMOND, dont le talent a été très apprécié parmi les jeunes générations chinoises actuelles. (Communiqué EDMC 09/06/2016) Editions EDMC (textes et photos du communiqué de prese libres de droits pour presse et médias)



Biographies d'artistes ▼

■ Martine ANCIAUX, fondatrice de la photo-peinture a donné un nouveau statut aux relations entre photo numérique et peinture contemporaine; Consacrant sa vie à présent à mieux faire reconnaitre ce nouvel art


Martine ANCIAUX. Fondatrice de la photo-peinture, les succès ou les plus grand prix obtenus ne la distraient pas de son incessante innovation.

Martine ANCIAUX. Fondatrice de la photo-peinture, les succès ou les plus grand prix obtenus ne la distraient pas de son incessante innovation.

La

La "Ville Etendard" Photo-peinture de Martine Anciaux . Le paysagisme urbain a fait partie depuis ses débuts de ses principaux axes de style.

Avec

Avec "Universal Signe" Martine Anciaux nous montre sa maitrise inégalée de l'ambiguité de l'image, qu'elle désarticule pour nous entrainer dans la re-création d'une nouvelle esthétique inédite.

"Dans la tempête" de Martine Anciaux, ici une photo-peinture de marine, qui nous propose un impressionnisme abstrait revisité avec les outils du numérique

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Avec ce

Avec ce "Pendentif" Martine ANCIAUX souligne une des fonctions de l'art numérique qui peut être aussi parfois décoratif, joaillier, créateur de modèles.

"Le Vase" photo-peinture de Martine Anciaux, est emblématique de la translucidité que l'artiste peut produire autour de motifs extrapolés à partir de ses photos initiales

Martine ANCIAUX cette photo-peintre a fait passer son message européen d'innovation aux USA où sa vidéo a été number-one sur le web, sur du thème de la nouvelle photographie, pendant plusieurs mois.

Martine ANCIAUX cette photo-peintre a fait passer son message européen d'innovation aux USA où sa vidéo a été number-one sur le web, sur du thème de la nouvelle photographie, pendant plusieurs mois.

Le travail sur le volume est un challenge pour les artistes numériques, ici sa photo-peinture lui permet un exercice en rotondité inégalable, dont elle garde le secret

Le travail sur le volume est un challenge pour les artistes numériques, ici sa photo-peinture lui permet un exercice en rotondité inégalable, dont elle garde le secret

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Martine ANCIAUX, photo-peintre du numérique, elle traverse le progrès actuel des arts visuels avec la satisfaction d'avoir posé depuis longtemps des jalons essentiels dans ce domaine.

Martine ANCIAUX, photo-peintre du numérique, elle traverse le progrès actuel des arts visuels avec la satisfaction d'avoir posé depuis longtemps des jalons essentiels dans ce domaine.

"Compréhension" de Martine Anciaux, une de ses oeuvres emblématique majeure, par laquelle l'artiste relie deux univers, le figuratif et l'abstrait.

Avec son oeuvre

Avec son oeuvre "Signe", Martine Anciaux nous démontre comment l'art visuel peut être instantané dans l'expression d'une sémiotique multiple, hors de toute signifcation directive.

"Travelling" photo-peinture de Martine Anciaux témoigne de l'aboutissement ultime de la technique graphique colorée, on y ressent comment celle-ci sera une nouvelle esthétique du XXI ème siècle.

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Martine Anciaux, la photo-peinture pour faire progresser l'art contemporain. Martine Anciaux depuis de nombreuses années à compris l'importance qu'allait revêtir de plus en plus l'art numérique dans notre vie quotidienne, dans la culture, dans l'ensemble de l'art contemporain, y compris internationalement. Parmi les premières générations et les pionniers qui ont commencé a utiliser l'informatique et les logiciels dans la photographie, Martine Anciaux, a su, à force de recherches produire et définir le phénomène d'une esthétique particulière dans nos sociétés. Elle a fondé la photo-peinture, définissant de nouveaux concepts autour du couplage, du croisement de la photographie et de la peinture au moyen de l'art numérique; Art numérique, art visuel comme nouveau territoire du monde peint.

 

Les vidéos de ses interviews passées sont abondamment diffusés sur internet et les chaînes du web. Aujourd'hui son travail de référence a atteint un stade d'aboutissement qui lui permet, au travers de son style, d'occuper une place prépondérante dans l'art numérique suscéptible de pouvoir servir de modèle pour les générations montantes et  futures. Il faut dire, que Martine Anciaux, a su promouvoir l'art numérique à travers le monde, du Japon aux USA, depuis des décennies et elle défend encore maintenant plus que jamais, cet art auxquel elle veut donner des lettres de noblesse. Cette artiste considère que si la peinture et l' hyperréalisme ont su dans les années 60, non seulement aux Etats-Unis, mais aussi en Europe et dans le monde, produire des tableaux figuratifs aussi fidèles à la réalité qu'une photographie, la photographie avec l'art numérique , peut en faire tout autant vis à vis de la peinture et en produire des œuvres très contemporaine. Aussi qualitative esthétiquement que des peintures. Ceci en modalités figuratives bien sûr, mais surtout aussi impressionnistes, abstraites, voire impressionniste-abstraite, en de véritables tableaux, grâce aux outils d'art du numérique disponibles. Avec Martine Anciaux ce sont des œuvres, des tableaux, assimilables et définissables en une nouvelle esthétique dite «photo-peinture», des « photo-peintures » comme autant de peintures contemporaines à part entière (au même titre que l'hyperréalisme pictural assimila en son temps la photo). Selon Martine Anciaux, les médias, les galeries, les musées devraient effectuer une plus grande prise de conscience de la grande valeur expressive de l'art numérique et en ce sens de la « photo-peinture », qui peut véhiculer, dans beaucoup de cas, la même intensité d'émotions et de ressentis, aussi bien chez l'artiste qui crée l’œuvre numérique, que chez le public qui la contemple. Comme pour des toiles contemporaines de peinture acrylique ou à l'huile, réalisées avec les pinceaux ou les spatules, Martine Anciaux, veut faire comprendre que les crayons et "pinceaux numériques", les logiciels, les gammes colorées numériques, permettent une palette et un assortiment d'outils au service de l'artiste numérique qui peut exprimer pleinement ses sensations, son intériorité avec autant de vérité que les moyens du peintre traditionnel. Pour la photo-peintre, les procédés nouveaux de l'art numérique, s'ils sont bien sûr innovant à notre époque dans l'esprit du public, ne le sont pas plus que l'était  l'impressionnisme ou le cubisme du début du siècle dernier. Les grammaires artistiques ont changé, les outils pour créer ces grammaires ont changés aussi. Pour Martine Anciaux, la nouveauté de ces moyens artistiques numériques permettent de très bien laisser passer dans l’œuvre, l'univers intérieur de l'artiste, ou sa sensibilité la plus profonde ; Ces outils laissent vibrer et s'émouvoir l'artiste devant les jeux de lumières, les effets et contrastes avec la même intensité que pouvaient ressentir en leur temps les impressionnistes... C'est ainsi que la « photo-peintre » voit les choses et nous le démontre avec bonheur dans ses œuvres, en allant du figuratif à l'abstrait, sur tous les registres des styles de la peinture traditionnelle, pour y fixer sa marque, son interprétation personnelle avec son style d'expression de photo-peinture. Son figuratif reste toujours plein d'émotion et d'utilité à la fois, elle est devenue maîtresse de nouvelles approches dans les registres d'un nouvel impressionnisme contemporain. On est convaincus et séduits, lorsqu'elle part de la réalité de la photographie qu'elle peut prendre à tout moment, où qu'elle soit, pour la propulser dans un monde étonnant, le sien, en une dynamique époustouflante d'impressionnisme abstrait numérique. Elle sait manier le numérique avec une sensibilité exceptionnelle. Touchant à l'image, avec savoir, délicatesse, justesse, pour traduire toutes les transcendances du réel visible. Tel avec la « Ville Etendard » ou « Dans la Tempête » qui nous démontrent son talent ; Ou encore passant faire une incursion dans l'abstraction avec «Compréhension» ou « Travelling »... Souvent elle aime avoir un poème contemporain très moderniste d'André Thomas en accompagnement de ses œuvres, comme une interface de connexion à d'autres talents novateurs de l'art. Martine Anciaux s'efforce ainsi depuis des années, dans ses expositions, lors de ses conférences, dans ses interviews ou dîners-débats, et encore à l'heure actuelle, plus que jamais, de gommer les frontières, les différences, entre photographie et peinture pour aller vers une nouvelle esthétique. Elle préconise ainsi un véritable changement conceptuel quant au statut de l’œuvre d'art numérique, pour qu'elle soit reconnue en tant que tableau à part entière, puisqu'il y a dans l’œuvre numérique toute cette légitimité d'une vraie démarche artistique. Cet «art» numérique, dans son déploiement, en infographie, publicité, dans sa présentation aux cimaises, en art monumental collectif, en tableau "numérique" en Europe, en "digital art" aux USA, ne doit pas être assigné, comme trop souvent cela se produit à une fonction décorative, ou à un exercice du technologique (même si le décoratif peut être compatible avec une vision culturelle forte). Selon l'artiste, il est de plus en plus nécessaire qu'il y ait plus de débouchés pour cette forme d'art dans les expositions, les galeries, dans le marché de l'art lui-même. Il s'agit pourtant d'un art numérique qui s'introduit partout, qui est partout, qui vit en osmose avec l'individu dans la société et qui paradoxalement, peut être de ce fait de coexistence, n'est pas vraiment « conscientisé ». Avec les « photo-peintures » définition sémantique des œuvres de Martine Anciaux, photo-peintre, c'est tout autant un nouveau concept ouvert de progrès utile, pour l'ensemble des artistes du numérique. Martine Anciaux veut les amener à réfléchir sur ce nouvel art et son devenir. Pour elle chaque artiste du numérique a un rôle à jouer pour une meilleure reconnaissance de cet art. Que ce soit en Europe, ou partout dans le monde. Martine Anciaux à consacré et consacre encore sa vie, avec abnégation et passion, à ce combat artistique de notre siècle. Ce sont en fait des artistes tels que Martine Anciaux, qui ont pu faire avancer l'esthétique à travers les diverses époques de l'histoire de l'art.

 

Antoine Antolini, Mai 2014

 

 

MARTINE ANCIAUX  ARTISTE  D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI »

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre « Martine Anciaux, la photo-peinture pour faire progresser l'art contemporain. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – MAI 2014

© Editions des musées et de la culture EDMC 2014

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

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■ La peintre C-CORIANDRE innove en conjuguant sophrologie et art contemporain. Son style pictural et le contenu de sa démarche esthétique font progresser l'art abstrait.


"Swing" peinture abstraite de C-CORIANDRE fait une synthèse esthétique de gestualité, mouvement et aspect matiériste

"Eboulement" peinture de C-CORIANDRE; Une expression allégorique en lien étroit avec la sensibilité profonde du spectateur

La peintre abstraite C-CORIANDRE au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, présente ses oeuvres et y est interviewée pour mieux faire connaitre sa peinture

La peintre abstraite C-CORIANDRE au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, présente ses oeuvres et y est interviewée pour mieux faire connaitre sa peinture

Avec son oeuvre

Avec son oeuvre "Rencontre entre l'Orient et l'Occident" C-CORIANDRE affirme un pontage allégorique entre continents et cultures, expression de sa peinture humaniste

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"Mentisme" de la peintre et sophrologue C-CORIANDRE, des images, des souvenirs, qui s'entrecroisent en un ressenti coloré, graphique

La peintre abstraite C-CORIANDRE obtient la Médaille Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2013 Elle a su transposer de nouvelles sciences humaines dans l'art pictural.

La peintre abstraite C-CORIANDRE obtient la Médaille Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2013 Elle a su transposer de nouvelles sciences humaines dans l'art pictural.

"Méditation profonde" peinture de C-CORIANDRE. L'artiste nous livre par son abstraction les clés et les codes de son monde intérieur.

"La Forêt Dévastée",dans cette peinture abstraite, la détresse de la Nature prend chez C-CORIANDRE un sens allégorique, évocateur

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La peintre C-CORIANDRE à son arrivée au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Une sélection méritée après un parcours atypique, de l'introspection à l'exposition.

La peintre C-CORIANDRE à son arrivée au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Une sélection méritée après un parcours atypique, de l'introspection à l'exposition.

"Vestige", peinture abstraite de C-CORIANDRE. Le passé est longtemps présent, se maintient malgré le temps comme autant de morceaux de mémoire

"Au milieu de nulle part, incognito". Oeuvre de la peintre abstraite C-CORIANDRE. Un titre qui atteint un paroxysme allégorique de l'éloignement, de l'effacement de l'individu

C-CORIANDRE, peintre et sophrologue, a su marier ces deux disciplines et produire des oeuvres artistiques exprimant une intériorité humaine des plus profondes

C-CORIANDRE, peintre et sophrologue, a su marier ces deux disciplines et produire des oeuvres artistiques exprimant une intériorité humaine des plus profondes

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La peintre C-Coriandre innove un pontage entre sophrologie et peinture contemporaine. Un véritable « lifting » pour « l'action painting » américain, comme pour la peinture gestuelle européenne des « sixties ». L'artiste démontre qu' il n'y a pas de voie ou d'énoncé uniques, pour faire progresser l'art abstrait. La peintre contemporaine C-Coriandre, est entrée en abstraction à sa façon, comme dans un parcours très logique de recherche et de créativité, ouvert sur les choses du cœur, de l'esprit, pour mettre en valeur les ressentis les plus profonds, qui bâtissent l'intériorité humaine. C-Coriandre ne s'est jamais posée la question du pourquoi de sa propension à la peinture contemporaine, elle a ce besoin, cet amour de l'art en elle. C'est bien ce qui la porte, pour créer toujours plus. Aussi, lorsque, peu a peu, elle a vu émerger de ses oeuvres autant de non-dits qui prenaient formes, autant d'évocations, qui tels des sommets d'icebergs, révélaient toute une immensité intérieure, elle a mis en pratique un nouveau langage pictural et visuel. Une nouveau moyen de communication non verbale est né sous ses doigts,avec l'abstraction, pour traduire son coeur certes, mais aussi pour mieux comprendre l'autre, la sensibilité des autres, leur réactions devant ses oeuvres, générant questionnement, échanges et convivialité.

 

L'énergie vitale est un élément important dans l'art pictural de C-Coriandre, c'est un sens du peindre pour elle, que de pouvoir faire émaner une force d'harmonie de ses créations plasticiennes, une puissance impactante, par le choix de coloris, des matières, la gestualité. Elle met en échos de signes et de sens, les évocations, les allégories, dans ce monde de l'abstrait qui est aussi celui de l'esprit. C-Coriandre peint, non seulement pour traduire son propre monde intérieur, mais en même temps, elle est à la recherche du monde intérieur de l'autre, des autres. Pour elle, tous ces mondes ne font qu'un, dans leurs différences, mais dans une même conscience collective. C'est juste la façon, les formes, pour exprimer, extérioriser, qui peuvent être différentes, variant d'un individu à l'autre, d'un peintre à l'autre, d'une société à l'autre, ou d'un continent à l'autre. Son oeuvre « Rencontre entre l'Orient et l'Occident » (acrylique sur toile) interprète cela. Dans le travail esthétique de l'artiste, le spectateur est aussi important que le sujet de l'oeuvre, le public a une place centrale. En fait pour C-Coriandre, toute la recherche de l'artiste aboutit finalement dans le regard du spectateur, donc tout va s'inscrire dans le cœur de celui qui regarde et qui va à son tour se projeter dans le tableau abstrait. Pour cette artiste, qui a fait le choix de titrer ses oeuvres, ce sont des messages forts, plus que de simples titres, qui vont être perçus par le public. Dès qu'elle met un titre, le cap est donné, la direction de lecture apparaît, mais avec C-Coriandre, le nom du tableau est toujours choisi avec beaucoup de subtilité, de nuance, de délicatesse, et avec cette belle amplitude pour ne pas fermer, ne pas restreindre la vision, ne pas limiter la capacité à comprendre d'autrui. Chacun doit pouvoir accéder à sa peinture, en lire les traces allusives. C-Coriandre a la grande particularité de bien nommer ses oeuvres, ce qui est essentiel. Elle sait donner des intitulés, qui poussent le spectateur vers des horizons nouveaux, inconnus. C'est le complément inédit de son talent pictural. Ainsi "Au milieu de nulle part, incognito" (encre 13x18cm). Ce titre témoigne bien du savoir d'évocation incomparable de la peintre. On en ressent la double perte de sens, celui géographique, de la référence au lieu, et celui de l'effacement de soi, de son image, de la référence à l'individu. Un tel titre à lui seul, est un acte artistique et poétique remarquable. La peintre C-Coriandre, par ailleurs, est diplômée en sophrologie et en relaxation par l'Académie de Psychothérapie et de Sophrologie de Paris. Ceci joue un rôle particulier dans son approche artistique. Dans son œuvre, des peintures telles "Méditation profonde" (aquarelle 24x32cm) ou "Mentisme" technique mixte, collages et acrylique, sont pour elles un prolongement naturel de sa formation qui s'exprime dans l'art abstrait. Dans les années soixante américaines, Jackson Pollock ou Willem de Kooning prônaient l' « action painting », en cherchant à donner au geste une pleine spontanéité, une sorte d'expression innée, en essayant de poser la couleur, le signe, plus vite que le sens. La vogue était sensiblement la même en Europe, où Georges Mathieu proposait une interface, plus culturelle, à sa magnifique gestualité, en créant avec son pinceau jaillissant des œuvres éblouissantes aux titrages précis, voire historiques. Si le concept de performance, fait toujours aujourd'hui le bonheur du public et des artistes abstraits notamment, C-Coriandre, quant à elle conçoit son geste dans une démarche qui lui est propre. C'est avec la pertinence des nouvelles connaissances dans le domaine de soi, des possibilités de contrôler, canaliser, ou laisser agir en « lacher-prise » ses implusions, ses sensations, qu'elle peint. La gestualité de C-Coriandre se positionne dans une modernité actuelle, tout d'abord avec un travail sur elle-même, de détente, de relaxation profonde, qui lui permet d'atteindre par sa pratique, un état de vide intérieur très spécifique. Ensuite, c'est à partir de là, qu'elle va par son pinceau, laisser s'exprimer ses sensations de formes et de couleurs, laisser sa partie inconsciente émerger tout doucement en elle, son pinceau devenant alors le sismographe coloré de ses ressentis intérieurs. Dans l'application de la peinture, le style de C-Coriandre, possède une gestualité ferme, douce et sensible à la fois. Elle est à l'écoute de ce qui est le plus subtil en elle-même, pour en faire esthétique. On voit alors apparaître picturalement les sentiments, qui vont sur toute la gamme du cœur, de la joie à la souffrance, telle une œuvre vibrante de la vie même. De la joie de "Swing" technique mixte, acrylique et cire, au tourment de la "Forêt dévastée", acrylique sur papier (24x32cm) jusqu'aux questions que pose "Éboulement", acrylique sur papier (32x24cm) l'œuvre de la peintre C-Coriandre offre une recherche complète des ressentis. C'est un panorama abstrait de la vie, de l'être humain, de son intériorité, mais aussi du monde qui tout autour l'environne, cette relation indissociable, irréversiblement dépendante avec la Nature. L'homme ne se sépare jamais totalement de son passé, celui-ci reste rémanent, présent à son souvenir, à ses sens, à sa vue; Comme l'artiste le souligne si bien avec son oeuvre "Vestige", acrylique sur papier (24x32cm). La peinture de C-Coriandre est novatrice, non seulement au plan d'une « autre gestualité abstraite », mais aussi, par son contenu artistique elle nous rappelle ce parallélisme inextricable, l'osmose entre l'intérieur des sentiments et l'extérieur du monde qui nous environne. Peintre à la vision universaliste, C-Coriandre, lorsqu'elle crée « Rencontre entre l'Orient et l'Occident » manifeste sa volonté de pontage, de lien entre les peuples et les cultures, affirme encore plus sa « peinture humaniste », qui constitue le substrat de sa démarche esthétique. L'artiste C-Coriandre, en conjuguant démarches de sciences humaines et peinture abstraite, a su réaliser des apports novateurs dans l'art contemporain. Elle a obtenu pour son style abstrait, pour le sens de son esthétique et l'ensemble de son œuvre, la Médaille de « Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'Hui » 2013.

 

 

Antoine Antolini, octobre 2013

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI  - 2013 -

titre « La peintre C-Coriandre innove en conjuguant sophrologie et art contemporain. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Octobre 2013

© Editions des musées et de la culture EDMC 2013


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artistes contemporains


■ La peinture de Françoise BERTRAND marque un nouveau romantisme maritime. Une émotion intemporelle tel l'éternel ressac des vagues... Un art entre poésie des rivages et infinitude des horizons.


LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SES PAYSAGES LITTORAUX OFFRENT AU PUBLIC UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SES PAYSAGES LITTORAUX OFFRENT AU PUBLIC UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND "JEU DE NUAGES" 2012 (HST 92x60cm)

"TONS ET LUMIERE" (HST100x65cm) PAYSAGISME MARITIME DE FRANCOISE BERTRAND

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON NOUVEAU ROMANTISME MARITIME MIS A L'HONNEUR. ELLE A OBTENU LA MEDAILLE

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON NOUVEAU ROMANTISME MARITIME MIS A L'HONNEUR. ELLE A OBTENU LA MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2012

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" L'ESTRAN" PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 81x54cm)

"L'ORAGE" PAYSAGE LITTORAL DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 100x65cm)

PAYSAGE LITTORAL

PAYSAGE LITTORAL "AU FIL DES VAGUES" DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 100x70cm)

"LES COQUILLAGES" 2011 HST (88 x 61cm) PAYSAGE LITTORAL DE FRANCOISE BERTRAND

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AFFICHE DE L'EXPOSITION DES PEINTURES DE MARINES DE FRANCOISE BERTRAND A TOULON

AFFICHE DE L'EXPOSITION DES PEINTURES DE MARINES DE FRANCOISE BERTRAND A TOULON

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND "BOUQUET DE SOLEIL" 2011 HST (81 x 54 cm)

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON PAYSAGISME LITTORAL MARQUE UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON PAYSAGISME LITTORAL MARQUE UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

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La peintre Françoise BERTRAND marque par son art pictural un nouveau romantisme maritime. Son paysagisme littoral, qu'elle peint depuis plusieurs années, est arrivé à maturité aujourd'hui, en termes de ressentis profonds. C'est une atmosphère incomparable, qui se dégage de ses toiles. Son œuvre insiste notamment en 2011 et 2012, sur un langage pictural plus dépouillé, une palette feutrée, une modulation en douceur des tonalités lumineuses marines. Le travail de l'artiste, au point de vue technique, repose exclusivement sur l'utilisation de la peinture à l'huile. Dans son oeuvre flotte un évanescence allégorique de sentiments inaccessibles... Un monde tout d'intériorité, une interprétation paysagiste d'où émane une émotion intemporelle. L'éternel ressac des vagues... qui suggère... Françoise BERTRAND a su en faire passerelle entre exprimés poétique et pictural. Une ambiance du littoral, traitée par l'artiste avec un talent en évocation, à la fois intentionnel et inconscient de tout ce qui peut être vain dans l'immanence du temps qui passe ici fixé dans le tableau... Rivage qui dit aussi la paix et l'espoir d'un continu renouvellement... Une peinture, qui génère, voire régénère, un nouveau romantisme moderne que l'on pensait disparu en ce siècle du technologique. C'est bien le paysage maritime, qui ressurgit grâce à Françoise BERTRAND, porteur inattendu de ce Risorgimento poético-pictural, sous ses pinceaux et spatules en vigie d'une nouvelle mouvance, entre poésies des rivages et infinitudes des horizons... L'artiste nous y laisse entrevoir tous les ailleurs... Françoise BERTRAND, propose avec son œuvre, une approche romantique modernisée, vivante, intuitive, que les échos du sensible en questionnement de son paysagisme littoral lui ont permis d'atteindre, de faire naître. La peintre avec son émotion au bout du pinceau redéploie avec réussite, une nouvelle atmosphère figurative, très caractéristique, référente dans la peinture de marines. Elle a érigé la thématique du rivage, en un style personnel, pour s'approprier le littoral au service d'une magnifique finalité poétique, élaborant ainsi son propre univers esthétique. Cette peintre a marié définitivement le visible à l'impalpable. Un autre regard au-dela de l'impressionnisme, qui balance entre ces dimensions des mélancolies inexplicables et cette quiétude propice à l'écoute de tous les doutes de l'être profond... Un romantisme de sentiments, qui se retrouvent exprimés par l'artiste au travers de son choix de motifs. Un style pictural en lien tellement étroit avec la solitude du rivage, qu'il en devient étrange, fascinant. Une dimension de rêve oublié, c'est ce qui se ressent autant que ce qui se voit devant cette signature. C'est dans cet échange instinctif et inné avec la mer, dans ses états de sensations affluantes à son coeur, que la peintre puise l'expression de son nouveau romantisme. Une douceur apaisante en ressort. Une peinture qui fait alors partager au spectateur l'incertitude de non-dits, de prise de conscience reconstructive de soi face au monde, loin du stress des sociétés trépidantes. Poétique du rivage, aux multiples allégories des mythes ou des légendes, la peintre a su bien centrer ses visuels dans le présent, pour nous présenter une œuvre de marine cohérente et forte, dans une belle et authentique expression du bord-de-mer, des plages, des horizons suggestifs d'imaginaires conquérants... Un travail exceptionnel sur la lumière, qui règle les contrastes et les nuances en un parfait aboutissement. Avec son regard neuf, celui de son temps, de son époque, l'artiste a su faire du littoral, par sa peinture, le moyen privilégié d'une compréhension poétique, d'un entendement plus immatériel du monde.... Elle permet ainsi au spectateur de se projeter au cœur du tableau en une intime introspection avec ses propres vécus, ses perspectives, pour essayer d'y rencontrer sa destinée. Une volonté artistique, un style... Françoise BERTRAND donne encore plus de sens au poétique maritime, au paysagisme littoral. En érigeant la scénographie naturelle des éléments, comme réceptacle de nos désirs, de nos doutes, de nos besoins d'évasion, de liberté, de contrées lointaines, c'est tout un inconscient sociétal qui transparait... L'artiste nous rappelant toute l'importance du rivage, de l'origine des grands départs au terme des arrivées victorieuses, tous les retours aussi, ces rencontres de terres inconnues, le salut des naufragés... L'artiste exprime depuis plusieurs années dans sa peinture marine, cette dialectique du littoral comme lien entre le proche et le lointain... tremplin des projets les plus audacieux, en interface d'une vérité statique, limite objective du continent, union quasi-cosmique entre la terre et la mer...

La qualité picturale de cette expression littorale, autant que la poétique du maritime qui s'en dégage en un romantisme renouvelé, ont permis à l'artiste Françoise BERTRAND, d'obtenir la Médaille de « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2012, remise à l'occasion de son exposition à Toulon au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

 

Antoine Antolini, Décembre 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" –

Décembre 2012 EXPOSITION titre " La peinture de Françoise BERTRAND, un nouveau romantisme maritime." © Texte et photos Antoine Antolini – Décembre 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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■ L'esthétique emblématique du peintre ALBERIC . Il marie les signes d'un continent, pour en faire langage dans le concert des abstractions du monde...


PEINTURE D'ALBERIC, EN VIDE OU  EN PLEIN DES VISUELS  ETRANGES EFFLEURENT UNE MEMOIRE INTEMPORELLE

PEINTURE D'ALBERIC, EN VIDE OU EN PLEIN DES VISUELS ETRANGES EFFLEURENT UNE MEMOIRE INTEMPORELLE

LE PEINTRE ALBERIC, ICI AU POLE EXPOSITION SUD COTE D'AZUR

LE PEINTRE ALBERIC, ICI AU POLE EXPOSITION SUD COTE D'AZUR

PEINTURE ABSTRAITE  D'ALBÉRIC. HISTOIRE,  ESTHETIQUE, SON STYLE ILLUMINE UNE MEMOIRE DANS L'ART CONTEMPORAIN

PEINTURE ABSTRAITE D'ALBÉRIC. HISTOIRE, ESTHETIQUE, SON STYLE ILLUMINE UNE MEMOIRE DANS L'ART CONTEMPORAIN

PEINTURE D'ALBERIC DETAILS  DE VOLUTES AUX CONNOTATIONS DECORATIVES ET FLORALES

PEINTURE D'ALBERIC DETAILS DE VOLUTES AUX CONNOTATIONS DECORATIVES ET FLORALES

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LE PEINTRE ALBERIC: COMPRENDRE LA LEGENDE POUR MIEUX  LA  RESTITUER DANS L'ART CONTEMPORAIN

LE PEINTRE ALBERIC: COMPRENDRE LA LEGENDE POUR MIEUX LA RESTITUER DANS L'ART CONTEMPORAIN

OEUVRE SUR TOILE DU PEINTRE ALBERIC QUAND SON PINCEAU DEVIENT MAGIQUE...

OEUVRE SUR TOILE DU PEINTRE ALBERIC QUAND SON PINCEAU DEVIENT MAGIQUE...

LE PEINTRE ALBERIC DEVENU MEDAILLE

LE PEINTRE ALBERIC DEVENU MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" EN 2012

PRESENTATION DES PEINTURES D'ALBERIC EN EXPOSITION EN ETE AU SUD DE LA FRANCE  (2012)

PRESENTATION DES PEINTURES D'ALBERIC EN EXPOSITION EN ETE AU SUD DE LA FRANCE (2012)

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Sa stylistique reflète le cœur de son berceau culturel profond, sa peinture relie notre présent avec nos mémoires ancestrales vers une histoire inachevée.

 

Faire la connaissance d'Albéric, s'est s'immerger dans un univers de vérité et d'authenticité, pour comprendre à la fois une peinture et une culture, une histoire et l'Histoire... Albéric peint avec une énergie innée, une inspiration qui lui vient aujourd'hui en sens et signes. Tout jeune, depuis l'âge de ses seize ans, il s'est saisi des crayons et pinceaux comme pour en faire ses véritables armoiries. Armoires d'amour à la croisée de la passion de l'art. De ses années près de Barbizon, de Fontainebleau, à visiter tout gamin le château de François-1er comme un loisir habituel, il a gardé en lui les "traces" de l'art, qui creusèrent un sillon profond dans son esprit. Les effluves esthétiques de notre Histoire devinrent alors sa respiration... Plus tard son destin l'amènera vivre dans les paysages de Millet, là ou sonna l'Angélus, puis enfin sous le ciel de la Bretagne ou il plante son chevalet sous le ciel aux nuages multiformes... l'abstraction s'est installée peu à peu chez Albéric, pour l'habiter définitivement... l'abstraction est en lui une "première nature"... Un peintre produit-il ses œuvres avec l'intention première de traduire un environnement, ou bien l'environnement suggère-t-il en fait le contenu du tableau ?... En tout cas pour Albéric, sa peinture est un état d'être depuis toujours... Depuis son enfance ? Il ne veut en définir le pourquoi et il accepte ce que lui apporte son inspiration sans se poser de questions. Sans remise en question... Il peint ce qu'il a dans le cœur, dans l'esprit, il met à jour sur ses toiles les images enfouies au plus profond de sa mémoire comme un archéologue-peintre... Il réalise tout naturellement ses formes, ses volutes, ses crénelures, ses entrelacs aux aspects parfois végétaliens ou floraux, avec facilité, aisance, comme des sentiments qui lui viennent là, au bord du cœur, au bord des lèvres, au bord des yeux... Son pinceau pose l'ensemble sur la toile, comme pour permettre à son esprit d'ordonner ces messages d'intériorité, d'organiser ces grammaires intemporelles... Albéric sait rendre lisible, visible, cette atmosphère colorée et doucement mouvante qu'il a en lui. Il réalise ses tableaux, avec pour chacun d'entre-eux la même application que pour un chef-d’œuvre, son chef-d’œuvre. Habité de volumes, de sensations qui s'entrecroisent, se superposent souplement, comme des cheminements de vies, de hasards... Les coïncidences dans l'interprétation picturale d'Albéric, deviennent des signes emblématiques, des flashes exutoires, qui laissent poindre les échos intuitifs, médiumniques, d'une imagerie ancestrale... Oui, Albéric a fait un héritage tout en or et décor, celui de sa propre histoire, de son enfance, toute en couleurs radieuses, en beauté rayonnante, en somptuosité esthétique... De ces flanneries au château de Fontainebleau, dans les parcs admirant les statues, déconcertantes de poésie et de richesses artistiques. Albéric a su transformer sa vie pour retrouver le bel environnement de son enfance, à la manière de la recherche d'un paradis perdu... aux réminiscences proustiennes, dans les résonances d'un inconscient collectif immémorial. Sa recherche l'a conduit sur un territoire de talent et d'excellence, à la rencontre des grands maîtres. Il a remodelé sans même s'en préoccuper, avec simplicité, le statut de l'enluminure pour lui rendre petit à petit sa pleine parole. Le peintre Albéric a définitivement libéré le contenu sémiotique de l'enluminure, de ses servitudes décoratives et réductrices, pour hisser celle-ci et la rétablir en niveau d’œuvre peinte absolue. Pour en faire la mise en valeur en tant qu'élément pleinement culturel. Usant de l'art noble qu'est la peinture, Albéric repense la grammaire de l'enluminure, la caractéristique fondamentale du vocabulaire visuel du décor. Il en reconstruit un vrai langage en style abstrait de plein statut artistique. Posant le classique et l'antique en symbolique esthétique et artistique dans le contemporain. Identité abstractisée d'un histoire,sur ses toile il peint pour témoigner d'une époque sans date, "imager" un continent sans frontières. A présent la peinture d'Albéric, révèle une personnalité stylistique à la fois antique et moderne comme un item à part dans notre art contemporain. Albéric a rendu vivants les éléments-clés du décor, à redonné aux spécificités de la volute, à la dentelure, au végétal, à l'entrelac, leur véritable signification picturale dans l'art contemporain, avec une vision novatrice. En partant des courbes rythmées, jusqu'aux allégories flirtant avec les acanthes dorées, en passant par le signal ionique, le peintre Albéric, nous enchante, avec sa palette aux dominantes ocrées et dorées. Majestueuses palmes, palmettes ou non-dits, toutes les vérités picturales d'un passé se sont données rendez-vous dans son abstraction, comme pour cimenter notre Histoire dans l'actuel. Messages de formes et de couleurs avec toute la charge culturelle profonde qu'ils véhiculent au-delà des frontières ; Les tableaux d'Albéric sont autant de fenêtres ouvertes sur un espace géographique et culturel, depuis les glaces polaires du Nord jusqu'à cette antique et moderne Méditerranée... Par contrastes, de la Chine ou de l'Amérique, l’œuvre d'Albéric apparaît émergente, représentative dans l'art de la spiritualité graphique d'un grand continent, au milieu des logiques asiatiques, africaines, australiennes. Alberic en créant une abstraction signalétique, illumine et fait rejaillir les indicatifs d'un inconscient collectif. Il nous donne généreusement dans ses tableaux d'aujourd'hui les discours impétueux faits de signes et de sens, qui forgent tout autant sa force d'artiste, de peintre, que de relais d'une identité d'histoire de l'art pour le spectateur, qui peut s'y retrouver. Dans l'art contemporain, dans le siècle de la mondialisation, l’artiste peint les reflets abstraits et les plus évocateurs du continent européen où il vit. Albéric, en posant pose sa grammaire élaborée sur chacune de ses toiles a peint des œuvres qui sont emblématiques d'un espace continental dans le monde.

 

Le peintre Albéric pour son travail pictural et la qualité de sa démarche artistique à été honoré par l'attribution de la Médaille de "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2012.

 

 

Antoine Antolini, Juin 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » – Juin 2012 - titre « L'esthétique emblématique du peintre ALBERIC. »  © Texte, Antoine Antolini – Juin 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


 

 

■ Kidist DEGAFFE, initialement peintre en Ethiopie, son regard est empli du soleil d'Addis Abeba. Elle crée en Europe des paysages aux clartés sublimes, d'un colorisme maitrisant des intensités diaphanes


LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE  A RECU EN 2011 LA MEDAILLE  DE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE A RECU EN 2011 LA MEDAILLE DE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI"

"IMPRESSIONS DE MOMBASA BEACH" DE LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE,  DANS SA PEINTURE TRANSPARAIT TOUTE LA BEAUTE  LUMINEUSE DES  CHAUDES CONTREES D'AFRIQUE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE, DANS SA PEINTURE TRANSPARAIT TOUTE LA BEAUTE LUMINEUSE DES CHAUDES CONTREES D'AFRIQUE

KIDIST DEGAFFE REDEPLOIE SON TALENT SUR UN MOTIF EUROPEEN TYPIQUE EN PEIGNANT LES ALPES DANS L'HIVER

KIDIST DEGAFFE REDEPLOIE SON TALENT SUR UN MOTIF EUROPEEN TYPIQUE EN PEIGNANT LES ALPES DANS L'HIVER

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"NUAGE DANS LES ALPES" DE KIDIST DEGAFFE. UNE LEGERETE DE LA PALETTE POUR NOUS DIRE LE CIEL ET LA TERRE

LE

LE "BATEAU" DE KIDIST DEGAFFE MONTRE LE TALENT IMPRESSIONNISTE ET POETIQUE DE LA PEINTRE

IL EMANE DE CETTE

IL EMANE DE CETTE "SAINTE-VICTOIRE" VUE PAR KIDIST DEGAFFE UNE AUTHENTICITE BOULEVERSANTE

APRES DES ANNÉES ASSIDUES DE PEINTURE, KIDIST DEGAFFE  A  ATTEINT A PRESENT UN NIVEAU INTERNATIONAL

APRES DES ANNÉES ASSIDUES DE PEINTURE, KIDIST DEGAFFE A ATTEINT A PRESENT UN NIVEAU INTERNATIONAL

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Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose... Un talent entre matière et esprit... La peinture de Kidist Degaffe nous entraine dans un univers de pureté colorique et d' amples gestualités. Son style incomparable, conjugue une culture picturale de la lumière, de la luminosité, et une simplicité objective et directe de traitement du sujet ou du motif. Qu'il s'agisse de personnages, ou de paysages, Kidist Degaffe, sait faire se côtoyer le réel et l'immatériel, comme une peinture entre ciel et terre, entre mer et ciel ...

 

Sa technique d'application en couches légères des pigments colorés, en à-plats dynamiques, sont toujours posés avec une intensité transparente, évanescente, diaphane... dont elle seule détient le secret... Le geste de l'artiste est abouti, long et souple. Parfois, la peintre fait converger ses touches larges, telle une symphonie de nuances, pour nous dire et rendre éclatantes sous nos yeux, toutes les profondeurs de sensations qui ressortent de son intériorité cachée. Energie de la main et justesse du pinceau... Kidist Degaffe va droit au bout de l'art, elle exprime des sentiments comme s'ils surgissaient, à l'instant même, de son contact avec le sujet. Une peinture d'émotion, vraie et incontournable, pour l'amateur du beau et de la qualité. Le regard de Kidist Degaffe, est, naturellement, plein de lumière, d'expérience, pour montrer au spectateur comment un paysage existe dans l'espace, en une dimension qui ne s'arrêtera pas à la taille du tableaux, de la toile... L' oeuvre de la peintre, ses paysages, vont plus loin, que la limite de la surface peinte du tableau, qui n'est qu'un prétexte spatial à une proposition paysagiste ouverte, parce que l'on voyagera ensuite,par le regard, en pénétrant dans l'image vers un infini lointain. Tel dans ces « Impressions de Mombasa Beach » où le spectateur se perd dans ces horizons sans limites, entre mer, terre, ciel... Ce qui est exceptionnel est que chacune des peintures de Kidist Degaffe est un véritable évènementiel, un moment d'actualité vivante, un temps-fort de « jamais-vu »... La version que l'artiste nous donne de la montagne « Saint-Victoire », est d'un fraicheur inouïe, l'amplitude du geste conduit le motif vers son paroxysme, dans une analogie à la fois figurative et impressionniste simultanément. Le pinceau, tonique et puissant, de l'artiste nous conduit de touches vivaces et  vivifiantes, de paliers en paliers, en crescendo, jusqu'à la totalité de l'image, livrée dans sa forme ultime, comme une apothéose du beau au regard du spectateur... La toile « Le Bateau » de Kidist Degaffe, vient nous dire la rencontre d'un impressionnisme abstractisé, avec une autre lumière, une autre notion de l'espace, des espaces, du mouvement. La peintre sait concrétiser l'essence intrinsèque d'un motif, sa vie et tout autant son immanence, l'intemporalité définitive de l'instant, qui ne fait pourtant que passer... Magie de l'art ou talent de Kidist Degaffe, le public seul peut le dire... De cette vision du lointain forgée dans son regard, depuis les hauts plateaux d'Addis Abeba, l'expression de l'espace, du lointain, de la distance, de la poésie cosmique, qui se dégage de la nature, du ciel et de la terre... La peintre a su s'en approprier les sensations, en faire une grammaire picturale a partir d'un sens inné. Sa peinture respire la grandeur, l'immensité, la transparence, la translucidité, que les couleurs ensoleillées de l'Ethiopie, lui ont révélées et offertes comme une nouvelle signature esthétique pour l'art européen. Kidist Degaffe possède tous ces atouts, seule elle en détient les clés, pour les promouvoir, face aux enjeux innovatoires et avant-gardistes de l'art contemporain international. Kidist Degaffe redéploie, dans le contexte du progrès pictural, une nouvelle force expressive, par le savoir de l'intensité, par la gestion technicienne de la douceur colorique; Elle témoigne, ainsi, avec « Mombasa Beach » que l'intensité tonale peut provenir d'autres paramètres, que ceux de la puissance intrinsèque du pigment, d'autres facteurs que ceux liés au potentiel chimique de la peinture... Avec Kidist Degaffe on comprend comment la lumière, si fugace, peut aussi se capturer, par le choix des confrontations de coloris doux, par la légèreté d'application sur la toile; Elle démontre bien comment un artiste peut, par une délicatesse infinie dans l'acte de peindre, un geste sûr, ample et fort, en arriver à « apprivoiser » la luminosité pour la restituer intacte dans l'oeuvre-d'art, pour la porter au regard du spectateur, comme une caresse de l'âme... C'est ainsi que procède et peint Kidist Degaffe et c'est bien cela, qui nous signale qu'elle est prête, maintenant, à devenir ici, en Europe, un maître de la peinture. Son parcours paysagiste, déjà confirmé sur des motifs européens typiques tels les « Alpes dans l'hiver », ou encore « Nuage dans les Alpes », témoignent de cette capacité de l'artiste à redonner à la peinture du paysage européen un nouveau souffle; En laissant le figuratif rendre, tout simplement, la part d'impressionnisme qui y réside naturellement, à l'état latent, basique. L'impressionnisme, comme le prouve Kidist Degaffe, est subjacent, contenu initialement dans le figuratif, et c'est la douceur lumineuse dans la représentation du paysage, qui peut en faire ressortir l'essentiel, mettre en relief et évoquer la spiritualité poétique qui y réside, toujours dans son essence même... Elle rejoint inévitablement les recherches de Paul Cézanne, pour nous dire que l'âme d'un paysage peut transparaitre, apparaître au travers d'un certain visible, et que l'artiste peut être ce lien entre le monde matériel et un au-delà esthétique... Que le passage, le pontage, du figuratif à l'impressionnisme peut se trouver inscrit dans le même geste, en simultnané dans la même couleur, la même touche. On peut dire, alors, que c'est le talent qui viendra rendre ce figuratif, impressionniste... C'est le cas de ce qui se produit dans les paysages de Kidist Degaffe, lorsque l'essence y est aussi à la fois transcendance...

 

Artiste internationale, connaissant non seulement l'Afrique et l'Europe, mais aussi les Etats-Unis et l'Asie, Kidist Degaffe, possède de grande qualités de cœur et d'altruisme. En effet Kidist Degaffe, a su et sait toujours, mettre son talent et ses pinceaux, au service de causes humanitaires, telles celles de la Croix-Rouge Internationale, ou bien au service d'Organisations Internationales Non-Gouvernementales, pour œuvrer en faveur de la cause de la femme, de l'enfant... Elle a apporté son concours artistique au service de l'O.N.U, avec l'UNFPA. (Fond des Nations Unies pour la Population). Actuellement Kidist Degaffe dans son atelier à Chexbres, en Suisse, prépare sa prochaine exposition de peinture de niveau international.

 

Le talent et l'engagement artistique de la peintre Kidist Degaffe, on été remarqués par les Editions des musées et de la culture (EDMC) et par le Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP-Europe. L'artiste a été exposée en Décembre 2011 au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Kidist Degaffe à obtenu en France, la Médaille d'Honneur des « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2011.

 

 

                                                                            Antoine Antolini. Décembre 2011.

                                                                           Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - DECEMBRE 2011 Titre: "Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose. Un talent entre matière et esprit." © Texte, Antoine Antolini – Décembre 2011 - Direction rédactionnelle, EDMC 2011 - Tel: 06 10 99 90 98

© Editions des musées et de la culture EDMC 2011

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ Sylvie ABEL ou comment une peintre européenne perçoit picturalement le monde asiatique et en particulier le Japon. Elle offre un univers artistique transculturel où dominent spontanéité et pureté.


PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

 KATSURA 2008 PEINTURE DE SYLVIE ABEL

KATSURA 2008 PEINTURE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

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Le travail artistique de Sylvie Abel apporte un éclairage original sur la manière dont une artiste européenne peut vivre, aujourd'hui, dans son propre pays, la culture asiatique, en particulier la peinture japonaise. Un acte de peindre d'une valeur transculturelle, inter sociétale, qui nous apporte une actualité délocalisée de l'amour de la peinture en renversements de toutes les barrières de langues ou de civilisations. Pour Sylvie Abel, si l'art n'a pas de frontières, l'artiste non plus.... Après " japonaise au bord de l'eau " de Matisse, ou l'engouement des impressionnistes pour les estampes japonaises, voire l'attrait marqué de Van Gogh, pour le style et les graphismes japonisants, c'est un véritable mythe, au-delà même de la "Grande Vague" d'Hokusaï, que Sylvie Abel vient actualiser au présent, par son travail audacieux, empli d'une forte personnalité. En posant dans le contemporain au quotidien, au centre de  sa peinture de tous les jours, le sujet discret et grandiose à la fois, de l'art japonais, ou plus exactement de l'art des japonais; l'artiste croise son talent, sa technique de peindre avec une culture picturale très différente, celle du pays du Soleil Levant...


Sylvie Abel, dans son attitude de plénitude admirative pour le style pictural nippon, réalise en Europe, des peintures à sa manière, avec la même pertinence qu'une artiste japonaise pourrait le faire au Japon... Transculturalisme émérite ? Oui, dans le sens qu' à partir de notre berceau culturel, si dense et riche de références, cette créatrice sait aussi s' imprégner d'une culture d'ailleurs, s' immerger dans une vision artistique qui n'est pas initialement celle de son lieu de vie, de son pays... L'artiste réussit ainsi, en un exercice généreux du cœur, par ses pinceaux, à marier l'acte de peindre avec une vision du beau, non conformée aux académismes ou aux traditionnels canons gréco-romains. L'artiste exprime une créativité qui n'est pas forcément là pour poindre où l'on veut l'attendre... Pour Sylvie Abel, ce beau pictural, doit être un ressenti, sans aucun a-priori, ni formatage. Cela devient chez elle un acte esthétique et pourrait-on dire sublimement documentaire d'un art d'ailleurs... Cette merveilleuse liberté devant la toile, cette ouverture d'esprit, Sylvie Abel, joue de cette vocation, de son talent, pour mieux pénétrer, comprendre, une autre civilisation " par le peindre ". Cette démarche même, au-delà de toute autre appréciation, vient nous rappeler un certain Siècle des Lumières, lorsque nos encyclopédistes ouvraient leur entendement aux mœurs, aux arts et coutumes des autres peuples du monde dans une dimension universelle.... Sylvie Abel, à partir d'un arbre en fleurs, épuré, poétisé, sait nous emmener plus loin que des sensations habituelles, vers un chemin d' évocations simples et spirituelles, qui nous disent le temps, la vie qui passe, le bonheur; mais aussi la temporalité de notre existence, le futur et d'autres horizons, d'autres visages... De la famille nippone, en costume traditionnel, aux paysages envoutants d'une inexplicable mélancolie, avec une sérénité imperturbable, Sylvie Abel, nous invite, sans excès de couleurs, par sa palette bien réglée en tons vifs et lumineux, à mieux comprendre le Japon. Son " Baiser de la Mer " en honneur à la Nature, ses tableaux aux titrages japonais significatifs, ses portraits de femmes japonaises... c'est toute une diversité emblématique du Japon que l'artiste à filtré, pour nous donner à voir, un condensé, un essentiel. Plus qu'une expression figurative... Lorsque Foujita, natif de Tokyo, vint vivre et peindre en France, il garda une émergence asiatique, très ténue, en graphismes doux, diaphanes, sans cerner ses nus, introduisant dans l'art parisien plus qu'une élégance, en fait toute l'immatérialité et la transparence d'un art voisinant l'estampe... Foujita su montrer une peinture d'une finesse asiatique et l'appliquer à des sujets occidentaux, gracieux et souvent classiques, de nus evanescents, à des maternités a l'enfant... Une démarche d'adaptation stylistique de l'asie à l'Europe autour du choix et du contenu des modèles... Bien différente s'avère la démarche de Sylvie Abel. Celle-ci, sur des supports forts, utilise des peintures denses, peignant quant à elle en Europe, des sujets typiquement japonais. Tout comme une artiste japonaise peindrait chez elle, au Japon des personnages ou des paysages européens. Ainsi, Sylvie Abel, toujours en lien viscéral avec la nature, échappant à tous les académismes, traite dans son style, des sujets diversifiés. Elle réalise un véritable pont, utile et nécessaire, entre l'Asie et l'Occident, au travers d'œuvres compatibles pour les deux cultures. Son approche nous fait prendre conscience qu'en définitive, les goûts artistiques des spectateurs, ou bien du public, plus globalement d'un pays ou d'un continent, peuvent aimer une peinture directement au niveau des sensations du cœur, sans s'embarrasser d'une validation identificatoire, de telle ou telle spécificité culturelle. La peintre nous démontre, avant tout, que la culture peut et doit être universelle, sous quelque latitude que ce soit. Ce qui est le plus important pour elle c'est l'intensité de sensibilité qui se dégagera dans les ressentis profonds, dans sa poésie mise en peinture, recherchant les mystères immémoriaux qui émannent des personnages ou de de la nature, la fraicheur d'un sujet. Sylvie Abel a su mettre en situation esthétique une grammaire picturale lointaine. Elle sait nous faire restitution de la subtilité, de la délicatesse, de l'émotion, que contient cette peinture; nous offrant les séduisantes visions de ses aspects les plus narratifs, telle une talentueuse peintre, certes, mais aussi comme une véritable messagère artistique du Japon.

 

Sylvie Abel à obtenu pour l'ensemble de son œuvre en rapport avec le Japon, la Médaille d'Honneur "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2011.


Antoine Antolini, septembre 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - SEPTEMBRE 2011"  © Titre: "Sylvie Abel, ou comment une peintre européenne perçoit picturalement le monde asiatique et en particulier le Japon. Elle offre un univers artistique transculturel où dominent spontanéité et pureté." Texte, Antoine Antolini - Septembre 2011 - Direction rédactionnelle, Centre de recherche en Art C.R.A.C.P.-Europe 2011 -

e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

© Editions des musées et de la culture EDMC 2011

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -



 

 

 

■ L'abstraction est venue au peintre Mic comme une rencontre incontournable... Elle danse devant ses toiles en totale spontanéité gestuelle pour produire la révélation d'une Action painting paysagiste.


"SOLEIL LEVANT" PAYSAGE ABSTRAIT DE LA PEINTRE MIC

LA PEINTRE MIC EST DEVENUE

LA PEINTRE MIC EST DEVENUE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" PROMOTION AOUT 2011

PEINTURE GESTUELLE REALISEE PAR MIC

PEINTURE GESTUELLE REALISEE PAR MIC

PAYSAGISME ABSTRAIT

PAYSAGISME ABSTRAIT "LAC SOLEIL" PAR LA PEINTRE MIC

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"MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." 


Mic : innove par deux caractéristiques qu'il convient de mettre en relief; tout d'abord l'artiste canalise la spontanéité de l'action painting américaine pour l'appliquer au paysagisme abstrait français, mariant ainsi d'une certaine manière, de grands courants américains et français de l'abstraction. Ensuite la créatrice pratique une nouvelle façon de peindre son paysagisme abstrait ou son abstraction, en dansant... Une peinture en gestualité mouvante... un vide dans la dynamique expressive de "l'action painting" que l'artiste à ainsi comblé.

 

Réminiscence oubliée de la danse tribale devant le totem peint, ou échos des musiques technos enfouies dans les florilèges des volutes colorées des nights... Cet artiste danse sur le sol juste devant l'œuvre tout en la réalisant... Exit, ici, le dripping à la Pollock, c'est là une autre forme de concentration "hors du monde" ambiant, et en même temps un phasage, une connexion à la toile, générant la libération d'une nouvelle action de peindre. Issue de l'énergie de tout l'ensemble du corps de Mic, en rythme, tendu vers la spontanéité totale, c'est cet élan qui mène Mic vers l'absolu pictural... Elle propose ainsi une nouvelle étape créative: celle des paysages abstraits « dansés », comme nul autre ne l'osa - ou n'y songea - même au temps des anthropomorphies de Klein. Elle innove en créant par sa peinture une autre apothéose colorique et sensible, une autre méthodologie abstraite du paysagisme actuel. L'artiste rend par sa façon originale un honneur enthousiaste, souverain et nouveau à la Nature; tout autant à l'acte de peindre par un paysagisme abstrait contemporain des plus avancés... Libérée de toutes les chaines du conventionnel, de tous les blocages de l'idée construite, des graphismes à équilibrer, Mic, projette une autre conscience du pictural sur ses toiles, en créant des œuvres grandioses animées de toutes les amplitudes culturelles, au-delà des limites de tous nos acquis visuels, de tous nos horizons... Mic (Micheline Siauve) est arrivée à cette phase, après avoir progressé sur un itinéraire au cours duquel elle su expérimenter diverses approches picturales, des plus basiques au plus complexes. Toutefois, c'est à la suite d'un évènement majeur et soudain, qui marqua durement sa vie par la disparition d'un être cher, qu'elle s'orientera vers l'abstraction. Vers un ailleurs qui semble désormais mieux lui convenir, qui lui colle à la peau, c'est sa fenêtre ouverte sur le futur. Plus qu'une nouvelle logique, c'est la rencontre avec une autre conception d'un monde sans contrainte, une autre façon de ressentir l'art sans a-prioris didactiques ou programmés. Aujourd'hui la peintre Mic, nous donne à voir son esthétique étonnante, par laquelle elle conjugue colorismes éclatants et diffus, touches puissantes et gestuelles, tracés jaillissants ou plus signifiants... L'abstraction de Mic peut quand on l'aime et la suit, nous entraîner dans deux dimensions différentes, dans deux sortes de grammaires particulières. D'une part c'est une abstraction paysagiste, qui emportera le spectateur dans une sensation cosmique, face à la l'immensité de nature; avec « Lac soleil », c'est un au-delà de plénitude imaginative, en magma planétaire et tout autant immatériel... Un contentement admiratif, vous envahit les yeux et le cœur... Sa toile « Océanique », redéploie quant à elle un paysage quasiment transcendé, revisité pour réapprendre au spectateur les sens oubliés ou disparus de l'infinie beauté des éléments, lorsque mer et cieux se marient sur l'horizon... Tandis qu'un « Soleil Levant » enflammé vient nous dire la lumière et le feu, crier tout ce qui nous dépasse, pour nous questionner sur tout ce que l'on peut voir ou comprendre d'éternité chaque jour, de chaleur ou de vie... D'autre part, la grammaire de Mic, sait aussi très bien offrir une abstraction pure, qui restera essentiellement gestuelle, totalement non-figurative, évocatrice, interprétative, simplement émouvante, bouleversante de sensations étranges... Son talent d'artiste marquera parfois en synthèse une expression ultime des rythmes à la frontière entre paysage abstrait et recherches sur la lumière, sa puissance colorique... Ainsi « Arizona »  et « Energie » ont été présentées pour cela à côté l'une de l'autre au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur en Aout 2011, pour montrer au public du Sud, l'évidente interpénétration de deux univers d'abstraction qui se relient chez Mic, entre une nature ensoleillée suggestive et géographique et la représentation complémentaire de forces cosmiques immatérielles... Des tonalités rougeoyantes et jaunes dans ces deux tableaux sont frappantes au regard, irradient des intensités et des vibrations rayonnantes. La peintre Mic, sait faire rendre aux pigments tout ce qu'ils peuvent contenir d'éclat. Canaliser celui-ci, le faire sur jaillir encore plus, par l' impact du geste, de la danse qu'elle y ajoute. Souvent elle pousse la couleur pour lui faire prendre le sens d'allégories paysagistes, de ressentis... Mic intériorise...pour mieux extérioriser cette immensité du monde, avec une palette aux résonances vives, aiguës, assourdissantes. Son pinceau lance des échos éblouissants, pour dire une énergie au-dehors, comme celle qui bouillonne en elle au-dedans; Mic veut capturer cette beauté inouïe du paysage... elle a réussi à peindre plus loin que le visible … Tonalités surprenantes des ressentis les plus profonds pour un public définitivement conquis. Mic, aujourd'hui, en associant la musique, le son, le rythme, au jeu de son corps en mouvement, avec le pinceau à la main, comme un sismographe du cœur, va rendre la passion à l'état de matière, nous livrer ainsi sur la toile une vérité personnelle, avant-gardiste, authentiquement magistrale dans le contemporain... Son travail, son engagement artistique total sait nous faire entrevoir une spiritualité, tous ces possibles, accessibles dans ses toiles ... Si Mic a choisi un médium direct tel l'acrylique, c'est pour mieux ressentir, figer, dans l'immédiateté, dans l'instant, le rendu de la touche, pour contrôler son geste en direction de l'idée qu'elle veut atteindre sans détours. Une vérité qu'elle veut par la rapidité d'application, poser son rythme au sens le plus littéral du terme, sa peinture résultant la plupart du temps de sa danse, de son tempo devant la toile. Danse d'amour ? Danse guerrière ? ou tout simplement Danse de vie ?... C'est bien cette gestualité plastique de tout un corps qui exulte de convictions, dont le pinceau reste le seul lien sur la toile entre existant et esprit, qui fait la différence, le talent ... Le geste de Mic, est par essence à la fois son et couleur, va souder la toile à l'ultime instant de l'idée. Dire que Mic apporte un style abouti est une évidence, son œuvre est issue non seulement de sa main, mais à la fois de son corps, de son esprit, de son âme; sa peinture est en provenance directe des profondeurs conscientes et inconscientes de son être même.

 

Mic a obtenu en 2011 la Médaille "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 


Antoine Antolini, Août 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - Août 2011 ""MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." © Texte, Antoine Antolini - Août 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ Nelly TAPIN HERMOUET, après MIRÒ et les Surréalistes aux tendances abstraites, la peintre est parvenue à créer un nouvel imaginaire lyrique. Avec une grammaire innée, elle en détient les précieuses clés.


"EMPREINTES" PEINTURE DE NELLY TAPIN HERMOUET LORSQUE REVE ET DESTRUCTURATION DE L'IMAGE DEVIENNENT ESTHETIQUE

"CHAISE ORDINATEUR" UN XXI EME SIECLE UNDERGROUND RESUME AVEC LA PERSPECTIVE DES MODERNES - PEINTURE DE NTH

LA PEINTRE NELLY TAPIN HERMOUET (NTH) EN EXPOSITION, EXPLIQUE ICI SON OEUVRE AU PUBLIC AU POLE D'EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

LA PEINTRE NELLY TAPIN HERMOUET (NTH) EN EXPOSITION, EXPLIQUE ICI SON OEUVRE AU PUBLIC AU POLE D'EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

"LE BATEAU" PEINTURE DE NELLY TAPIN HERMOUET - UNE MARINE ISSUE D'UN AILLEURS INEXPLIQUÉ QUE N'ATTEINDRONT JAMAIS LES ACADEMISMES LES PLUS SENSITIFS

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Sa peinture, issue d'une créativité sans limite, non-bridée par des intentions préalables, constitue une synthèse entre imaginaire, surréalisme, abstraction, allégories poétiques... Son œuvre apporte ainsi à travers une démarche atypique, une synthèse esthétique, un témoignage supplémentaire sur la frontière séparant l'onirisme pictural surréaliste et l'interprétation abstraite du réel...


Nelly Tapin Hermouet a obtenu la Médaille " Talent des Arts d'Aujourd'hui " 2011, au titre de son travail pictural, mettant en évidence un univers personnel, original, qui reflète spontanément d'importantes références européennes du surréalisme et de l'abstraction lyrique.

L'acte artistique de la peintre est d'une actualité forte par ce carrefour stylistique qui lui est propre. Elle marque aujourd'hui une symbiose essentielle, qui s'inscrit dans le prolongement des modalités d'expressions modernes et contemporaines européennes de la peinture de notre seconde moitié du XXème siècle. L'artiste en redéploie aujourd'hui une nouvelle forme, de façon innée... voire inédite. Une peinture que Nelly Tapin Hermouet réalise, en provenance directe de son intériorité. Les formes et les couleurs sont posées sur la toile pour devenir une œuvre, que le pinceau, l'inspiration directe, guidera jusqu'à son terme, jusqu'à la construction définitive, qui au final, prendra un sens préçis. C'est son talent qui fait que, sans a-priori du résultat final, c'est sur la toile même que l'artiste façonnera l'œuvre, en fera exister le sens dans notre visuel. La peintre amènera le sujet au conscient, à partir de ce qui est enfoui au plus profond d'elle-même. C'est ainsi que surréalisme et abstraction lyrique se marieront, en harmonies synoptiques sur ses toiles. Entre conscience humaine comme avec son tableau "Spermatozoïde" ou inconscient sociétal comme avec "Empreintes" ou "Troisième Œil"... On peut admirer une peinture audacieuse en narrations extrapôlées, une interprétation onirique innée, sinon automatique, qui ne déplairait pas à André Breton, ni même à Hans Arp, pour lequel le surréalisme ou l'abstrait n'avaient pas de secrets. La grammaire de Nelly Tapin Hermouet, comporte une formulation graphique et un colorisme bien reconnaissables, qui donnent une unité à son travail, un style. Le contenu est anecdotique, riche d'une complexité "appétible" au regard... Les titres, bien choisis, proposent un sens de lecture intéressant, constructif, ludique. Face aux tableaux en exposition le spectateur est tout-d'abord "impacté", par un florilège lyrique de signes et de sens, dont l'artiste va lui révéler, démêler, l'alchimie signifiante par ses titrages. Lesquels produisent un soudain insight, une compréhension subite, alors rassurante et qui emporte l'adhésion du public. La peinture de Nelly Tapin Hermouet plait, attire, intrigue et questionne les spectateurs de toutes générations. Si le public interroge la peintre, on peut entendre et voir l'artiste répondre, expliquer volontiers son travail, sa sensibilité, sa démarche, tout en faisant partager son amour de l'art, de la peinture, et toute la mesure, l'intelligence, qu'il y a finalement dans ce que l'on pourrait croire être démesure... Mais c'est aussi la force du message esthétique de l'artiste qui prime, son ressenti. Nelly Tapin Hermouet, manie le pinceau comme un outil de langage. Cette créatrice à conquis un territoire pictural, elle y est à l'aise, elle s'y promène au fil de chacun de ses tableaux. Elle a bâti ainsi chaque jour son univers. La structuration de ses œuvres, leurs architectures, sont autant chez la peintre un acte créatif. On peut voir, par exemple, dans son tableau " Chaise ordinateur", comment les aménagements de la perspective font étrangement échos à la révolution des modernes; lorsque Cézanne lui-même, rompait la notion d'équilibre, pour construire une nouvelle image, préfigurant les recherches cubistes. C'est aujourd'hui, en échappant ainsi, par elle-même, à toute pré-construction logique, que Nelly Tapin Hermouet, rejoint par son abstraction surréaliste lyrique, une nouvelle proposition de message. Tel, un anti-dogmatisme pictural et ...informatique avec "Chaise ordinateur", sujet en prise directe avec notre époque, qui a fait l'objet de l'affiche de son exposition au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, en Juillet 2011. Tableau qui signale bien cette synthèse que véhicule le travail de l'artiste, mais aussi, les fonctions sentinelles et éclairantes que peut revêtir une telle oeuvre-d'art dans la société. Enfin « Le Bateau » est bien celui qui nous emporte vers des terres inconnues, lorsque Nelly Tapin Hermouet devient conquistador d'un nouveau continent, celui issu de son imaginaire, au coeur d'un immense océan sur lequel elle tient bon le cap. "Le Bateau" devient alors emblématique du talent de l'artiste, de l'ensemble allégorique, imaginaire, qu'elle sait traduire et scénographier en nouvelles formulations de beauté sous nos yeux. Grâce à la peinture, elle tansforme ses idées en thématiques et créations, en maîtrisant toute l'osmose, pour nous offrir, nous faire découvrir, partager une autre poésie, une autre ...irréalité, celle d'un monde intérieur unique.

 

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    "Nelly TAPIN HERMOUET, après MIRÒ et les Surréalistes aux tendances abstraites, la peintre est parvenue à créer un nouvel imaginaire lyrique. Avec une grammaire innée, elle en détient les précieuses clés." © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ Dominique BOYER, peintre. Un exemple des nouvelles mouvances stylistiques contemporaines de l'abstraction. Loin de toutes uniformisations de palette ou d'expressions, elle incarne la liberté créative.


AVEC

AVEC "FLAMENCO" DOMINIQUE BOYER RESUME EN QUELQUES TOUCHES ABSTRAITES TOUTE LA PUISSANCE, L'ENERGIE, LA FORCE DU FLAMENCO

LA PEINTRE ABSTRAITE DOMINIQUE BOYER

LA PEINTRE ABSTRAITE DOMINIQUE BOYER

ESSENTIAL FLOWERS, UN IMPRESSIONNISME ABSTRAIT ULTIME DE DOMINIQUE BOYER OÙ LA GRACE REJOINT LA BEAUTÉ

ESSENTIAL FLOWERS, UN IMPRESSIONNISME ABSTRAIT ULTIME DE DOMINIQUE BOYER OÙ LA GRACE REJOINT LA BEAUTÉ

M.J.S. DE DOMINIQUE BOYER, UNE OEUVRE QUI TOUCHE AUX SOMMETS DES ARTS, QUAND LES FLEURS PLEURENT POUR DIRE LA PEINE DU COEUR

M.J.S. DE DOMINIQUE BOYER, UNE OEUVRE QUI TOUCHE AUX SOMMETS DES ARTS, QUAND LES FLEURS PLEURENT POUR DIRE LA PEINE DU COEUR

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Dominique Boyer est une artiste qui sait produire une abstraction à connotation européenne, distincte de tout ce qui peut être issu d'autres continents, sa peinture possède les références de la modernité et de notre berceau culturel. De Matisse aux paysagistes abstraits, la peintre réussit à redéployer l'art informel en de nouvelles sensations signifiantes, par de nouveaux pontages entre matière et esprit. Dominique Boyer a réussi à faire de son message d'abstraction l'ultime miroir du monde. Elle sait évoluer avec une grande aisance, au-delà des limites de l'impressionnisme, pour nous montrer d' autres univers. La peintre  sait capturer, retenir, exprimer sur ses toiles, les ressentis évanescents, les émotions les plus éthérées,  les plus intimes, de tout ce qui nous environne, mais que nous ne percevons que partiellement... et elle vient les poser là, sur ses toiles, en formes et couleurs, devant nos yeux, avec une maestria éblouissante.


I- Quand impressionnisme et abstraction fusionnent en sensations ultimes;

Dominique Boyer redonne dans ses oeuvres, par ses élans du cœur, par l'intelligence de son pinceau, la plénitude de l'impact premier que nous livre le monde. Elle a revisité le sensible pour en faire avec chaque œuvre de véritables actes d'art... C'est une artiste qui maîtrise avant tout, les divers aspects techniques de la peinture, mais qui connaît, de plus, les différents chemins secrets qui conduisent à l'abstraction, aux abstractions... Abstraire; pour Dominique Boyer, ses pinceaux sont comme autant de clés pour ouvrir de nouvelles portes sur la vie, sa palette, ses palettes, sont le moyen de dépasser le quotidien pour figer de façon intemporelle ses états d'être... son état d'âme... au sens littéral du terme... Une peintre qui parvient à faire aller son œuvre dans le sens de ses pensées, en figer les plus fugaces, faire vibrer les non-dits par les formes et les couleurs, apportant ainsi un nouveau langage de sensibilité et de subtilité. Son style, qui lui est si personnel, sa grammaire, interprètent parfois des joies, mais aussi des souffrances de ces temps de réel qui nous imposent des faits incontournables.... (M.J.S. 100 x100 cm). Un style épuré, direct, le talent du peintre sait garder un lien délicat avec la réalité, la nature, comme avec « Essential Flowers » ( 90x90cm). Le titre de son tableau évoque ce qu'il peu y avoir de plus immatériel dans les fleurs, depuis un parfum jusqu'aux essences intrinsèques, mais aussi en terme pictural ce que le regard va pouvoir retenir de sensations esthétiques. La beauté des fleurs est devenue ainsi message emblématique dans ce tableau, des couleurs qui s'entrecroisent en dominantes de tonalités vives ou plus diaphanes... L'art de Dominique Boyer nous dit cela en un effleurement du vrai, qu'elle vient rendre poétique, qui laisse le public entre rêve et réalité, entre sensations du connu et immatérialité flottante... Aura de fleurs que l'on pourrait presque respirer... C'est là le don de cette artiste. Elle sait intuitivement sélectionner dans un sujet ce qui le caractérise le mieux, pour en faire une image « synoptique », qui synthétisera tous ses paramètres visuels mais aussi culturels, en une réflectivité tout autant sémantique que sémiotique: le dénominateur commun est harmonie, goût, une certaine beauté, dont elle détient le savoir du faire-voir. Son tableau « Flamenco » (98x65cm) vient montrer à quel point la peintre peut en quelques touches , en quelques coloris, traduire avec une splendide justesse tout un monde de danse, une culture ancestrale... Avec la couleur et le pinceau, Dominique Boyer sait parler toutes les langues, directement au cœur et à l'esprit du public, pour lui faire comprendre, apparaître aux yeux, la vraie force, l'énergie, le mystère, mais aussi le rythme qui peuvent s'inscrire dans les profondeurs d'un thème ou d'un sujet... C'est ainsi qu'elle incarne bien en Europe toute la magie de notre peinture abstraite, l'écho de nos impressionnismes irréels, creusant le sillon de notre histoire picturale contemporaine. L'artiste au travers de ses fins dosages entre imageries explicites et richesse introspective, jusqu'aux expressions contrôlées des abysses sensuelles de sa peinture à l'huile est exemplaire des nouveaux regards actuels... Face au spectateur conquis.

II - La liberté de créer, le choix de Dominique Boyer. La peintre a érigé sa conception contemporaine du pictural en un style  non-conventionnel, signe du XXI ème siècle.

Le style de l'artiste est avant tout une liberté. Il y a dans l'art des approches plasticiennes, par lesquelles les peintres voudront que leur geste soit aussi expression identificatrice, par l'uniformisation de la palette, de tonalités, de graphismes, voire de thème. Ceci depuis des siècles, du figuratif à l'abstrait. Ce qui en soi est une logique dans la peinture depuis les primitifs de la pré-Renaissance, jusqu'à nos jours. Or, si elle a pu faire école du passé, aujourd'hui pour Dominique Boyer, peindre doit exprimer une création certes, mais aussi une créativité. C'est pour cela qu'elle s'élance dans un renouvellement audacieux avec chaque toile, rendant son geste encore plus original, son abstraction encore plus avancée. Si le style reste aux frontières de l'impressionnisme et de l'abstraction, elle ne se fait pas obligation de s'astreindre, avec ses colorismes différenciés selon les sensations, car elle ne veut rien convenir d'avance avec elle-même, pour ne pas brider les muses, elle veut laisser le flux de son inspiration venir se poser intact sur ses toiles en une modalité initiale, spontanée, de formes, de nuances, en éclosion du tableau, en une apothéose finale... Elle appartient à ces nouvelles générations de peintres dans notre société du présent, qui veulent aller au delà de tout à-priori, de toutes normes académiques ou doctorales, afin de transcender les fondements picturaux pour poser d'autres visions plus nouvelles, innovantes. Le talent, voire, le don de Dominique Boyer, lui dicte sa grammaire esthétique et cela est suffisant. Elle incarne cette hyper-sensibilité féminine qui trouve dans la peinture un mode d'expression noble, pour crier son bonheur ou bien sa peine, en des allégories immatérielles émouvantes, telles avec ces fleurs qui pleurent (M.J.S. 100 x100 cm). C'est le besoin de pousser la peinture plus loin, pour en faire ressortir une dynamique de modernité. S'étant peu a peu libérée de l'image figurative, l'artiste à finalement fait le choix de résonances autres, su accéder aux territoires abstraits dans lesquels elle peut, par le moindre signe, générer des éruptions bouillonnantes de sentiments aux spiritualités bouleversantes. C'est cela le plus vital, le plus authentique pour Dominique Boyer, lorsqu'elle fait danser son pinceau sur la toile. Un regard et une grâce de peindre, cet insight qui lui donne une lumière intérieure qu'elle transmet, pour faire s'élever le spectateur vers d'autres valeurs de l'art, mais aussi vers d'autres dimensions de lui-même. Dominique Boyer, sélectionnée « Talent des Arts d'Aujourd'hui » 2011, en présentation aux Espaces muséaux du Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur, marque une peinture européenne, qui mérite d'être connue aussi bien en Chine qu'aux U.S.A., parce-qu'il s'agit là de quelque-chose de notre art d'Europe, que l'artiste fait jaillir à la surface du monde et de la culture internationale.

 

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    « Dominique BOYER, peintre. Un exemple des nouvelles mouvances stylistiques contemporaines de l'abstraction. Loin de toutes uniformisations de palette ou d'expressions, elle incarne la liberté créative.» © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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■ La peintre Nathalie RICHARD ayant assimilé l'esthétique occidentale, réussit la synthèse du fauvisme français et de l'action painting américaine, avec un nouveau style dans l'art du portrait.


"PROVOQUE" PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

LA PEINTRE NATHALIE RICHARD MEDAILLE

LA PEINTRE NATHALIE RICHARD MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2011

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Nathalie Richard, peintre, Médaille d'Honneur "Talent des Arts d'Aujourd'hui" 2011


L'EXPRESSION DU PORTRAIT, SON STYLE, LA REPRÉSENTATION QUE LES ARTISTES ONT SU EN FAIRE DE LEONARD DE VINCI A REMBRAND, DE MATISSE A PICASSO, MAIS AUTANT, OUTRE-ATLANTIQUE, D'ANDY WARROL A WILLEM DE KOONING, CE FUT ET C'EST TOUJOURS UN TERRAIN PRIVILÉGIÉ DE CRÉATIVITÉ ET D'INNOVATION ARTISTIQUES ; EXERCICE HAUTEMENT COMPLEXE, L'ART DU PORTRAIT PEUT ÊTRE SOUVENT LE REFLET D'UNE SOCIÉTÉ, D'UNE ÉPOQUE... IL VÉHICULE UNE SÉMIOTIQUE DE MODERNITÉ ET DE PROGRÈS... EN FRANCE, AUJOURD'HUI, LA PEINTRE NATHALIE RICHARD, STABILISE UNE GRAMMAIRE ET UNE PALETTE POUR GÉNÉRER UNE AVANCÉE INTERNATIONALE. L'ARTISTE, REFONDE ET DÉVELOPPE LES RÉFÉRENCES DU DOMAINE EN DE NOUVELLES ACCEPTIONS ESTHETIQUES; LA PEINTRE SAUVEGARDE L'IMAGE INITIALE DU VISAGE POUR LA POUSSER AU-DELA DU RÉEL, EN UNE INTERVENTION PLASTIQUE AVEC DES ÉQUILIBRES DE FORMES ET DE COULEURS, AVANT-GARDISTES ET MESURÉS. PAR SA RECHERCHE, SES EFFORTS THÉORIQUES ET PICTURAUX, ELLE APPORTE DE NOUVELLES CONCEPTIONS BIEN FONDÉES POUR UN NOUVEAU PORTRAIT HORS DE TOUT DÉJA-VU.


Nathalie Richard à vu son talent émerger tout naturellement, comme une réponse à un état intérieur. Sa peinture, tel un fleuve débordant un barrage, s'exprime en diverses thématiques, que l'on peut résumer en trois grands axes, les portraits, les nus, les paysages urbains. Ce sont les portraits qui mobilisent le plus aujourd'hui la capacité créative de Nathalie Richard, voire l'intérêt du public. La peintre a su trouver dans cette voie matière à innovation. Cela n'est point une discipline facile à renouveler, certes, toutefois comme pour toutes découvertes, c'est un peu le fruit du hasard, mais aussi disons-le, tout autant, beaucoup de travail assidu sur la toile. Les années sont relatives en peinture, selon les efforts et le temps que chacun voudra ou peut y consacrer, selon sa volonté... sa motivation. La réussite de Nathalie Richard montre que l'ingrédient essentiel reste pourtant le talent. Le public ne s'y trompe pas et se trouve interloqué devant ses tableaux de portraits, ses visages, ses personnages, et ressent parfois une sensation familière, de déjà connaître, de déjà avoir vu en exposition cette artiste... Il y a en fait dans les portraits de Nathalie Richard une osmose des plus grandes tendances de l'art moderne et contemporain. L'artiste a su les mettre en synthèse, en harmonie, faire une symbiose, avec une aisance de création déconcertante. Une simplicité de savoir-faire, ceci parce qu'elle a su trouver, comme un chercheur, la bonne équation. Parce qu'elle avait besoin de faire sortir quelque-chose qui était enfoui en elle. A partir de là, c'est un univers portraitiste fort, puissant, abouti, qu'elle décline avec brio, qui fascine et subjugue immanquablement le spectateur... Du fauvisme à l'action painting, Nathalie Richard peint, laissant aller ses pulsions de dripping animer un colorisme cru, parfois violent, mais toujours mesuré, atténué. La lisibilité des formes qu'elle propose, avec des ombraisons très colorées font jouer une autre réalité sous nos yeux. Un figuratif portraitiste qui a su unir des tendances Matissiennes et fauves avec les fougues de l'école américaine des tous débuts du contemporain. Une peinture audacieuse ? Bien sûr, car l'artiste est sortie des sentiers battus sans perdre les références essentielles du progrès de l'art. C'est bien pour cela que cette peinture reste européenne et ne peut être confondue, ni avec de l'art asiatique, ni même américain. L'alchimie des portraits de Nathalie Richard, lui est propre, et l'on voit l'artiste construire son œuvre avec bonheur en gardant son cap, sans inhibitions, en toute liberté. Bien fondé, son travail sur le portrait ne cesse ainsi d'avancer. Les intuitions de l'artiste prennent corps avec succès dans un sourire, un regard, parfois dans l'ambiance diffuse d'un entrelacement de jets de couleurs, de gouttes de peintures, de gestes spontanés, de contrastes atypiques, qui nous feront découvrir les sensations étranges d'une peinture attractive; Nathalie Richard nous fait percevoir la vérité du personnage à partir du plus profond de nous-même. Si l'artiste trouve du plaisir à peindre, elle transmet souvent dans ses toiles une atmosphère optimiste. Elle crée ses visages comme autant de scénographies expressives. Ses tableaux nous interpellent particulièrement sur la vie intérieure de ses personnages. Et c'est bien là où l'on reconnaît le talent du peintre. Chaque figure a sa propre histoire. Une mimique spécifique qui est comme la vision concrète d'un caractère, d'un reflet d'âme... Nathalie Richard est devenue une peintre de paysages intérieurs. Elle traduit un monde introverti qu'elle fait remonter à la surface, dans un regard, un sourire, un cri, une moue... Des paysages intérieurs humains, vivants... un vécu qui transparait au travers d'un aspect parfois rude. Peindre, dire la vie, dire aussi la société avec la représentation d'un visage... c'est ce travail parfois sociologique qui fait sa différence, et rend les portraits de Nathalie Richard, en phase, en prise directe avec le monde d'aujourd'hui. Portraits imaginaires ou images de conscience collective... Un peintre qui peint le monde, ses mythes, ses croyances, ses misères... De « Colère » à « Tiané » l'artiste nous fait passer d'une force, d'un peur ou d'une violence, au monde éthéré des exotismes les plus rêveurs... Avec une toile telle « Provoque », c'est une réalisation qui prend place dans l'art contemporain pour peindre avec beaucoup de justesse tout le non-dit de toutes les révoltes, de toutes les ironies, des fatalités... « Provoque », prend place ainsi d'une manière intemporelle, hors de l'époque ou des lieux, pour figer ce trait de communication non-verbale en terme artistique. Avec le défi contenu dans « Provoque » Nathalie Richard à su s'emparer d'une image archétype pour la mettre définitivement en plein statut esthétique dans l'art contemporain. Cela lui appartient. Les toiles « Homme de l'ombre » et « Illusion » marquent deux versants de son style portraitiste. Le premier, plus intégral, pose un fauvisme modernisé, avec une palette plus restreinte et une économie de tonalités, que l'on retrouve dans d'autres de ses tableaux; Le second, plus dense, fait ressortir beaucoup plus intensément la pluralité colorique et technique de sa démarche picturale. Un style très actuel, qui permet d'apporter une pierre supplémentaire à la construction de l'art. Nathalie Richard, avec ses portraits, incarne bien le talent en toute simplicité, une nouvelle vague d'artistes, qui comprennent la peinture, qui ont la volonté de créer, et qui occupent une place incontournable, dans l'art vivant d'aujourd'hui, par leurs intuitions et la qualité de leurs réalisations .

 

Antoine Antolini, Juin 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUIN 2011"    « La peintre Nathalie Richard, ayant assimilé l'esthétique occidentale, réussit la synthèse du fauvisme français et de l'action painting américaine » © Texte, Antoine Antolini - Juin 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

© Editions des musées et de la culture EDMC 2011

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication

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■ Le peintre-pamphlétaire français, Patrice SERVAGE, génère un nouveau surréalisme contemporain dans l'art international.


1 - Peinture de  Patrice Servage

1 - Peinture de Patrice Servage

2 - Peinture de Patrice Servage

2 - Peinture de Patrice Servage

3 Le peintre-pamplétaire Patrice SERVAGE

3 Le peintre-pamplétaire Patrice SERVAGE

4 - Peinture de Patrice Servage

4 - Peinture de Patrice Servage

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HERITIER DE VOLTAIRE ET DU "SIECLE DES LUMIERES", LE PEINTRE-PAMPHLÉTAIRE PATRICE SERVAGE , NOUS PARLE, AVEC SES TOILES, DU MONDE ET DE LA SOCIETE. UN NOUVEAU SURRÉALISME D'AUJOURD'HUI DONT LE MESSAGE EST DEVENU ART CONTEMPORAIN.

 

Une peinture attendue dans l'art contemporain, qui vient renouveler à l'aube du siècle , le Surréalisme, en une nouvelle portée de messages modernes, à l'heure du virtuel, au cœur des problématiques sociétales et de civilisation.

 

Patrice Servage détient les clés d'une modernité contemporaine, adaptée à notre époque. S'il est vrai que la société actuelle est devenue un épisode important du progrès scientifique et technique, à la fois univers des technologies de pointe,tout autant que nouvelle étape de civilisation dans les problématiques les plus diverses. Il fallait bien alors, en arriver à ce qu'un artiste sache s'emparer un jour, de la peinture comme moyen de communication culturelle pour venir clamer, dénoncer, souligner, avec pertinence, ce qui nous concerne de plus urgent, dans ces domaines des sciences sociales, humaines, environnementales, de sauvegarde de la Planète, dans ce monde ultra-moderne. Patrice Servage, en respectant et intégrant les fondamentaux de la peinture, peint ce que l'on ne sait pas ou veut pas voir, ou que tout simplement l'on fait semblant de ne pas comprendre, que l'on ne veut, ou ne pouvons regarder en face... On ne peut toutefois échapper aux tableaux du peintre-pamphlétaire Servage et à ce qu'ils montrent devant nos yeux, lorsque la raison et les voix se taisent...

 

Patrice Servage, tel un Voltaire du XXI ème siècle, manie le pinceau comme le grand écrivain maniait la plume, avec verve et talent certes, mais ceci pour mettre en exergue les paradoxes de notre monde, les contradictions dans les mentalités, l'illogisme des individus et de leur comportements individuels ou collectifs. Le style de l'artiste est percutant. Servage vient du monde de l'image de la communication et de la presse, et nous y fait renvoie dans sa peinture. Il sait impacter artistiquement par sa peinture ce qu'il peut y avoir de plus fort en terme de message, en terme de visuel. Ses toiles, figuratives et narratives , autant scénographiques qu' anecdotiques, se veulent de véritables tableaux-pamphlets sociétaux par la conjugaison du sens, de l'image et de l'art. Son pinceau semble parfois trempé dans l'acide, pour venir nous dépeindre des moments forts, sans concessions, mais qui se veulent de véritables miroirs de société. Messages-traits de société, de charité et de misère, de guerre et de paix, d'amour et de haine... C'est par l'art de la peinture , dans un style hyperréaliste que Servage, vient nous mettre sans ambiguïté la réalité sous les yeux. Tenant haut le flambeau à la suite des maîtres qui l'on précédé et qui assignaient à la peinture la mission de servir la société, du classicisme au réalisme, sous les grandes périodes de l' Histoire. Aujourd'hui, le peintre Servage crée un nouveau surréalisme, car il sait mettre à la portée du spectateur, du grand public, des allégories inédites, pour nous faire prendre conscience par ses tableaux de vérités, de réalités actuelles de notre quotidien. Impressions qui nous échappent dans les visuels pluriels, les imageries multiformes et complexes du cinéma et de la télévision. Ses créations sont alors autant "d'arrêts-sur-image" pour nous donner le temps de réfléchir, de prendre conscience, dans la course trépidante de l'actualité du monde. De l'allégorie qui dénonce la propension à un mal-être de la société, son pinceau va manier parfois la parabole tel son tableau "Bonne Chance" pour aménager des terminologies de messages plus universalistes, Il y a souvent chez Servage, le jeu-miroir d'une société, qui se cherche, dont il vient inscrire les errances dans notre entendement. La peinture de l'artiste, n'est pas une peinture de quartier, ou de pays, c'est une peinture pour le monde entier... C'est un travail qui émeut sous toutes les latitudes, pour exprimer, révéler divers sujets pour une prise de conscience humaine, voire humaniste. Le langage est universel dans la peinture, Servage en fait du message universel, riche, évident, clair, mais qui est parfois plus étoffé qu'une simple lecture au premier degré. L'art du peintre est d'avoir su maitriser la technique du pictural, de savoir construire une esthétique parfaite, de façon optimale, pour la rendre utile, pour une société confrontée par l'artiste à ses propres vides, ses défaillances... Une peinture, au contenu qui favorise une "conscientisation" des problématiques, pouvant permettre alors d' améliorer les comportement humains. C'est en ce sens que le travail de Servage est constructif, positif, car il dit des travers, afin que l'on sache y remédier. Servage vit sa peinture en tant qu'un art immergé dans la société, qui appartient à la société, ce n'est pas une peinture qui veut défendre telle ou telle cause, c'est une peinture qui veut parler de son temps, qui montre son époque en langage de peintre, qui veut bouger dans l'art de son siècle... Si la peinture de Servage peut faire changer la vision du spectateur sur les choses qui l'entourent, c'est avant tout parce qu'elle va faire changer en son fort intérieur l'Homme, un homme, une conscience, mais aussi la conscience collective, la conscience sociale. Tel Dali et ses messages, Servage dans une fraîcheur de vie, dans une jeunesse de cœur, est dans une générosité d'amour de l'autre. Il vient peindre tout autant devant nous sa souffrance, son désarroi de voir que la guerre est ruine, que l'égoïsme fait encore des ravages, que l'indifférence existe bien, et que la planète en souffre à maints égards. Il agit aujourd'hui tel un grand peintre. Servage a bien compris le rôle et la fonction que peut avoir la peinture, il a su après des années de labeur, maîtriser cet art. A présent il le porte sur le seuil de la société pour lui proposer d'évoluer, de s'améliorer. Servage, le peintre-pamphlétaire français, nous fait la démonstration par son œuvre de ce que la peinture figurative et hyperréaliste peut apporter lorsqu'elle devient véhicule d'intelligence, de clairvoyance, de discernement, de ressentis intérieurs pour exprimer l'amour et le bon. Patrice Servage, semble bien  être le premier artiste dans l'histoire de la peinture à porter ce qualificatif de "peintre-pamphlétaire", en tant que peintre  sachant traduire avec le plus de pertinence, à notre époque, dans la tradition des meilleurs esprits, cette forme de sensibilité sociétale tournée vers les autres, avec un talent résoluement à vif, indispensable à la qualité intellectuelle de la culture.

 

Antoine Antolini, Avril 2010

Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine(CRACP)

 

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" le peintre Patrice Servage - Avril 2010 -

Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - Côte d'Azur (France) -

© Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC -Direction rédactionnelle-Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP) – 2010 -E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98 -

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en citant le titre et l'auteur et les sources de publication, "Patrice Servage , le peintre-pamphlétaire français"- Antoine Antolini (Avril 2010)

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Biographies d'artistes ▼

■ « Sylvie AUVRAY COMIN, peintre; Un zoom en contemporain sur le fessier féminin, dans le nu du XXI ème siècle » ...


"Nu rêveur" de Sylvie AUVRAY COMIN, peintre

"Nu dans les champs"

Peinture

Peinture "Nu d'automne" de Sylvie AUVRAY COMIN

"Nu à la cigarette"

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Après l'esthétique grecque, Michael-Ange, les nudités de la Renaissance, de Boucher à Ingres, jusqu'aux Baigneuses modernes... Sylvie Auvray Comin, marque une étape nouvelle et originale, en dépassant les grands rendez-vous des années 60, lorsque Yoko Ono en 1966 avec N°4 Bottoms, rendait les fesses sujet et objet d'avant-gardisme …


Un pinceau qui joue sur toute la gamme des techniques à l'huile, des glacis, clairs-obscurs, luminosités, une spatule qui peint et sculpte un nu dans les épaisseurs des pigments... Sylvie Auvray Comin, peintre confirmé, fait de plus en plus parler d'elle; Distanciée de tout néoclassicisme, Auvray Comin porte une palette qui sait convaincre, fraîcheur, sûreté du geste, modernité... Sylvie Auvray Comin à eu l'idée de cerner son territoire pictural autour de plans rapprochés sur des fessiers de corps de femmes, des bas de dos au féminin, qu'elle peint avec toujours un contexte, des titres évocateurs, « Nu sirène »,« Nu d'automne »,« Nu à la cigarette »,« Nu dans les champs »,« Nu au bord du lit »,« Nu tentation »...

 

Une démarche plasticienne, qui innove dans la tradition d'un sujet immémorial, celui du corps féminin...


Sylvie Auvray Comin peint à partir de modèle vivant, en atelier, cela lui permet de définir un lien figuratif, hyperréaliste, de rendre la sensualité. Courbe d'une hanche, rondeur d'une fesse, elle veut par ses couleurs de carnations, ses ressentis visuels compenser les tonalités froides d'un corps, par la recherche de rendus translucides de la peau, un velouté. Elle aime préciser « pour moi l'idéal c'est d'arriver à faire passer mes propres émotions, j'intègre toujours du poétique dans mes tableaux, comme avec  le Nu dans les champs ». C'est important dès lors, qu'il y ait le contexte bien élaboré. Un environnement, un décor, imaginé, suggéré, qui va situer la nudité et permettre l'imaginaire, l'atmosphère de l'œuvre. Cela en fera sa qualité, sa particularité... Pour ce peintre novateur, l'art doit être aussi reflet de vie, optimisme, tentation... Elle dit : « à l'opposé des fesses de statues qui n'ont que l'histoire de leur personnage, les fesses que je peins veulent raconter, être narratives d'un moment, d'un lieu, par les indices que j'ajoute dans leur environnement ». Une démarche aboutie avec ce « Nu à la cigarette », une synthèse historique de Toulouse-Lautrec au Pop-art, ou bien ce « Nu d'automne » qui à lui seul évoque la Renaissance et vient y apporter, aujourd'hui, comme un chaînon manquant... Ou encore ce « Nu au bord du lit » qui résume, à lui seul, les préalables du Pop-art, lorsque les premières starlettes se libéraient en clichés sur les calendriers d'après-guerre,ou en posters chez les routiers d'Outre-Atlantique... Sylvie Auvray Comin vient nous dire le conscient et l'inconscient sociétal. Pas de non-dit, ni de non-peint, avec tact et talent, douceur et beauté, pudeur et sincérité l'artiste exprime pleinement son art.

 

 

Dans l'esthétisme référent du nu féminin, l'artiste a su clarifier un nouveau code pictural...

 

Sylvie Auvray Comin nous donne la preuve d'un nouveau regard dans ce que l'on croit voir depuis toujours. Le peintre offre un style pictural affirmé, un voir autant un savoir-regarder. Ayant ainsi définitivement mis en symbiose, délicatesse du classicisme et audaces du Pop Art, Sylvie Auvray Comin, vient redéfinir un item esthétique pour en poser et défendre dans notre société actuelle son plein-statut d'art. L'artiste a récupéré en pallier artistique une image déferlante du corps pour l'amarrer solidement en expression qualitative, aux antipodes de tout excès. Son travail intervient telle une nouvelle version du visuel du fessier au féminin, originale et exclusive face à toutes les recherches autour du nu, du corps et de leurs représentations plurielles d'hier à aujourd'hui. Sylvie Auvray Comin, avec un style, à su re-délimiter et ré-conquérir un territoire dans l'esthétique contemporaine, se l'approprier en une nouvelle grammaire. Sa prise de conscience, sa sélectivité et son actualisation d'éléments essentiels et intemporels de l'esthétique du corps de la femme témoignent de son talent. L'artiste à bien révélé ses peintures, au travers de nombreuses expositions en France, sur les médias comme internet où elle a pu faire connaître, internationalement son créneau artistique, qui lui est personnel. Le style de Sylvie Auvray Comin fonde un contenu sémantique fort, pose aujourd'hui une innovation picturale véritable et puissante, que l'on discerne nettement dans le flot des créations contemporaines. Une balise-signal incontournable dans l'art du XXI ème siècle naissant.

 

 

Antoine Antolini, Août 2010

PÔLE D'EXPOSITION TOULON CÔTE-D'AZUR

" TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010"

 

Pôle d' Exposition Toulon Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010" - « Sylvie AUVRAY COMIN, peintre; Un zoom en contemporain sur le fessier féminin, dans le nu du XXI ème siècle » ... © Texte, Antoine Antolini - Août 2010-Direction rédactionnelle, Recherche en Art - Centre C.R.A.C.P. - e-mail: centre.cracp@ yahoo.fr-T:06 10 99 90 98 

 

 

 

Christine Bruyère, Kitou B , peintre
■ UNE PEINTURE EN EVOLUTION DANS LE CONTEXTE DE L' ART CONTEMPORAIN AVEC UN POTENTIEL AVANT-GARDISTE.


Kitou B. can translate the deep inner feelings, in a modern impressionism, sometimes as a vision of an abstract landscape ... A grammar
powerful, radiant, controlled.


1

1 "Merveilleux Kerry " peinture de Kitou B (Christine Bruyère)

2

2 " Lac des Deux-Rivières" Ontarion CANADA peintre Kitou B

3-

3- " Leenone la nuit " - Connemara - IRLANDE - peintre Kitou B

4- peintre Kitou B - REGARDS

4- peintre Kitou B - REGARDS

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The style of Kitou B. is successful, his works are strongly built and well architected. The painter looks at his subjects, landscapes, portraits, still faithful, knowing simultaneously discern the main features of the visual and improvement. His gesture is safe, said his Colorist is vigorous, direct. There is a force of energy that emerge from this painting. The artist comes to protecting, safeguarding, the dull vibration that contains the pattern. Kitou B. brought forth, resurface the truth, the authenticity of the landscape, incorporating deep his feelings, his artistic sensibility confirmed. It is an inward emotion, which gives him the discernment of the essential paint in the selection of his paintings.



The landscape of Kitou B. is both a vision of nature and representation of simple beauty, wild, raw. Whether the landscape of Connemara, Ireland, or those of Ontario in Canada, the painter Kitou B. knows how to provide the quality of French painting, cradle of our European culture, when applying his style to other climes, other views. Figuration, the echoes Cézanne, reflects the understanding of true beauty of nature. The creativity of the artist poses judiciously balances forms, playing space, the harmonies in the values of its colors. . Kitou B. in an international dimension, shows us in his work with his work "night Leenane" (Connemara, Ireland) or his painting "Fallen night on Lake of Two Rivers" (Ontario Canada) that even with most diverse continents, his style is able to discern the dominant tone, the lines of force, to restore the viewer a picture as a timeless moment of reality and life. In order to be resonant colors and shapes key, each key Kitou B becomes paramount. This is to lead the work to its culmination in symbiosis parameters plurals of art. Creations harmony, spontaneity controlled, which appear with "Wonderful Kerry in particular, show a very rigorous artistic and professional, but as the experience of many years of painting, which alone can enable this development style. Today the artist Kitou B. knows how to fashion the image of the landscape to the degree of clarity it wants, until when it wants, there can grasp the intangible ... The painter is almost about the landscape, she learned the language of nature which his palette becomes an interpreter. The artist speaks to the eyes, the viewer, and special attention, to entrust him with the mysterious, magical, rare, that you can see .... Far from a landscape that would be ideal, Kitou B. loves reality, the presence of solitary austerity indomitable nature, such as Connemara, only his brush happen to bring into harmonious relationship with the audience. The tables confirm a logical post-Cezanne, whose construction has just rub us the dimensions of abstraction, as if the unreal could fit into everyday life, as if the landscape could suddenly become another and appear in the fingers of artist, a visual artist gasoline supernatural ... Kitou B. We offer a different aesthetic, that only painting can bring us along and at the end of a road, beyond the beautiful and strong, even beyond the image steep rise ... The artist led to an original poetic, to a feeling almost cosmic, at the beauty, the majesty, the immensity of Nature. A true picture, which without the hassle of devices, without getting lost in superficialities, let us know about all the unspoken distanced from the original vision of the landscape. Through the works reflect the work of Kitou B, we feel that this painting by its strength and power could easily, in his mind, rivaling the most evocative landscapes of an immanent symbolism atmospheres. Other dimensions in the style of Kitou B. In his grammar, but combine content that loves stratify, build, go to almost flat geometry, interpose, insert large keys, an intelligence architecture. This reminds us of the anthology and generic sources of pre-cubism, which Cezanne was a precursor. This is a particularly interesting research that led Kitou B., to the delight of the public. In its visual approach, with its portraits including "Tenderness" and "Look", the artist shows an ability to grasp other volumes, the ability to reposition the visual perception through the impact of colored masses. The painter Kitou B. , Marking mastery style, original, which sometimes makes sense to escape the countryside, to make all the signs on canvas, colored spaces and materialists. An aesthetic that call another formulation of the pictorial beauty and uncommon, which enjoy Kitou B. A work that stands out in France, with a very promising potential for quality that the artist developed in context of contemporary art,


Anthony Antolini, April 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)
Exhibition "Art of Memory Today" the painter Kitou B. (Christine Bruyere) - April 2010
Exhibition Centre and Research - TOULON - Cote d'Azur (France) -
© Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2010

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by himself the errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and we apologize in advance to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 336 10 99 90 98
© Editions museums and culture EDMC 2010
ALL RIGHTS RESERVED FOR ALL COUNTRIES - ACT OF 11 MARS 1957 -

 

 

 

Nathalie DELL'OMO AFONSO, ethnographic
painting, as bridging through space and time


AFONSO N.

AFONSO N. " SAMOURAI "

Nathalie AFONSO

Nathalie AFONSO " MASSAI "

MASSAI, par Nathalie AFONSO

MASSAI, par Nathalie AFONSO

AFONSO N. peinture

AFONSO N. peinture "APOLLON"

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WHEN THE ETHNOGRAPHIC PAINTING

BEGIN A DIMENSION  OF CONTEMPORARY ART.


Nathalie Dell'Omo Afonso (Alfonso N.) provides valuable input to the evolution of art through its approaches, which renew and invigorate the concept of what we now call "ethnic painting. The "ethnic art" through the world of Melbourne Museum's ethnic dress from Shanghai, Ethnographic museums in Ukraine, to those of Central America, Asia, Africa or Australia, can
give evidence of past peoples, showing their memory, the components of traditional societies.


Nathalie Dell'Omo Afonso, works in France, the concept of a new expression of ethnology in the paint and produces an ethno-painting. It superimposes the feelings from the depths of non-Western civilizations to the modern aesthetic of contemporary art today. She was able to achieve in its theme, a European avant-garde interpretation. The artist is pioneering a new pictorial language, both figurative and abstract. His figurative style convene acts for the most academic to resonances in the same work, with abstract impressionism. His work evokes a universal dimension. His delicate brush, his spontaneous gesture, pose a grammar innovative shapes and colors in a paroxysm of modernity, this applied to a timeless art which traces its roots to the dawn of civilization ... Maasai of Africa, a series of paintings created by the artist at the Asian Samurai, N. Afonso Dell'Omo, has formulated a concept of bridging, as expected. With a style incomparably staff, said in an explicit and abstract vocabulary, the common ground of beings, their truth and spirituality, the painting of Afonso N, known to go from the physical to the immaterial. It underlines his works through the authentic, at all latitudes. The artist expresses the force and energy in which groups of people to bathe the strong ties, the nature of transcontinental and trans-cultural attitudes and perceptions, which are not paradoxes, when minorities are as much the peoples of the world .. . The artist innovated unquestionably, a pictorial point of view, making coexist in his figurative and abstract works. This allows it to treat two-dimensional human, physical and spiritual. Therefore Nathalie Afonso Dell'Omo puts signs contrasting the feelings outside and inside. The artist makes to figuration and abstraction their initial capabilities, to faithfully represent reality or to interpret it. The true representation of human expression, face, clearly identifies the character painted by the artist, then it's another expressed sign and intangible, which is artistically raised to the level of spirituality, the artwork . The costumes become an abstract language media. The brush gives the viewer a selection of bold strong colors, that carry us beyond all boundaries, beyond the barrier of languages and dialects mysterious, beyond the myths fantastic to listen to tribal legends, in which contemporary societies find themselves in a dream of the past ... Natalie Afonso Dell'Omo mastered at large logic of contemporary art, to surpass the original artifact, thereby putting into relief with his painting, which can connect the territory, memory, core values, the aesthetics people related. Maasai proud and gentle, archetype from the distant past still alive. Samurai emblematic of human values, out of all time; From 0rient to Africa, Afonso Dell'Omo painted the extremes, is developing a modern reality imagistic. His painting is freeze Rights and societal history, as a trace memory of this, given all the unspoken, non-painted ... Paintings like so many lights twinkling in the deep collective unconscious of modern countries and nations. Why can we now say that the painting Nathalie Afonso Dell'Omo is ethnographic? Because the artist has gone further than an expression of painting by definition "ethnic" later than "Ethnic Art", coming to create, then register with talent in the contemporary art of today ' Today, a grammar for innovative paint subjects typical of timeless beauty, constitute a universal artistic heritage.

Anthony Antolini, March 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Art of Memory Today" painter Nathalie Afonso Dell'Omo - March 2010 -Exhibition Centre and Research - Toulon - © Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC - Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2010-E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 -Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify.Thanks.

©Editions museums and culture EDMC 2010


 

 

ANNE MATHIEU
Associate Artists French - Paris


"Métamorphose sylvestre", peinture, Anne Mathieu

"Colorado Provençal " de Anne Mathieu

Anne Mathieu a peint

Anne Mathieu a peint "Port Miou"

"Oliveraie des Baux", peinture, Anne Mahtieu

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The work of Anne Mathieu on the landscape takes us and it is not by chance, in the light of Provence. The painter has brought together and gives us a pictorial alchemy exceptionally rich in art today. Mathieu has, intuitively, a strange beauty, rarity, both inherited from Cezanne and Matisse, and who lives deeply.

His work makes clear echo of evolutionary logic of Cezanne, in an avant-garde typing, remembering when the teacher was trying to capture the essence of the visual face of Sainte-Victoire, cleaning up all the impacts, grazing without enter the territories of abstractions. Today, Anne Mathieu managed to combine the essential atmosphere of the landscape with the geometry of lines, to tell us the truth of the plain and mountain ... It gives insight into a new contemporary language, space, distance, the complex balance of nature, like so many mysteries hidden from our eyes, she can collect. She captures such a flash spontaneously from the first glance. Mathieu does not paint a place if it vibrates in resonance shapes and colors that emerge. The artist paints nature in osmosis deep Then an aesthetic synthesis result, it gives rise to lines, shapes, colors, but also revealed architectures, new meaning. His talent makes him treat the landscape of Provence, in its way, but always with the strict teacher, uncompromisingly, to achieve and provide the absolute transcendence on the canvas. It can detect and in each table, as will Anne Mathieu to live in a post-modern impressionism different, changed, really relevant to our time. Anne Mathieu finally breaking ground, to put in Provence, the land of the masters of light, a new avant-garde discourse and thought, cool, mature, exclusive and original. It breaks all "was nearly" and "a priori" to impose its own grammar. Its vibrant color is integrated into the landscape with even more strength and energy. She just told us in the technological world of the twenty-first century, the emotion of wonder Matisse at Collioure, and reveals a shocking news, all felt secrets of Fauvism. It gives us in his paintings the song of light and color. The look of Anne Mathieu is a challenge, she dares figuration constructed and full, free from all the academies, she wants to read, in direct confrontation with the international contemporary art today, where it has its Full up. For the first few rows she shouts his vision of the soul of Nature. Like Matisse, Fauve, did in his time. Point in Anne Mathieu revolution, but a living revelation of our deep roots, style, aesthetics, surpassing all hesitations, all delays to come and sign on behalf of timeless Provence, an authentic French setting, facing the world.


Anthony Antolini, February 2010
Center for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Art of Memory Today" painter Anne Mathieu - February 2010
Exhibition Center and Research - Toulon - © Text, Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial direction - Center for Research in Art and Heritage Conservation - 2010
E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 336 10 99 90 98
© Editions museums and culture EDMC 2010

 

 

 

Anik, watercolor painter,
"The mastery of light in the living expression" ...


Anik peintre, Arlésienne

Anik peintre, Arlésienne

Fort St-Jean Marseille, Anik peintre

Fort St-Jean Marseille, Anik peintre

Peinture de Anik, Les Goudes - Le port

Peinture de Anik, Les Goudes - Le port

Tableau de Anik , les coquelicots

Tableau de Anik , les coquelicots

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The luminosity of watercolors Anik frequently astonished the public. The idea of perfection has been built long ago in this artist, as an ideal. Today, his paintings, each detail is an essential gesture for her, finishing, an element at all; Whether characters, landscapes, flowers, or other reasons, the artist conveys to us the strength of the tonal brilliance, the power of light at the end of his brush, as its own specific color palette. Works that become real pieces of life ...

Anik's watercolors painted in a representational style, she can push the academicisms, sometimes the most rigorous, with the desire, however, save all the freshness of a spontaneous painting. For the artist, watercolor called a proven technique, in order to deliver the most direct way possible, without "repentance", the vision offered to him. In his work, the quality of light from the delicacy of application, the accuracy of the line, know-how of the painter ... Indeed, one class of watercolor techniques frequently among the most difficult to handle, so he must acquire dexterity, quickness, experience, to create a work that meets the highest standards of discipline. Anik, over time, has mastered all these rules, to paint this by passing the most important to her, that is, its deep feeling. Also from this subtlety of watercolors she uses to show us through his "Arlesienne" (watercolor 44.5 x35 cm), the youth of a face, fine texture of the embroidery on the veil, decor the fabric of a cap. The brush became under his fingers, a flash of light and fine colors, just the visible part of the invisible, including the topic, character and landscape art in painting, with all the secrets Sheer radiance, diffuse out of the ordinary. Anik, verified with a talent, manages to make the balance right between the beautiful, it extracts a realism too raw, and the truth of the landscape she has preserved, as, for example, with its port from "The Goudes" (watercolor 50x35cm). The artist opens a world of authenticity and has the ability to share with us a different view of the pattern, softer and lighter, sometimes fleeting, knowing insert great sensitivity. In his style, Anik also tells us the elegance, subtlety, the temporality of time that passes, but also the fragility and transience of a moment of life ... Beauty and evanescence of a haul, visions of landscapes that need to seize, to transcribe them onto the support in as many emotions, such as reflections in water, the boats, before the "Fort St. John Marseille (watercolor 46x5x35 cm). Anik is a painter confirmed that decodes intuitively poetry that emerges from the simplicity of the design. She knows how to combine it with the energy of light. The artist is well marked quietly and seriously, its place in the forefront of art watercolorist with his works, including "Poppies" (watercolor 29x38, 5cm). With its "Sainte-Victoire in the snow" (watercolor 50x35cm). She has done a good job of creating more referrals, bold, imaginative, both in the aura that surrounds this pattern Cézanne par excellence, the unexpected choice of this famous mountain in a snowy state unusual ... And it is in the register sets of lights unique to watercolor, Anik we sign a jurisdiction in which it is to combine light, color and luminosités.Avec "Reflections in the Mirror" (watercolor 50x35cm), the artist showed us the extent of the possibilities of watercolor, when in command to better use. This, for precision sharpness of detail in the decorative motifs of particular shawl, worn by the girl who looks in the mirror. The painter shows us how in this painting in watercolors, may, in fact, this actually a real mirror, make clear and real image of a face, pushing it even further in the academic dimensions translucent. However, Anik clarify that loves the beauty of watercolor is unable to give exceptional rendering, sublime, if one feels oneself in what is painted, the work must come from the inner most sensitive, the most profound. The watercolor medium hyper-reactive, reflects the lower impulses, impulses, sensations. Anik knows the land immediately on the carrier paper. Having reached a high technical level, the talent, finds himself in the ultimate degree of sensitivity, the spark that will lead the artist in his relationship, his relationship with the inter-active work that responds. Completing a painting is so for Anik, each time an event and a love story. If the heart and technology must go hand in hand, which appears to go further in Anik is his belief in its quest for beauty, light, art, by such means of watercolor. She is in a race upward, toward the plans are most acute in research on the brightness pictorial, which will meet at the same time the local atmosphere, the atmosphere surrounding the pattern to paint. Thus we come to better understand the reasons why the works of Anik, disrupt and move him to the public.

Anthony Antolini, January 2010
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

"Memory of the arts today, watercolor artist Anik" December 2009-January 2010-Pole Exposure (83.Toulon) Title: "Anik, watercolor painter, Controlling light in the living expression. © Text & photos, Anthony Antolini CRACP/EDMC- Directorate editorial CRACP 2010 - Mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 -

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Mireille, ALDON, a painter,
"An imaginative poetry, which speaks with shapes and colors" ...


Peintre Mireille Aldon, Mère à l'Enfant

Peintre Mireille Aldon, Mère à l'Enfant

Rubis, tableau du peintre Mireille Aldon

Rubis, tableau du peintre Mireille Aldon

Grâce printanière, Mireille Aldon peintre

Grâce printanière, Mireille Aldon peintre

Peinture de M. Aldon, Joie de vivre

Peinture de M. Aldon, Joie de vivre

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 Mireille Aldon is a personal style that takes us into a world lyric, poetic, in a representation free of academicisms, which combines elements of a fantastic imagination, aspects of abstraction. Its forms and colors to embrace modernity. She told us with his palette and sensibility, a different pictorial world, a fresh and renewed artistic, free of all treaty obligations. The key to the artist producing a painting as an outbreak, which will emerge from a pure talent, an inner spontaneity, of a generic love of art ...

The sense of color, balance, the proper allocation of construction on the canvas seem to be a relationship to art very innate this painter. "What is conceived well is clearly stated and the words to say it come easily" (Boileau "poetic art") is a bit like what happens with Aldon Mireille, a painter ... Indeed, his ideas, his palette and his brush are expressed in a beautiful harmony, to give us moments of real happiness. Some of his works are painted alluring poetry, like his "Joie de vivre" (acrylic on canvas 50x60 cm). One would wish that more are not disturbed by the artist, as if they feared that his inspiration could fly and never come back to the spectators won before those bright colors, spontaneity graceful, well put on the canvas. .. The work of Mireille Aldon, has kept the truth of a very personal artistic expression, outside influences or trends. More than a painting that is needed is a painting that dares ... It goes beyond the horizons of conventional wisdom. Thus, "With spring" is there to prove that the painter was right to go further ... "Magic" (Oil on canvas 38x55cm), confirms that creativity is at the rendezvous, where shapes and colors to meet, know too overcome real content to go to the limits of abstraction. Aldon there knows how to find beauty to please the eye of the beholder. The result of the work is positive, we detail the finer points of pleasure buttons, carefully identified, revealing a plethora of lyrical tracks, or even a spell points, delicate patterns and finally the image, which will touch on our future unconscious ... The artist with his "Mother and Child" (acrylic on canvas 50x60cm) brings a vision emblematic, elegant, maternity, which is none the less poetic. The painter deploys aesthetics in this table, which includes here the modernity of the past decades in a speech today, post-Matisse. The style of Mireille Aldon in its fundamentals, also known closer, closer, patterns of decorative art, play the use of repeated motifs, shapes like petals, vegan, without falling into a logical revisiting the Art Nouveau or Art Deco. She combines her modern approach, some dynamic aspects of the flower world, the better to lead us towards a new perception of the poetic subject painted. The artist advance beyond the echoes of a new Pop Art or the dilemmas of representation. Aldon can integrate, in his paintings, the essential elements of taste and beauty, our cradle of European culture. It creates and presents us with a poetic imagination, both collective and belongs to him she sends, beyond any school or current. She was able to acquire a true originality. His painting "Ruby" (50x60 cm acrylic), Mireille shows us how Aldon, from 'aesthetic elements plurals, can construct a representation partly abstract and partly figurative. It is this synthesis that interests and challenges the viewer. The artist shows his work in an unusual approach, a strong stylistic intuition. The aesthetic quality it produces opens unexpected content. Mireille Aldon occupies a special place in the new full-competition expertise pictorial, with the advantage of a style remained distant from all types pre-formed or modeled. Simplification, imagination, clarity and sharpness of the act of painting on canvas to produce the representation of the idea is well-established cons of all academics, the artist opens his way His way is abounding ideas, talent, like his painting.

              Anthony Antolini, December 2009
  Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Painting exhibition by the arts today - Paintings by Mireille ALDON "- December 2009 / January 2010
Title: "An imaginative poetry, which speaks with shapes and colors"

Text © Anthony Antolini Directorate CRACP/EDMC- editorial CRACP 2009 - Mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

 

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Andree VERMOREL painter
A passion for Art and Symbolism "...


Message à Vénus de A. Vermorel

Message à Vénus de A. Vermorel

Entre Ciel et Terre

Entre Ciel et Terre

Fantasme, peinture de Vermorel

Fantasme, peinture de Vermorel

Chevaux de la Terre du peintre Vermorel

Chevaux de la Terre du peintre Vermorel

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Andree Vermorel, symbolist expression is deeply rooted in its interiority, as part of its essence as a painter ... Beyond the feelings, it is primarily the soaring toward another universalist she proposes through his painterly approach ... Tables full of spirituality, or aesthetics is a way to support the subliminal ... In a diverse figurative beacon's itinerary is always a residual intuition that leads the artist to illustrate with personal talent and imagination, the strangeness and mystery in myths and legends out of the ordinary ...

If for many years, the artist is paid both to landscape painting, as characters, this is undoubtedly an expression of exceeding the figurative into the realm of symbolism that has won the best favors.

More than an attraction to this current allegorical, it is a transcendence of the sensitivity of the painting that motivates. Does this mean that loyalty to the first image does not suit him? ... Not at all, but, specifically, is a form of artistry will speak through his reasons Symbolists. From "fantasies" to "Between Heaven and Earth", the "Horses of the Earth" until "Temple of Angkor, it is more a quest for absolute q'une fresco of imagistic journey Andree Vermorel that the viewer can find in the artist's intention. To get there, Andree has Vermorel first pass and understand all the phases, all states of the painter first, the doubts, works-repentance. D 'unfinished sketches the proofs, it is ultimately emerging from all this work that the Symbolist works have appeared and are to shine like pearls in the dense flow of his museum. Today these paintings are there for us that symbolism, certainly, but also to tell us and perhaps even more strongly, clearly, that is Andree Vermorel ...

A creature of sensibility and sweetness, which endorsed this universe of paint to make our world more beautiful ... What more natural, therefore, that it could at some point cross the boundaries of time and place for us to see the existing spiritualities that bathe our art history.
A follower of Gustave Moreau, Odile Redon, his pictorial universe is true elsewhere in the world of the mind. Fantastic rides in the halos timeless in his works, his diaphanous colors, its winged creatures, both princesses and goddesses, relive the atmosphere of the modern mythologies.

Let us make no mistake, the artist is in the contemporary, the news of his age, his decade ... His "Message to Venus" project during the Gulf War, wanted to denounce the war by his wounded dove sent to Venus, the destruction of the planet, the biosphere, the technology race, occupation of space by satellites, one of which is also painted on the top left of the work below the planet Venus ... She asks us seriously, for his oil on canvas, mastering the techniques of his art, after having followed the steps of learning as they should patiently to arrive today to give us a result of mature paintings, also in terms of style than professional. The painter knows soften the sensuality of oil colors, to mitigate the intensity for us to float in a soft palette, pastel, or otherwise darken, give depth to his palette, to serve his pacifist message and humanistic

Andree Vermorel, marks a discreet presence of Symbolism, as a language of his intuitions, response to an expectation of the viewer, but as much need for art. This is not to lose sight of in the evolution and progress of our contemporary essentials which constitute its soul. This is also the message of Andree Vermorel ...

Anthony Antolini, November 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Painting exhibition by the arts today - Andree Vermorel, Love and tradition of Symbolism "- Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in November 2009

Title "Andree Vermorel, love of art and symbolism. © Text & Photo, Anthony Antolini CRACP / EDMC / Editorial Director - Centre for Art and Heritage Conservation - 2009 / E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98  -  Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

All rights reserved on all written materials, audio-visual and Internet © museums and culture Editions EDMC 2009

 

 

 

Catherine GARNIER, sculpteur,
"Une scénographie statuaire issue de l'univers de la danse"...


UNION 2008

UNION 2008

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

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Catherine Garnier travaille aujourd'hui le mouvement en sculpture. Elle construit la logique d'une occupation spécifique des corps dans l'espace. Positions, enlacements, elle étudie l'interface esthétique qui peut se dégager de la frontière infime qui sépare l' immobilité du mouvement. Elle en a entrepris l'expression de leur symbiose au travers de ses œuvres "Mouvements 2009".

Duo de corps.

Postures en dualités, bi-nomes, le couple, objet et sujet d'une dialectique visuelle, narrative, allégorique... La particularité de ses modèles, ses personnages, nous emmènent dans un univers où les plastiques du corporel, en dualités et situations plurielles, ouvrent une nouvelle imagerie... L'artiste a connu une période de sculpture avant 2009. Sculptures de couples entrelacés intitulés "Unions" . Avant de travailler le mouvement Catherine Garnier à élaboré ces sculptures ou l'immobilité des positions dans l'espace proposaient un questionnement en termes de message. Ainsi dans sa statuaire intitulée "Union 2008" apparaissent au travers des entrelacements des corps, l'inclusion de chaînes, comme artefact externe qui empêche le mouvement. Clarifiant ici l'immobilisme avec une causalité définie. Allégories avec ses "Unions", du non-mouvement dû à tous les impossibles, mais aussi toutes les suppositions de l'enchaînement, moral, depuis celui du mal d'être individuel jusquà celui plus sociétal.

A partir de 2009 - année d'évolution dans le travail de l'artiste - c'est l'abandon de la chaîne allégorique qu'elle associait à ses sculptures. La nouvelle période de sculpture actuelle de l'artiste marque un travail sur le mouvement. Elle élabore une nouvelle vision possible du mouvement dans le dualisme du regroupé, avec le jeux de positions entre deux corps enlacés, à la fois entre statique et mobilité. Il apparait avec pertinence une innovation expérimentale et conceptuelle au travers de ses œuvres intitulées "Mouvements". Catherine Garnier y explore les différents états du déplacement du corps. Corps arrêté, replié, regroupé, celui dans l'ambivalence d'une fixité ou figé d'apparence pour être mieux en dynamique interne, intérieure... Corps en cours, au ralenti ou en intention de pose... Le sculpteur recherche la lisibilité esthétique des éléments des corps en visuels dans l'espace, tout en donnant aux dos des danseurs, un rôle important dans le jeu des repliements corporels, comme ces postures de "Mouvements 2009". Garnier montre un autre sens à l'état du corps dans sa relation à l'immédiateté. Apportant ainsi à l'art statuaire un nouveau regard contemporain.

Les scénographies statuaires de Catherine Garnier.

On ressent la statique des corps capturer l'énergie pour conditionner un mouvement fait à la fois d'intériorité et d'occupation de l'espace... Pour l'artiste la danse, la sculpture, comme le mouvement ou le non-mouvement ne sont pas antinomiques. Le mouvement, peut devenir en danse, comme en sculpture, une énergie contenue pour mieux exprimer la dynamique. Aller plus loin que l'immédiateté du présent ou du geste. La notion de mouvement peut se ressentir, se dégager comme un écho, une mémoire de formes, un impact dans l'espace, à partir de corps immobiles. Les œuvres de l'artiste sont là pour le montrer, le faire ressentir au spectateur...
La caractéristique innovante de cette élaboration expérimentale de Garnier c'est, avant tout, d'avoir eu l'idée de transposer, transférer, dans la composition statuaire, la scénographie mouvante de la danse en donnant un sens à l'immobile... Son arrêt-sur-image reste totalement connecté à l'histoire du couple qui danse, on ne sait s'il s'est arrêté ou en continuation. Le moment immortalisé par Garnier reste autant moment de vie. Ses "Mouvements" expriment le lien avec d'autres volumétries de l'environnement scénique. Il y a une réflexion sur le ressenti de l'espace, de ces corps qui dansent. C'est une autre perception de la dimension esthétique du lieu et du mouvement.. Corps en duo qui repliés font groupe. A la fois dualité et unité dans l'espace. A la fois rythme et silence. Pas et pause. Interface de l'appréhension par l'humain d'une certaine cosmicité.

Catherine Garnier précise: " ...c'est l'expression du dépassement de l'enveloppe charnelle, d'où l'aspect nu de mes sujets, débarrassés de signes de société, ou d'appartenances sociales." L'artiste apprécie le style de danse Butô, leur aspect souvent dénudé, la relation au sol, à la terre, comme un retour à l'essence de l'être... La plasticienne questionne le spectacle de cette danse, de la danse, de l'introspection expressive, de l'extraversion esthétique, qui peuvent permettre de mieux vivre, se retrouver soi-même, face à sa propre histoire, face à la société au quotidien... C'est aussi cette fonction spécifique du spectacle de danse qu'intègre Garnier en sculpture. La spiritualité qui peut émaner de sa statuaire doit pouvoir aussi renvoyer le spectateur d'art à des valeurs essentielles. Les scénographies des "Mouvements" de Catherine Garnier tendent à induire, illustrer les propos de la danse, dans leur potentiel d' intemporalité. Garnier veut inclure dans sa recherche, la notion de spiritualité au sens large, la vie, la mort, mais aussi le sens de l'existence au quotidien. Le sculpteur produit un nouveau segment de recherche contemporaine, particulièrement intéressant, avec un contenu à la fois avant-gardiste et référent.

Antoine Antolini, Novembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Sculptures de C. GARNIER » NOVEMBRE 2009
Titre : « Catherine GARNIER, sculpteur : Une scénographie statuaire issue de l'univers de la danse ».© Texte & photos, Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle,CRACP 2009 - Mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Diffusion sur tout support écrit audio-visuel et internet DR © Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

 

Guy BOURGEON, painter, creative
formulation of abstraction, in connection with Nature.


Après l'orage

Après l'orage

Le passage

Le passage

Entre Ciel et Terre

Entre Ciel et Terre

Le spectre

Le spectre

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Guy BOURGEON proposes an abstraction very personal, artistic research, in conjunction with Nature. Abstract landscape painter, he is offered a job at once lyrical and poetic, spontaneous gesture.

Bourgeon likes to translate his feelings through the expression of forms and colors, the inspiration taken from the figurative world, to mix with abstraction. It involves us in his choice of themes in nature, he painted in all its majesty, its strength, its immensity. The artist can locate a vision and a logical reason, to raise public awareness of emerging imaging outstanding natural features. Bourgeon digs a groove box, in the context of contemporary art today ... The landscape is eternal, as the paint, so the painter develops original stylistic changes, to mingle more and pictorial expression to the canvas, densify its aesthetic potential, nurture an evolution. It then deploys new proposals, which can fit as many tables-research in contemporary painting in general. It refers to the viewer strong works in creative talent, exploring innovative ways. The painter does not arise nor limits, no boundaries in his conquest of another language.

This mythic grandeur and impressive nature painted, is found in its web referent "After the Storm" (92x73 cm hst). With "The Passage" oil on canvas (89x116cm hst.), is the message of the power and mystery of the mountain, multiform, insolent omnipresence. We will deliver the vision of a way ... A summit lost in the magic of an emulsion cloud with strange whiteness as the ultimate link between our physical world and beyond unknown ... Bourgeon, expresses his works in the intimate aspects of nature, hidden from sight daily. The spirituality that s' exhales born in the transcendence of the image of landscape in poetic bud directly expresses the power of abstraction. The artist has a technique proven he can do the work in the sense that it chooses, according to finalize his desires. He will lead canvas and finish his idea, without 's lost in the meanders of the subjacent oil painting.

His gestural and spontaneous interventions, reflect the sentiments of the abstract register. He loves this modality, increasing the intensity of his poetic sensibility, as to cause the real to the unreal. These lines and plots, or elements of dripping in his "Between Heaven and Earth" (100x81cm hst.). The painter develops a search here, to strengthen the "expressed" renew. It goes further than the first glance.

Guy Bourgeon has a real vision landscaping, with a dimension modernist distancing of intuition to take the figurative. His approaches reasons, his feelings of atmosphere in his world of painting, focusing on what, in Nature, may relate to the universal in pictorial terms. The Bourgeon brush makes the viewer aware of the ambivalence between abstract art and moments, particular states of nature. His painting becomes a mirror ambiguous landscapes in another language.
The painter with an aesthetics. He has successfully positioning of a grammar of signs on an impressionistic expression, originally closer to the meaning. This is to produce a unit of abstraction landscape, bridging between the existing meaning and interpretation. the painter Bourgeon plays with great ease of chiaroscuro, depth, tonal expressions, bright lights and sheer radiance of sfumati to launch who knows how to "hear" echoes of a great painting.

Anthony Antolini, September 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Memory of the arts today - Paintings by Guy Bourgeon"
Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in September 2009
Catalogue of the painter Guy Bourgeon - title "A formulation of creative abstraction in connection with Nature. . Anthony Antolini CRACP/EDMC- Text © Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009
E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Broadcast International, Internet, audio-visual media and any support

Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

© Editions museums and culture EDMC 2009

 

 

 

Michele WIEM, photographer, visual artist.
Vision landscaping, diverse and multifaceted researching aroud " X" sign everywhere ...


M.WIEM. Forespondances

M.WIEM. Forespondances

M.WIEM Elem. du triptyque Forespondances

M.WIEM Elem. du triptyque Forespondances

Installation Photo au Centre CRACP

Installation Photo au Centre CRACP

Etamine végétale

Etamine végétale

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The approach of Michele Wiem, appeals to the viewer in the direction of reflection, a questioning of modernity, the act of photography, the representation of the seen, the narrative that is involved in the spontaneous image, but also destiny, the presence of the sign in place.

To Wiem, the relationship at the moment, "reproduced" is made of artistic sensibility and discernment. Capturing a timely reality, for it is an excuse to redeploy a different meaning in repositioning the immediate vision in a range extrapolated, see its cultural depth and timelessness. His approach is built from a constant awareness of a "standby aesthetics," the world around him, in the context of Nature, the landscape, which is integrated and beckons in the form of X . This brought the artist to seek and achieve contact with the very essence of the landscape. His speech focused on the photographic evidence as a common denominator, explores the theme of Nature and X An analytical plans specific views that love the visual redeployed during synthesis facilities (diptychs, triptychs ...). The work outlined by Wiem, demonstrated its strength of commitment photographer-artist, his confrontations with all the co-effects, the co-existence, that contain the interfaces of the landscape, objects references closely related .

Michele Wiem proposes a new logic in the photograph, in which the image generated from the objective reality, will be in resonance, echo sign, suggestive of the interpretation. The artist search from the image, overshooting to other uses. The deep meaning of the landscape will become in-signed photo Wiem. It repositions the photographer as the mediator between the real and the bearer of a new link with the collective consciousness in hyphen Heritage "meaningful" in society. His vision of the fleeting moment, cleverly captured by the goal, we will bring the message content, both landscape and symbolism. It offers the understanding of other spiritualities, creating a dialectic of poetry and realism, overt signs and hidden meanings, materiality and romance, by merging all the contradictions in a visual language of art and non-signal hearsay. The sign in the landscape, for Wiem, is the language of landscape, expressing its essence in a cosmic and universal impact. The artist with his camera, will learn to write definitely for the public, in a split second, which never cease.

Photographer of the sign and Nature, is the artist Michele Wiem-Sentinel, the incidence and the index, which reconstructs for us, tirelessly, with its objective, the lost memory of society and nature, which resemble all hazards, and links ideographic secrets of the first languages.

The initial relationship or initiation, of Human Nature, is found in the work of Wiem. From "Forespondance" to "Point-of-cross" to "Challis plant" to "Fascinating horn-responder tag Wiem a new expression, represents a specific style. It endows the photograph of Nature and landscape, an innovative vocabulary. Photographer and visual correlations between the feelings, the seen and transmitted Wiem, reflecting the reality of the landscape, with its revived X, the mysterious sense, revealing beyond the myths and spirituality, all sacralizations societal, that Man has been projected in nature since the dawn of time.

The timeless Wiem X, X plural semantics infinite, X aesthetic, remains both subject and object of its investigations. It's a whole world that the eye, provided that the spirit of the artist, have been able, with a poetic depiction of the sign, in a supreme osmosis heart, sense and reason.

Anthony Antolini, September 2009
Centre for Research in Art and Heritage Conservation (CRACP)

Exhibition "Memory of the arts today - Installation, Photography Michele WIEM"
Exhibition Centre and Research - Toulon (Var) in September 2009
Catalog Michele WIEM photographer, visual artist - title "A Vision landscaping, diverse and multifaceted reserarching around " X " sign everywhere. Text © Anthony Antolini CRACP / EDMC -

Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009- E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - Note: This specialized text is translated with the assistance of language software. Thank you kindly corrected by itself any errors of meaning, grammar or vocabulary that may occur and that management apologizes to the reader. You can, if necessary, we report them by mail so that we rectify. Thanks.

 

© Editions museums and culture EDMC 2009

 

 

 

Monique PAGES, peintre,
Un impressionnisme lyrique, un univers fantastique, qui nous renvoient à nous-même


L'Arbre de vie

L'Arbre de vie

Oiseaux magiques

Oiseaux magiques

Le bonheur dans le pré

Le bonheur dans le pré

Plongée en Mer

Plongée en Mer

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L'œuvre de Monique Pages possède une charme envoûtant et positif, une intuition poétique, qui fascine, questionne le spectateur ....

Monique Pages peint avec un ressenti et une émotion qui se traduisent directement sur la toile par une vibration d'ensemble. Motifs et sujets nous entraînent aussitôt vers un ailleurs étrange, parfois romantique, qui nous dit tout "Le bonheur dans le pré"... Ses tableaux jouent avec la lumière , ses touches fortes et directes,une palette colorée et douce, nous appellent vers un imaginaire, qui dépasse l'instant sur la toile. L'artiste s'attache à aller plus loin que le visible immédiat, elle produit une peinture qui lui est très personnelle et qui dépasse les sensations premières. Son œuvre comme son "Arbre de vie" peut se lire, mieux se découvrir avec le temps qui passe, le recul du regard, la lumière différente qui viendra éclairer le tableau.. L'œuvre prendra une autre dimension, surtout avec les ressentis que chaque spectateur aura devant un tableau, d'une façon très intérieure. L'univers fabuleux qui se dégage des œuvres de Pages, est riche d'un imaginaire suggestif, au moment où la sensualité de la peinture à l'huile, l'épaisseur des touches, les jeux de couleurs, vont produire des formes évocatrices, des interprétations, pour ceux qui sauront y projeter leur sensibilité, qui se laisseront voguer au grès de leur propre passé, de leur vécu, de leur joies ou de leur peines....

Monique Pages propose un monde pictural original et instinctif, qu'elle a su créer, qui provient de sa spontanéité, de sa sincérité. Elle veut peindre en figuratif, avec son cœur, son âme au bout du pinceau, comme pour flirter avec un au-delà, coexister entre un réel et un irréel, comme entre surnaturel et histoire vraie... Son talent à atteint un paroxysme en lien avec les reflets intérieurs de chacun...

Son authenticité fait peindre l'artiste pour l'autre, comme pour offrir plaisir, bonheur et amour de l'art à celui qui sait regarder. Monique Pages laisse le champ libre au spectateur pour qu'il puisse s'approprier l'œuvre avec ses propres flashs, son imaginaire profond, voir son inconscient. L'artiste parfois renvoie le spectateur à sa propre enfance, à son passé, à ses doutes et à ses certitudes, au travers d'une peinture de sensibilité évocatrice et d'émerveillement. S'exprimant avec une plénitude intuitive, un langage dans le langage,elle permet d'autres sens à l'image première du tableau. C'est ce style qu'elle travaille depuis des années. Elle veut que le spectateur puisse s'évader en des directions plurielles d'images et de significations, que l'artiste glissera, laissera poindre dans son travail. Avec sa modalité technique d'application de la peinture à l'huile, son geste souple, contrôlé, en touches fines ou très épaisses, son colorisme en lien avec la Nature, elle sait que des évocations surprenantes, des effets exceptionnels vont se produire... Monique Pages saura alors nous guider dans les chemins secrets de sa poésie picturale, qui sont aussi les chemins secrets de nos cœurs.

Texte : Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Monique Pages » Toulon (var) Septembre 2009
Catalogue du peintre Monique Pages - titre «Un impressionnisme lyrique, un univers fantastique, qui nous renvoient à nous-même» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009
E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC

 

 

Sylviane D'ANTONI, peintre abstrait
Une conception esthétique et abstraite de la Nature dans son authenticité première


Ciel en feu

Ciel en feu

La montagne

La montagne

Ciel d'Orage

Ciel d'Orage

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L'abstraction de Sylviane D'Antoni, nous révèle le langage secret et l'intimité de la Nature, au travers d'un colorisme évocateur et de l'expression de ressentis intérieurs .

La palette rougeoyante de l'artiste vient nous dire la force et la puissance de la Nature, sa vérité. L'artiste maîtrise une abstraction, qui apporte une vision et un style intelligemment affirmés, un cadrage net et logique de la scénographie qu'elle interprète, au delà des figurations que lui envoie le réel. Seul un cheminement intérieur long et la conjuration de tous les accessoires peuvent élaguer et acérer le regard pictural à ce point. D'Antoni sait nous dire l'essentiel avec son pinceau. Ses toiles sont alors, à la fois témoignage et acte construit. Elle a su soumettre la vision de la Nature en révolte, pour l'amener lisible à notre regard de spectateur. Elle exprime avec précision ses propres sensations, toute l'émotion que peut procurer la Nature dans ses différents états de mouvements et d'impétuosité. Le peintre arrive à nous entraîner sans violence, mais avec détermination, de sfumatis en tons chauds, de lignes gestuelles en à-plats, de touches vives en tonalités plus sombres et élaborées, vers une confrontation directe face aux évènements les plus forts de la Nature.. Au cœur d'un "Volcan", en éruption, ou en plein milieu d'un "Ciel en feu"...

Une délicatesse de touches, de glacis, de clairs-obscurs, de nuances évanescentes, traitent sans détours les sujets les plus variés de la Nature. L'artiste ne se cantonne pas dans une palette rigide, au delà de l'exploration des rouges, qui seront bien adaptés pour tel type de sujets, D'Antoni aimera le jeu des colorismes en bleutés, de mauves, ou de violets, pour mieux rendre compte de l'espace, du motif. Ainsi elleva nous entrainer devant "La Montage", ou sous un "Ciel d'Orage", pour nous rappeler toujours néanmoins la force impérieuse des éléments. Elle le dira en termes de formes , de lumière, pour nous faire prendre surtout conscience de la dimension du grandiose de ce qui nous est donné de voir, si l'on sait comme elle, regarder...

D'Antoni,avec ses toiles permet au spectateur de s'imprégner de cette magnificence du paysage. Elle sait en choisir les aspects les plus spécifiques, les interpréter pour nos yeux en termes de ressentis, d'intériorité, avec cette extrême sensibilité, qui fait tout son talent de peintre. Son pinceau devient ce qu'est la plume de l'écrivain, le moyen de décrire le monde qui nous environne, avec des sentiments, une authenticité première en osmose avec le monde. Délicatesse et force, sont les caractéristique d'un style paysagiste et abstrait magistral, qui tend vers un langage supérieur , de la poétique à la spiritualité...

Texte: Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Sylviane D'Antoni » Toulon (var) 24 Aout- 19 Septembre2009 - Pôle d'Exposition du Centre de Recherche en Art
Catalogue du peintre Sylviane D'Antoni - titre «Une conception esthétique abstraite de la Nature dans son authenticité première» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009 E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

Cecile GELY, abstract painter
archetypal vision of form ...


Formes

Formes

Ventre

Ventre

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Cecile GELY evolves in the art with the ease and convenience of a natural talent. His works from its interior with all the ease of a speech released, just "make one" with the canvas. The artist shakes his creation of deep feelings, sensations, it filters all of a changing world, society, life ... His work has two main themes; one hand, that of the human form and summary drafted in motion and gestures; On the other hand, that of word-painting in which the distant past resurfaces faces, furnished with modern, present, future .... The painter has rediscovered the timeless level of expression of the "sign" of "meaning" of the "form", the "narrative".

I - The route of the form to the absolute.

Cecile GELY has chosen, through his painting of research, working around the human form of body movement. His paintings capture the more subtle borrows the visual, that can be left in a space in the environment. His work includes paintings that deal with the schematic design of the human body, forms fugitive in vertical markets. His movement style, mastered, book under the impact of most of the existing, with strength, energy, harmony ...

The artist proposes, in an abstract dimension, imaging of the living being totally innovative, elegant, physical evanescent forms, graphics and finely colored. The long, narrow canvases paints tightly fitting these bodies become mirages of signs, lines. The aesthetically built by extrapolation intuitions laid and fixed on the canvas.
C. Gely to create a grammar, writing, a Colorist, a spontaneity, which take us to a world of transcendence of body images of human forms.

II - paintings in which art and civilizations merge ...

A strong theme in blue and ocher, the enigma of man facing his destiny is expressed by ethereal portraits on the edge of the visible, or else messages made much more complex ..
Paintings that focused all his talent, real pieces of cultivation, universes. We thus find, in the course of GELY works more materialists, to larger areas, offering a speech abounding. These are stage sets of living, balanced, poetic, dense. A narrative of civilization deep mirror is there, under the eye of the beholder.
The style, the frontiers of formal clarity, wants to let the public an opportunity to project his own feelings with plurals. The artist leads us in turn to abstract impressionism, lyrical abstractions for us to revive its own way, an understanding of the origins of humanity, of civilization, man ...

In the timeless magic of his paintings, GELY confronts us with the same version, that may mean, mention, in the mists of time overlap and our more distant future ... Thus Roots in shades of white and original land, adorned with yellow sun calls us from the graphs parietal and prehistoric drawings, simultaneously, to humanoid forms of the most futuristic atmospheres ... The painting "Blue" in questioning us overseas tones, turquoise, almost cosmic about the logic of artistic proto-civilizations and our pictorial modes of expression today in contemporary art ... His painting "Belly" takes us back to our origins and our generic irrevocable predestination of mankind ....
Cecile GELY to understand how to express both in real time, a memory and a future ...

Text: Anthony Antolini, 2009
Research Center for Arts and Heritage Conservation CRACP

Exhibition "Memory of the arts today - Paintings of C. Gely "Toulon (Var) in August 2009
Catalogue of the painter Cecilia GELY - title "Vision archetypal form", subtitle "When research on the human form becomes timeless expression of civilization" Text © Anthony Antolini CRACP / EDMC
Editorial Department - Centre for Research in Art and Heritage Conservation - 2009
E - mail: centre.cracp @ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

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Marie-Josée BROTONS, artiste-peintre,
Quand imaginaire et réalité se rencontrent.


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La peinture de Marie-Josée Brotons nous emmène dans un tourbillon de sensations multiples. Des propositions picturales harmonieuses, simples et bien construites autour d’un monde floral et végétal. Une nature, dans laquelle feuilles ou tiges sont prétexte à des dynamiques de traits, à un florilège de lignes, de couleurs déclinées, de courbes, d’ entrelacs, qui nous entraînent dans l’univers du peintre et nous subjuguent...
Usant avec talent de la sensualité que procure l’huile unie aux grains du papier d’art, Marie-José Brotons, à su se définir avec bonheur, face au choix infini des supports à peindre, face au choix pluriel des formats. Elle nous offre, dès lors, un travail abouti, dans lequel elle se consacre essentiellement à une recherche sur le contenu pictural. Elle a su faire parler pigments et liants dans leur force et leur douceur, au travers d’une impression d’ensemble suave et chaleureuse. Ses couleurs jouent dans des gammes de verts tendres ou plus aigus, de jaunes mats, de rouges, de mauvesou de violets. Brotons sait décliner, conjuguer les tonalités, pour procurer un tout sensible, plaisant, qui reste explicite ou bien va plus loin, vers des chemins abstraits... Ses tableaux sont chaque fois des univers qui vers un ailleurs...On s’y faufile, on y entre, on en sort différent...
Dans son style, à la technique maîtrisée, l’artiste veut dépasser les visions premières du réel. Elle utilise les couleurs, les clartés, les intensités, leur résonances, leurs complémentarités, mais aussi les formes, les lignes, fines, plus épaisses, pour créer un langage personnel qui s’adresse autant au regard qu’au ressenti du spectateur.
Marie-José Brotons au-delà de la poésie , du lyrisme, des allégories végétales, travaille à développer une tendance en abstraction. Son œuvre « Composition rouge » marque une étape importante dans son parcours. On peut y voir toute la distance que le peintre a su prendre avec la réalité florale, pour nourrir un nouveau discours, un nouvel essor...L’artiste a su s’approprier une dimension colorique personnelle et créer une grammaire évocatrice, faites d’émotions, parfois d’espaces vibrants ou de nuances tonales plus subtiles... Son geste artistique est mature et sait traduire son intériorité, son imaginaire...
L’itinéraire de Marie-Josée Brotons traverse la peinture, comme si elle-même traversait un jardin. D’une figuration de plus en plus libérée, elle est passée à une forme d’abstraction lyrique. L’artiste nous donne à voir un travail qualitatif, dans lequel, chose rare, gestualité et abstraction laissent se dégager une atmosphère intîme et feutrée... Elle apporte au regard du public des peintures en compositions d’abstraction lyrique, fortes, veloutées et poétiques...

Antoine Antolini , Exposition « Arts Actuels » EDMC Janvier 2009
Texte : « Quand imaginaire et réalité se rencontrent: la peinture de Marie-Josée Brotons » Antoine Antolini (EDMC) - Catalogue du peintre Marie-Josée Brotons

 

 

Sally REBIERE, peintre, Toulouse
Lorsque la poésie devient peinture...


Basilique, 60x50, huile sur toile, pinceau.

Basilique, 60x50, huile sur toile, pinceau.

Les barques, 60x50, huile sur toile, pinceau+couteau.

Les barques, 60x50, huile sur toile, pinceau+couteau.

Passion, 65x54, huile sur toile, pinceau.

Passion, 65x54, huile sur toile, pinceau.

Paysage embrasé, 33x22, huile sur toile, pinceau.

Paysage embrasé, 33x22, huile sur toile, pinceau.

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Sally Rebière, dans sa logique de peinture de paysage, théoriques ou techniques des académismes traditionnels.
C’est avec un grand bonheur que le spectateur peut retrouver dans les tableaux de l’artiste, une harmonie, une sensibilité réciproque, qui devient « pontage », lien entre le peintre, le paysage et celui qui regarde. On ne peut admirer une œuvre paysagiste de Sally Rebière sans être aussitôt transporté, « transposé », dans une autre dimension d’esthétique. L’artiste a su ériger en stylistique, une élégance de lignes, un florilège de touches, une représentation de la Nature à la fois fragile et pleine de personnalité. Le résultat est produit par une délicatesse d’écriture qui surprends, révèle un univers pictural épuré, dans lequel chantent formes et couleurs ...
Avec des oeuvres telles « Passion », « le Mas », ou les « Barques »... c’est une grammaire maîtrisée qui s’impose, en termes d’expression originale et différente, pour peindre les paysages. Le motif : Vues de hameaux, arbres, la Nature, sont traités dans ce qui s’en exhale de doux et de fort à la fois. La vision que nous propose le peintre, c’est parfois, de juste poser quelques éléments, en une architecture d’ensemble légère. Par des lignes simplifiées, on peut lire, approfondir, sentir l’atmosphère des lieux par le foisonnement de touches méticuleuses.
Le colorisme paysager de Sally Rebière, lumineux, parfois translucide, est essentiel dans son style.
L’artiste a su prendre ses distances d’avec les conventions strictement figuratives, elle nous montre cette beauté de la Nature, qui se cache derrière les apparences évidentes d’un premier regard. Les bleus sont poussés en luminosité, de même que les roses, les turquoises, les jaunes ou les oranges.. C’est une palette qui sait faire jaillir le ton pastel dans sa plus belle puissance. L ’artiste a le talent d’entraîner le spectateur dans son monde... « semi-réel » ou « semi-irréel » ?... pour faire douter, redouter, en tous cas, toute idée préconçue du visuel. En démontrant à travers ses toiles, son jeu de pinceau, son geste artistique, qu’il peut exister un autre état de conscience du voir, du vrai, du beau, de l’authentique.. L’artiste nous offre ainsi un langage émouvant : le sien, celui d’un peintre-poéte.
De la quiétude qui ressort du « Hameau provençal », de « la Basilique », ou encore de sa toile « le Moulin », jusqu’à la force tonale de « Paysage embrasé », apparaît une synthèse de ses différentes intentions d’ambiances... Avec son œuvre paysagiste récente Sally Rebière s’affirme, comme une artiste-peintre qui a su lever le voile sur une autre approche paysagiste.
Une façon de peindre, sans convention, moderne, qui ranime, égaie, rafraîchit d’un souffle de jeunesse, les nouveaux tous-derniers postulats du « contemporain »... C’est dire combien, au-delà de toute formulation de ressemblances, la peinture de Sally Rebière a échappé à la peinture dite « japonisante », ou même « naïve » ,ou bien encore « fauve », pour nous proposer son propre écho intérieur en un acte pictural neuf.

Texte du Catalogue du peintre Sally Rebière © 2009 Editions EDMC
© Texte: Antoine Antolini Direction rédactionnelle des Editions des musées et de la culture- Association L. 1901 pour la promotion et le développement de la muséologie et des arts.

 

 

 

 

 

 

 

CENTER FOR RESEARCH IN ART AND HERITAGE CONSERVATION
CENTRE CRACP-EUROPE
Anthony Antolini - Editorial Director - Research Contemporary
EDITION OMMUNICATION


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Lien / BIBLIOTHEQUE NATIONALE DE FRANCE

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Fins of the Encouragement Public Vermeil - Médaillle Honorary Lay Education.
Member of the Society of Authors in the Graphic and Plastic Arts (ADAGP, Paris), Director of Laboratory of qualified research in art and heritage.

Author. Antolini's approach in contemporary art is above all that of a sociologist, a philosopher, a teacher of the arts who meet, combine, appear in an artist-researcher in the field of abstract. He believes that contemporary painting can also bring a form of basic research in the sphere of non-verbal communication. After studying sociology and psychoanalysis, among other disciplines, he focused attention on the concepts of shapes and colors (gestalt theory) and their level interface of the collective unconscious (Jungian school). After several years of interdisciplinary scientific research on the intrinsic character of shapes and colors as a * media, it directs its high-level working towards the abstract. It marks the discipline by a vision and archaeological anthology of abstraction. Its main areas are common denominators-linearity and the sign. It creates a theory on a "linear", which would underpin © abstract art, both in the field of his break with the figurative * 2, but at the same time in its production. It also deals with writing in the paint as a sign. At the level of abstraction, it boasts a revival of abstract landscape, he was able to advance through various works, texts, conferences, and initiated a wave of "urban abstract landscape" ©. It strives to promote and recognize the "linear" in the art. It covers originally abstraction by ridding the partitioning of the poetic and geometry in a new affirmation and the search for an archetypal pictorial. Its innovative approach seeks deep, far and timeless, with a constant clarification towards critics and a wider public. Furthermore, it has developed a new method in the abstract painting, or "abstraction break (s) Space (s)" ©, defined "as a realization of abstract composition split into subdivisions of different spaces in the same theme" and treated pictorially, so autonomous, or "intersubjective" ... shall be a methodological approach and specifically based abstraction ...* 3.
His research seeks to supply answers to questions often buried deep within the collective unconscious, in close connection with basic research in art. In his art and society must evolve in harmony; Socially, he participates in international associations for peace and economic development, for cultural education, and has committed to preserving the planet, nature protection and wildlife, prevention against Drug Abuse and AIDS. He has conducted research on urban aesthetics applied to the sociological dimension .* 4 - He has developed and taught conducted public education programs specializing in various national and European fields of vocational and continuing training, among others, as National Center for Public Service Region. It also works for the social development of culture and publishing pamphlets on art, social sciences and humanities. Author of several writings and reflections on modern art, which focuses both on painting than sculpture, but also on the aesthetics of the city and the environment. It is, moreover, with competence in both theoretical and practical, contemporary designer, it taught in art school and moves in the field of basic research and experimental science for the advancement of arts museology and heritage conservation. On the positive side, various organizations of symposia, meetings of art exhibitions public and private social numerous honors, among other writings and lectures, some forty radio programs on contemporary art, interviews (Radio diocesan Var, RTL ...), as chief guest on modern art. Creation activities, structures, social, cultural centers, art, punctuate constructive plan of European and international art. It has been recognized by the Council of Europe for its action in favor of Europe. Recently his creation of "European Symposium, styles and trends on the Riviera Côte d'Azur" facilitate the readability of the art in the Southern European Arc in context of northern Europe, the United States, the Africa or Asia ... Anthony Antolini is particularly interested in his teachings and writings on art and ancient civilizations in the vanguard of contemporary art in interdisciplinary research in the fields of fine arts, linguistics, Beauty and sociology. He has conducted conferences in China to increase awareness and explain the European contemporary art and innovative aesthetic approaches in the West. Some of his writings:

PUBLICATIONS
1 - Research Work: Study on "artistic configurations" and their relations with the public imagination (collective unconscious, archetypes and meaningful shapes and colors ...) 1996-97 - Urban Art deco - Aesthetics and Functionality -
2 - Publication "The Domes-spaces and their concepts - The original urban facilities", "The concept of Urbaports" 1995 - Antolini - Study on the Urban Design - Large Format - 41 pages - © Urban Design and Theories - EDMC - 1995 Legal Deposit - Bibliothèque Nationale de France, Paris - and ADAGP, Paris - (this study has been the subject of a memorandum of Arts Degree in Applied Arts and "Urban Beauty").
3 - Publication of "The Linear - Principles and Foundations - A new concept in modern art painting" 1998 - Study Summary of Research Works © Editions EDMC - 1998 Legal Deposit - Bibliothèque nationale de France, Paris -
4 - Publication "The Abstract Art - Concepts for a development of theories of abstraction" 1999 Legal Deposit 2nd Ed EDMC Trim. 1999 - National Library of France, Paris - New Edition 1st Trim. 2000 -
5 - Publication - "From the Aesthetics Applied Systems' - 2000 - current museum of art
Studies and Research in Contemporary Art - Legal Deposit Paris - 2000 -
6 - Publication - "Theory artométrique - 2000 - Research articles in contemporary art and aesthetics of art (30 pages) Visual perception and artwork-Legal Deposit Paris, December 2000.
7 - Publication - "The Archaeology of Aesthetics" (below "Significant Art") 2001 - Editions EDMC - 2001 Legal Deposit - Bibliothèque Nationale de France, held under the Heritage Fund of the Art Library and Archaeology (Paris) -
8 - "Aesthetic Concepts for a marine and maritime research work (under publication)




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Elements concerning the work of artists to present text, for museums, art experts, auctioneers, collectors, art lovers contemporaries, journalists and documentalises, but also art students ... If one wants to address a museum of the work of artists presented above allow the texts to better understand their theoretical and pictorial universe, in order to appreciate the essence and scope in terms of contemporary art today. This presentation is useful to approach a good museum of the work of artists. The elements analyzed in the texts are likely to change depending on the route of the artist in time.


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