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Biographies d'artistes ▼


Marie-Solange RAYMOND
■ Une artiste qui témoigne dans son œuvre d'une évolution de l'abstraction à notre époque.


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Son esthétique picturale contient les expressions les plus avant-gardistes au plan international de ce que peut être la spiritualité, dans l'art contemporain d'aujourd'hui.

                                                                                                                                               Texte par Antoine Antolini

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- Introduction -

                           La démarche artistique abstraite de Marie-Solange Raymond présente de nombreux aspects novateurs dans le contexte de l'art contemporain de cette dernière décennie. Sa peinture représente en France et en Europe, les nouvelles tendances de l'esthétique abstraite de notre début de XXIème. L'art contemporain, au fil de la seconde partie du siècle écoulé, depuis les sixties, a vu progresser l'abstraction, du "pop art" jusqu'aux monochromes. Qu'il s'agisse de l' "Action painting" de Jackson Pollock ou des travaux Willem de Kooning aux USA, la recherche portait en abstrait, sur le déconditionnement du peintre devant la toile; une quête inlassable vers l'essentiel immatériel du geste. L'écho d'un art informel fit réponse en Europe, avec la gestualité abstraite et lyrique de Georges Mathieu, les recherches du Tachisme de Jean Fautrier à Hans Hartung. Une mouvances d'un "expressionnisme abstrait", euro-américain, se voulant universel voyait le jour. Depuis Mark Rothko, (1903-1970), qui voulu traiter en son temps la spiritualité par ses monochromes, dans une approche mystique, aujourd'hui les choses ont bien évolué. La mondialisation, l'écologie, le retour à la Nature, ont ouvert une nouvelle ère de réflexion sur l'individu. La conscience de soi, de nouveaux entendements, de tous horizons, de tous continents, sur l'Homme et sa spiritualité. Mode ou phénomène de société, les générations futures le diront. L'art comme à chaque période d'évolution des sociétés vibre, palpite et reflète le monde, son environnement sociétal. Marie-Solange Raymond, en regard de tous les nouveaux parcours des générations actuelles sur les divers continents, à su faire progresser à son tour son propre domaine de peintre, celui de l'abstraction. Elle à su y insuffler le sens de son époque. Grâce à son œuvre, on comprend de nouvelles significations fondamentales de l'art abstrait, d'autres fonctionnalités inédites. Un art actualisé de notre début de XXI ème siècle. Son œuvre vient traduire des investigations picturales novatrices. Son style et sa démarche artistique émergent clairement, dans ces territoires hors-limites, où se juxtaposent à travers le monde, les genèses d'un nouvel art abstrait.

 

1 - Les "mondes abstraits" de Marie-Solange Raymond


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La peintre Marie-Solange Raymond, en provenance d'un monde des sciences, dans lequel l'humain est central, donne un contenu à l'art abstrait en phasage absolu avec son temps, sa peinture résonne des visions neuves de sa génération. La présence de l'artiste apparaît nettement par un talent très différent, dans le continuum de l'histoire de l'art contemporain vivant. Une peintre que l'on doit accueillir comme peintre-sentinelle de son temps, révélatrice et catalyseur, à la fois d'un nouveau genre pictural. Son œuvre est une tête-de-pont avancée dans l'art international, transcriptrice d'une autre conscience du peindre. C'est ainsi qu'elle actualise l'abstraction de son époque et se pose aujourd'hui par la qualité et la persévérance de son travail en leadership des nouvelles mouvances internationales actuelles, incarnant une "abstraction subtile du sensible", "métaphysique" mais aussi "métapsychique". Ses conceptions font avancer l'art abstrait, la peinture, son approche esthétique apporte une pierre supplémentaire à l'édification de l'art, au cœur de l'actualité de sa génération. Marie-Solange Raymond maîtrise la perception et la capture d'autres émotions, encore plus fines, plus subtiles, plus élevées. Ses peintures abstraites sont en dialectique avec l'énergie, avec les champs sensoriels qui peuvent nous entourer sans que nous puissions les voir. L'énergie est aussi partie intégrante dans la création même son œuvre, du "Ki" japonais au "Chi" chinois, Marie-Solange Raymond propose son impulsion intuitive pour nous apporter sa propre vision du peindre "in abstracto". Tel Léonard de Vinci, peintre, scientifique et savant universel, qui avait compris, lui en tant que figuratif, que la peinture était un art mais aussi un procédé, un outil technique de reproduction du réel (avant la photographie), Marie-Solange Raymond, dans le prolongement et la complétude de l’œuvre du Maître à compris, quant à elle, en tant qu'abstraite, que la peinture est bien cet outil de la représentation du monde, de la vie, du réel certes, mais aussi encore de l'expression de l'esprit voire d'une capacité descriptive transcendantale. Dès lors, son oeuvre évolue dans l'immatériel, à la recherche de ces représentations positives sur ses toiles de ce qui nous échappe, de ce que l'Homme n'a pas encore su comprendre, mais a pu capter.

 

L'artiste Marie-Solange Raymond, se situe ainsi en pointe d'une recherche esthétique, avec la rigueur d'une scientifique et l'intelligence du cœur. C'est bien cela qui lui fait choisir l'art pour s'exprimer, pour traduire par la peinture, les autres, leur intériorité, tout ce qui peut leur être inconnu d'eux-mêmes, de leur conscience. Ses toiles sont des espaces de voyages, hors du temps, sans échelles, dans lesquelles apparaissent des mondes emplis d'émotions, naissants sous les artefact guidés par le hasard, l’écho, les coïncidences invisibles, dont la main de l'artiste est devenu le relais quasi-médiumnique. Ainsi c'est l'évolution de tendances conceptuelles avérées de ce début de siècles qui ont pénétré et sont l'abstraction de cette artiste. Par rapport à l'existant contemporain artistique international, l'abstraction de Mari-Solange Raymond renouvelle les approches, est une synthèse dans d'autres acceptions contemporaines, pour de nouveaux abords dans l'acte du peindre.

 

2 - Les visages, portraits d'ailleurs, les "morphographies" de Marie-Solange Raymond


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Marie-Solange Raymond réussit à exprimer par l'abstrait des nuances impercéptibles, telles ces émanations diffuses, colorées, qui flottent à l'intérieur et autour de ses "portraits abstraits". Marie-Solange Raymond, peint des visages comme des paysages abstraits, en un impressionnisme de l'ultime. Au-delà des "anthropométries" du peintre Yves Klein, ou des visages tourmentés de l' expressionnisme psychologique d'un Francis Bacon, Marie-Solange Raymond, avec sa peinture de visages, véritables "anthropomorphies picturales cinétiques", va encore plus loin, entre l'expression d'une essence et d' auras, aux caractéristiques picturales bien posées. Ses visages mystérieux et rares, dégagent un cinétisme morphique et projectif, qui fonctionne sous le regard du spectateur. Ses visages polysémiques énoncent une conscience subjacente, produisent leur image holographique, intersubjective, entre projection de l'intériorité du spectateur et cette image furtive à la fois réelle et irréelle d'un de ses "visages-portraits". Plus qu'une perception par son inconscient le spectateur aborde ainsi des œuvres étranges qui appartiennent à la fois aux deux mondes, en ambivalence entre celui des vivants et d'une représentation de l'au-delà. Avec ses peintures-portraits d'ailleurs, aux cinétismes morphiques Marie-Solange Raymond nous donne à voir de véritable "morphographies" de l'humain.

 

3  - Les "Instants d'âmes" de Marie-Solange Raymond


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Avec ses "Instantanés d'âmes" La peintre Marie-Solange Raymond met en symbiose  par ses couleurs diaphanes, vives ou plus douces une peinture qui arrive à évoquer à la fois une image dynamique de vie et de ressenti immatériel, d'un homme et d'une âme, d'un corps et d'un esprit, d'un cœur et d'un souffle. Marie-Solange Raymond met cela en peinture, tel Mozart ou Bach, ou encore Beethoven, auraient mis une idée du divin en musique. La peintre a créé des toiles qui portent une représentation abstraite de la spiritualité humaine, qu'elle sait poser en couleur, qu'elle "fixe" sur le support de sa toile devenu réceptacle d'un ailleurs: l'ailleurs de l'autre. (Série d’œuvres "Instantanés d'âmes").

 

- Conclusion - L'oeuvre de Marie-Solange Raymond reste avant tout guidée par la recherche du Beau, sa toile doit en être d'abord une expression aboutie. C'est le critère qui justifie le moment où elle considèrera que son tableau est achevé. Pour elle, le  "Beau", tout comme "l'Amour", sont des valeurs essentielles de l'être, qui lui en sont indissociables; universelles et intemporelles. Au cœur de l'évolution de son temps, en prise directe avec son époque, l'artiste Marie-Solange Raymond crée avec ses toiles une nouvelle grammaire de sens et de signes, au-delà de tous les acquis culturels de l'abstraction connus jusque là. L'artiste propose une peinture novatrice, audacieuse, qui introduit de nouvelles notions picturales et de nouveaux entendements conceptuels dans les sphères plasticiennes de l'Esthétique.

Toujours recherché depuis Kandinsky et si rarement atteint, Marie-Solange Raymond, a su trouver sur la toile ce fameux "spirituel dans l'art". Une peintre qui a non seulement du talent, mais aussi qui révèle un véritable don artistique, qui la placent aux premiers rangs de l'innovation contemporaine en matière d'art abstrait.

 

                                                                                                       © Texte Antoine Antolini, Editions EDMC, Mai 2016

 

"Marie-Solange RAYMOND, une artiste qui témoigne dans son œuvre

d'une évolution de l'abstraction à notre époque."

    © Peintures Marie-Solange Raymond (Tous droits réservés) - Texte et reportage, Antoine Antolini – MAI 2016

© Editions des musées et de la culture EDMC 2016

 Seul le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel, sous réserve d'en citer le titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

(Copyright International Convention OMPI-GENEVE) 

 

 


Editions EDMC Communiqué de Presse. Chine. Présentation du style abstrait de la peintre contemporaine française Marie-Solange RAYMOND, sa conférence en Chine a été un succès.


La peintre abstraite Marie-Solange Raymond en Chine, ici à Pékin.

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond en Chine, ici à Pékin.

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond à Pekin

La peintre abstraite Marie-Solange Raymond à Pekin

Chine - Université de Technologie de  l'Hebei -

Chine - Université de Technologie de l'Hebei -

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la peintre abstraite Marie-Solange RAYMOND durant son interview à Pékin

la peintre abstraite Marie-Solange RAYMOND durant son interview à Pékin

Collection des

Collection des "Mondes Abstraits"

Collection les

Collection les "Morphographies"

Collection

Collection "Instants d'Ames"

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Editions EDMC - Communiqué de Presse.
Chine. Art international. Présentation du style abstrait de la peintre contemporaine française Marie-Solange RAYMOND, sa conférence en Chine a été un succès. Mai 2016. Chine. Art international. Présentations du style d'artistes français en Chine. Dans le cadre des conférences en Chine, effectuées par des Editions des musées de la culture (EDMC-Europe), organisées par Antoine Antolini pour la promotion internationale de la muséologie et de l'art contemporain, différents styles d'artistes préalablement sélectionnés en Europe et particulièrement en France pour 2016, ont été présentés en Chine, à l'Université de Technologie de l'Hebei (50.000 étudiants), située dans le nord du pays à proximité de Pékin (20 millions d'h.) aux abords de Tianjin (8 millions d'h.).Parmi les artistes issus de la sélection nationale française a été présentée dans le cadre des conférences des Editions EDMC-Europe, la peintre Marie-Solange RAYMOND, de style abstrait, laquelle a tenu une conférence pour expliquer de façon approfondie dans le cadre universitaire chinois, sa démarche artistique et son style pictural. La conférence de cette artiste sur sa peinture dans l'université chinoise, a eu lieu avec plusieurs de ses toiles parmi les plus représentatives présentées en appui de ses explications. Egalement des photographies de ses oeuvres ont été présentées. Sa présentation a été pleinement réussie. La peintre a répondu aux diverses questions posées par les étudiants sur les trois axes principaux apparaissant dans son oeuvre, à savoir les "Mondes Abstraits", les "Morphographies" et les "Instantanés d'âmes". L'esthétique novatrice de Marie-Solange RAYMOND, la qualité de sa recherche picturale originale, tendue vers la recherche de la Beauté dans l'art, ont suscité un réel intérêt, précisément auprès des étudiants qui suivent les enseignements en langue et culture françaises au sein de cette importante Université chinoise. Ceux-ci ont unanimement apprécié son style très actuel, sa technique de réalisation de l'oeuvre d'art, et un talent avant-gardiste, bien inscrit sur l'international. L'Université de Technologie de l'Hebei compte parmi les plus renommées en Chine, se situant en pointe sur différents enseignements et diplômes, d'économie, de management, de savoirs éminents quant aux nouvelles technologies. Ce haut-lieu universitaire chinois a voulu honorer les Editions EDMC-Europe, tout comme les artistes présents sur place, en leur remettant la Médaille d'honneur commémorative du Centenaire de cette Université, dont a été attributaire la peintre Marie-Solange RAYMOND. Les Editions EDMC-Europe, tiennent à féliciter l'artiste pour sa conférence, qui contribue à faire rayonner l'art européen, participant aux progrès et à l'évolution de l'abstraction. Un temps fort culturel et artistique international qui permet une meilleure connaissance en Chine, de styles hautement maîtrisés de peintres contemporains français novateurs. Un reportage est actuellement en cours sur cette actualité internationale des arts en Chine, qui sera diffusé prochainement, par vidéos, via les chaînes internet et médias numériques, afin de permettre aux publics européens de mieux connaitre à leur tour, les démarches artistiques de ces "peintres d'excellence", telle Marie-Solange RAYMOND, dont le talent a été très apprécié parmi les jeunes générations chinoises actuelles. (Communiqué EDMC 09/06/2016) Editions EDMC (textes et photos du communiqué de prese libres de droits pour presse et médias)



Biographies d'artistes ▼

■ Martine ANCIAUX, fondatrice de la photo-peinture a donné un nouveau statut aux relations entre photo numérique et peinture contemporaine; Consacrant sa vie à présent à mieux faire reconnaitre ce nouvel art


Martine ANCIAUX. Fondatrice de la photo-peinture, les succès ou les plus grand prix obtenus ne la distraient pas de son incessante innovation.

Martine ANCIAUX. Fondatrice de la photo-peinture, les succès ou les plus grand prix obtenus ne la distraient pas de son incessante innovation.

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La "Ville Etendard" Photo-peinture de Martine Anciaux . Le paysagisme urbain a fait partie depuis ses débuts de ses principaux axes de style.

Avec

Avec "Universal Signe" Martine Anciaux nous montre sa maitrise inégalée de l'ambiguité de l'image, qu'elle désarticule pour nous entrainer dans la re-création d'une nouvelle esthétique inédite.

"Dans la tempête" de Martine Anciaux, ici une photo-peinture de marine, qui nous propose un impressionnisme abstrait revisité avec les outils du numérique

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Avec ce

Avec ce "Pendentif" Martine ANCIAUX souligne une des fonctions de l'art numérique qui peut être aussi parfois décoratif, joaillier, créateur de modèles.

"Le Vase" photo-peinture de Martine Anciaux, est emblématique de la translucidité que l'artiste peut produire autour de motifs extrapolés à partir de ses photos initiales

Martine ANCIAUX cette photo-peintre a fait passer son message européen d'innovation aux USA où sa vidéo a été number-one sur le web, sur du thème de la nouvelle photographie, pendant plusieurs mois.

Martine ANCIAUX cette photo-peintre a fait passer son message européen d'innovation aux USA où sa vidéo a été number-one sur le web, sur du thème de la nouvelle photographie, pendant plusieurs mois.

Le travail sur le volume est un challenge pour les artistes numériques, ici sa photo-peinture lui permet un exercice en rotondité inégalable, dont elle garde le secret

Le travail sur le volume est un challenge pour les artistes numériques, ici sa photo-peinture lui permet un exercice en rotondité inégalable, dont elle garde le secret

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Martine ANCIAUX, photo-peintre du numérique, elle traverse le progrès actuel des arts visuels avec la satisfaction d'avoir posé depuis longtemps des jalons essentiels dans ce domaine.

Martine ANCIAUX, photo-peintre du numérique, elle traverse le progrès actuel des arts visuels avec la satisfaction d'avoir posé depuis longtemps des jalons essentiels dans ce domaine.

"Compréhension" de Martine Anciaux, une de ses oeuvres emblématique majeure, par laquelle l'artiste relie deux univers, le figuratif et l'abstrait.

Avec son oeuvre

Avec son oeuvre "Signe", Martine Anciaux nous démontre comment l'art visuel peut être instantané dans l'expression d'une sémiotique multiple, hors de toute signifcation directive.

"Travelling" photo-peinture de Martine Anciaux témoigne de l'aboutissement ultime de la technique graphique colorée, on y ressent comment celle-ci sera une nouvelle esthétique du XXI ème siècle.

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Martine Anciaux, la photo-peinture pour faire progresser l'art contemporain. Martine Anciaux depuis de nombreuses années à compris l'importance qu'allait revêtir de plus en plus l'art numérique dans notre vie quotidienne, dans la culture, dans l'ensemble de l'art contemporain, y compris internationalement. Parmi les premières générations et les pionniers qui ont commencé a utiliser l'informatique et les logiciels dans la photographie, Martine Anciaux, a su, à force de recherches produire et définir le phénomène d'une esthétique particulière dans nos sociétés. Elle a fondé la photo-peinture, définissant de nouveaux concepts autour du couplage, du croisement de la photographie et de la peinture au moyen de l'art numérique; Art numérique, art visuel comme nouveau territoire du monde peint.

 

Les vidéos de ses interviews passées sont abondamment diffusés sur internet et les chaînes du web. Aujourd'hui son travail de référence a atteint un stade d'aboutissement qui lui permet, au travers de son style, d'occuper une place prépondérante dans l'art numérique suscéptible de pouvoir servir de modèle pour les générations montantes et  futures. Il faut dire, que Martine Anciaux, a su promouvoir l'art numérique à travers le monde, du Japon aux USA, depuis des décennies et elle défend encore maintenant plus que jamais, cet art auxquel elle veut donner des lettres de noblesse. Cette artiste considère que si la peinture et l' hyperréalisme ont su dans les années 60, non seulement aux Etats-Unis, mais aussi en Europe et dans le monde, produire des tableaux figuratifs aussi fidèles à la réalité qu'une photographie, la photographie avec l'art numérique , peut en faire tout autant vis à vis de la peinture et en produire des œuvres très contemporaine. Aussi qualitative esthétiquement que des peintures. Ceci en modalités figuratives bien sûr, mais surtout aussi impressionnistes, abstraites, voire impressionniste-abstraite, en de véritables tableaux, grâce aux outils d'art du numérique disponibles. Avec Martine Anciaux ce sont des œuvres, des tableaux, assimilables et définissables en une nouvelle esthétique dite «photo-peinture», des « photo-peintures » comme autant de peintures contemporaines à part entière (au même titre que l'hyperréalisme pictural assimila en son temps la photo). Selon Martine Anciaux, les médias, les galeries, les musées devraient effectuer une plus grande prise de conscience de la grande valeur expressive de l'art numérique et en ce sens de la « photo-peinture », qui peut véhiculer, dans beaucoup de cas, la même intensité d'émotions et de ressentis, aussi bien chez l'artiste qui crée l’œuvre numérique, que chez le public qui la contemple. Comme pour des toiles contemporaines de peinture acrylique ou à l'huile, réalisées avec les pinceaux ou les spatules, Martine Anciaux, veut faire comprendre que les crayons et "pinceaux numériques", les logiciels, les gammes colorées numériques, permettent une palette et un assortiment d'outils au service de l'artiste numérique qui peut exprimer pleinement ses sensations, son intériorité avec autant de vérité que les moyens du peintre traditionnel. Pour la photo-peintre, les procédés nouveaux de l'art numérique, s'ils sont bien sûr innovant à notre époque dans l'esprit du public, ne le sont pas plus que l'était  l'impressionnisme ou le cubisme du début du siècle dernier. Les grammaires artistiques ont changé, les outils pour créer ces grammaires ont changés aussi. Pour Martine Anciaux, la nouveauté de ces moyens artistiques numériques permettent de très bien laisser passer dans l’œuvre, l'univers intérieur de l'artiste, ou sa sensibilité la plus profonde ; Ces outils laissent vibrer et s'émouvoir l'artiste devant les jeux de lumières, les effets et contrastes avec la même intensité que pouvaient ressentir en leur temps les impressionnistes... C'est ainsi que la « photo-peintre » voit les choses et nous le démontre avec bonheur dans ses œuvres, en allant du figuratif à l'abstrait, sur tous les registres des styles de la peinture traditionnelle, pour y fixer sa marque, son interprétation personnelle avec son style d'expression de photo-peinture. Son figuratif reste toujours plein d'émotion et d'utilité à la fois, elle est devenue maîtresse de nouvelles approches dans les registres d'un nouvel impressionnisme contemporain. On est convaincus et séduits, lorsqu'elle part de la réalité de la photographie qu'elle peut prendre à tout moment, où qu'elle soit, pour la propulser dans un monde étonnant, le sien, en une dynamique époustouflante d'impressionnisme abstrait numérique. Elle sait manier le numérique avec une sensibilité exceptionnelle. Touchant à l'image, avec savoir, délicatesse, justesse, pour traduire toutes les transcendances du réel visible. Tel avec la « Ville Etendard » ou « Dans la Tempête » qui nous démontrent son talent ; Ou encore passant faire une incursion dans l'abstraction avec «Compréhension» ou « Travelling »... Souvent elle aime avoir un poème contemporain très moderniste d'André Thomas en accompagnement de ses œuvres, comme une interface de connexion à d'autres talents novateurs de l'art. Martine Anciaux s'efforce ainsi depuis des années, dans ses expositions, lors de ses conférences, dans ses interviews ou dîners-débats, et encore à l'heure actuelle, plus que jamais, de gommer les frontières, les différences, entre photographie et peinture pour aller vers une nouvelle esthétique. Elle préconise ainsi un véritable changement conceptuel quant au statut de l’œuvre d'art numérique, pour qu'elle soit reconnue en tant que tableau à part entière, puisqu'il y a dans l’œuvre numérique toute cette légitimité d'une vraie démarche artistique. Cet «art» numérique, dans son déploiement, en infographie, publicité, dans sa présentation aux cimaises, en art monumental collectif, en tableau "numérique" en Europe, en "digital art" aux USA, ne doit pas être assigné, comme trop souvent cela se produit à une fonction décorative, ou à un exercice du technologique (même si le décoratif peut être compatible avec une vision culturelle forte). Selon l'artiste, il est de plus en plus nécessaire qu'il y ait plus de débouchés pour cette forme d'art dans les expositions, les galeries, dans le marché de l'art lui-même. Il s'agit pourtant d'un art numérique qui s'introduit partout, qui est partout, qui vit en osmose avec l'individu dans la société et qui paradoxalement, peut être de ce fait de coexistence, n'est pas vraiment « conscientisé ». Avec les « photo-peintures » définition sémantique des œuvres de Martine Anciaux, photo-peintre, c'est tout autant un nouveau concept ouvert de progrès utile, pour l'ensemble des artistes du numérique. Martine Anciaux veut les amener à réfléchir sur ce nouvel art et son devenir. Pour elle chaque artiste du numérique a un rôle à jouer pour une meilleure reconnaissance de cet art. Que ce soit en Europe, ou partout dans le monde. Martine Anciaux à consacré et consacre encore sa vie, avec abnégation et passion, à ce combat artistique de notre siècle. Ce sont en fait des artistes tels que Martine Anciaux, qui ont pu faire avancer l'esthétique à travers les diverses époques de l'histoire de l'art.

 

Antoine Antolini, Mai 2014

 

 

MARTINE ANCIAUX  ARTISTE  D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI »

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre « Martine Anciaux, la photo-peinture pour faire progresser l'art contemporain. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – MAI 2014

© Editions des musées et de la culture EDMC 2014

 

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■ La peintre C-CORIANDRE innove en conjuguant sophrologie et art contemporain. Son style pictural et le contenu de sa démarche esthétique font progresser l'art abstrait.


"Swing" peinture abstraite de C-CORIANDRE fait une synthèse esthétique de gestualité, mouvement et aspect matiériste

"Eboulement" peinture de C-CORIANDRE; Une expression allégorique en lien étroit avec la sensibilité profonde du spectateur

La peintre abstraite C-CORIANDRE au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, présente ses oeuvres et y est interviewée pour mieux faire connaitre sa peinture

La peintre abstraite C-CORIANDRE au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, présente ses oeuvres et y est interviewée pour mieux faire connaitre sa peinture

Avec son oeuvre

Avec son oeuvre "Rencontre entre l'Orient et l'Occident" C-CORIANDRE affirme un pontage allégorique entre continents et cultures, expression de sa peinture humaniste

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"Mentisme" de la peintre et sophrologue C-CORIANDRE, des images, des souvenirs, qui s'entrecroisent en un ressenti coloré, graphique

La peintre abstraite C-CORIANDRE obtient la Médaille Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2013 Elle a su transposer de nouvelles sciences humaines dans l'art pictural.

La peintre abstraite C-CORIANDRE obtient la Médaille Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2013 Elle a su transposer de nouvelles sciences humaines dans l'art pictural.

"Méditation profonde" peinture de C-CORIANDRE. L'artiste nous livre par son abstraction les clés et les codes de son monde intérieur.

"La Forêt Dévastée",dans cette peinture abstraite, la détresse de la Nature prend chez C-CORIANDRE un sens allégorique, évocateur

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La peintre C-CORIANDRE à son arrivée au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Une sélection méritée après un parcours atypique, de l'introspection à l'exposition.

La peintre C-CORIANDRE à son arrivée au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Une sélection méritée après un parcours atypique, de l'introspection à l'exposition.

"Vestige", peinture abstraite de C-CORIANDRE. Le passé est longtemps présent, se maintient malgré le temps comme autant de morceaux de mémoire

"Au milieu de nulle part, incognito". Oeuvre de la peintre abstraite C-CORIANDRE. Un titre qui atteint un paroxysme allégorique de l'éloignement, de l'effacement de l'individu

C-CORIANDRE, peintre et sophrologue, a su marier ces deux disciplines et produire des oeuvres artistiques exprimant une intériorité humaine des plus profondes

C-CORIANDRE, peintre et sophrologue, a su marier ces deux disciplines et produire des oeuvres artistiques exprimant une intériorité humaine des plus profondes

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La peintre C-Coriandre innove un pontage entre sophrologie et peinture contemporaine. Un véritable « lifting » pour « l'action painting » américain, comme pour la peinture gestuelle européenne des « sixties ». L'artiste démontre qu' il n'y a pas de voie ou d'énoncé uniques, pour faire progresser l'art abstrait. La peintre contemporaine C-Coriandre, est entrée en abstraction à sa façon, comme dans un parcours très logique de recherche et de créativité, ouvert sur les choses du cœur, de l'esprit, pour mettre en valeur les ressentis les plus profonds, qui bâtissent l'intériorité humaine. C-Coriandre ne s'est jamais posée la question du pourquoi de sa propension à la peinture contemporaine, elle a ce besoin, cet amour de l'art en elle. C'est bien ce qui la porte, pour créer toujours plus. Aussi, lorsque, peu a peu, elle a vu émerger de ses oeuvres autant de non-dits qui prenaient formes, autant d'évocations, qui tels des sommets d'icebergs, révélaient toute une immensité intérieure, elle a mis en pratique un nouveau langage pictural et visuel. Une nouveau moyen de communication non verbale est né sous ses doigts,avec l'abstraction, pour traduire son coeur certes, mais aussi pour mieux comprendre l'autre, la sensibilité des autres, leur réactions devant ses oeuvres, générant questionnement, échanges et convivialité.

 

L'énergie vitale est un élément important dans l'art pictural de C-Coriandre, c'est un sens du peindre pour elle, que de pouvoir faire émaner une force d'harmonie de ses créations plasticiennes, une puissance impactante, par le choix de coloris, des matières, la gestualité. Elle met en échos de signes et de sens, les évocations, les allégories, dans ce monde de l'abstrait qui est aussi celui de l'esprit. C-Coriandre peint, non seulement pour traduire son propre monde intérieur, mais en même temps, elle est à la recherche du monde intérieur de l'autre, des autres. Pour elle, tous ces mondes ne font qu'un, dans leurs différences, mais dans une même conscience collective. C'est juste la façon, les formes, pour exprimer, extérioriser, qui peuvent être différentes, variant d'un individu à l'autre, d'un peintre à l'autre, d'une société à l'autre, ou d'un continent à l'autre. Son oeuvre « Rencontre entre l'Orient et l'Occident » (acrylique sur toile) interprète cela. Dans le travail esthétique de l'artiste, le spectateur est aussi important que le sujet de l'oeuvre, le public a une place centrale. En fait pour C-Coriandre, toute la recherche de l'artiste aboutit finalement dans le regard du spectateur, donc tout va s'inscrire dans le cœur de celui qui regarde et qui va à son tour se projeter dans le tableau abstrait. Pour cette artiste, qui a fait le choix de titrer ses oeuvres, ce sont des messages forts, plus que de simples titres, qui vont être perçus par le public. Dès qu'elle met un titre, le cap est donné, la direction de lecture apparaît, mais avec C-Coriandre, le nom du tableau est toujours choisi avec beaucoup de subtilité, de nuance, de délicatesse, et avec cette belle amplitude pour ne pas fermer, ne pas restreindre la vision, ne pas limiter la capacité à comprendre d'autrui. Chacun doit pouvoir accéder à sa peinture, en lire les traces allusives. C-Coriandre a la grande particularité de bien nommer ses oeuvres, ce qui est essentiel. Elle sait donner des intitulés, qui poussent le spectateur vers des horizons nouveaux, inconnus. C'est le complément inédit de son talent pictural. Ainsi "Au milieu de nulle part, incognito" (encre 13x18cm). Ce titre témoigne bien du savoir d'évocation incomparable de la peintre. On en ressent la double perte de sens, celui géographique, de la référence au lieu, et celui de l'effacement de soi, de son image, de la référence à l'individu. Un tel titre à lui seul, est un acte artistique et poétique remarquable. La peintre C-Coriandre, par ailleurs, est diplômée en sophrologie et en relaxation par l'Académie de Psychothérapie et de Sophrologie de Paris. Ceci joue un rôle particulier dans son approche artistique. Dans son œuvre, des peintures telles "Méditation profonde" (aquarelle 24x32cm) ou "Mentisme" technique mixte, collages et acrylique, sont pour elles un prolongement naturel de sa formation qui s'exprime dans l'art abstrait. Dans les années soixante américaines, Jackson Pollock ou Willem de Kooning prônaient l' « action painting », en cherchant à donner au geste une pleine spontanéité, une sorte d'expression innée, en essayant de poser la couleur, le signe, plus vite que le sens. La vogue était sensiblement la même en Europe, où Georges Mathieu proposait une interface, plus culturelle, à sa magnifique gestualité, en créant avec son pinceau jaillissant des œuvres éblouissantes aux titrages précis, voire historiques. Si le concept de performance, fait toujours aujourd'hui le bonheur du public et des artistes abstraits notamment, C-Coriandre, quant à elle conçoit son geste dans une démarche qui lui est propre. C'est avec la pertinence des nouvelles connaissances dans le domaine de soi, des possibilités de contrôler, canaliser, ou laisser agir en « lacher-prise » ses implusions, ses sensations, qu'elle peint. La gestualité de C-Coriandre se positionne dans une modernité actuelle, tout d'abord avec un travail sur elle-même, de détente, de relaxation profonde, qui lui permet d'atteindre par sa pratique, un état de vide intérieur très spécifique. Ensuite, c'est à partir de là, qu'elle va par son pinceau, laisser s'exprimer ses sensations de formes et de couleurs, laisser sa partie inconsciente émerger tout doucement en elle, son pinceau devenant alors le sismographe coloré de ses ressentis intérieurs. Dans l'application de la peinture, le style de C-Coriandre, possède une gestualité ferme, douce et sensible à la fois. Elle est à l'écoute de ce qui est le plus subtil en elle-même, pour en faire esthétique. On voit alors apparaître picturalement les sentiments, qui vont sur toute la gamme du cœur, de la joie à la souffrance, telle une œuvre vibrante de la vie même. De la joie de "Swing" technique mixte, acrylique et cire, au tourment de la "Forêt dévastée", acrylique sur papier (24x32cm) jusqu'aux questions que pose "Éboulement", acrylique sur papier (32x24cm) l'œuvre de la peintre C-Coriandre offre une recherche complète des ressentis. C'est un panorama abstrait de la vie, de l'être humain, de son intériorité, mais aussi du monde qui tout autour l'environne, cette relation indissociable, irréversiblement dépendante avec la Nature. L'homme ne se sépare jamais totalement de son passé, celui-ci reste rémanent, présent à son souvenir, à ses sens, à sa vue; Comme l'artiste le souligne si bien avec son oeuvre "Vestige", acrylique sur papier (24x32cm). La peinture de C-Coriandre est novatrice, non seulement au plan d'une « autre gestualité abstraite », mais aussi, par son contenu artistique elle nous rappelle ce parallélisme inextricable, l'osmose entre l'intérieur des sentiments et l'extérieur du monde qui nous environne. Peintre à la vision universaliste, C-Coriandre, lorsqu'elle crée « Rencontre entre l'Orient et l'Occident » manifeste sa volonté de pontage, de lien entre les peuples et les cultures, affirme encore plus sa « peinture humaniste », qui constitue le substrat de sa démarche esthétique. L'artiste C-Coriandre, en conjuguant démarches de sciences humaines et peinture abstraite, a su réaliser des apports novateurs dans l'art contemporain. Elle a obtenu pour son style abstrait, pour le sens de son esthétique et l'ensemble de son œuvre, la Médaille de « Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'Hui » 2013.

 

 

Antoine Antolini, octobre 2013

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI  - 2013 -

titre « La peintre C-Coriandre innove en conjuguant sophrologie et art contemporain. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Octobre 2013

© Editions des musées et de la culture EDMC 2013


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artistes contemporains


■ La peinture de Françoise BERTRAND marque un nouveau romantisme maritime. Une émotion intemporelle tel l'éternel ressac des vagues... Un art entre poésie des rivages et infinitude des horizons.


LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SES PAYSAGES LITTORAUX OFFRENT AU PUBLIC UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SES PAYSAGES LITTORAUX OFFRENT AU PUBLIC UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND "JEU DE NUAGES" 2012 (HST 92x60cm)

"TONS ET LUMIERE" (HST100x65cm) PAYSAGISME MARITIME DE FRANCOISE BERTRAND

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON NOUVEAU ROMANTISME MARITIME MIS A L'HONNEUR. ELLE A OBTENU LA MEDAILLE

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON NOUVEAU ROMANTISME MARITIME MIS A L'HONNEUR. ELLE A OBTENU LA MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2012

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" L'ESTRAN" PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 81x54cm)

"L'ORAGE" PAYSAGE LITTORAL DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 100x65cm)

PAYSAGE LITTORAL

PAYSAGE LITTORAL "AU FIL DES VAGUES" DE FRANCOISE BERTRAND 2012 (HST 100x70cm)

"LES COQUILLAGES" 2011 HST (88 x 61cm) PAYSAGE LITTORAL DE FRANCOISE BERTRAND

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AFFICHE DE L'EXPOSITION DES PEINTURES DE MARINES DE FRANCOISE BERTRAND A TOULON

AFFICHE DE L'EXPOSITION DES PEINTURES DE MARINES DE FRANCOISE BERTRAND A TOULON

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND

PEINTURE LITTORALE DE FRANCOISE BERTRAND "BOUQUET DE SOLEIL" 2011 HST (81 x 54 cm)

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON PAYSAGISME LITTORAL MARQUE UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

LA PEINTRE FRANCOISE BERTRAND: SON PAYSAGISME LITTORAL MARQUE UN NOUVEAU ROMANTISME MARITIME

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La peintre Françoise BERTRAND marque par son art pictural un nouveau romantisme maritime. Son paysagisme littoral, qu'elle peint depuis plusieurs années, est arrivé à maturité aujourd'hui, en termes de ressentis profonds. C'est une atmosphère incomparable, qui se dégage de ses toiles. Son œuvre insiste notamment en 2011 et 2012, sur un langage pictural plus dépouillé, une palette feutrée, une modulation en douceur des tonalités lumineuses marines. Le travail de l'artiste, au point de vue technique, repose exclusivement sur l'utilisation de la peinture à l'huile. Dans son oeuvre flotte un évanescence allégorique de sentiments inaccessibles... Un monde tout d'intériorité, une interprétation paysagiste d'où émane une émotion intemporelle. L'éternel ressac des vagues... qui suggère... Françoise BERTRAND a su en faire passerelle entre exprimés poétique et pictural. Une ambiance du littoral, traitée par l'artiste avec un talent en évocation, à la fois intentionnel et inconscient de tout ce qui peut être vain dans l'immanence du temps qui passe ici fixé dans le tableau... Rivage qui dit aussi la paix et l'espoir d'un continu renouvellement... Une peinture, qui génère, voire régénère, un nouveau romantisme moderne que l'on pensait disparu en ce siècle du technologique. C'est bien le paysage maritime, qui ressurgit grâce à Françoise BERTRAND, porteur inattendu de ce Risorgimento poético-pictural, sous ses pinceaux et spatules en vigie d'une nouvelle mouvance, entre poésies des rivages et infinitudes des horizons... L'artiste nous y laisse entrevoir tous les ailleurs... Françoise BERTRAND, propose avec son œuvre, une approche romantique modernisée, vivante, intuitive, que les échos du sensible en questionnement de son paysagisme littoral lui ont permis d'atteindre, de faire naître. La peintre avec son émotion au bout du pinceau redéploie avec réussite, une nouvelle atmosphère figurative, très caractéristique, référente dans la peinture de marines. Elle a érigé la thématique du rivage, en un style personnel, pour s'approprier le littoral au service d'une magnifique finalité poétique, élaborant ainsi son propre univers esthétique. Cette peintre a marié définitivement le visible à l'impalpable. Un autre regard au-dela de l'impressionnisme, qui balance entre ces dimensions des mélancolies inexplicables et cette quiétude propice à l'écoute de tous les doutes de l'être profond... Un romantisme de sentiments, qui se retrouvent exprimés par l'artiste au travers de son choix de motifs. Un style pictural en lien tellement étroit avec la solitude du rivage, qu'il en devient étrange, fascinant. Une dimension de rêve oublié, c'est ce qui se ressent autant que ce qui se voit devant cette signature. C'est dans cet échange instinctif et inné avec la mer, dans ses états de sensations affluantes à son coeur, que la peintre puise l'expression de son nouveau romantisme. Une douceur apaisante en ressort. Une peinture qui fait alors partager au spectateur l'incertitude de non-dits, de prise de conscience reconstructive de soi face au monde, loin du stress des sociétés trépidantes. Poétique du rivage, aux multiples allégories des mythes ou des légendes, la peintre a su bien centrer ses visuels dans le présent, pour nous présenter une œuvre de marine cohérente et forte, dans une belle et authentique expression du bord-de-mer, des plages, des horizons suggestifs d'imaginaires conquérants... Un travail exceptionnel sur la lumière, qui règle les contrastes et les nuances en un parfait aboutissement. Avec son regard neuf, celui de son temps, de son époque, l'artiste a su faire du littoral, par sa peinture, le moyen privilégié d'une compréhension poétique, d'un entendement plus immatériel du monde.... Elle permet ainsi au spectateur de se projeter au cœur du tableau en une intime introspection avec ses propres vécus, ses perspectives, pour essayer d'y rencontrer sa destinée. Une volonté artistique, un style... Françoise BERTRAND donne encore plus de sens au poétique maritime, au paysagisme littoral. En érigeant la scénographie naturelle des éléments, comme réceptacle de nos désirs, de nos doutes, de nos besoins d'évasion, de liberté, de contrées lointaines, c'est tout un inconscient sociétal qui transparait... L'artiste nous rappelant toute l'importance du rivage, de l'origine des grands départs au terme des arrivées victorieuses, tous les retours aussi, ces rencontres de terres inconnues, le salut des naufragés... L'artiste exprime depuis plusieurs années dans sa peinture marine, cette dialectique du littoral comme lien entre le proche et le lointain... tremplin des projets les plus audacieux, en interface d'une vérité statique, limite objective du continent, union quasi-cosmique entre la terre et la mer...

La qualité picturale de cette expression littorale, autant que la poétique du maritime qui s'en dégage en un romantisme renouvelé, ont permis à l'artiste Françoise BERTRAND, d'obtenir la Médaille de « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2012, remise à l'occasion de son exposition à Toulon au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

 

Antoine Antolini, Décembre 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" –

Décembre 2012 EXPOSITION titre " La peinture de Françoise BERTRAND, un nouveau romantisme maritime." © Texte et photos Antoine Antolini – Décembre 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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■ L'esthétique emblématique du peintre ALBERIC . Il marie les signes d'un continent, pour en faire langage dans le concert des abstractions du monde...


PEINTURE D'ALBERIC, EN VIDE OU  EN PLEIN DES VISUELS  ETRANGES EFFLEURENT UNE MEMOIRE INTEMPORELLE

PEINTURE D'ALBERIC, EN VIDE OU EN PLEIN DES VISUELS ETRANGES EFFLEURENT UNE MEMOIRE INTEMPORELLE

LE PEINTRE ALBERIC, ICI AU POLE EXPOSITION SUD COTE D'AZUR

LE PEINTRE ALBERIC, ICI AU POLE EXPOSITION SUD COTE D'AZUR

PEINTURE ABSTRAITE  D'ALBÉRIC. HISTOIRE,  ESTHETIQUE, SON STYLE ILLUMINE UNE MEMOIRE DANS L'ART CONTEMPORAIN

PEINTURE ABSTRAITE D'ALBÉRIC. HISTOIRE, ESTHETIQUE, SON STYLE ILLUMINE UNE MEMOIRE DANS L'ART CONTEMPORAIN

PEINTURE D'ALBERIC DETAILS  DE VOLUTES AUX CONNOTATIONS DECORATIVES ET FLORALES

PEINTURE D'ALBERIC DETAILS DE VOLUTES AUX CONNOTATIONS DECORATIVES ET FLORALES

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LE PEINTRE ALBERIC: COMPRENDRE LA LEGENDE POUR MIEUX  LA  RESTITUER DANS L'ART CONTEMPORAIN

LE PEINTRE ALBERIC: COMPRENDRE LA LEGENDE POUR MIEUX LA RESTITUER DANS L'ART CONTEMPORAIN

OEUVRE SUR TOILE DU PEINTRE ALBERIC QUAND SON PINCEAU DEVIENT MAGIQUE...

OEUVRE SUR TOILE DU PEINTRE ALBERIC QUAND SON PINCEAU DEVIENT MAGIQUE...

LE PEINTRE ALBERIC DEVENU MEDAILLE

LE PEINTRE ALBERIC DEVENU MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" EN 2012

PRESENTATION DES PEINTURES D'ALBERIC EN EXPOSITION EN ETE AU SUD DE LA FRANCE  (2012)

PRESENTATION DES PEINTURES D'ALBERIC EN EXPOSITION EN ETE AU SUD DE LA FRANCE (2012)

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Sa stylistique reflète le cœur de son berceau culturel profond, sa peinture relie notre présent avec nos mémoires ancestrales vers une histoire inachevée.

 

Faire la connaissance d'Albéric, s'est s'immerger dans un univers de vérité et d'authenticité, pour comprendre à la fois une peinture et une culture, une histoire et l'Histoire... Albéric peint avec une énergie innée, une inspiration qui lui vient aujourd'hui en sens et signes. Tout jeune, depuis l'âge de ses seize ans, il s'est saisi des crayons et pinceaux comme pour en faire ses véritables armoiries. Armoires d'amour à la croisée de la passion de l'art. De ses années près de Barbizon, de Fontainebleau, à visiter tout gamin le château de François-1er comme un loisir habituel, il a gardé en lui les "traces" de l'art, qui creusèrent un sillon profond dans son esprit. Les effluves esthétiques de notre Histoire devinrent alors sa respiration... Plus tard son destin l'amènera vivre dans les paysages de Millet, là ou sonna l'Angélus, puis enfin sous le ciel de la Bretagne ou il plante son chevalet sous le ciel aux nuages multiformes... l'abstraction s'est installée peu à peu chez Albéric, pour l'habiter définitivement... l'abstraction est en lui une "première nature"... Un peintre produit-il ses œuvres avec l'intention première de traduire un environnement, ou bien l'environnement suggère-t-il en fait le contenu du tableau ?... En tout cas pour Albéric, sa peinture est un état d'être depuis toujours... Depuis son enfance ? Il ne veut en définir le pourquoi et il accepte ce que lui apporte son inspiration sans se poser de questions. Sans remise en question... Il peint ce qu'il a dans le cœur, dans l'esprit, il met à jour sur ses toiles les images enfouies au plus profond de sa mémoire comme un archéologue-peintre... Il réalise tout naturellement ses formes, ses volutes, ses crénelures, ses entrelacs aux aspects parfois végétaliens ou floraux, avec facilité, aisance, comme des sentiments qui lui viennent là, au bord du cœur, au bord des lèvres, au bord des yeux... Son pinceau pose l'ensemble sur la toile, comme pour permettre à son esprit d'ordonner ces messages d'intériorité, d'organiser ces grammaires intemporelles... Albéric sait rendre lisible, visible, cette atmosphère colorée et doucement mouvante qu'il a en lui. Il réalise ses tableaux, avec pour chacun d'entre-eux la même application que pour un chef-d’œuvre, son chef-d’œuvre. Habité de volumes, de sensations qui s'entrecroisent, se superposent souplement, comme des cheminements de vies, de hasards... Les coïncidences dans l'interprétation picturale d'Albéric, deviennent des signes emblématiques, des flashes exutoires, qui laissent poindre les échos intuitifs, médiumniques, d'une imagerie ancestrale... Oui, Albéric a fait un héritage tout en or et décor, celui de sa propre histoire, de son enfance, toute en couleurs radieuses, en beauté rayonnante, en somptuosité esthétique... De ces flanneries au château de Fontainebleau, dans les parcs admirant les statues, déconcertantes de poésie et de richesses artistiques. Albéric a su transformer sa vie pour retrouver le bel environnement de son enfance, à la manière de la recherche d'un paradis perdu... aux réminiscences proustiennes, dans les résonances d'un inconscient collectif immémorial. Sa recherche l'a conduit sur un territoire de talent et d'excellence, à la rencontre des grands maîtres. Il a remodelé sans même s'en préoccuper, avec simplicité, le statut de l'enluminure pour lui rendre petit à petit sa pleine parole. Le peintre Albéric a définitivement libéré le contenu sémiotique de l'enluminure, de ses servitudes décoratives et réductrices, pour hisser celle-ci et la rétablir en niveau d’œuvre peinte absolue. Pour en faire la mise en valeur en tant qu'élément pleinement culturel. Usant de l'art noble qu'est la peinture, Albéric repense la grammaire de l'enluminure, la caractéristique fondamentale du vocabulaire visuel du décor. Il en reconstruit un vrai langage en style abstrait de plein statut artistique. Posant le classique et l'antique en symbolique esthétique et artistique dans le contemporain. Identité abstractisée d'un histoire,sur ses toile il peint pour témoigner d'une époque sans date, "imager" un continent sans frontières. A présent la peinture d'Albéric, révèle une personnalité stylistique à la fois antique et moderne comme un item à part dans notre art contemporain. Albéric a rendu vivants les éléments-clés du décor, à redonné aux spécificités de la volute, à la dentelure, au végétal, à l'entrelac, leur véritable signification picturale dans l'art contemporain, avec une vision novatrice. En partant des courbes rythmées, jusqu'aux allégories flirtant avec les acanthes dorées, en passant par le signal ionique, le peintre Albéric, nous enchante, avec sa palette aux dominantes ocrées et dorées. Majestueuses palmes, palmettes ou non-dits, toutes les vérités picturales d'un passé se sont données rendez-vous dans son abstraction, comme pour cimenter notre Histoire dans l'actuel. Messages de formes et de couleurs avec toute la charge culturelle profonde qu'ils véhiculent au-delà des frontières ; Les tableaux d'Albéric sont autant de fenêtres ouvertes sur un espace géographique et culturel, depuis les glaces polaires du Nord jusqu'à cette antique et moderne Méditerranée... Par contrastes, de la Chine ou de l'Amérique, l’œuvre d'Albéric apparaît émergente, représentative dans l'art de la spiritualité graphique d'un grand continent, au milieu des logiques asiatiques, africaines, australiennes. Alberic en créant une abstraction signalétique, illumine et fait rejaillir les indicatifs d'un inconscient collectif. Il nous donne généreusement dans ses tableaux d'aujourd'hui les discours impétueux faits de signes et de sens, qui forgent tout autant sa force d'artiste, de peintre, que de relais d'une identité d'histoire de l'art pour le spectateur, qui peut s'y retrouver. Dans l'art contemporain, dans le siècle de la mondialisation, l’artiste peint les reflets abstraits et les plus évocateurs du continent européen où il vit. Albéric, en posant pose sa grammaire élaborée sur chacune de ses toiles a peint des œuvres qui sont emblématiques d'un espace continental dans le monde.

 

Le peintre Albéric pour son travail pictural et la qualité de sa démarche artistique à été honoré par l'attribution de la Médaille de "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2012.

 

 

Antoine Antolini, Juin 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » – Juin 2012 - titre « L'esthétique emblématique du peintre ALBERIC. »  © Texte, Antoine Antolini – Juin 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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■ Kidist DEGAFFE, initialement peintre en Ethiopie, son regard est empli du soleil d'Addis Abeba. Elle crée en Europe des paysages aux clartés sublimes, d'un colorisme maitrisant des intensités diaphanes


LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE  A RECU EN 2011 LA MEDAILLE  DE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE A RECU EN 2011 LA MEDAILLE DE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI"

"IMPRESSIONS DE MOMBASA BEACH" DE LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE,  DANS SA PEINTURE TRANSPARAIT TOUTE LA BEAUTE  LUMINEUSE DES  CHAUDES CONTREES D'AFRIQUE

LA PEINTRE KIDIST DEGAFFE, DANS SA PEINTURE TRANSPARAIT TOUTE LA BEAUTE LUMINEUSE DES CHAUDES CONTREES D'AFRIQUE

KIDIST DEGAFFE REDEPLOIE SON TALENT SUR UN MOTIF EUROPEEN TYPIQUE EN PEIGNANT LES ALPES DANS L'HIVER

KIDIST DEGAFFE REDEPLOIE SON TALENT SUR UN MOTIF EUROPEEN TYPIQUE EN PEIGNANT LES ALPES DANS L'HIVER

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"NUAGE DANS LES ALPES" DE KIDIST DEGAFFE. UNE LEGERETE DE LA PALETTE POUR NOUS DIRE LE CIEL ET LA TERRE

LE

LE "BATEAU" DE KIDIST DEGAFFE MONTRE LE TALENT IMPRESSIONNISTE ET POETIQUE DE LA PEINTRE

IL EMANE DE CETTE

IL EMANE DE CETTE "SAINTE-VICTOIRE" VUE PAR KIDIST DEGAFFE UNE AUTHENTICITE BOULEVERSANTE

APRES DES ANNÉES ASSIDUES DE PEINTURE, KIDIST DEGAFFE  A  ATTEINT A PRESENT UN NIVEAU INTERNATIONAL

APRES DES ANNÉES ASSIDUES DE PEINTURE, KIDIST DEGAFFE A ATTEINT A PRESENT UN NIVEAU INTERNATIONAL

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Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose... Un talent entre matière et esprit... La peinture de Kidist Degaffe nous entraine dans un univers de pureté colorique et d' amples gestualités. Son style incomparable, conjugue une culture picturale de la lumière, de la luminosité, et une simplicité objective et directe de traitement du sujet ou du motif. Qu'il s'agisse de personnages, ou de paysages, Kidist Degaffe, sait faire se côtoyer le réel et l'immatériel, comme une peinture entre ciel et terre, entre mer et ciel ...

 

Sa technique d'application en couches légères des pigments colorés, en à-plats dynamiques, sont toujours posés avec une intensité transparente, évanescente, diaphane... dont elle seule détient le secret... Le geste de l'artiste est abouti, long et souple. Parfois, la peintre fait converger ses touches larges, telle une symphonie de nuances, pour nous dire et rendre éclatantes sous nos yeux, toutes les profondeurs de sensations qui ressortent de son intériorité cachée. Energie de la main et justesse du pinceau... Kidist Degaffe va droit au bout de l'art, elle exprime des sentiments comme s'ils surgissaient, à l'instant même, de son contact avec le sujet. Une peinture d'émotion, vraie et incontournable, pour l'amateur du beau et de la qualité. Le regard de Kidist Degaffe, est, naturellement, plein de lumière, d'expérience, pour montrer au spectateur comment un paysage existe dans l'espace, en une dimension qui ne s'arrêtera pas à la taille du tableaux, de la toile... L' oeuvre de la peintre, ses paysages, vont plus loin, que la limite de la surface peinte du tableau, qui n'est qu'un prétexte spatial à une proposition paysagiste ouverte, parce que l'on voyagera ensuite,par le regard, en pénétrant dans l'image vers un infini lointain. Tel dans ces « Impressions de Mombasa Beach » où le spectateur se perd dans ces horizons sans limites, entre mer, terre, ciel... Ce qui est exceptionnel est que chacune des peintures de Kidist Degaffe est un véritable évènementiel, un moment d'actualité vivante, un temps-fort de « jamais-vu »... La version que l'artiste nous donne de la montagne « Saint-Victoire », est d'un fraicheur inouïe, l'amplitude du geste conduit le motif vers son paroxysme, dans une analogie à la fois figurative et impressionniste simultanément. Le pinceau, tonique et puissant, de l'artiste nous conduit de touches vivaces et  vivifiantes, de paliers en paliers, en crescendo, jusqu'à la totalité de l'image, livrée dans sa forme ultime, comme une apothéose du beau au regard du spectateur... La toile « Le Bateau » de Kidist Degaffe, vient nous dire la rencontre d'un impressionnisme abstractisé, avec une autre lumière, une autre notion de l'espace, des espaces, du mouvement. La peintre sait concrétiser l'essence intrinsèque d'un motif, sa vie et tout autant son immanence, l'intemporalité définitive de l'instant, qui ne fait pourtant que passer... Magie de l'art ou talent de Kidist Degaffe, le public seul peut le dire... De cette vision du lointain forgée dans son regard, depuis les hauts plateaux d'Addis Abeba, l'expression de l'espace, du lointain, de la distance, de la poésie cosmique, qui se dégage de la nature, du ciel et de la terre... La peintre a su s'en approprier les sensations, en faire une grammaire picturale a partir d'un sens inné. Sa peinture respire la grandeur, l'immensité, la transparence, la translucidité, que les couleurs ensoleillées de l'Ethiopie, lui ont révélées et offertes comme une nouvelle signature esthétique pour l'art européen. Kidist Degaffe possède tous ces atouts, seule elle en détient les clés, pour les promouvoir, face aux enjeux innovatoires et avant-gardistes de l'art contemporain international. Kidist Degaffe redéploie, dans le contexte du progrès pictural, une nouvelle force expressive, par le savoir de l'intensité, par la gestion technicienne de la douceur colorique; Elle témoigne, ainsi, avec « Mombasa Beach » que l'intensité tonale peut provenir d'autres paramètres, que ceux de la puissance intrinsèque du pigment, d'autres facteurs que ceux liés au potentiel chimique de la peinture... Avec Kidist Degaffe on comprend comment la lumière, si fugace, peut aussi se capturer, par le choix des confrontations de coloris doux, par la légèreté d'application sur la toile; Elle démontre bien comment un artiste peut, par une délicatesse infinie dans l'acte de peindre, un geste sûr, ample et fort, en arriver à « apprivoiser » la luminosité pour la restituer intacte dans l'oeuvre-d'art, pour la porter au regard du spectateur, comme une caresse de l'âme... C'est ainsi que procède et peint Kidist Degaffe et c'est bien cela, qui nous signale qu'elle est prête, maintenant, à devenir ici, en Europe, un maître de la peinture. Son parcours paysagiste, déjà confirmé sur des motifs européens typiques tels les « Alpes dans l'hiver », ou encore « Nuage dans les Alpes », témoignent de cette capacité de l'artiste à redonner à la peinture du paysage européen un nouveau souffle; En laissant le figuratif rendre, tout simplement, la part d'impressionnisme qui y réside naturellement, à l'état latent, basique. L'impressionnisme, comme le prouve Kidist Degaffe, est subjacent, contenu initialement dans le figuratif, et c'est la douceur lumineuse dans la représentation du paysage, qui peut en faire ressortir l'essentiel, mettre en relief et évoquer la spiritualité poétique qui y réside, toujours dans son essence même... Elle rejoint inévitablement les recherches de Paul Cézanne, pour nous dire que l'âme d'un paysage peut transparaitre, apparaître au travers d'un certain visible, et que l'artiste peut être ce lien entre le monde matériel et un au-delà esthétique... Que le passage, le pontage, du figuratif à l'impressionnisme peut se trouver inscrit dans le même geste, en simultnané dans la même couleur, la même touche. On peut dire, alors, que c'est le talent qui viendra rendre ce figuratif, impressionniste... C'est le cas de ce qui se produit dans les paysages de Kidist Degaffe, lorsque l'essence y est aussi à la fois transcendance...

 

Artiste internationale, connaissant non seulement l'Afrique et l'Europe, mais aussi les Etats-Unis et l'Asie, Kidist Degaffe, possède de grande qualités de cœur et d'altruisme. En effet Kidist Degaffe, a su et sait toujours, mettre son talent et ses pinceaux, au service de causes humanitaires, telles celles de la Croix-Rouge Internationale, ou bien au service d'Organisations Internationales Non-Gouvernementales, pour œuvrer en faveur de la cause de la femme, de l'enfant... Elle a apporté son concours artistique au service de l'O.N.U, avec l'UNFPA. (Fond des Nations Unies pour la Population). Actuellement Kidist Degaffe dans son atelier à Chexbres, en Suisse, prépare sa prochaine exposition de peinture de niveau international.

 

Le talent et l'engagement artistique de la peintre Kidist Degaffe, on été remarqués par les Editions des musées et de la culture (EDMC) et par le Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP-Europe. L'artiste a été exposée en Décembre 2011 au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur. Kidist Degaffe à obtenu en France, la Médaille d'Honneur des « Talents des Arts d'Aujourd'hui » 2011.

 

 

                                                                            Antoine Antolini. Décembre 2011.

                                                                           Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - DECEMBRE 2011 Titre: "Kidist Degaffe, une peintre de la pureté esthétique dans l'art contemporain. Un colorisme et une lumière qui font basculer l'œuvre-d'art dans les dimensions du grandiose. Un talent entre matière et esprit." © Texte, Antoine Antolini – Décembre 2011 - Direction rédactionnelle, EDMC 2011 - Tel: 06 10 99 90 98

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ Sylvie ABEL ou comment une peintre européenne perçoit picturalement le monde asiatique et en particulier le Japon. Elle offre un univers artistique transculturel où dominent spontanéité et pureté.


PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

 KATSURA 2008 PEINTURE DE SYLVIE ABEL

KATSURA 2008 PEINTURE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

PEINTURE DE PAYSAGE DE SYLVIE ABEL

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Le travail artistique de Sylvie Abel apporte un éclairage original sur la manière dont une artiste européenne peut vivre, aujourd'hui, dans son propre pays, la culture asiatique, en particulier la peinture japonaise. Un acte de peindre d'une valeur transculturelle, inter sociétale, qui nous apporte une actualité délocalisée de l'amour de la peinture en renversements de toutes les barrières de langues ou de civilisations. Pour Sylvie Abel, si l'art n'a pas de frontières, l'artiste non plus.... Après " japonaise au bord de l'eau " de Matisse, ou l'engouement des impressionnistes pour les estampes japonaises, voire l'attrait marqué de Van Gogh, pour le style et les graphismes japonisants, c'est un véritable mythe, au-delà même de la "Grande Vague" d'Hokusaï, que Sylvie Abel vient actualiser au présent, par son travail audacieux, empli d'une forte personnalité. En posant dans le contemporain au quotidien, au centre de  sa peinture de tous les jours, le sujet discret et grandiose à la fois, de l'art japonais, ou plus exactement de l'art des japonais; l'artiste croise son talent, sa technique de peindre avec une culture picturale très différente, celle du pays du Soleil Levant...


Sylvie Abel, dans son attitude de plénitude admirative pour le style pictural nippon, réalise en Europe, des peintures à sa manière, avec la même pertinence qu'une artiste japonaise pourrait le faire au Japon... Transculturalisme émérite ? Oui, dans le sens qu' à partir de notre berceau culturel, si dense et riche de références, cette créatrice sait aussi s' imprégner d'une culture d'ailleurs, s' immerger dans une vision artistique qui n'est pas initialement celle de son lieu de vie, de son pays... L'artiste réussit ainsi, en un exercice généreux du cœur, par ses pinceaux, à marier l'acte de peindre avec une vision du beau, non conformée aux académismes ou aux traditionnels canons gréco-romains. L'artiste exprime une créativité qui n'est pas forcément là pour poindre où l'on veut l'attendre... Pour Sylvie Abel, ce beau pictural, doit être un ressenti, sans aucun a-priori, ni formatage. Cela devient chez elle un acte esthétique et pourrait-on dire sublimement documentaire d'un art d'ailleurs... Cette merveilleuse liberté devant la toile, cette ouverture d'esprit, Sylvie Abel, joue de cette vocation, de son talent, pour mieux pénétrer, comprendre, une autre civilisation " par le peindre ". Cette démarche même, au-delà de toute autre appréciation, vient nous rappeler un certain Siècle des Lumières, lorsque nos encyclopédistes ouvraient leur entendement aux mœurs, aux arts et coutumes des autres peuples du monde dans une dimension universelle.... Sylvie Abel, à partir d'un arbre en fleurs, épuré, poétisé, sait nous emmener plus loin que des sensations habituelles, vers un chemin d' évocations simples et spirituelles, qui nous disent le temps, la vie qui passe, le bonheur; mais aussi la temporalité de notre existence, le futur et d'autres horizons, d'autres visages... De la famille nippone, en costume traditionnel, aux paysages envoutants d'une inexplicable mélancolie, avec une sérénité imperturbable, Sylvie Abel, nous invite, sans excès de couleurs, par sa palette bien réglée en tons vifs et lumineux, à mieux comprendre le Japon. Son " Baiser de la Mer " en honneur à la Nature, ses tableaux aux titrages japonais significatifs, ses portraits de femmes japonaises... c'est toute une diversité emblématique du Japon que l'artiste à filtré, pour nous donner à voir, un condensé, un essentiel. Plus qu'une expression figurative... Lorsque Foujita, natif de Tokyo, vint vivre et peindre en France, il garda une émergence asiatique, très ténue, en graphismes doux, diaphanes, sans cerner ses nus, introduisant dans l'art parisien plus qu'une élégance, en fait toute l'immatérialité et la transparence d'un art voisinant l'estampe... Foujita su montrer une peinture d'une finesse asiatique et l'appliquer à des sujets occidentaux, gracieux et souvent classiques, de nus evanescents, à des maternités a l'enfant... Une démarche d'adaptation stylistique de l'asie à l'Europe autour du choix et du contenu des modèles... Bien différente s'avère la démarche de Sylvie Abel. Celle-ci, sur des supports forts, utilise des peintures denses, peignant quant à elle en Europe, des sujets typiquement japonais. Tout comme une artiste japonaise peindrait chez elle, au Japon des personnages ou des paysages européens. Ainsi, Sylvie Abel, toujours en lien viscéral avec la nature, échappant à tous les académismes, traite dans son style, des sujets diversifiés. Elle réalise un véritable pont, utile et nécessaire, entre l'Asie et l'Occident, au travers d'œuvres compatibles pour les deux cultures. Son approche nous fait prendre conscience qu'en définitive, les goûts artistiques des spectateurs, ou bien du public, plus globalement d'un pays ou d'un continent, peuvent aimer une peinture directement au niveau des sensations du cœur, sans s'embarrasser d'une validation identificatoire, de telle ou telle spécificité culturelle. La peintre nous démontre, avant tout, que la culture peut et doit être universelle, sous quelque latitude que ce soit. Ce qui est le plus important pour elle c'est l'intensité de sensibilité qui se dégagera dans les ressentis profonds, dans sa poésie mise en peinture, recherchant les mystères immémoriaux qui émannent des personnages ou de de la nature, la fraicheur d'un sujet. Sylvie Abel a su mettre en situation esthétique une grammaire picturale lointaine. Elle sait nous faire restitution de la subtilité, de la délicatesse, de l'émotion, que contient cette peinture; nous offrant les séduisantes visions de ses aspects les plus narratifs, telle une talentueuse peintre, certes, mais aussi comme une véritable messagère artistique du Japon.

 

Sylvie Abel à obtenu pour l'ensemble de son œuvre en rapport avec le Japon, la Médaille d'Honneur "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2011.


Antoine Antolini, septembre 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - SEPTEMBRE 2011"  © Titre: "Sylvie Abel, ou comment une peintre européenne perçoit picturalement le monde asiatique et en particulier le Japon. Elle offre un univers artistique transculturel où dominent spontanéité et pureté." Texte, Antoine Antolini - Septembre 2011 - Direction rédactionnelle, Centre de recherche en Art C.R.A.C.P.-Europe 2011 -

e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -



 

 

 

■ L'abstraction est venue au peintre Mic comme une rencontre incontournable... Elle danse devant ses toiles en totale spontanéité gestuelle pour produire la révélation d'une Action painting paysagiste.


"SOLEIL LEVANT" PAYSAGE ABSTRAIT DE LA PEINTRE MIC

LA PEINTRE MIC EST DEVENUE

LA PEINTRE MIC EST DEVENUE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" PROMOTION AOUT 2011

PEINTURE GESTUELLE REALISEE PAR MIC

PEINTURE GESTUELLE REALISEE PAR MIC

PAYSAGISME ABSTRAIT

PAYSAGISME ABSTRAIT "LAC SOLEIL" PAR LA PEINTRE MIC

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"MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." 


Mic : innove par deux caractéristiques qu'il convient de mettre en relief; tout d'abord l'artiste canalise la spontanéité de l'action painting américaine pour l'appliquer au paysagisme abstrait français, mariant ainsi d'une certaine manière, de grands courants américains et français de l'abstraction. Ensuite la créatrice pratique une nouvelle façon de peindre son paysagisme abstrait ou son abstraction, en dansant... Une peinture en gestualité mouvante... un vide dans la dynamique expressive de "l'action painting" que l'artiste à ainsi comblé.

 

Réminiscence oubliée de la danse tribale devant le totem peint, ou échos des musiques technos enfouies dans les florilèges des volutes colorées des nights... Cet artiste danse sur le sol juste devant l'œuvre tout en la réalisant... Exit, ici, le dripping à la Pollock, c'est là une autre forme de concentration "hors du monde" ambiant, et en même temps un phasage, une connexion à la toile, générant la libération d'une nouvelle action de peindre. Issue de l'énergie de tout l'ensemble du corps de Mic, en rythme, tendu vers la spontanéité totale, c'est cet élan qui mène Mic vers l'absolu pictural... Elle propose ainsi une nouvelle étape créative: celle des paysages abstraits « dansés », comme nul autre ne l'osa - ou n'y songea - même au temps des anthropomorphies de Klein. Elle innove en créant par sa peinture une autre apothéose colorique et sensible, une autre méthodologie abstraite du paysagisme actuel. L'artiste rend par sa façon originale un honneur enthousiaste, souverain et nouveau à la Nature; tout autant à l'acte de peindre par un paysagisme abstrait contemporain des plus avancés... Libérée de toutes les chaines du conventionnel, de tous les blocages de l'idée construite, des graphismes à équilibrer, Mic, projette une autre conscience du pictural sur ses toiles, en créant des œuvres grandioses animées de toutes les amplitudes culturelles, au-delà des limites de tous nos acquis visuels, de tous nos horizons... Mic (Micheline Siauve) est arrivée à cette phase, après avoir progressé sur un itinéraire au cours duquel elle su expérimenter diverses approches picturales, des plus basiques au plus complexes. Toutefois, c'est à la suite d'un évènement majeur et soudain, qui marqua durement sa vie par la disparition d'un être cher, qu'elle s'orientera vers l'abstraction. Vers un ailleurs qui semble désormais mieux lui convenir, qui lui colle à la peau, c'est sa fenêtre ouverte sur le futur. Plus qu'une nouvelle logique, c'est la rencontre avec une autre conception d'un monde sans contrainte, une autre façon de ressentir l'art sans a-prioris didactiques ou programmés. Aujourd'hui la peintre Mic, nous donne à voir son esthétique étonnante, par laquelle elle conjugue colorismes éclatants et diffus, touches puissantes et gestuelles, tracés jaillissants ou plus signifiants... L'abstraction de Mic peut quand on l'aime et la suit, nous entraîner dans deux dimensions différentes, dans deux sortes de grammaires particulières. D'une part c'est une abstraction paysagiste, qui emportera le spectateur dans une sensation cosmique, face à la l'immensité de nature; avec « Lac soleil », c'est un au-delà de plénitude imaginative, en magma planétaire et tout autant immatériel... Un contentement admiratif, vous envahit les yeux et le cœur... Sa toile « Océanique », redéploie quant à elle un paysage quasiment transcendé, revisité pour réapprendre au spectateur les sens oubliés ou disparus de l'infinie beauté des éléments, lorsque mer et cieux se marient sur l'horizon... Tandis qu'un « Soleil Levant » enflammé vient nous dire la lumière et le feu, crier tout ce qui nous dépasse, pour nous questionner sur tout ce que l'on peut voir ou comprendre d'éternité chaque jour, de chaleur ou de vie... D'autre part, la grammaire de Mic, sait aussi très bien offrir une abstraction pure, qui restera essentiellement gestuelle, totalement non-figurative, évocatrice, interprétative, simplement émouvante, bouleversante de sensations étranges... Son talent d'artiste marquera parfois en synthèse une expression ultime des rythmes à la frontière entre paysage abstrait et recherches sur la lumière, sa puissance colorique... Ainsi « Arizona »  et « Energie » ont été présentées pour cela à côté l'une de l'autre au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur en Aout 2011, pour montrer au public du Sud, l'évidente interpénétration de deux univers d'abstraction qui se relient chez Mic, entre une nature ensoleillée suggestive et géographique et la représentation complémentaire de forces cosmiques immatérielles... Des tonalités rougeoyantes et jaunes dans ces deux tableaux sont frappantes au regard, irradient des intensités et des vibrations rayonnantes. La peintre Mic, sait faire rendre aux pigments tout ce qu'ils peuvent contenir d'éclat. Canaliser celui-ci, le faire sur jaillir encore plus, par l' impact du geste, de la danse qu'elle y ajoute. Souvent elle pousse la couleur pour lui faire prendre le sens d'allégories paysagistes, de ressentis... Mic intériorise...pour mieux extérioriser cette immensité du monde, avec une palette aux résonances vives, aiguës, assourdissantes. Son pinceau lance des échos éblouissants, pour dire une énergie au-dehors, comme celle qui bouillonne en elle au-dedans; Mic veut capturer cette beauté inouïe du paysage... elle a réussi à peindre plus loin que le visible … Tonalités surprenantes des ressentis les plus profonds pour un public définitivement conquis. Mic, aujourd'hui, en associant la musique, le son, le rythme, au jeu de son corps en mouvement, avec le pinceau à la main, comme un sismographe du cœur, va rendre la passion à l'état de matière, nous livrer ainsi sur la toile une vérité personnelle, avant-gardiste, authentiquement magistrale dans le contemporain... Son travail, son engagement artistique total sait nous faire entrevoir une spiritualité, tous ces possibles, accessibles dans ses toiles ... Si Mic a choisi un médium direct tel l'acrylique, c'est pour mieux ressentir, figer, dans l'immédiateté, dans l'instant, le rendu de la touche, pour contrôler son geste en direction de l'idée qu'elle veut atteindre sans détours. Une vérité qu'elle veut par la rapidité d'application, poser son rythme au sens le plus littéral du terme, sa peinture résultant la plupart du temps de sa danse, de son tempo devant la toile. Danse d'amour ? Danse guerrière ? ou tout simplement Danse de vie ?... C'est bien cette gestualité plastique de tout un corps qui exulte de convictions, dont le pinceau reste le seul lien sur la toile entre existant et esprit, qui fait la différence, le talent ... Le geste de Mic, est par essence à la fois son et couleur, va souder la toile à l'ultime instant de l'idée. Dire que Mic apporte un style abouti est une évidence, son œuvre est issue non seulement de sa main, mais à la fois de son corps, de son esprit, de son âme; sa peinture est en provenance directe des profondeurs conscientes et inconscientes de son être même.

 

Mic a obtenu en 2011 la Médaille "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 


Antoine Antolini, Août 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - Août 2011 ""MIC, un nouveau paysagisme abstrait "dansé"; une action painting de tout le corps en rythme et mouvement devant la toile, pour produire l'oeuvre d'art..." © Texte, Antoine Antolini - Août 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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■ Nelly TAPIN HERMOUET, après MIRÒ et les Surréalistes aux tendances abstraites, la peintre est parvenue à créer un nouvel imaginaire lyrique. Avec une grammaire innée, elle en détient les précieuses clés.


"EMPREINTES" PEINTURE DE NELLY TAPIN HERMOUET LORSQUE REVE ET DESTRUCTURATION DE L'IMAGE DEVIENNENT ESTHETIQUE

"CHAISE ORDINATEUR" UN XXI EME SIECLE UNDERGROUND RESUME AVEC LA PERSPECTIVE DES MODERNES - PEINTURE DE NTH

LA PEINTRE NELLY TAPIN HERMOUET (NTH) EN EXPOSITION, EXPLIQUE ICI SON OEUVRE AU PUBLIC AU POLE D'EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

LA PEINTRE NELLY TAPIN HERMOUET (NTH) EN EXPOSITION, EXPLIQUE ICI SON OEUVRE AU PUBLIC AU POLE D'EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

"LE BATEAU" PEINTURE DE NELLY TAPIN HERMOUET - UNE MARINE ISSUE D'UN AILLEURS INEXPLIQUÉ QUE N'ATTEINDRONT JAMAIS LES ACADEMISMES LES PLUS SENSITIFS

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Sa peinture, issue d'une créativité sans limite, non-bridée par des intentions préalables, constitue une synthèse entre imaginaire, surréalisme, abstraction, allégories poétiques... Son œuvre apporte ainsi à travers une démarche atypique, une synthèse esthétique, un témoignage supplémentaire sur la frontière séparant l'onirisme pictural surréaliste et l'interprétation abstraite du réel...


Nelly Tapin Hermouet a obtenu la Médaille " Talent des Arts d'Aujourd'hui " 2011, au titre de son travail pictural, mettant en évidence un univers personnel, original, qui reflète spontanément d'importantes références européennes du surréalisme et de l'abstraction lyrique.

L'acte artistique de la peintre est d'une actualité forte par ce carrefour stylistique qui lui est propre. Elle marque aujourd'hui une symbiose essentielle, qui s'inscrit dans le prolongement des modalités d'expressions modernes et contemporaines européennes de la peinture de notre seconde moitié du XXème siècle. L'artiste en redéploie aujourd'hui une nouvelle forme, de façon innée... voire inédite. Une peinture que Nelly Tapin Hermouet réalise, en provenance directe de son intériorité. Les formes et les couleurs sont posées sur la toile pour devenir une œuvre, que le pinceau, l'inspiration directe, guidera jusqu'à son terme, jusqu'à la construction définitive, qui au final, prendra un sens préçis. C'est son talent qui fait que, sans a-priori du résultat final, c'est sur la toile même que l'artiste façonnera l'œuvre, en fera exister le sens dans notre visuel. La peintre amènera le sujet au conscient, à partir de ce qui est enfoui au plus profond d'elle-même. C'est ainsi que surréalisme et abstraction lyrique se marieront, en harmonies synoptiques sur ses toiles. Entre conscience humaine comme avec son tableau "Spermatozoïde" ou inconscient sociétal comme avec "Empreintes" ou "Troisième Œil"... On peut admirer une peinture audacieuse en narrations extrapôlées, une interprétation onirique innée, sinon automatique, qui ne déplairait pas à André Breton, ni même à Hans Arp, pour lequel le surréalisme ou l'abstrait n'avaient pas de secrets. La grammaire de Nelly Tapin Hermouet, comporte une formulation graphique et un colorisme bien reconnaissables, qui donnent une unité à son travail, un style. Le contenu est anecdotique, riche d'une complexité "appétible" au regard... Les titres, bien choisis, proposent un sens de lecture intéressant, constructif, ludique. Face aux tableaux en exposition le spectateur est tout-d'abord "impacté", par un florilège lyrique de signes et de sens, dont l'artiste va lui révéler, démêler, l'alchimie signifiante par ses titrages. Lesquels produisent un soudain insight, une compréhension subite, alors rassurante et qui emporte l'adhésion du public. La peinture de Nelly Tapin Hermouet plait, attire, intrigue et questionne les spectateurs de toutes générations. Si le public interroge la peintre, on peut entendre et voir l'artiste répondre, expliquer volontiers son travail, sa sensibilité, sa démarche, tout en faisant partager son amour de l'art, de la peinture, et toute la mesure, l'intelligence, qu'il y a finalement dans ce que l'on pourrait croire être démesure... Mais c'est aussi la force du message esthétique de l'artiste qui prime, son ressenti. Nelly Tapin Hermouet, manie le pinceau comme un outil de langage. Cette créatrice à conquis un territoire pictural, elle y est à l'aise, elle s'y promène au fil de chacun de ses tableaux. Elle a bâti ainsi chaque jour son univers. La structuration de ses œuvres, leurs architectures, sont autant chez la peintre un acte créatif. On peut voir, par exemple, dans son tableau " Chaise ordinateur", comment les aménagements de la perspective font étrangement échos à la révolution des modernes; lorsque Cézanne lui-même, rompait la notion d'équilibre, pour construire une nouvelle image, préfigurant les recherches cubistes. C'est aujourd'hui, en échappant ainsi, par elle-même, à toute pré-construction logique, que Nelly Tapin Hermouet, rejoint par son abstraction surréaliste lyrique, une nouvelle proposition de message. Tel, un anti-dogmatisme pictural et ...informatique avec "Chaise ordinateur", sujet en prise directe avec notre époque, qui a fait l'objet de l'affiche de son exposition au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur, en Juillet 2011. Tableau qui signale bien cette synthèse que véhicule le travail de l'artiste, mais aussi, les fonctions sentinelles et éclairantes que peut revêtir une telle oeuvre-d'art dans la société. Enfin « Le Bateau » est bien celui qui nous emporte vers des terres inconnues, lorsque Nelly Tapin Hermouet devient conquistador d'un nouveau continent, celui issu de son imaginaire, au coeur d'un immense océan sur lequel elle tient bon le cap. "Le Bateau" devient alors emblématique du talent de l'artiste, de l'ensemble allégorique, imaginaire, qu'elle sait traduire et scénographier en nouvelles formulations de beauté sous nos yeux. Grâce à la peinture, elle tansforme ses idées en thématiques et créations, en maîtrisant toute l'osmose, pour nous offrir, nous faire découvrir, partager une autre poésie, une autre ...irréalité, celle d'un monde intérieur unique.

 

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    "Nelly TAPIN HERMOUET, après MIRÒ et les Surréalistes aux tendances abstraites, la peintre est parvenue à créer un nouvel imaginaire lyrique. Avec une grammaire innée, elle en détient les précieuses clés." © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

© Editions des musées et de la culture EDMC 2011

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication

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■ Dominique BOYER, peintre. Un exemple des nouvelles mouvances stylistiques contemporaines de l'abstraction. Loin de toutes uniformisations de palette ou d'expressions, elle incarne la liberté créative.


AVEC

AVEC "FLAMENCO" DOMINIQUE BOYER RESUME EN QUELQUES TOUCHES ABSTRAITES TOUTE LA PUISSANCE, L'ENERGIE, LA FORCE DU FLAMENCO

LA PEINTRE ABSTRAITE DOMINIQUE BOYER

LA PEINTRE ABSTRAITE DOMINIQUE BOYER

ESSENTIAL FLOWERS, UN IMPRESSIONNISME ABSTRAIT ULTIME DE DOMINIQUE BOYER OÙ LA GRACE REJOINT LA BEAUTÉ

ESSENTIAL FLOWERS, UN IMPRESSIONNISME ABSTRAIT ULTIME DE DOMINIQUE BOYER OÙ LA GRACE REJOINT LA BEAUTÉ

M.J.S. DE DOMINIQUE BOYER, UNE OEUVRE QUI TOUCHE AUX SOMMETS DES ARTS, QUAND LES FLEURS PLEURENT POUR DIRE LA PEINE DU COEUR

M.J.S. DE DOMINIQUE BOYER, UNE OEUVRE QUI TOUCHE AUX SOMMETS DES ARTS, QUAND LES FLEURS PLEURENT POUR DIRE LA PEINE DU COEUR

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Dominique Boyer est une artiste qui sait produire une abstraction à connotation européenne, distincte de tout ce qui peut être issu d'autres continents, sa peinture possède les références de la modernité et de notre berceau culturel. De Matisse aux paysagistes abstraits, la peintre réussit à redéployer l'art informel en de nouvelles sensations signifiantes, par de nouveaux pontages entre matière et esprit. Dominique Boyer a réussi à faire de son message d'abstraction l'ultime miroir du monde. Elle sait évoluer avec une grande aisance, au-delà des limites de l'impressionnisme, pour nous montrer d' autres univers. La peintre  sait capturer, retenir, exprimer sur ses toiles, les ressentis évanescents, les émotions les plus éthérées,  les plus intimes, de tout ce qui nous environne, mais que nous ne percevons que partiellement... et elle vient les poser là, sur ses toiles, en formes et couleurs, devant nos yeux, avec une maestria éblouissante.


I- Quand impressionnisme et abstraction fusionnent en sensations ultimes;

Dominique Boyer redonne dans ses oeuvres, par ses élans du cœur, par l'intelligence de son pinceau, la plénitude de l'impact premier que nous livre le monde. Elle a revisité le sensible pour en faire avec chaque œuvre de véritables actes d'art... C'est une artiste qui maîtrise avant tout, les divers aspects techniques de la peinture, mais qui connaît, de plus, les différents chemins secrets qui conduisent à l'abstraction, aux abstractions... Abstraire; pour Dominique Boyer, ses pinceaux sont comme autant de clés pour ouvrir de nouvelles portes sur la vie, sa palette, ses palettes, sont le moyen de dépasser le quotidien pour figer de façon intemporelle ses états d'être... son état d'âme... au sens littéral du terme... Une peintre qui parvient à faire aller son œuvre dans le sens de ses pensées, en figer les plus fugaces, faire vibrer les non-dits par les formes et les couleurs, apportant ainsi un nouveau langage de sensibilité et de subtilité. Son style, qui lui est si personnel, sa grammaire, interprètent parfois des joies, mais aussi des souffrances de ces temps de réel qui nous imposent des faits incontournables.... (M.J.S. 100 x100 cm). Un style épuré, direct, le talent du peintre sait garder un lien délicat avec la réalité, la nature, comme avec « Essential Flowers » ( 90x90cm). Le titre de son tableau évoque ce qu'il peu y avoir de plus immatériel dans les fleurs, depuis un parfum jusqu'aux essences intrinsèques, mais aussi en terme pictural ce que le regard va pouvoir retenir de sensations esthétiques. La beauté des fleurs est devenue ainsi message emblématique dans ce tableau, des couleurs qui s'entrecroisent en dominantes de tonalités vives ou plus diaphanes... L'art de Dominique Boyer nous dit cela en un effleurement du vrai, qu'elle vient rendre poétique, qui laisse le public entre rêve et réalité, entre sensations du connu et immatérialité flottante... Aura de fleurs que l'on pourrait presque respirer... C'est là le don de cette artiste. Elle sait intuitivement sélectionner dans un sujet ce qui le caractérise le mieux, pour en faire une image « synoptique », qui synthétisera tous ses paramètres visuels mais aussi culturels, en une réflectivité tout autant sémantique que sémiotique: le dénominateur commun est harmonie, goût, une certaine beauté, dont elle détient le savoir du faire-voir. Son tableau « Flamenco » (98x65cm) vient montrer à quel point la peintre peut en quelques touches , en quelques coloris, traduire avec une splendide justesse tout un monde de danse, une culture ancestrale... Avec la couleur et le pinceau, Dominique Boyer sait parler toutes les langues, directement au cœur et à l'esprit du public, pour lui faire comprendre, apparaître aux yeux, la vraie force, l'énergie, le mystère, mais aussi le rythme qui peuvent s'inscrire dans les profondeurs d'un thème ou d'un sujet... C'est ainsi qu'elle incarne bien en Europe toute la magie de notre peinture abstraite, l'écho de nos impressionnismes irréels, creusant le sillon de notre histoire picturale contemporaine. L'artiste au travers de ses fins dosages entre imageries explicites et richesse introspective, jusqu'aux expressions contrôlées des abysses sensuelles de sa peinture à l'huile est exemplaire des nouveaux regards actuels... Face au spectateur conquis.

II - La liberté de créer, le choix de Dominique Boyer. La peintre a érigé sa conception contemporaine du pictural en un style  non-conventionnel, signe du XXI ème siècle.

Le style de l'artiste est avant tout une liberté. Il y a dans l'art des approches plasticiennes, par lesquelles les peintres voudront que leur geste soit aussi expression identificatrice, par l'uniformisation de la palette, de tonalités, de graphismes, voire de thème. Ceci depuis des siècles, du figuratif à l'abstrait. Ce qui en soi est une logique dans la peinture depuis les primitifs de la pré-Renaissance, jusqu'à nos jours. Or, si elle a pu faire école du passé, aujourd'hui pour Dominique Boyer, peindre doit exprimer une création certes, mais aussi une créativité. C'est pour cela qu'elle s'élance dans un renouvellement audacieux avec chaque toile, rendant son geste encore plus original, son abstraction encore plus avancée. Si le style reste aux frontières de l'impressionnisme et de l'abstraction, elle ne se fait pas obligation de s'astreindre, avec ses colorismes différenciés selon les sensations, car elle ne veut rien convenir d'avance avec elle-même, pour ne pas brider les muses, elle veut laisser le flux de son inspiration venir se poser intact sur ses toiles en une modalité initiale, spontanée, de formes, de nuances, en éclosion du tableau, en une apothéose finale... Elle appartient à ces nouvelles générations de peintres dans notre société du présent, qui veulent aller au delà de tout à-priori, de toutes normes académiques ou doctorales, afin de transcender les fondements picturaux pour poser d'autres visions plus nouvelles, innovantes. Le talent, voire, le don de Dominique Boyer, lui dicte sa grammaire esthétique et cela est suffisant. Elle incarne cette hyper-sensibilité féminine qui trouve dans la peinture un mode d'expression noble, pour crier son bonheur ou bien sa peine, en des allégories immatérielles émouvantes, telles avec ces fleurs qui pleurent (M.J.S. 100 x100 cm). C'est le besoin de pousser la peinture plus loin, pour en faire ressortir une dynamique de modernité. S'étant peu a peu libérée de l'image figurative, l'artiste à finalement fait le choix de résonances autres, su accéder aux territoires abstraits dans lesquels elle peut, par le moindre signe, générer des éruptions bouillonnantes de sentiments aux spiritualités bouleversantes. C'est cela le plus vital, le plus authentique pour Dominique Boyer, lorsqu'elle fait danser son pinceau sur la toile. Un regard et une grâce de peindre, cet insight qui lui donne une lumière intérieure qu'elle transmet, pour faire s'élever le spectateur vers d'autres valeurs de l'art, mais aussi vers d'autres dimensions de lui-même. Dominique Boyer, sélectionnée « Talent des Arts d'Aujourd'hui » 2011, en présentation aux Espaces muséaux du Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur, marque une peinture européenne, qui mérite d'être connue aussi bien en Chine qu'aux U.S.A., parce-qu'il s'agit là de quelque-chose de notre art d'Europe, que l'artiste fait jaillir à la surface du monde et de la culture internationale.

 

Antoine Antolini, Juillet 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUILLET 2011"    « Dominique BOYER, peintre. Un exemple des nouvelles mouvances stylistiques contemporaines de l'abstraction. Loin de toutes uniformisations de palette ou d'expressions, elle incarne la liberté créative.» © Texte, Antoine Antolini - Juillet 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98

© Editions des musées et de la culture EDMC 2011

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 


■ La peintre Nathalie RICHARD ayant assimilé l'esthétique occidentale, réussit la synthèse du fauvisme français et de l'action painting américaine, avec un nouveau style dans l'art du portrait.


"PROVOQUE" PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

PEINTURE DE NATHALIE RICHARD

LA PEINTRE NATHALIE RICHARD MEDAILLE

LA PEINTRE NATHALIE RICHARD MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2011

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Nathalie Richard, peintre, Médaille d'Honneur "Talent des Arts d'Aujourd'hui" 2011


L'EXPRESSION DU PORTRAIT, SON STYLE, LA REPRÉSENTATION QUE LES ARTISTES ONT SU EN FAIRE DE LEONARD DE VINCI A REMBRAND, DE MATISSE A PICASSO, MAIS AUTANT, OUTRE-ATLANTIQUE, D'ANDY WARROL A WILLEM DE KOONING, CE FUT ET C'EST TOUJOURS UN TERRAIN PRIVILÉGIÉ DE CRÉATIVITÉ ET D'INNOVATION ARTISTIQUES ; EXERCICE HAUTEMENT COMPLEXE, L'ART DU PORTRAIT PEUT ÊTRE SOUVENT LE REFLET D'UNE SOCIÉTÉ, D'UNE ÉPOQUE... IL VÉHICULE UNE SÉMIOTIQUE DE MODERNITÉ ET DE PROGRÈS... EN FRANCE, AUJOURD'HUI, LA PEINTRE NATHALIE RICHARD, STABILISE UNE GRAMMAIRE ET UNE PALETTE POUR GÉNÉRER UNE AVANCÉE INTERNATIONALE. L'ARTISTE, REFONDE ET DÉVELOPPE LES RÉFÉRENCES DU DOMAINE EN DE NOUVELLES ACCEPTIONS ESTHETIQUES; LA PEINTRE SAUVEGARDE L'IMAGE INITIALE DU VISAGE POUR LA POUSSER AU-DELA DU RÉEL, EN UNE INTERVENTION PLASTIQUE AVEC DES ÉQUILIBRES DE FORMES ET DE COULEURS, AVANT-GARDISTES ET MESURÉS. PAR SA RECHERCHE, SES EFFORTS THÉORIQUES ET PICTURAUX, ELLE APPORTE DE NOUVELLES CONCEPTIONS BIEN FONDÉES POUR UN NOUVEAU PORTRAIT HORS DE TOUT DÉJA-VU.


Nathalie Richard à vu son talent émerger tout naturellement, comme une réponse à un état intérieur. Sa peinture, tel un fleuve débordant un barrage, s'exprime en diverses thématiques, que l'on peut résumer en trois grands axes, les portraits, les nus, les paysages urbains. Ce sont les portraits qui mobilisent le plus aujourd'hui la capacité créative de Nathalie Richard, voire l'intérêt du public. La peintre a su trouver dans cette voie matière à innovation. Cela n'est point une discipline facile à renouveler, certes, toutefois comme pour toutes découvertes, c'est un peu le fruit du hasard, mais aussi disons-le, tout autant, beaucoup de travail assidu sur la toile. Les années sont relatives en peinture, selon les efforts et le temps que chacun voudra ou peut y consacrer, selon sa volonté... sa motivation. La réussite de Nathalie Richard montre que l'ingrédient essentiel reste pourtant le talent. Le public ne s'y trompe pas et se trouve interloqué devant ses tableaux de portraits, ses visages, ses personnages, et ressent parfois une sensation familière, de déjà connaître, de déjà avoir vu en exposition cette artiste... Il y a en fait dans les portraits de Nathalie Richard une osmose des plus grandes tendances de l'art moderne et contemporain. L'artiste a su les mettre en synthèse, en harmonie, faire une symbiose, avec une aisance de création déconcertante. Une simplicité de savoir-faire, ceci parce qu'elle a su trouver, comme un chercheur, la bonne équation. Parce qu'elle avait besoin de faire sortir quelque-chose qui était enfoui en elle. A partir de là, c'est un univers portraitiste fort, puissant, abouti, qu'elle décline avec brio, qui fascine et subjugue immanquablement le spectateur... Du fauvisme à l'action painting, Nathalie Richard peint, laissant aller ses pulsions de dripping animer un colorisme cru, parfois violent, mais toujours mesuré, atténué. La lisibilité des formes qu'elle propose, avec des ombraisons très colorées font jouer une autre réalité sous nos yeux. Un figuratif portraitiste qui a su unir des tendances Matissiennes et fauves avec les fougues de l'école américaine des tous débuts du contemporain. Une peinture audacieuse ? Bien sûr, car l'artiste est sortie des sentiers battus sans perdre les références essentielles du progrès de l'art. C'est bien pour cela que cette peinture reste européenne et ne peut être confondue, ni avec de l'art asiatique, ni même américain. L'alchimie des portraits de Nathalie Richard, lui est propre, et l'on voit l'artiste construire son œuvre avec bonheur en gardant son cap, sans inhibitions, en toute liberté. Bien fondé, son travail sur le portrait ne cesse ainsi d'avancer. Les intuitions de l'artiste prennent corps avec succès dans un sourire, un regard, parfois dans l'ambiance diffuse d'un entrelacement de jets de couleurs, de gouttes de peintures, de gestes spontanés, de contrastes atypiques, qui nous feront découvrir les sensations étranges d'une peinture attractive; Nathalie Richard nous fait percevoir la vérité du personnage à partir du plus profond de nous-même. Si l'artiste trouve du plaisir à peindre, elle transmet souvent dans ses toiles une atmosphère optimiste. Elle crée ses visages comme autant de scénographies expressives. Ses tableaux nous interpellent particulièrement sur la vie intérieure de ses personnages. Et c'est bien là où l'on reconnaît le talent du peintre. Chaque figure a sa propre histoire. Une mimique spécifique qui est comme la vision concrète d'un caractère, d'un reflet d'âme... Nathalie Richard est devenue une peintre de paysages intérieurs. Elle traduit un monde introverti qu'elle fait remonter à la surface, dans un regard, un sourire, un cri, une moue... Des paysages intérieurs humains, vivants... un vécu qui transparait au travers d'un aspect parfois rude. Peindre, dire la vie, dire aussi la société avec la représentation d'un visage... c'est ce travail parfois sociologique qui fait sa différence, et rend les portraits de Nathalie Richard, en phase, en prise directe avec le monde d'aujourd'hui. Portraits imaginaires ou images de conscience collective... Un peintre qui peint le monde, ses mythes, ses croyances, ses misères... De « Colère » à « Tiané » l'artiste nous fait passer d'une force, d'un peur ou d'une violence, au monde éthéré des exotismes les plus rêveurs... Avec une toile telle « Provoque », c'est une réalisation qui prend place dans l'art contemporain pour peindre avec beaucoup de justesse tout le non-dit de toutes les révoltes, de toutes les ironies, des fatalités... « Provoque », prend place ainsi d'une manière intemporelle, hors de l'époque ou des lieux, pour figer ce trait de communication non-verbale en terme artistique. Avec le défi contenu dans « Provoque » Nathalie Richard à su s'emparer d'une image archétype pour la mettre définitivement en plein statut esthétique dans l'art contemporain. Cela lui appartient. Les toiles « Homme de l'ombre » et « Illusion » marquent deux versants de son style portraitiste. Le premier, plus intégral, pose un fauvisme modernisé, avec une palette plus restreinte et une économie de tonalités, que l'on retrouve dans d'autres de ses tableaux; Le second, plus dense, fait ressortir beaucoup plus intensément la pluralité colorique et technique de sa démarche picturale. Un style très actuel, qui permet d'apporter une pierre supplémentaire à la construction de l'art. Nathalie Richard, avec ses portraits, incarne bien le talent en toute simplicité, une nouvelle vague d'artistes, qui comprennent la peinture, qui ont la volonté de créer, et qui occupent une place incontournable, dans l'art vivant d'aujourd'hui, par leurs intuitions et la qualité de leurs réalisations .

 

Antoine Antolini, Juin 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI - JUIN 2011"    « La peintre Nathalie Richard, ayant assimilé l'esthétique occidentale, réussit la synthèse du fauvisme français et de l'action painting américaine » © Texte, Antoine Antolini - Juin 2011 Direction rédactionnelle, Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 -

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ Le peintre-pamphlétaire français, Patrice SERVAGE, génère un nouveau surréalisme contemporain dans l'art international.


1 - Peinture de  Patrice Servage

1 - Peinture de Patrice Servage

2 - Peinture de Patrice Servage

2 - Peinture de Patrice Servage

3 Le peintre-pamplétaire Patrice SERVAGE

3 Le peintre-pamplétaire Patrice SERVAGE

4 - Peinture de Patrice Servage

4 - Peinture de Patrice Servage

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HERITIER DE VOLTAIRE ET DU "SIECLE DES LUMIERES", LE PEINTRE-PAMPHLÉTAIRE PATRICE SERVAGE , NOUS PARLE, AVEC SES TOILES, DU MONDE ET DE LA SOCIETE. UN NOUVEAU SURRÉALISME D'AUJOURD'HUI DONT LE MESSAGE EST DEVENU ART CONTEMPORAIN.

 

Une peinture attendue dans l'art contemporain, qui vient renouveler à l'aube du siècle , le Surréalisme, en une nouvelle portée de messages modernes, à l'heure du virtuel, au cœur des problématiques sociétales et de civilisation.

 

Patrice Servage détient les clés d'une modernité contemporaine, adaptée à notre époque. S'il est vrai que la société actuelle est devenue un épisode important du progrès scientifique et technique, à la fois univers des technologies de pointe,tout autant que nouvelle étape de civilisation dans les problématiques les plus diverses. Il fallait bien alors, en arriver à ce qu'un artiste sache s'emparer un jour, de la peinture comme moyen de communication culturelle pour venir clamer, dénoncer, souligner, avec pertinence, ce qui nous concerne de plus urgent, dans ces domaines des sciences sociales, humaines, environnementales, de sauvegarde de la Planète, dans ce monde ultra-moderne. Patrice Servage, en respectant et intégrant les fondamentaux de la peinture, peint ce que l'on ne sait pas ou veut pas voir, ou que tout simplement l'on fait semblant de ne pas comprendre, que l'on ne veut, ou ne pouvons regarder en face... On ne peut toutefois échapper aux tableaux du peintre-pamphlétaire Servage et à ce qu'ils montrent devant nos yeux, lorsque la raison et les voix se taisent...

 

Patrice Servage, tel un Voltaire du XXI ème siècle, manie le pinceau comme le grand écrivain maniait la plume, avec verve et talent certes, mais ceci pour mettre en exergue les paradoxes de notre monde, les contradictions dans les mentalités, l'illogisme des individus et de leur comportements individuels ou collectifs. Le style de l'artiste est percutant. Servage vient du monde de l'image de la communication et de la presse, et nous y fait renvoie dans sa peinture. Il sait impacter artistiquement par sa peinture ce qu'il peut y avoir de plus fort en terme de message, en terme de visuel. Ses toiles, figuratives et narratives , autant scénographiques qu' anecdotiques, se veulent de véritables tableaux-pamphlets sociétaux par la conjugaison du sens, de l'image et de l'art. Son pinceau semble parfois trempé dans l'acide, pour venir nous dépeindre des moments forts, sans concessions, mais qui se veulent de véritables miroirs de société. Messages-traits de société, de charité et de misère, de guerre et de paix, d'amour et de haine... C'est par l'art de la peinture , dans un style hyperréaliste que Servage, vient nous mettre sans ambiguïté la réalité sous les yeux. Tenant haut le flambeau à la suite des maîtres qui l'on précédé et qui assignaient à la peinture la mission de servir la société, du classicisme au réalisme, sous les grandes périodes de l' Histoire. Aujourd'hui, le peintre Servage crée un nouveau surréalisme, car il sait mettre à la portée du spectateur, du grand public, des allégories inédites, pour nous faire prendre conscience par ses tableaux de vérités, de réalités actuelles de notre quotidien. Impressions qui nous échappent dans les visuels pluriels, les imageries multiformes et complexes du cinéma et de la télévision. Ses créations sont alors autant "d'arrêts-sur-image" pour nous donner le temps de réfléchir, de prendre conscience, dans la course trépidante de l'actualité du monde. De l'allégorie qui dénonce la propension à un mal-être de la société, son pinceau va manier parfois la parabole tel son tableau "Bonne Chance" pour aménager des terminologies de messages plus universalistes, Il y a souvent chez Servage, le jeu-miroir d'une société, qui se cherche, dont il vient inscrire les errances dans notre entendement. La peinture de l'artiste, n'est pas une peinture de quartier, ou de pays, c'est une peinture pour le monde entier... C'est un travail qui émeut sous toutes les latitudes, pour exprimer, révéler divers sujets pour une prise de conscience humaine, voire humaniste. Le langage est universel dans la peinture, Servage en fait du message universel, riche, évident, clair, mais qui est parfois plus étoffé qu'une simple lecture au premier degré. L'art du peintre est d'avoir su maitriser la technique du pictural, de savoir construire une esthétique parfaite, de façon optimale, pour la rendre utile, pour une société confrontée par l'artiste à ses propres vides, ses défaillances... Une peinture, au contenu qui favorise une "conscientisation" des problématiques, pouvant permettre alors d' améliorer les comportement humains. C'est en ce sens que le travail de Servage est constructif, positif, car il dit des travers, afin que l'on sache y remédier. Servage vit sa peinture en tant qu'un art immergé dans la société, qui appartient à la société, ce n'est pas une peinture qui veut défendre telle ou telle cause, c'est une peinture qui veut parler de son temps, qui montre son époque en langage de peintre, qui veut bouger dans l'art de son siècle... Si la peinture de Servage peut faire changer la vision du spectateur sur les choses qui l'entourent, c'est avant tout parce qu'elle va faire changer en son fort intérieur l'Homme, un homme, une conscience, mais aussi la conscience collective, la conscience sociale. Tel Dali et ses messages, Servage dans une fraîcheur de vie, dans une jeunesse de cœur, est dans une générosité d'amour de l'autre. Il vient peindre tout autant devant nous sa souffrance, son désarroi de voir que la guerre est ruine, que l'égoïsme fait encore des ravages, que l'indifférence existe bien, et que la planète en souffre à maints égards. Il agit aujourd'hui tel un grand peintre. Servage a bien compris le rôle et la fonction que peut avoir la peinture, il a su après des années de labeur, maîtriser cet art. A présent il le porte sur le seuil de la société pour lui proposer d'évoluer, de s'améliorer. Servage, le peintre-pamphlétaire français, nous fait la démonstration par son œuvre de ce que la peinture figurative et hyperréaliste peut apporter lorsqu'elle devient véhicule d'intelligence, de clairvoyance, de discernement, de ressentis intérieurs pour exprimer l'amour et le bon. Patrice Servage, semble bien  être le premier artiste dans l'histoire de la peinture à porter ce qualificatif de "peintre-pamphlétaire", en tant que peintre  sachant traduire avec le plus de pertinence, à notre époque, dans la tradition des meilleurs esprits, cette forme de sensibilité sociétale tournée vers les autres, avec un talent résoluement à vif, indispensable à la qualité intellectuelle de la culture.

 

Antoine Antolini, Avril 2010

Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine(CRACP)

 

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" le peintre Patrice Servage - Avril 2010 -

Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - Côte d'Azur (France) -

© Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC -Direction rédactionnelle-Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP) – 2010 -E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98 -

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Biographies d'artistes ▼

■ « Sylvie AUVRAY COMIN, peintre; Un zoom en contemporain sur le fessier féminin, dans le nu du XXI ème siècle » ...


"Nu rêveur" de Sylvie AUVRAY COMIN, peintre

"Nu dans les champs"

Peinture

Peinture "Nu d'automne" de Sylvie AUVRAY COMIN

"Nu à la cigarette"

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Après l'esthétique grecque, Michael-Ange, les nudités de la Renaissance, de Boucher à Ingres, jusqu'aux Baigneuses modernes... Sylvie Auvray Comin, marque une étape nouvelle et originale, en dépassant les grands rendez-vous des années 60, lorsque Yoko Ono en 1966 avec N°4 Bottoms, rendait les fesses sujet et objet d'avant-gardisme …


Un pinceau qui joue sur toute la gamme des techniques à l'huile, des glacis, clairs-obscurs, luminosités, une spatule qui peint et sculpte un nu dans les épaisseurs des pigments... Sylvie Auvray Comin, peintre confirmé, fait de plus en plus parler d'elle; Distanciée de tout néoclassicisme, Auvray Comin porte une palette qui sait convaincre, fraîcheur, sûreté du geste, modernité... Sylvie Auvray Comin à eu l'idée de cerner son territoire pictural autour de plans rapprochés sur des fessiers de corps de femmes, des bas de dos au féminin, qu'elle peint avec toujours un contexte, des titres évocateurs, « Nu sirène »,« Nu d'automne »,« Nu à la cigarette »,« Nu dans les champs »,« Nu au bord du lit »,« Nu tentation »...

 

Une démarche plasticienne, qui innove dans la tradition d'un sujet immémorial, celui du corps féminin...


Sylvie Auvray Comin peint à partir de modèle vivant, en atelier, cela lui permet de définir un lien figuratif, hyperréaliste, de rendre la sensualité. Courbe d'une hanche, rondeur d'une fesse, elle veut par ses couleurs de carnations, ses ressentis visuels compenser les tonalités froides d'un corps, par la recherche de rendus translucides de la peau, un velouté. Elle aime préciser « pour moi l'idéal c'est d'arriver à faire passer mes propres émotions, j'intègre toujours du poétique dans mes tableaux, comme avec  le Nu dans les champs ». C'est important dès lors, qu'il y ait le contexte bien élaboré. Un environnement, un décor, imaginé, suggéré, qui va situer la nudité et permettre l'imaginaire, l'atmosphère de l'œuvre. Cela en fera sa qualité, sa particularité... Pour ce peintre novateur, l'art doit être aussi reflet de vie, optimisme, tentation... Elle dit : « à l'opposé des fesses de statues qui n'ont que l'histoire de leur personnage, les fesses que je peins veulent raconter, être narratives d'un moment, d'un lieu, par les indices que j'ajoute dans leur environnement ». Une démarche aboutie avec ce « Nu à la cigarette », une synthèse historique de Toulouse-Lautrec au Pop-art, ou bien ce « Nu d'automne » qui à lui seul évoque la Renaissance et vient y apporter, aujourd'hui, comme un chaînon manquant... Ou encore ce « Nu au bord du lit » qui résume, à lui seul, les préalables du Pop-art, lorsque les premières starlettes se libéraient en clichés sur les calendriers d'après-guerre,ou en posters chez les routiers d'Outre-Atlantique... Sylvie Auvray Comin vient nous dire le conscient et l'inconscient sociétal. Pas de non-dit, ni de non-peint, avec tact et talent, douceur et beauté, pudeur et sincérité l'artiste exprime pleinement son art.

 

 

Dans l'esthétisme référent du nu féminin, l'artiste a su clarifier un nouveau code pictural...

 

Sylvie Auvray Comin nous donne la preuve d'un nouveau regard dans ce que l'on croit voir depuis toujours. Le peintre offre un style pictural affirmé, un voir autant un savoir-regarder. Ayant ainsi définitivement mis en symbiose, délicatesse du classicisme et audaces du Pop Art, Sylvie Auvray Comin, vient redéfinir un item esthétique pour en poser et défendre dans notre société actuelle son plein-statut d'art. L'artiste a récupéré en pallier artistique une image déferlante du corps pour l'amarrer solidement en expression qualitative, aux antipodes de tout excès. Son travail intervient telle une nouvelle version du visuel du fessier au féminin, originale et exclusive face à toutes les recherches autour du nu, du corps et de leurs représentations plurielles d'hier à aujourd'hui. Sylvie Auvray Comin, avec un style, à su re-délimiter et ré-conquérir un territoire dans l'esthétique contemporaine, se l'approprier en une nouvelle grammaire. Sa prise de conscience, sa sélectivité et son actualisation d'éléments essentiels et intemporels de l'esthétique du corps de la femme témoignent de son talent. L'artiste à bien révélé ses peintures, au travers de nombreuses expositions en France, sur les médias comme internet où elle a pu faire connaître, internationalement son créneau artistique, qui lui est personnel. Le style de Sylvie Auvray Comin fonde un contenu sémantique fort, pose aujourd'hui une innovation picturale véritable et puissante, que l'on discerne nettement dans le flot des créations contemporaines. Une balise-signal incontournable dans l'art du XXI ème siècle naissant.

 

 

Antoine Antolini, Août 2010

PÔLE D'EXPOSITION TOULON CÔTE-D'AZUR

" TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010"

 

Pôle d' Exposition Toulon Côte-d' Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2010" - « Sylvie AUVRAY COMIN, peintre; Un zoom en contemporain sur le fessier féminin, dans le nu du XXI ème siècle » ... © Texte, Antoine Antolini - Août 2010-Direction rédactionnelle, Recherche en Art - Centre C.R.A.C.P. - e-mail: centre.cracp@ yahoo.fr-T:06 10 99 90 98 

 

 

 

Christine Bruyère, Kitou B , peintre
■ UNE PEINTURE EN EVOLUTION DANS LE CONTEXTE DE L' ART CONTEMPORAIN AVEC UN POTENTIEL AVANT-GARDISTE.


Kitou B. sait traduire de profonds ressentis intérieurs, en un impressionnisme moderne, en jeux-miroirs d'une abstraction paysagiste...
Une grammaire puissante, épanouie, maîtrisée.


1

1 "Merveilleux Kerry " peinture de Kitou B (Christine Bruyère)

2

2 " Lac des Deux-Rivières" Ontarion CANADA peintre Kitou B

3-

3- " Leenone la nuit " - Connemara - IRLANDE - peintre Kitou B

4- peintre Kitou B - REGARDS

4- peintre Kitou B - REGARDS

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Le style de Kitou B. est abouti, ses œuvres sont fermement construites et bien architecturées. Le peintre porte un regard sur ses sujets, paysages, portraits, qui reste fidèle, sachant simultanément discerner les principales caractéristiques du visuel pour les potentialiser. Son geste est sûr, affirmé, son colorisme est vigoureux, direct. Il y a une force, de l'énergie qui se dégagent de cette peinture. L'artiste arrive à préserver, sauvegarder, la vibration sourde que recèle le motif. Kitou B. fait jaillir, ressurgir la vérité, l' authenticité, du paysage, en y intégrant ses ressentis profonds, sa sensibilité d'artiste confirmée. C'est une émotion intérieure, qui lui donne le discernement de l'essentiel à peindre, dans les choix de ses tableaux.


 

Le paysagisme de Kitou B. est à la fois une vison de la Nature et une représentation de la beauté simple, sauvage, brute. Qu'il s'agisse de ses paysages du Connemara, de l' Irlande, ou de ceux de l'Ontario au Canada, le peintre Kitou B. sait apporter la qualité de la peinture française, de notre berceau culturel européen, lorsqu'elle applique son style à d'autres cieux, d'autres panoramas. Sa figuration, aux échos cézanniens, témoigne de la compréhension d'une véritable esthétique de la Nature. La créativité de l'artiste pose judicieusement, équilibres de formes, jeux de volumétries, harmonies dans les valeurs de ses colorismes. .Kitou B. en une dimension internationale, nous montre ainsi dans son travail, avec son œuvre "Leenane la nuit" (Connemara-Irlande) ou bien son tableau "Tombée de nuit sur le Lac des Deux-Rivières",(Ontario-Canada) que même avec des continents les plus différents, son style sait discerner les dominantes tonales, les lignes de forces, pour restituer au spectateur un tableau tel un instant intemporel de réalité et de vie. Afin de à mettre en résonnance les formes et couleurs essentielles, chaque touche de Kitou B, devient primordiale. Ceci pour conduire l'œuvre à son aboutissement en symbiose des paramètres pluriels de l'art. Les créations d'harmonies, la spontanéité contrôlée, qui apparaissent avec "Merveilleux Kerry" notamment, attestent bien une rigueur artistique, professionnelle, mais autant cette expérience de plusieurs années de peinture, qui seules peuvent permettre cette mise au point stylistique. Aujourd'hui l'artiste Kitou B. sait amener l'image du paysage au degré de lisibilité qu'elle souhaite,jusqu'à ce que lorsqu'elle  le veut, on y puisse saisir l'immatériel... Le peintre fait quasiment parler le paysage, elle a appris ce langage de la Nature dont sa palette devient interprète. L'artiste parle aux yeux, au regard du spectateur, privilégié et attentif, pour lui confier le mystérieux, le magique, le rare, que l'on peut y voir.... Loin d'un paysage qui serait idéal, Kitou B. aime la réalité, la présence, l'austérité solitaire de la Nature indomptable, comme celle du Connemara, que seul son pinceau arrivera à faire entrer en convivialité avec les spectateurs. Ses tableaux confirment une logique post-cézannienne, dont la construction vient nous faire côtoyer les dimensions d'abstraction, comme si l'irréel pouvait s'inscrire dans le quotidien, comme si ces paysages pouvaient devenir subitement autres et apparaître sous les doigts de l'artiste, une essence plasticienne surnaturelle... Kitou B. nous offre une esthétique différente, que seule la peinture peut traduire et elle nous entraine, au bout d'un chemin, au-delà du beau et du fort, encore plus loin que l'image abrupte du lieu... L'artiste nous induit vers une poétique originelle, jusqu'à une sensation quasi-cosmique, face à la beauté, à la majesté, à l'immensité, de la Nature. Une peinture vraie, qui sans s'encombrer d' artifices, sans se perdre dans des superficialités, sait nous faire découvrir tous les non-dits distanciés de la vision première du paysage.  Au travers des œuvres représentatives du travail de Kitou B, on ressent que cette peinture par sa force et sa puissance pourrait aisément, dans son esprit, rivaliser avec les paysages les plus évocateurs d'un symbolisme aux atmosphères immanentes. D'autres dimensions, dans le style de Kitou B. , dans sa grammaire, conjuguent toutefois un contenu qui aime stratifier, bâtir, aller en à-plats presque géométriques, interposer, intercaler de larges touches, dans une intelligence d'architecture. Cela nous rappelle les sources anthologiques et génériques d'un pré-cubisme, dont Cézanne fut précurseur. C'est ici une recherche particulièrement intéressante que conduit Kitou B., pour le bonheur du public. Dans son approche du visuel, avec ses portraits notamment "Tendresse" et "Regards", l'artiste montre une aptitude à saisir d'autres volumétries, une capacité à repositionner la perception visuelle, au moyen de l'impact des masses colorées. Le peintre Kitou B. , maitrise un style marquant, original, qui fait parfois échapper les paysages au sens, pour les rendre ensemble de signes sur la toile, en espaces colorés et matiéristes. Une esthétique qui convoque une autre formulation de la beauté picturale, peu commune, qui fait apprécier Kitou B. Un travail qui se signale en France, avec un potentiel qualitatif très porteur, que l'artiste développe en contexte d'art contemporain,

 

Antoine Antolini,Avril 2010

Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine(CRACP)

 

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" le peintre Kitou B. (Christine Bruyère) - Avril 2010

Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - Côte d'Azur (France) -

© Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC

Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2010

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© Editions des musées et de la culture EDMC 2010

TOUS DROITS RESERVES POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


 

 

 

Nathalie AFONSO DELL'OMO,
Une peinture ethnographique, comme un pontage à travers l'espace et le temps


AFONSO N.

AFONSO N. " SAMOURAI "

Nathalie AFONSO

Nathalie AFONSO " MASSAI "

MASSAI, par Nathalie AFONSO

MASSAI, par Nathalie AFONSO

AFONSO N. peinture

AFONSO N. peinture "APOLLON"

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LORSQUE LA PEINTURE ETHNOGRAPHIQUE

ENTRE EN DIMENSION D'ART CONTEMPORAIN.

 

Nathalie Afonso Dell'Omo (Afonso N.) participe utilement à une évolution de l'art, au travers de ses approches, qui renouvellent et vivifient le concept de ce que l'on appelle aujourd'hui la "peinture ethnique". L' "art ethnique", à travers le monde, de Melbourne, au Musée du costume ethnique de Shanghai, des Musées ethnographiques d'Ukraine, à ceux d'Amérique Centrale, d'Asie, d'Afrique ou d'Australie, permet de témoigner du passé des peuples, montrer leur mémoire, les composantes ancestrales des sociétés actuelles.

 

Nathalie Afonso Dell'Omo, travaille en France, sur le concept d'une expression nouvelle de l'ethnologie par la peinture et produit une ethno-peinture. Elle superpose les ressentis provenant des profondeurs des civilisations non-occidentales, à la modernité esthétique de l'art contemporain d'aujourd'hui. Elle a su réaliser dans sa thématique, une interprétation européenne avant-gardiste. L'artiste est pionnière d'une nouvelle terminologie picturale, à la fois figurative et abstraite. Son style convoque les actes figuratifs les plus académiques pour les mettre en résonances, dans une même œuvre, avec un impressionnisme abstrait. Son travail évoque une dimension universaliste. Son pinceau délicat, sa gestualité spontanée, posent une grammaire innovante de formes et de couleurs en un paroxysme de modernité, ceci appliqué à un art immémorial, qui puise ses racines à l'aube des civilisations... De l'Afrique des Massaï, une série de tableaux réalisée par le peintre, à l 'Asie des Samouraï, N. Afonso Dell'Omo, a su formuler une notion de pontage, tant attendue.  Avec un style incomparablement personnel, qui dit en un vocabulaire explicite et abstrait, les points communs des êtres, leur vérité et leur spiritualité, la peinture d'Afonso N., sait aller du physique, à l'immatériel. Elle souligne ainsi au travers de ses œuvres l'authentique, sous toutes les latitudes. L'artiste exprime la force et l'énergie dans lesquels baignent les groupes humains aux liens forts, le caractère transcontinental et transculturel des attitudes et des conceptions, qui ne sont pas paradoxes, quand les minorités sont, tout autant, peuples du monde...  L'artiste à su innover indiscutablement, d'un point de vue pictural, en faisant coexister dans ses oeuvres figuratif et l'abstrait. Cela lui permet de traiter deux dimensions humaines, le physique et le spirituel. Dès  lors  Nathalie Afonso Dell'Omo met en signes contrastés les ressentis extérieurs et intérieurs. L'artiste rend à la figuration et à l'abstraction leurs fonctionnalités initiales, pour représenter fidèlement la réalité ou bien pour l'interpréter. La représentation authentique de l'expression humaine, du visage, identifie nettement le personnage peint par l'artiste, puis c'est un autre exprimé, gestuel et immatériel, qui vient élever artistiquement vers le plan de la spiritualité l'œuvre d'art. Les costumes deviennent supports d'un langage abstrait. Le pinceau offre au spectateur un florilège audacieux de colorismes forts, qui nous transportent, au-delà de toute frontière, plus loin que la barrière des langues et des dialectes mystérieux, plus loin que les mythes fantastiques, écouter les légendes tribales, dans lesquelles les sociétés contemporaines se retrouvent comme dans un rêve du passé...  Nathalie Afonso Dell'Omo à su maîtriser les grandes logiques de l'art contemporain, les dépasser en un artefact original, pour mettre ainsi en relief, avec sa peinture, ce qui peut relier le territoire, la mémoire, les valeurs profondes, l'esthétique, les peuples qui s'y rattachent. Massaï fiers et doux, archétype d'un passé lointain encore vivant. Samouraï emblématique de valeurs humaines, hors de toute époque ; De l'0rient à l'Afrique, Afonso Dell'Omo peint les pôles extrêmes, développe une réalité imagière moderne. Sa peinture vient figer l'Homme et son Histoire sociétale, comme une trace de mémoire du présent, face à tous les non-dits, les non-peints... Des tableaux comme autant de phares qui scintillent au plus profond des inconscients collectifs des pays et des nations modernes. Pourquoi peut-on dire aujourd'hui que la peinture de Nathalie Afonso Dell'Omo est ethnographique ? Parce que l'artiste est allée plus loin qu'une expression de peinture  par définition "ethnique", plus loin qu'un "Art Ethnique", en arrivant à créer, puis à inscrire avec talent dans l'art contemporain d'aujourd'hui, une grammaire novatrice pour peindre des sujets typiques aux esthétiques intemporelles, constitutives d'un patrimoine artistique universel.

 

 

Antoine Antolini,Mars 2010

Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine(CRACP)

 

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" peintre Nathalie Afonso Dell'Omo - Mars 2010

Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - © Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC

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Anne MATHIEU, Sociétaire des Artistes Français - Paris
"Une expression moderniste du paysage dans la lignée des maîtres de la lumière".


"Métamorphose sylvestre", peinture, Anne Mathieu

"Colorado Provençal " de Anne Mathieu

Anne Mathieu a peint

Anne Mathieu a peint "Port Miou"

"Oliveraie des Baux", peinture, Anne Mahtieu

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Le travail d' Anne Mathieu sur le paysage nous emmène et ce n'est pas par hasard, sous la lumière de Provence. Le peintre a su rassembler et nous apporte une alchimie picturale exceptionnellement riche pour l'art d'aujourd'hui. Mathieu possède, intuitivement, une esthétique étrange, rarissime, à la fois héritée de Cézanne et de Matisse, et qui l'habite profondément.

Son œuvre fait apparaitre clairement un écho évolutif des logiques de Cézanne, en un avant-gardisme saisissant, nous rappelant lorsque le maître tentait de capter l'essentiel du visuel face à la Sainte-Victoire, en épurant tous les impacts, en frôlant, sans y entrer, les territoires des abstractions. Aujourd'hui, Anne Mathieu est parvenue à conjuguer l'essentiel de l'atmosphère du paysage avec la géométrie des lignes, pour nous dire la vérité de la plaine et de la montagne... Elle nous fait découvrir en un nouveau langage contemporain, l'espace, la distance, les équilibres complexes de la Nature, tels autant de mystères cachés à nos yeux, qu'elle sait percevoir. Elle les appréhende tel un flash, spontanément, du premier coup d'œil. Mathieu ne peint un lieu que si elle vibre des résonances de formes et de couleurs, qui s'en dégagent. L'artiste peint la Nature en osmose profonde, C'est alors une synthèse esthétique aboutie, qu'elle fait naitre de lignes, de formes, de couleurs, mais aussi, d'architectures dévoilées, de sens nouveaux. Son talent lui fait traiter le paysage provençal, à sa façon, mais toujours avec la rigueur des maîtres, sans concession, pour atteindre et apporter l'absolue transcendance sur la toile. On peut déceler ainsi dans chaque tableau, comme une volonté d'Anne Mathieu de faire vivre dans la modernité un post-impressionnisme différent, évolué, correspondant vraiment à notre époque. Anne Mathieu innove définitivement, pour poser en Provence, sur la terre des maîtres de la lumière, un nouveau discours avant-gardiste et pensé, frais, mâture, exclusif et original. Elle brise tous les "a-peu-près" et les "a-priori" pour imposer sa propre grammaire. Son colorisme éclatant est intégré dans le paysage avec encore plus de force et d'énergie. Elle vient nous dire dans l'univers technologique du XXI ème siècle, l'émotion émerveillée de Matisse à Collioure, et nous révèle dans une actualité bouleversante, tous les ressentis secrets du fauvisme. Elle nous livre dans ses toiles le chant de la lumière et des couleurs. Le regard d' Anne Mathieu est un défi, elle ose une figuration construite et intégrale, libérée de tous les académismes, qu'elle veut lisible, en confrontation directe avec l'art contemporain international d'aujourd'hui, dans lequel elle a sa pleine place. Aux tous premiers rangs elle crie sa vision de l'âme de la Nature. Tout comme Matisse, le Fauve, le fit en son temps. Point de révolution chez Anne Mathieu, mais une révélation vivante de nos racines profondes, un style, une esthétique, qui surpassent toutes les hésitations, tous les atermoiements, pour venir signer, au nom de la Provence immémoriale, une authentique création française, face au monde.

Antoine Antolini, Février 2010
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine(CRACP)

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui" peintre Anne Mathieu - Février 2010
Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon - © Texte, Antoine Antolini CRACP/EDMC
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Anik, peintre aquarelliste,
"La maitrise de la lumière dans l'expression vivante"...


Anik peintre, Arlésienne

Anik peintre, Arlésienne

Fort St-Jean Marseille, Anik peintre

Fort St-Jean Marseille, Anik peintre

Peinture de Anik, Les Goudes - Le port

Peinture de Anik, Les Goudes - Le port

Tableau de Anik , les coquelicots

Tableau de Anik , les coquelicots

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La luminosité des aquarelles d'Anik étonne fréquemment le public. L'idée de perfection a été intégrée, depuis longtemps, chez cet artiste, comme un idéal à atteindre. Aujourd'hui, dans ses peintures, chaque détail est pour elle un geste essentiel, une finition, un élément du tout; Qu'il s'agisse de personnages, de paysages, de fleurs, ou d'autres motifs, le peintre nous transmet la force de l'éclat tonal, la puissance de la lumière au bout de son pinceau, comme des couleurs spécifiques de sa propre palette. Des œuvres qui deviennent alors de véritables morceaux de vie...

Anik peint ses aquarelles en un style figuratif, qu'elle sait pousser vers les académismes, parfois les plus rigoureux, avec le désir, cependant, de sauvegarder toute la fraicheur d'une peinture spontanée. Pour l'artiste, l'aquarelle appelle une technique éprouvée, ceci afin de restituer le plus directement possible, sans "repentirs", la vision qui s'offre à ses yeux. Dans son travail, la qualité de la luminosité provient de la délicatesse d'application, de l'exactitude du trait, du savoir-faire du peintre... Effectivement, l'on classe fréquemment les techniques d'aquarelles parmi les plus difficiles à manier, tant il faut acquérir de dextérité, de promptitude, d'expérience, pour réaliser une œuvre qui répondra aux meilleurs critères de cette discipline. Anik, au fil du temps, a su maîtriser toutes ces règles de base, pour peindre à présent en faisant passer le plus important pour elle, c'est à dire son ressenti profond. Aussi de cette subtilité de l'aquarelle, elle s'en sert pour nous montrer à travers son "Arlésienne" (aquarelle 44,5x35 cm), la jeunesse d'un visage, la fine texture de la broderie sur un voile, le décor du tissu d'une coiffe. Le pinceau est devenu sous ses doigts, un trait de lumière et de fines couleurs, qui vient séparer le visible de l'invisible, inscrire le sujet, le personnage, ou le paysage, dans l'art de peindre, avec tout les secrets de clartés diaphanes, diffuses, hors du commun. Anik, avec un talent vérifié, arrive à faire la part des choses, entre le beau, qu'elle extrait d' un réalisme trop cru, et cette vérité du paysage qu'elle aura su préserver, comme, par exemple, avec son port de "Les Goudes" (aquarelle 50x35cm). Le peintre nous ouvre un univers d'authenticité et a la capacité de nous faire partager une autre vision du motif, plus douce et légère, parfois fugace, tout en sachant y insérer une immense sensibilité. Dans son style, Anik nous dit aussi toute l'élégance, la finesse, la temporalité du moment qui passe, mais aussi la fragilité et l'éphémère d'un instant de vie... Beauté et évanescence d'une pose, visions de paysages qu'il faut savoir saisir, pour les transcrire sur le support, en autant d'émotions, tels ces reflets dans l'eau, ces barques, devant le "Fort Saint-Jean à Marseille" (aquarelle 46x5x35 cm). Anik, est un peintre confirmé, qui décode intuitivement la poésie qui se dégage de la simplicité du motif. Elle sait marier celle-ci à l'énergie de la lumière. L'artiste vient marquer ainsi, discrètement et sérieusement, sa place aux premiers rangs de l'art aquarelliste avec ses œuvres, tels "Les coquelicots" (aquarelle 29x38,5cm). Avec sa "Sainte-Victoire sous la neige" (aquarelle 50x35cm). elle a réalisé un travail de création des plus référents, audacieux, imaginatif, tant par l'aura qui entoure ce motif cézannien par excellence, que par le choix inattendu de cette fameuse montagne dans un état insolite enneigé... Et c'est dans le registre de jeux de clartés propres à l'aquarelle, qu'Anik nous signe une compétence dans laquelle elle fait se conjuguer lueurs, couleurs et luminosités.Avec "Reflets dans le miroir" (aquarelle 50x35cm), l'artiste nous a montré l'étendue des possibilités de l'aquarelle, lorsque l'on en maîtrise au mieux l'utilisation. Ceci par la précision de netteté du détail, dans les motifs décoratifs du châle notamment, que porte la jeune fille qui se regarde, face au miroir. Le peintre nous prouve dans ce tableau comment l'aquarelle, peut, en fait, tel effectivement un véritable miroir, rendre limpide et réelle l'image d'un visage, poussant plus loin encore l'académisme en des dimensions translucides. Toutefois, Anik aime préciser que la beauté de l'aquarelle ne peut donner son rendu exceptionnel, sublime, que si l'on ressent en soi-même ce que l'on peint; Il faut que l'œuvre provienne de son intériorité la plus sensible, la plus profonde. L'aquarelle, médium hyper-réactif, traduit les moindres impulsions, pulsions, sensations. Anik sait les poser immédiatement sur le support-papier. Arrivé à un niveau technique élevé, le talent, se retrouve dans le degré ultime de sensibilité, l'étincelle qui animera l'artiste dans son lien, sa relation inter-active avec l'œuvre qui réagit. Mener à terme une peinture est ainsi pour Anik, à chaque fois une épreuve et une histoire d'amour. Si le cœur et la technique doivent aller de pair, ce qui apparait aller plus loin chez Anik, c'est sa conviction dans sa quête du beau, de la lumière, de l'art, par ces moyens de l'aquarelle. Elle est dans une course ascendante, vers les plans les plus aigus de la recherche sur la luminosité picturale, qui respectera en même temps l'ambiance locale, l'atmosphère environnante du motif à peindre. Ainsi l'on arrive à mieux comprendre les raisons qui font que les œuvres d'Anik, bouleversent et émeuvent le public.

Antoine Antolini, Janvier 2010
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

« Mémoire des arts d’aujourd’hui-Le peintre aquarelliste ANIK » Décembre 2009-Janvier 2010 -Pôle Exposition (83.Toulon) Titre : « Anik, peintre aquarelliste; La maîtrise de la lumière dans l'expression vivante ».© Texte & photos, Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle,CRACP 2010 - Mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 - Diffusion sur tout support écrit audio-visuel et internet DR © Editions des musées et de la culture EDMC - 2010

 

 

 

Mireille ALDON, peintre,
"Une poésie imaginative, qui parle avec des formes et des couleurs"...


Peintre Mireille Aldon, Mère à l'Enfant

Peintre Mireille Aldon, Mère à l'Enfant

Rubis, tableau du peintre Mireille Aldon

Rubis, tableau du peintre Mireille Aldon

Grâce printanière, Mireille Aldon peintre

Grâce printanière, Mireille Aldon peintre

Peinture de M. Aldon, Joie de vivre

Peinture de M. Aldon, Joie de vivre

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Mireille Aldon pose un style personnel qui nous emmène dans un univers lyrique, poétique, dans une figuration libérée des académismes, qui associe les éléments d'un imaginaire fantastique, des aspects d'abstraction. Ses formes et couleurs s'enlacent à la modernité. Elle nous dit avec sa palette et sa sensibilité, un monde pictural différent, une démarche artistique fraîche et rénovée, libérée de toutes contraintes conventionnelles. L'essentiel pour l'artiste est de réaliser un tableau comme une éclosion, qui viendra surgir d'un talent pur, d'une spontanéité intérieure, d'un amour générique de l'art...

Le sens de la couleur, des équilibres, la répartition judicieuse de la construction sur la toile, semblent être une relation à l'art tout à fait innée chez ce peintre. "Ce qui se conçoit bien s'énonce clairement et les mots pour le dire arrivent aisément" (Boileau dans "L'art poétique") ; C'est un peu ce qui se passe chez Mireille Aldon, pour sa peinture... En effet, ses idées, sa palette et son pinceau s'expriment en une belle harmonie, pour nous offrir des moments de vrai bonheur. Certaines de ses œuvres sont des visions attrayantes de poésie peinte, telle sa "Joie de vivre" (acrylique sur toile 50x60 cm). On voudrait que plus rien ne vienne déranger l'artiste, comme si l'on redoutait que son inspiration puisse s'envoler et ne plus revenir, pour ces spectateurs conquis, devant ces couleurs vives, cette spontanéité gracieuse, bien posée sur la toile...  Le travail de Mireille Aldon, a su garder toute la vérité d'une expression artistique très personnelle, en dehors des influences ou des tendances du moment. Plus qu'une peinture qui s'impose, c'est une peinture qui ose... Elle dépasse les horizons des idées reçues. Ainsi, "Grâce printanière" est bien là, pour nous prouver que le peintre a eu raison d'aller plus loin... "Magie" (Huile sur toile 38x55cm), nous confirme que la créativité est au rendez-vous, lorsque formes et couleurs se répondent, savent s'affranchir de contenus trop réels, pour aller aux limites des abstractions. Aldon y sait trouver la beauté, pour le plaisir des yeux du spectateur. Le résultat du travail est positif, l'on détaille volontiers les finesses des touches, les cernés soigneux, qui révèlent comme un florilège de tracés lyriques, voire un sortilège de points, de motifs délicats et enfin l'image, qui va venir effleurer notre inconscient... L'artiste avec sa "Mère à l'enfant" (acrylique sur toile 50x60cm) fait apparaitre une vision emblématique, élégante, de la maternité, qui n'en demeure pas moins poétique. Le peintre déploie dans ce tableau une esthétique, qui englobe ici, la modernité de ces dernières décennies en un discours actuel, post-Matissien. Le style de Mireille Aldon dans ses aspects fondamentaux, sait également s'approcher, au plus près, des tendances d'un art du décoratif, jouer de l'utilisation de motifs répétés, de formes en pétales, végétaliennes, sans tomber dans une logique qui revisiterait l'Art nouveau ou l'Art-Déco. Elle associe à sa démarche contemporaine, quelques facettes dynamiques du monde floral, pour mieux nous conduire vers une nouvelle perception poétique du sujet peint. L'artiste avance, au-delà des échos d'un nouveau Pop'art ou des dilemmes de la figuration. Aldon sait intégrer, dans ses toiles, les éléments essentiels, de goût et de beau, de notre berceau culturel européen. Elle crée et nous donne à voir, un imaginaire poétique, à la fois collectif et qui lui appartient; Qu'elle transmet, hors de toute école ou courant. Elle a su acquérir ainsi une véritable originalité. Sa toile "Rubis" (acrylique 50x60 cm), nous montre comment Mireille Aldon, à partir d' éléments esthétiques pluriels, peut construire une représentation en partie abstraite et en partie figurative. C'est cette synthèse qui intéresse et interpelle le spectateur. L'artiste témoigne dans son œuvre d'une démarche atypique, d'une forte intuition stylistique. L' esthétique qualitative qu'elle produit ouvre un contenu inattendu. Mireille Aldon occupe une place à part-entière dans la nouvelle compétition du savoir-faire pictural, avec l'atout d'un style resté distant de tous les genres pré-constitués ou modélisés. Simplification, imagination, clarté et netteté de l'acte de peindre sur la toile pour produire la représentation de l'idée; C'est bien à contre-pied de tout académisme, que l'artiste ouvre sa voie; Son sentier est foisonnant d'idées, de talent ; Sa peinture plaît.

              Antoine Antolini, Décembre 2009
  Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui - Peintures de Mireille ALDON "- Décembre 2009 / Janvier 2010
Titre : " Une poésie imaginative , qui parle avec des formes et des couleurs"
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle,CRACP 2009 - Mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Diffusion sur tout support écrit audio-visuel internet DR © Editions des musées et de la culture EDMC -2009

 

 

 

Andrée VERMOREL, peintre
"L'amour de l'art et du Symbolisme"...


Message à Vénus de A. Vermorel

Message à Vénus de A. Vermorel

Entre Ciel et Terre

Entre Ciel et Terre

Fantasme, peinture de Vermorel

Fantasme, peinture de Vermorel

Chevaux de la Terre du peintre Vermorel

Chevaux de la Terre du peintre Vermorel

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Chez Andrée Vermorel, l'expression symboliste est profondément ancrée en son intériorité, faisant partie de son essentiel de peintre... Au-dela de ressentis, c'est avant tout l'envolée vers un ailleurs universaliste qu'elle propose au travers de son approche picturale... Des tableaux emplis de spiritualité, ou l'esthétique est support d'une route vers le subliminal... Dans une diversité figurative qui balise son itinéraire c'est toujours, une intuition rémanente qui conduit l'artiste à illustrer avec talent et une imagination personnelle, l'étrangeté et le mystère de mythes ou de légendes hors du commun...

Si depuis de nombreuses années , l'artiste est portée aussi bien vers des peintures de paysages, que de personnages, c'est sans nul doute l'expression du dépassement du figuratif dans la dimension du symbolisme qui aura emporté le mieux ses faveurs.

Plus qu'une attirance vers ce courant allégorique, c'est une sensibilité de la transcendance du pictural qui la motive. Est-ce à dire que la fidélité à l'image première ne lui convient pas?... Non point, mais, spécifiquement, c'est une forme de recherche artistique qui s'exprimera au travers de ses motifs symbolistes. De "Fantasmes " à " Entre Ciel et Terre", des "Chevaux de la Terre", jusqu'au "Temple d'Angkor, c'est plus une quête d'absolu, q'une fresque imagière du parcours d'Andrée Vermorel que le spectateur peut trouver dans l'intention de l'artiste. Pour en arriver là, Andrée Vermorel a su tout d'abord dépasser et comprendre toutes les phases, tous les états premiers du peintre, les doutes , les œuvres-repentirs. D'esquisses inachevées en épreuves, c'est en définitive en émergence de tout ce travail que les œuvres symbolistes sont apparues et se sont mise à briller telles des perles dans le flot de sa muséologie dense. Aujourd'hui ces peintures sont bien là pour nous dire le symbolisme, certes, mais pour nous dire aussi et peut-être encore plus fortement, clairement, qui est Andrée Vermorel...

Un être de sensibilité et de douceur, qui a fait sien cet univers de peinture comme pour rendre plus beau notre monde... Quoi de plus naturel dès lors, qu'elle ait pu, à un moment donné, franchir les limites du temps et du lieu, pour nous donner à voir l'existant de spiritualités qui baignent notre histoire de l'art.
Adepte de Gustave Moreau, d'Odile Redon, son univers pictural est plus vrai dans ces ailleurs d'un monde de l'esprit. Chevauchées fantastiques dans les nimbes intemporelles, dans ses œuvres, ses couleurs diaphanes, ses êtres ailés , à la fois princesses et déesses, font revivre le climat des mythologies dans la modernité.

Ne nous y méprenons pas, l'artiste est dans le contemporain, l'actualité de son époque, de sa décennie... Son "Message à Vénus" réalisé durant la Guerre du Golfe, veut dénoncer la guerre par sa colombe blessée envoyée à Vénus, la destruction de la planète, de la bio-sphère, la course aux technologies, l'occupation de l'espace par les satellites, dont un est d'ailleurs peint en haut et à gauche de l'œuvre au -dessous de la planète Vénus... Elle nous pose avec sérieux, par ses huiles sur toile, les maitrises des techniques de son art, après en avoir suivi les étapes d'apprentissages comme il se doit, patiemment, pour arriver aujourd'hui à nous donner un résultat de tableaux aboutis, aussi en terme de style que de métier. Le peintre sait adoucir la sensualité des couleurs à l'huile , en atténuer la vivacité pour nous faire flotter dans une palette tendre, aux tons pastels, ou au contraire assombrir, donner de la profondeur à sa palette, pour servir son message pacifiste et humaniste

Andrée Vermorel, marque une présence discrète du Symbolisme, comme langage de ses intuitions, réponse à une attente du spectateur, mais autant, besoin pour l'art. Ceci pour ne pas perdre de vue dans l' évolution et les avancées de notre contemporain, les essentiels qui en constituent son âme. C'est aussi cela le message d 'Andrée Vermorel...

Antoine Antolini, Novembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition " Mémoire des arts d’aujourd’hui – Andrée Vermorel, Amour et tradition du Symbolisme" - Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon (var) NOVEMBRE 2009
Titre " Andrée Vermorel, l'amour de l'art et du Symbolisme ". © Texte & photos, Antoine Antolini CRACP/EDMC / Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009 / E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
Diffusion sur tous supports écrits, audio-visuel et internet © Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

 

Catherine GARNIER, sculpteur,
"Une scénographie statuaire issue de l'univers de la danse"...


UNION 2008

UNION 2008

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

MOUVEMENT 2009

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Catherine Garnier travaille aujourd'hui le mouvement en sculpture. Elle construit la logique d'une occupation spécifique des corps dans l'espace. Positions, enlacements, elle étudie l'interface esthétique qui peut se dégager de la frontière infime qui sépare l' immobilité du mouvement. Elle en a entrepris l'expression de leur symbiose au travers de ses œuvres "Mouvements 2009".

Duo de corps.

Postures en dualités, bi-nomes, le couple, objet et sujet d'une dialectique visuelle, narrative, allégorique... La particularité de ses modèles, ses personnages, nous emmènent dans un univers où les plastiques du corporel, en dualités et situations plurielles, ouvrent une nouvelle imagerie... L'artiste a connu une période de sculpture avant 2009. Sculptures de couples entrelacés intitulés "Unions" . Avant de travailler le mouvement Catherine Garnier à élaboré ces sculptures ou l'immobilité des positions dans l'espace proposaient un questionnement en termes de message. Ainsi dans sa statuaire intitulée "Union 2008" apparaissent au travers des entrelacements des corps, l'inclusion de chaînes, comme artefact externe qui empêche le mouvement. Clarifiant ici l'immobilisme avec une causalité définie. Allégories avec ses "Unions", du non-mouvement dû à tous les impossibles, mais aussi toutes les suppositions de l'enchaînement, moral, depuis celui du mal d'être individuel jusquà celui plus sociétal.

A partir de 2009 - année d'évolution dans le travail de l'artiste - c'est l'abandon de la chaîne allégorique qu'elle associait à ses sculptures. La nouvelle période de sculpture actuelle de l'artiste marque un travail sur le mouvement. Elle élabore une nouvelle vision possible du mouvement dans le dualisme du regroupé, avec le jeux de positions entre deux corps enlacés, à la fois entre statique et mobilité. Il apparait avec pertinence une innovation expérimentale et conceptuelle au travers de ses œuvres intitulées "Mouvements". Catherine Garnier y explore les différents états du déplacement du corps. Corps arrêté, replié, regroupé, celui dans l'ambivalence d'une fixité ou figé d'apparence pour être mieux en dynamique interne, intérieure... Corps en cours, au ralenti ou en intention de pose... Le sculpteur recherche la lisibilité esthétique des éléments des corps en visuels dans l'espace, tout en donnant aux dos des danseurs, un rôle important dans le jeu des repliements corporels, comme ces postures de "Mouvements 2009". Garnier montre un autre sens à l'état du corps dans sa relation à l'immédiateté. Apportant ainsi à l'art statuaire un nouveau regard contemporain.

Les scénographies statuaires de Catherine Garnier.

On ressent la statique des corps capturer l'énergie pour conditionner un mouvement fait à la fois d'intériorité et d'occupation de l'espace... Pour l'artiste la danse, la sculpture, comme le mouvement ou le non-mouvement ne sont pas antinomiques. Le mouvement, peut devenir en danse, comme en sculpture, une énergie contenue pour mieux exprimer la dynamique. Aller plus loin que l'immédiateté du présent ou du geste. La notion de mouvement peut se ressentir, se dégager comme un écho, une mémoire de formes, un impact dans l'espace, à partir de corps immobiles. Les œuvres de l'artiste sont là pour le montrer, le faire ressentir au spectateur...
La caractéristique innovante de cette élaboration expérimentale de Garnier c'est, avant tout, d'avoir eu l'idée de transposer, transférer, dans la composition statuaire, la scénographie mouvante de la danse en donnant un sens à l'immobile... Son arrêt-sur-image reste totalement connecté à l'histoire du couple qui danse, on ne sait s'il s'est arrêté ou en continuation. Le moment immortalisé par Garnier reste autant moment de vie. Ses "Mouvements" expriment le lien avec d'autres volumétries de l'environnement scénique. Il y a une réflexion sur le ressenti de l'espace, de ces corps qui dansent. C'est une autre perception de la dimension esthétique du lieu et du mouvement.. Corps en duo qui repliés font groupe. A la fois dualité et unité dans l'espace. A la fois rythme et silence. Pas et pause. Interface de l'appréhension par l'humain d'une certaine cosmicité.

Catherine Garnier précise: " ...c'est l'expression du dépassement de l'enveloppe charnelle, d'où l'aspect nu de mes sujets, débarrassés de signes de société, ou d'appartenances sociales." L'artiste apprécie le style de danse Butô, leur aspect souvent dénudé, la relation au sol, à la terre, comme un retour à l'essence de l'être... La plasticienne questionne le spectacle de cette danse, de la danse, de l'introspection expressive, de l'extraversion esthétique, qui peuvent permettre de mieux vivre, se retrouver soi-même, face à sa propre histoire, face à la société au quotidien... C'est aussi cette fonction spécifique du spectacle de danse qu'intègre Garnier en sculpture. La spiritualité qui peut émaner de sa statuaire doit pouvoir aussi renvoyer le spectateur d'art à des valeurs essentielles. Les scénographies des "Mouvements" de Catherine Garnier tendent à induire, illustrer les propos de la danse, dans leur potentiel d' intemporalité. Garnier veut inclure dans sa recherche, la notion de spiritualité au sens large, la vie, la mort, mais aussi le sens de l'existence au quotidien. Le sculpteur produit un nouveau segment de recherche contemporaine, particulièrement intéressant, avec un contenu à la fois avant-gardiste et référent.

Antoine Antolini, Novembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Sculptures de C. GARNIER » NOVEMBRE 2009
Titre : « Catherine GARNIER, sculpteur : Une scénographie statuaire issue de l'univers de la danse ».© Texte & photos, Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle,CRACP 2009 - Mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98
Diffusion sur tout support écrit audio-visuel et internet DR © Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

 

Guy BOURGEON, peintre,
Une formulation créative de l'abstraction, en lien avec la Nature.


Après l'orage

Après l'orage

Le passage

Le passage

Entre Ciel et Terre

Entre Ciel et Terre

Le spectre

Le spectre

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Guy Bourgeon propose une abstraction très personnelle, une recherche artistique, en lien avec la Nature. Peintre d'abstraction paysagiste, il propose un travail à la fois lyrique et poétique, spontané et gestuel.

Bourgeon aime traduire ses sensations par l'expression de formes et de couleurs, les inspirations extraites du monde figuratif, pour les mixer avec l'abstraction. Il nous interpelle par ses choix de thèmes dans la Nature, qu'il peint dans toute sa majesté, sa force, son immensité. L'artiste sait situer une vision et une logique du motif, pour faire prendre conscience au public de l'imagerie exceptionnelle qui émerge des éléments naturels. Bourgeon creuse un sillon fort, dans le contexte de l' art contemporain d'aujourd'hui... Le paysage est éternel, la peinture aussi, c'est pourquoi le peintre élabore des adaptations stylistiques originales, pour faire se côtoyer ainsi plusieurs expression picturales sur la toile, densifier son potentiel esthétique, nourrir une évolution. Il déploie alors de nouvelles propositions, qui peuvent s'inscrire comme autant de tableaux-recherches, dans la peinture actuelle au sens large. Il renvoie au spectateur des œuvres fortes au talent créatif, qui explorent des voies innovantes. Le peintre ne se pose ni bornes, ni frontières dans sa conquête d'un autre langage.

Cette grandeur mythique et impressionnante de la Nature peinte, se retrouve dans sa toile référante "Après l'orage" (hst 92x73 cm). Avec "Le passage " huile sur toile (hst. 89x116cm), c'est le message de la puissance et du mystère de la montagne, multiforme, insolente d'omniprésence. Il nous y livre la vision d'un ailleurs... Une cime perdue dans la magie d'une émulsion nuageuse, aux blancheurs étranges, tel l' ultime lien entre notre monde physique et un au-delà inconnu... Bourgeon exprime dans ses œuvres les dimensions intimes de la Nature, cachées aux regards quotidiens. La spiritualité qui s' en exhale nait dans la transcendance de l'image du paysage, dans la poétique que Bourgeon exprime directement avec la puissance de l'abstraction. Le peintre possède une technique avérée, il peut réaliser l'œuvre dans le sens qu'il choisit, la finaliser selon ses désirs. Il mènera ainsi la toile jusqu'au bout de son idée, sans s' égarer dans les méandres subjacents de la peinture à l'huile.

Ses interventions gestuelles et spontanées, traduisent des sentiments du registre de l'abstrait. Il aime par cette modalité, accroître l'intensité de sa sensibilité poétique, comme pour entrainer la réalité vers l'irréel. Tels des lignes et tracés, ou bien des éléments de dripping dans son "Entre ciel et terre" (hst. 100x81cm). Le peintre développe ici une recherche, afin de renforcer "l 'exprimé", le renouveler. Il va plus avant que les premiers regards.

Guy Bourgeon détient une véritable vision paysagiste, avec une dimension moderniste, une intuition des distanciations à prendre d'avec le figuratif. Ses approches de motifs, ses ressentis d'atmosphère dans son univers de peintre, mettent l'accent sur ce qui, dans la Nature, peut toucher à l'universel en termes picturaux. Le pinceau de Bourgeon fait prendre conscience au spectateur des ambivalences, entre art abstrait et moments, états particuliers de la Nature. Sa peinture devient miroir ambigu de paysages, dans un autre langage.
Le peintre à une maitrise esthétique. Il a su réussir le positionnement d'une grammaire de signes sur une expression impressionniste, initialement plus proche du sens. Ceci pour produire un tout d'abstraction paysagiste, un pontage signifiant entre l'existant et l'interprété. Bourgeon joue avec une grande aisance des clairs-obscurs, des profondeurs, des expressions tonales, de lumières vives et de clartés diaphanes, de sfumati, pour lancer à qui sait les "entendre" les échos d'une grande peinture.

Antoine Antolini, Septembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Guy BOURGEON »
Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon (var) SEPTEMBRE 2009
Catalogue du peintre Guy Bourgeon - titre « Une formulation créative de l'abstraction, en lien avec la Nature. » . © Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC- Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009

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Diffusion internationale, internet, audio-visuel et tous supports
© Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

Michèle WIEM, photographe, plasticienne.
Une vision paysagiste, plurielle et multiforme du X …


M.WIEM. Forespondances

M.WIEM. Forespondances

M.WIEM Elem. du triptyque Forespondances

M.WIEM Elem. du triptyque Forespondances

Installation Photo au Centre CRACP

Installation Photo au Centre CRACP

Etamine végétale

Etamine végétale

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La démarche de Michèle Wiem, interpelle le spectateur dans le sens d'une réflexion, d'un questionnement de modernité, sur l'acte photographique, la représentation du vu, la narration qui s'implique dans l'image spontanée, mais aussi sur la destinée, la présence du signe dans le lieu.

Pour Wiem, la relation à l'instant-"reproduit", est faite de sensibilité et de discernement artistique. La capture d'une réalité opportune, est pour elle prétexte pour en redéployer un sens différent, en repositionner la vision immédiate, en une portée extrapolée, en voir sa dimension culturelle profonde et son intemporalité. Sa démarche est construite d' un éveil constant, d'une "veille esthétique", sur le monde qui l'entoure, dans le contexte de la Nature, du paysage, de ce qui y est intégré et fait signe, en forme de X. Ceci à porté l'artiste à chercher et atteindre le contact avec l'essence profonde du paysage. Son langage photographique concentré sur le signe comme dénominateur commun, explore le thème de la Nature et du X de façon analytique par plans de vues spécifiques, que la plasticienne aimera redéployer en synthèse lors d'installations (en diptyques, triptyques...) . Le travail exposé par Wiem, à démontré sa force d'engagement de photographe-plasticienne, ses confrontations avec toutes les co-incidences, les co-existences, que recèlent les inter-faces du paysage, des objets référents qui s'y rapportent étroitement.

Michèle Wiem propose une nouvelle logique dans la photographie, dans laquelle l'image, issue de la réalité objective, sera mise en résonance, en écho de signe, de l'interprétation suggestive. L'artiste recherche à partir de l'image, à faire surjaillir les autres significations. Le sens profond du paysage deviendra alors chez Wiem image-signe. Elle repositionne le photographe comme le médiateur du réel et porteur d'un nouveau lien avec la conscience collective, en trait-d'union du patrimoine "signique" de la société. Sa vision de l'instant fugace, intelligemment capturé par son objectif, va nous rapporter le message d'un contenu, à la fois paysagiste et symbolique. Elle propose l'entendement d'autres spiritualités, en créant une dialectique de poésie et de réalisme, de signes apparents et de sens cachés, de matérialité et de romantisme, en fusionnant toutes les antinomies dans un langage visuel de cri-signal et de non-dit. Le signe dans le paysage, pour Wiem, c'est le langage du paysage, l'expression de son essence même, dans un impact universel et cosmique. L'artiste, avec son appareil photo, va savoir l'écrire définitivement pour le public, en une fraction de seconde, qui ne cessera plus.

Photographe du signe et de la Nature, Michèle Wiem reste cette artiste-sentinelle, de l'incidence et de l'indice, qui reconstruit pour nous, inlassablement, avec son objectif, la mémoire perdue de la société et de la nature, faisant resurgir de tous les hasards, les liens idéographiques et secrets des premiers langages.

La relation initiale voire initiatique, de l'Homme à la Nature, se retrouve dans l'œuvre de Wiem. De "Forespondance" en "Point-de-croix", d' "Etamine végétale" en "Traits de cor-respondances" Wiem balise une nouvelle expression, marque un style spécifique. Elle dote la photographie de la Nature et du paysage, d'un vocabulaire innovant. Photographe et plasticienne des corrélations entre les ressentis, le vu et le transmis, Wiem, traduisant le réel du paysage, en ranime avec ses X, les mystérieux sens, révélant au-delà des mythes et des spiritualités, toutes les sacralisations sociétales, que l'Homme a pu projeter dans la Nature depuis la nuit des temps.

Le X intemporel de Wiem, X pluriel à la sémantique infinie, X esthétique, demeure à la fois sujet et objet de ses investigations. C'est tout un univers que l'œil, autant que l'esprit de l'artiste, ont su construire, avec une poétisation du signe, en une suprême osmose du cœur, des sens et de la raison.

Antoine Antolini, Septembre 2009
Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine (CRACP)

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Installation-Photographies de Michèle WIEM »
Centre d'Exposition et de Recherche - Toulon (var) SEPTEMBRE 2009
Catalogue de Michèle WIEM photographe, plasticienne - titre « Une vision paysagiste, plurielle et multiforme autour du " X " » . © Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009
E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

Monique PAGES, peintre,
Un impressionnisme lyrique, un univers fantastique, qui nous renvoient à nous-même


L'Arbre de vie

L'Arbre de vie

Oiseaux magiques

Oiseaux magiques

Le bonheur dans le pré

Le bonheur dans le pré

Plongée en Mer

Plongée en Mer

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L'œuvre de Monique Pages possède une charme envoûtant et positif, une intuition poétique, qui fascine, questionne le spectateur ....

Monique Pages peint avec un ressenti et une émotion qui se traduisent directement sur la toile par une vibration d'ensemble. Motifs et sujets nous entraînent aussitôt vers un ailleurs étrange, parfois romantique, qui nous dit tout "Le bonheur dans le pré"... Ses tableaux jouent avec la lumière , ses touches fortes et directes,une palette colorée et douce, nous appellent vers un imaginaire, qui dépasse l'instant sur la toile. L'artiste s'attache à aller plus loin que le visible immédiat, elle produit une peinture qui lui est très personnelle et qui dépasse les sensations premières. Son œuvre comme son "Arbre de vie" peut se lire, mieux se découvrir avec le temps qui passe, le recul du regard, la lumière différente qui viendra éclairer le tableau.. L'œuvre prendra une autre dimension, surtout avec les ressentis que chaque spectateur aura devant un tableau, d'une façon très intérieure. L'univers fabuleux qui se dégage des œuvres de Pages, est riche d'un imaginaire suggestif, au moment où la sensualité de la peinture à l'huile, l'épaisseur des touches, les jeux de couleurs, vont produire des formes évocatrices, des interprétations, pour ceux qui sauront y projeter leur sensibilité, qui se laisseront voguer au grès de leur propre passé, de leur vécu, de leur joies ou de leur peines....

Monique Pages propose un monde pictural original et instinctif, qu'elle a su créer, qui provient de sa spontanéité, de sa sincérité. Elle veut peindre en figuratif, avec son cœur, son âme au bout du pinceau, comme pour flirter avec un au-delà, coexister entre un réel et un irréel, comme entre surnaturel et histoire vraie... Son talent à atteint un paroxysme en lien avec les reflets intérieurs de chacun...

Son authenticité fait peindre l'artiste pour l'autre, comme pour offrir plaisir, bonheur et amour de l'art à celui qui sait regarder. Monique Pages laisse le champ libre au spectateur pour qu'il puisse s'approprier l'œuvre avec ses propres flashs, son imaginaire profond, voir son inconscient. L'artiste parfois renvoie le spectateur à sa propre enfance, à son passé, à ses doutes et à ses certitudes, au travers d'une peinture de sensibilité évocatrice et d'émerveillement. S'exprimant avec une plénitude intuitive, un langage dans le langage,elle permet d'autres sens à l'image première du tableau. C'est ce style qu'elle travaille depuis des années. Elle veut que le spectateur puisse s'évader en des directions plurielles d'images et de significations, que l'artiste glissera, laissera poindre dans son travail. Avec sa modalité technique d'application de la peinture à l'huile, son geste souple, contrôlé, en touches fines ou très épaisses, son colorisme en lien avec la Nature, elle sait que des évocations surprenantes, des effets exceptionnels vont se produire... Monique Pages saura alors nous guider dans les chemins secrets de sa poésie picturale, qui sont aussi les chemins secrets de nos cœurs.

Texte : Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Monique Pages » Toulon (var) Septembre 2009
Catalogue du peintre Monique Pages - titre «Un impressionnisme lyrique, un univers fantastique, qui nous renvoient à nous-même» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009
E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC

 

 

Sylviane D'ANTONI, peintre abstrait
Une conception esthétique et abstraite de la Nature dans son authenticité première


Ciel en feu

Ciel en feu

La montagne

La montagne

Ciel d'Orage

Ciel d'Orage

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L'abstraction de Sylviane D'Antoni, nous révèle le langage secret et l'intimité de la Nature, au travers d'un colorisme évocateur et de l'expression de ressentis intérieurs .

La palette rougeoyante de l'artiste vient nous dire la force et la puissance de la Nature, sa vérité. L'artiste maîtrise une abstraction, qui apporte une vision et un style intelligemment affirmés, un cadrage net et logique de la scénographie qu'elle interprète, au delà des figurations que lui envoie le réel. Seul un cheminement intérieur long et la conjuration de tous les accessoires peuvent élaguer et acérer le regard pictural à ce point. D'Antoni sait nous dire l'essentiel avec son pinceau. Ses toiles sont alors, à la fois témoignage et acte construit. Elle a su soumettre la vision de la Nature en révolte, pour l'amener lisible à notre regard de spectateur. Elle exprime avec précision ses propres sensations, toute l'émotion que peut procurer la Nature dans ses différents états de mouvements et d'impétuosité. Le peintre arrive à nous entraîner sans violence, mais avec détermination, de sfumatis en tons chauds, de lignes gestuelles en à-plats, de touches vives en tonalités plus sombres et élaborées, vers une confrontation directe face aux évènements les plus forts de la Nature.. Au cœur d'un "Volcan", en éruption, ou en plein milieu d'un "Ciel en feu"...

Une délicatesse de touches, de glacis, de clairs-obscurs, de nuances évanescentes, traitent sans détours les sujets les plus variés de la Nature. L'artiste ne se cantonne pas dans une palette rigide, au delà de l'exploration des rouges, qui seront bien adaptés pour tel type de sujets, D'Antoni aimera le jeu des colorismes en bleutés, de mauves, ou de violets, pour mieux rendre compte de l'espace, du motif. Ainsi elleva nous entrainer devant "La Montage", ou sous un "Ciel d'Orage", pour nous rappeler toujours néanmoins la force impérieuse des éléments. Elle le dira en termes de formes , de lumière, pour nous faire prendre surtout conscience de la dimension du grandiose de ce qui nous est donné de voir, si l'on sait comme elle, regarder...

D'Antoni,avec ses toiles permet au spectateur de s'imprégner de cette magnificence du paysage. Elle sait en choisir les aspects les plus spécifiques, les interpréter pour nos yeux en termes de ressentis, d'intériorité, avec cette extrême sensibilité, qui fait tout son talent de peintre. Son pinceau devient ce qu'est la plume de l'écrivain, le moyen de décrire le monde qui nous environne, avec des sentiments, une authenticité première en osmose avec le monde. Délicatesse et force, sont les caractéristique d'un style paysagiste et abstrait magistral, qui tend vers un langage supérieur , de la poétique à la spiritualité...

Texte: Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de Sylviane D'Antoni » Toulon (var) 24 Aout- 19 Septembre2009 - Pôle d'Exposition du Centre de Recherche en Art
Catalogue du peintre Sylviane D'Antoni - titre «Une conception esthétique abstraite de la Nature dans son authenticité première» .
© Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC -
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009 E - mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel : 06 10 99 90 98
© Editions des musées et de la culture EDMC 2009

 

 

Cécile GELY, peintre abstrait
Une vision archétype de la forme...


Formes

Formes

Ventre

Ventre

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Cécile GELY évolue dans l’art avec l’aisance et la facilité d’un talent naturel. Ses œuvres proviennent de son intériorité avec toute la facilité d ‘une expression libérée, qui vient « faire corps » avec la toile . L’artiste fait vibrer sa création de ressentis profonds, de sensations, de tout ce qu’elle filtre d’un monde en mouvement, de la société, de la vie... Son œuvre comporte deux grandes thématiques ; D’une part, celle de la forme humaine résumée et ébauchée en mouvement et gestualité ; D’autre part , celle d’ évocations picturales où le passé le plus lointain ressurgit confronté, aménagé, avec la modernité, le présent, un futur.... Le peintre a su retrouver de l’intemporel, au niveau de l’expression du « signe », du « sens » , de la « forme » , du « narratif ».

I - L'itinéraire de la forme vers l'absolu.

Cécile GELY a fait le choix, au travers de sa peinture de recherche, de travailler autour de la forme humaine, du corps, du mouvement. Ses toiles capturent l’emprunte visuelle la plus subtile, que peut laisser un être dans l’espace, dans l’environnement. Son œuvre comporte des toiles qui traitent l’ébauche esthétique du corps humain, de formes fugaces en verticalités. Son style gestuel, maîtrisé, livre au regard l’ impact d'un essentiel de l’existant, avec force, énergie, harmonie...

L'artiste propose, en une dimension abstraite, une imagerie de l’être vivant totalement innovante, élégante, en formes physiques évanescentes, graphiques et finement colorées. Des toiles longues et étroites épousent bien les peintures de ces mirages de corps devenus signes , lignes. Des extrapolation esthétiquement construites par des intuitions jetées et fixées sur la toiles.
C. GELY à créé une grammaire, une écriture, un colorisme, par une spontanéité, qui nous emmènent vers un univers de transcendances d'images de corps, de formes humaines.

II - Des toiles dans lesquelles art et civilisations se confondent...

Une thématique forte, en ocres et bleus, l’ énigme de homme face à sa destinée s’exprime par des portraits éthérés en lisière du visible, ou bien alors des messages composés bien plus complexes..
Des toiles qui concentrent tout son talent, en vrais morceaux de culture, d'univers. On retrouve ainsi , dans le parcours de GELY des œuvres plus matiéristes, de surfaces plus grandes, qui proposent un discours foisonnant. Ce sont des scénographies du vivant, équilibrées, poétiques, denses. Un profond miroir narratif de civilisation est là, sous l'œil du spectateur.
Le style, aux frontières de la lisibilité formelle, veut laisser au public la possibilité de se projeter avec ses propres ressentis pluriels. L’artiste nous entraîne tour à tour d’impressionnismes abstraits, en abstractions lyriques, pour nous faire revivre à sa façon, un entendement des origines de l’humanité, des civilisations, de l’homme...

Dans la magie intemporelle de ses tableaux, GELY nous confronte en une même version, à ce que peut signifier, évoquer, en superposition la nuit des temps et notre plus lointain futur... Ainsi « Racines » dans les tons originels d’ocres et terres , agrémentés de jaunes solaires, nous interpelle depuis les graphes pariétaux et les dessins préhistoriques, simultanément , jusqu’aux formes humanoïdes d’ atmosphères les plus futuristes... La toile « Bleu » nous questionne en tonalités outremer, turquoises, quasi-cosmiques, sur les logiques artistiques des proto-civilisations et sur nos modalités d’expression picturales d’aujourd’hui, dans l’art contemporain... Sa toile « Ventre » nous renvoie à nos origines génériques et à notre prédestination irrévocable d’humanité....
Cécile GELY à compris comment exprimer à la fois en temps réel, une mémoire et un futur...

Texte: Antoine Antolini, 2009
Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP

Exposition « Mémoire des arts d’aujourd’hui – Peintures de C. GELY » Toulon (var) AOUT 2009
Catalogue du peintre Cécile GELY - titre « Une vision archétype de la forme », sous-titre « Quand la recherche sur la forme humaine devient expression intemporelle de civilisation » © Texte Antoine Antolini CRACP/EDMC
Direction rédactionnelle - Centre de recherche en art et en conservation du patrimoine – 2009
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Marie-Josée BROTONS, artiste-peintre,
Quand imaginaire et réalité se rencontrent.


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La peinture de Marie-Josée Brotons nous emmène dans un tourbillon de sensations multiples. Des propositions picturales harmonieuses, simples et bien construites autour d’un monde floral et végétal. Une nature, dans laquelle feuilles ou tiges sont prétexte à des dynamiques de traits, à un florilège de lignes, de couleurs déclinées, de courbes, d’ entrelacs, qui nous entraînent dans l’univers du peintre et nous subjuguent...
Usant avec talent de la sensualité que procure l’huile unie aux grains du papier d’art, Marie-José Brotons, à su se définir avec bonheur, face au choix infini des supports à peindre, face au choix pluriel des formats. Elle nous offre, dès lors, un travail abouti, dans lequel elle se consacre essentiellement à une recherche sur le contenu pictural. Elle a su faire parler pigments et liants dans leur force et leur douceur, au travers d’une impression d’ensemble suave et chaleureuse. Ses couleurs jouent dans des gammes de verts tendres ou plus aigus, de jaunes mats, de rouges, de mauvesou de violets. Brotons sait décliner, conjuguer les tonalités, pour procurer un tout sensible, plaisant, qui reste explicite ou bien va plus loin, vers des chemins abstraits... Ses tableaux sont chaque fois des univers qui vers un ailleurs...On s’y faufile, on y entre, on en sort différent...
Dans son style, à la technique maîtrisée, l’artiste veut dépasser les visions premières du réel. Elle utilise les couleurs, les clartés, les intensités, leur résonances, leurs complémentarités, mais aussi les formes, les lignes, fines, plus épaisses, pour créer un langage personnel qui s’adresse autant au regard qu’au ressenti du spectateur.
Marie-José Brotons au-delà de la poésie , du lyrisme, des allégories végétales, travaille à développer une tendance en abstraction. Son œuvre « Composition rouge » marque une étape importante dans son parcours. On peut y voir toute la distance que le peintre a su prendre avec la réalité florale, pour nourrir un nouveau discours, un nouvel essor...L’artiste a su s’approprier une dimension colorique personnelle et créer une grammaire évocatrice, faites d’émotions, parfois d’espaces vibrants ou de nuances tonales plus subtiles... Son geste artistique est mature et sait traduire son intériorité, son imaginaire...
L’itinéraire de Marie-Josée Brotons traverse la peinture, comme si elle-même traversait un jardin. D’une figuration de plus en plus libérée, elle est passée à une forme d’abstraction lyrique. L’artiste nous donne à voir un travail qualitatif, dans lequel, chose rare, gestualité et abstraction laissent se dégager une atmosphère intîme et feutrée... Elle apporte au regard du public des peintures en compositions d’abstraction lyrique, fortes, veloutées et poétiques...

Antoine Antolini , Exposition « Arts Actuels » EDMC Janvier 2009
Texte : « Quand imaginaire et réalité se rencontrent: la peinture de Marie-Josée Brotons » Antoine Antolini (EDMC) - Catalogue du peintre Marie-Josée Brotons

 

 

Sally REBIERE, peintre, Toulouse
Lorsque la poésie devient peinture...


Basilique, 60x50, huile sur toile, pinceau.

Basilique, 60x50, huile sur toile, pinceau.

Les barques, 60x50, huile sur toile, pinceau+couteau.

Les barques, 60x50, huile sur toile, pinceau+couteau.

Passion, 65x54, huile sur toile, pinceau.

Passion, 65x54, huile sur toile, pinceau.

Paysage embrasé, 33x22, huile sur toile, pinceau.

Paysage embrasé, 33x22, huile sur toile, pinceau.

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Sally Rebière, dans sa logique de peinture de paysage, théoriques ou techniques des académismes traditionnels.
C’est avec un grand bonheur que le spectateur peut retrouver dans les tableaux de l’artiste, une harmonie, une sensibilité réciproque, qui devient « pontage », lien entre le peintre, le paysage et celui qui regarde. On ne peut admirer une œuvre paysagiste de Sally Rebière sans être aussitôt transporté, « transposé », dans une autre dimension d’esthétique. L’artiste a su ériger en stylistique, une élégance de lignes, un florilège de touches, une représentation de la Nature à la fois fragile et pleine de personnalité. Le résultat est produit par une délicatesse d’écriture qui surprends, révèle un univers pictural épuré, dans lequel chantent formes et couleurs ...
Avec des oeuvres telles « Passion », « le Mas », ou les « Barques »... c’est une grammaire maîtrisée qui s’impose, en termes d’expression originale et différente, pour peindre les paysages. Le motif : Vues de hameaux, arbres, la Nature, sont traités dans ce qui s’en exhale de doux et de fort à la fois. La vision que nous propose le peintre, c’est parfois, de juste poser quelques éléments, en une architecture d’ensemble légère. Par des lignes simplifiées, on peut lire, approfondir, sentir l’atmosphère des lieux par le foisonnement de touches méticuleuses.
Le colorisme paysager de Sally Rebière, lumineux, parfois translucide, est essentiel dans son style.
L’artiste a su prendre ses distances d’avec les conventions strictement figuratives, elle nous montre cette beauté de la Nature, qui se cache derrière les apparences évidentes d’un premier regard. Les bleus sont poussés en luminosité, de même que les roses, les turquoises, les jaunes ou les oranges.. C’est une palette qui sait faire jaillir le ton pastel dans sa plus belle puissance. L ’artiste a le talent d’entraîner le spectateur dans son monde... « semi-réel » ou « semi-irréel » ?... pour faire douter, redouter, en tous cas, toute idée préconçue du visuel. En démontrant à travers ses toiles, son jeu de pinceau, son geste artistique, qu’il peut exister un autre état de conscience du voir, du vrai, du beau, de l’authentique.. L’artiste nous offre ainsi un langage émouvant : le sien, celui d’un peintre-poéte.
De la quiétude qui ressort du « Hameau provençal », de « la Basilique », ou encore de sa toile « le Moulin », jusqu’à la force tonale de « Paysage embrasé », apparaît une synthèse de ses différentes intentions d’ambiances... Avec son œuvre paysagiste récente Sally Rebière s’affirme, comme une artiste-peintre qui a su lever le voile sur une autre approche paysagiste.
Une façon de peindre, sans convention, moderne, qui ranime, égaie, rafraîchit d’un souffle de jeunesse, les nouveaux tous-derniers postulats du « contemporain »... C’est dire combien, au-delà de toute formulation de ressemblances, la peinture de Sally Rebière a échappé à la peinture dite « japonisante », ou même « naïve » ,ou bien encore « fauve », pour nous proposer son propre écho intérieur en un acte pictural neuf.

Texte du Catalogue du peintre Sally Rebière © 2009 Editions EDMC
© Texte: Antoine Antolini Direction rédactionnelle des Editions des musées et de la culture- Association L. 1901 pour la promotion et le développement de la muséologie et des arts.

 

 

 

 

 

 

 

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Lien / BIBLIOTHEQUE NATIONALE DE FRANCE

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Ancien professeur aux Beaux-Arts (Ecole Supérieure d'Art(s) ESART(s) de Toulon-Provence-Méditerranée, de 2001 à 2010.) Membre de l'Académie du Var. Médaillle d'Honneur de l'Education Laïque. Membre de la Société des Auteurs dans les Arts Graphiques et Plastiques (ADAGP-Paris). Sociologue des arts, Directeur qualifié de Laboratoire de recherche en art et patrimoine.

 

L'auteur: La démarche d'Antoine Antolini dans l'art contemporain est avant tout celle d'un sociologue, d'un philosophe, d'un enseignant des arts qui se rencontrent, se conjuguent, en un chercheur en art. Il considère que la peinture contemporaine peut  traduire une modalité d'expression fondamentale, dans la sphère de la communication non-verbale. Après avoir étudié la sociologie et la psychanalyse, entre autres disciplines, il s'est penché sur les concepts s'attachant aux formes et aux couleurs (Gestalt-théorie) et sur leur interface au niveau de l'inconscient collectif (école Jungienne). C'est après plusieurs années d'une recherche scientifique interdisciplinaire, sur le caractère intrinsèque des formes et couleurs comme média (*1) , qu'il oriente son travail de haut niveau vers l'esthétique, l'iconographie, la sémiologie et l'abstrait. Dans la lignée de Rolland Barthes, il marque quant à lui les territoires des sciences de l'art pour y appliquer une vision spécifique du langage et du signe, par une approche archéologique et anthologique précisément de l'abstraction. Faisant ainsi de la peinture abstraite son objet de recherche fondamentale. Il fondera plus tard le Laboratoire de Linguistique et d'Esthétique. Ses principaux axes-dénominateurs communs sont la ligne et le trait , la "linéarité" et le signe. Il a créé une théorie sur un "linéarisme" © qui sous-tendrait tout l'art abstrait, à la fois dans le champ de sa rupture d'avec le figuratif (*2) mais en même temps dans son prolongement en d'autres formulations sémiotiques. Il pose également le principe de l'écriture dans la peinture au titre d'abstraction. Il revendique le leadership de la France, depuis la Renaissance, sur l'expression picturale du paysage en Europe et au plan international, cela depuis l'Ecole de Barbizon. Il a oeuvré en ce sens, à une relance du paysagisme abstrait, comme expression contemporaine du paysage, qu'il a su faire progresser au travers de diverses oeuvres, ouvrages et textes de recherche, émissions radiophoniques, conférences, et s'efforce de promouvoir un courant du "paysagisme abstrait urbain" © , sans souscrire pour autant aux approches de Bachelard. Il s'efforce de faire reconnaître originalement l' abstraction, en la débarrassant des cloisonnements de la poétique et de la géométrie, en une affirmation nouvelle et par la recherche d'un archétype pictural qui s'inscrit dans la société. Sa démarche de recherche fondamentale, expérimentale et appliquée, mettant en phase la muséologie d'aujourd'hui, la conservation du patrimoine et la mémoire sociétale en temps réel, se veut profondément innovante, autant qu'intemporelle. Par ailleurs, il à développé diverses modalités fondamentales et appliquées pour l'enseignement des arts et une meilleure connaissance de l'art contemporain. Ses recherches tentent d'apporter des réponses à des questions souvent enfouies au plus profond de l'inconscient collectif; ayant révélé une ethnologie de l'art, dans laquelle apparait l'étroite relation existant entre l'essence même de l'art et son rôle dans l'évolution des premières sociétés. Pour lui art et civilisations évoluent, en osmose fédératrice, depuis la nuit des temps; En phase avec son époque, ouvert sur les problématiques du présent, il participe à des associations internationales pour la Paix et le développement économique, pour l'éducation culturelle, et a su s'engager pour la préservation de la planète et en particulier pour la protection de la nature, de la faune et de la vie sauvage, cela depuis de très nombreuses années. Il a su aussi agir activement avec d'importantes associations en matière de prévention contre la Toxicomanie et le SIDA. Sociologue des arts, directeur de Laboratoire de recherche en art, auteur de divers ouvrages de sciences des arts, il a publié une recherche sur l'esthétique urbaine appliquée à la dimension du sociologique. Il a enseigné en école publique des Beaux-arts, mais aussi élaboré et dirigé des programmes d'enseignement public spécialisés, nationaux, français et européens, dans divers domaines de la formation professionnelle et continue, notamment de cadres, auprès du Centre National de la Fonction Publique Territoriale (CNFPT). Il œuvre également pour le développement social de la culture et l'édition de textes sur l'art, les sciences sociales et humaines. Auteur de plusieurs écrits et réflexions sur l'art moderne, qui portent autant sur la peinture que sur la sculpture, mais aussi sur l'Esthétique de la ville et de l'environnement, l'esthétique et la sociologie des arts. A son actif, diverses organisations de symposiums, rencontres d'art, expositions publiques et privées ; nombreuses distinctions honorifiques sociales; entre autres écrits et conférences, une quarantaine d'émissions radiophoniques sur l'art contemporain, comme invité principal, sur l'art moderne. Des créations d'activités, de structures, sociales, de centres culturels, artistiques, jalonnent un parcours constructif au plan de l'art européen et international. Il a été reconnu par le Conseil de l'Europe pour son action en faveur de l'Europe. Récemment sa création du "Symposium européen, styles et tendances sur la Côte-d'Azur Riviéra" facilite la lisibilité de l'art dans l'Arc Sud Européen, en contexte du Nord de l'Europe, des Etats-Unis, de l'Afrique ou de l'Asie ...  Antoine Antolini s'intéresse particulièrement dans ses enseignements et ses écrits, aux Arts et Civilisations anciennes, tout comme à  l'avant-garde de l'art contemporain, à la recherche interdisciplinaire dans les domaines des Beaux-Arts, de la linguistique, de l'Esthétique et de la sociologie. Spécialiste de l'analyse esthétique des oeuvres d'art et la peinture Sie-i, il a réalisé en Chine des conférences sur l'art et présentés des peintres contemporains européens, menés des débats de recherche avec des professeurs d'art chinois sur les origines de l'impressionnisme. Certains de ses travaux esthétiques sont conservés à la bibliothèque de l'Ecole des Beaux-Arts de Tianjin. Ces conférences en Chine lui ont permis de mieux faire connaître et expliquer l'art contemporain européen et les démarches esthétiques innovantes en Occident. En 2011 ses compétences l'on fait nommer au Palais des Festivals de Cannes, Président du Jury 2011 pour le Festival International Artistes du Monde, qui s'y est déroulé en Juillet, la marraine étant Marina Picasso. Ci-après quelques-uns de ses écrits sur l'art :

 

PUBLICATIONS
1° - Travaux de Recherche : Etude sur « les configurations artistiques » et leurs relations avec l’imaginaire collectif, (inconscient collectif, archétypes et signifiant des formes et des couleurs...) 1996-97 - Art Déco de l’Urbain - Esthétique et Fonctionnalité -
2° - Publication " Les Dômes-espaces et leurs concepts - Des équipements urbains originaux "; "Le concept des Urbaports" 1995 - Antolini - Etude sur  l’  Esthétique urbaine - grand format - 41 pages - Design urbain et théories © - EDMC - Dépôt Légal 1995 - Bibliothèque Nationale de France, Paris - et ADAGP- Paris - (cette étude a fait l’objet d’un mémoire de Diplôme en Arts et Arts Appliqués « Esthétique Urbaine » ).
3° - Publication « Le Linéarisme - Principes et fondements - Un nouveau concept pictural dans l’art moderne »  1998 - Etude Synthèse de Travaux de Recherche © Editions EDMC - Dépôt Légal 1998 - Bibliothèque Nationale de France, Paris -
4° - Publication « L’Art abstrait - Concepts pour une évolution des théories de l’abstraction » 1999 Ed. EDMC Dépôt Légal 2ème Trim. 1999 - Bibliothèque Nationale de France, Paris - Nouvelle Edition 1er Trim. 2000 -
5° - Publication - « De la systémique appliquée à l’Esthétique » - 2000 - muséologie des courants d’art
Etudes et recherches en art contemporain - Dépôt Légal Paris - 2000 -
6° - Publication - « Théorie artométrique » - 2000 - article de recherche en art contemporain et Esthétique de l’art (30 pages) Perception visuelle et œuvre d’art-Dépôt Légal Paris, Décembre 2000.
7° - Publication - « L’Archéologie de l’Esthétique » (infra « l'Art Significatif ») 2001 - Editions EDMC - Dépôt légal 2001- Bibliothèque Nationale de France, retenu au titre du patrimoine au Fonds de la Bibliothèque d’Art et d’Archéologie (Paris) -
8° - « Concepts pour une Esthétique des mers et du maritime » Travaux de recherche sur l'art et les mers qui ont fait l'objets de divers de ses enseignements à l'Ecole Supérieure d'Arts de Toulon (en cours de publication).

 

 

 

                                                           M U S E O L O G I E


Eléménts concernant l'oeuvre des artistes en présentation textuelle, pour musées, experts en art, commissaires priseurs, collectionneurs, amateurs d'art contemporains,journalistes et documentalises, mais également  étudiants en art... Si l'on veut aborder une muséologie de l'oeuvre des artistes présentés  les textes qui  précèdent permettent de mieux comprendre leur univers théorique et pictural, ceci afin d'en apprécier l'essence et la portée au regard de l'art contemporain actuel. Cette présentation est utile à une bonne approche  muséologique de l'oeuvre des artistes concernés. Les éléments analysés dans les textes sont susceptibles d'évolution selon le parcours de l'artiste dans le temps.


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Sociologie des arts, Expert-conseil en conservation du patrimoine.

LES EDITIONS DES MUSÉES ET DE LA CULTURE sont:
- Lauréat du Prix Marine Nationale pour la
catégorie "photographie contemporaine"
- Prix du Conseil Régional
Provence-Alpes-Côte-d'Azur
- Prix de la Ville de Toulon en 2003 et de
la Ville de Hyères-Les-Palmiers



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