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2017 ▼


Reportages ▼

■ "Madrid" 2017 de Gérard SUISSIA. La nouvelle toile du maître innove en paysage abstrait, une forme de peinture-archéologique en vue-d'en-haut, il ponte présent et "traces-signes" du passé.


"Madrid" (2017) paysagisme abstrait urbain de Gérard SUISSIA

Extrait de l'oeuvre

Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

Extrait de l'oeuvre

Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

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Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

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"Madrid" 2017 Une peinture archéologique  "vue d'en haut" pour nous dire la mixité de la trace et du signe du présent et du passé... La toile "Madrid"(2017) dernière née dans la Série "Les Capitales" peintures contemporaines du peintre Gérard SUISSIA. "Madrid" est une toile très réussie, esthétiquement et dans une démarche novatrice de retranscription des "signes-traces" de l'urbain, passé, présent et à venir, la ville et son évolution, l'urbain et les moyens de son évocation en art abstrait.

 

Dans "Madrid" le peintre développe une abstraction tout d'abord, dans la composition et la répartition des volumes et des couleurs aménagées, ensuite, sur un ensemble sémiotique et sémantique bien construit, équilibré dans les interdépendances des grammaires, des signes et des pigments. Tel un plan, il peut y avoir un ressenti en vertical, certes de ces "espaces-quartiers" ou/et en vue de dessus, dans le contenu de signe et sens. On perçoit une impression géographique de 3D descriptive. L'artiste a optimisé une cité-agora qu'il sublime... il "transcende" l'urbain, par le pontage allégorique entre le présent et le passé. La palette, aux tonalités patinées, ocrées, est bien choisie avec une vision d'espaces bien dimensionnés. Il y a une poésie qui s'impose, une atmosphère qui respire l'Espagne. Gérard SUISSIA fait vibrer une ambiance assourdie, de vieilles pierres, de rues aux murs dépolis ou de jardins d'art. Il fait s'exhaler de "Madrid", au-delà du visible, du souvenir... beaucoup de sensations très justes... chaleur, soleil, presque de la nostalgie, mais aussi de la joie, de la gaîté, du romantisme, et de l'optimisme ... C'est vraiment une mise en échos des mixités des styles, des années, s'en remettant aux expressions des caractères, aux designs des lettres comme pour en faire autant de signaux, d'allusions des strates superposées du temps. Gérard SUISSIA continue d'avancer et d'innover avec ici "Madrid" sa nouvelle toile 2017. Une toile qui marque bien une vocation de recherche dans sa peinture. Il y exprime le paysage de la ville, mouvant, évolutif, fondé, historique, présent, comme par une vision archéologique aérienne de l'urbain: "Madrid" est un paysagisme urbain abstrait, qui ici nous dévoile clairement le talent de peintre-archéologue contemporain du maître. Un paysage émergent que l'on ne peut découvrir que par le chemin de l'abstrait . Antoine Antolini – Mai 2017 © Editions des musées et de la culture EDMC 2017.

la peinture de Gérard SUISSIA


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Reportages ▼

■ "L'Art et la Mer" 2016 Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur à Toulon. Exposition concours autour des diverses expressions d'art du monde maritime. Oeuvres-d'art en lien avec la mer dans tous les styles, du figuratif à l'abstrait.


Marine abstraite de la peintre Betty de RUS

Marine abstraite de la peintre Betty de RUS

La peintre Betty de RUS obtient le Trophée

La peintre Betty de RUS obtient le Trophée "ART ET MER 2016" Peinture de Marines, Catégorie Abstraction

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Marine figurative de la peintre Annie d'HERPIN

Marine figurative de la peintre Annie d'HERPIN

La peintre aquarelliste Annie d'HERPIN obient le Trophée

La peintre aquarelliste Annie d'HERPIN obient le Trophée "ART ET MER 2016" Peinture de Marines, en Catégorie Figuratif

CLIQUER SUR CE LIEN IMAGE CI DESSUS POUR VOIR LE REPORTAGEDU CONCOURS

CLIQUER SUR CE LIEN IMAGE CI DESSUS POUR VOIR LE REPORTAGEDU CONCOURS "ART ET MER" 2015

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Oeuvre numérique abstraite de la peintre numérique Régine BAZIN

Oeuvre numérique abstraite de la peintre numérique Régine BAZIN

Régine BAZIN, peintre numérique obtient le Trophée Peinture de Marines

Régine BAZIN, peintre numérique obtient le Trophée Peinture de Marines "ART ET MER 2016", en Catégorie Art Numérique

Paysage abstrait maritime de la peintre Christiane BROUSSARD,

Paysage abstrait maritime de la peintre Christiane BROUSSARD, "Cri".

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La peintre impressionniste abstraite Christiane Broussard (Cri) obtient en 2016 Le Prix du Jury ART ET MER 2016 en catégorie abstraction marine

La peintre impressionniste abstraite Christiane Broussard (Cri) obtient en 2016 Le Prix du Jury ART ET MER 2016 en catégorie abstraction marine

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Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste style figuratif académique

Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste style figuratif académique

"La Vague" d'Annie d'HERPIN peintre aquarelliste

"La Vague" d'Annie d'HERPIN peintre aquarelliste (détail descriptif de l'oeuvre ici analyse du sommet de la vague)

Annie d'HERPIN

Annie d'HERPIN

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Betty de RUS

Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS (détail descriptif de l'oeuvre ici le rivage traité en abstraction)

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS (détail descriptif de l'oeuvre ici le rivage traité en abstraction)

Betty de RUS, peintre de style abstrait, oeuvres de paysages abstraits

Betty de RUS, peintre de style abstrait, oeuvres de paysages abstraits

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PALMARES CONCOURS ARTISTIQUE "L'ART ET LA MER 2016" EXPOSITION CONCOURS A TOULON 29 Juillet-16 Août 2016  LAUREATS 2016.

Ont Obtenu: TROPHEE PEINTURE DE MARINES "ART ET MER" 2016  Catégorie Figuratif Aquarelle: Annie d'HERPIN  Catégorie Paysage Abstrait Marine : Betty de RUS  Catégorie Arts Numériques - Peinture Numérique: Régine BAZIN.

Ont Obtenu: PRIX DU JURY 2016 PEINTURE DE MARINES "ART ET MER" 2016 ■ Catégorie  Paysage, Abstrait Portuaire:

Christiane BROUSSARD "CRI". Fin du Palmarès

 

"L'Art et la Mer" 2016 à permis une nouvelle fois et ce depuis plusieurs années, de mettre en relief des artistes qui ont su consacrer leur œuvre ou certaines de leurs créations au thème de la mer. Cela dans dans tous les styles. Ainsi au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur à Toulon, grand port de la Méditerranée, ville balnéaire et commerciale aux portes de la Côte-d'Azur, c'est un florilège de tableaux sur la mer qui ont été présentés au public.

 

Catégorie Paysage Abstrait Marine : Betty de RUS. La peintre Betty de Rus a été primée pour ses marines abstraites. Son abstraction sur le thème des bords-de-mer à su marier un colorisme puissant et lumineux, avec une grammaire, par moment tout en nuances, qui entraîne le spectateur entre abstraction et surréalisme. Betty de Rus crée un nouvel entendement paysagiste abstrait, dans un espace harmonieux et intense, qui lui est propre, empli d'émotions. Le concept abstrait de Paul Klee, celui du "peintre avec des souvenirs" pourrait s'appliquer au plan théorique à Betty de Rus, une peintre abstraite emplie de souvenirs pour avoir parcouru le Globe. Des sensations gravées dans sa mémoire aux cours de ses nombreux voyages à travers les continents.  On comprend dès lors, les raisons qui font que son style convoque tour à tour rêve et imaginaire, pour les soumettre aux questionnements colorés et multiformes de l’abstraction. L'artiste à tant vu de paysages, l'abstraction lui permet de les exprimer, en synhèse de coeur, par les ressentis de formes, par les sensations de couleurs, qui résument par le pinceau, concentrent sur l'oeuvre, toutes ces beautés de paysages, qui défilèrent sous ses yeux d'artistes. L'abstraction est devenue un moyen expressif pour la peintre, pour dire toute cette émotion avec le plus de justesse, avec ses sentiments revenus à la surface sur le tableau, au dela du visible et des images fugaces passées. Un langage universaliste et intérieur de peintures de marines, symbiose de rivages, de littoraux.  En stylistique, sa démarche aux tonalités justes, son sens inné des contre-plans, savent donner un recul spatial en divers endroits de ses œuvres. Un talent qui a permis à cette Diplômée des Beaux-Arts de Toulouse, de décrocher le Trophée Peinture de Marines "Art et Mer" 2016,  en Catégorie Abstraction.

 

Catégorie Figuratif Aquarelle: Annie d'HERPIN. La peintre Annie d'Herpin, aquarelliste internationale (en exposition individuelle actuellement à PEKIN) à su se rendre maitresse au travers de l'aquarelle, des ressources lumineuses que ce médium sait rendre au contact des grains du papier.  Une discipline de haute pratique qui ne laisse aucune part à l'hésitation, aux repentirs, quand la peinture est posées elle se marie avec la lumière et l'on n'y revient point. C'est ainsi l'assurance du geste pictural, que peut seule donner l'expérience, qui fait les grands aquarelliste contemporains.  Ainsi Annie d'Herpin a su pousser dans les œuvres ici présentées, le figuratif vers les ultimes harmonies significatives du maritime, pour évoquer la force de la mer.  En peignant ces vagues fortes et pures de l’Hémisphère Sud à l’île de la Réunion elle dut avant tout comprendre cet Elément, afin d'insuffler dans l'oeuvre un certain esprit, un ressenti, au-delà de l'image en fidélité de l'existant. Notamment sa "Vague", montre une esthétique de recherche sur les couleurs, la luminosité et la nature, attentive et  narrative du mouvement, avec des échos délicatement académiques. Cette peintre aquarelliste a compris les secrets de la lumière et des pigments, les nuances, les contrastes, qui sous ses pinceaux interagissent pour donner des oeuvres pleines de vie. La "Vague" témoigne d'une énergie en rotondité contenue et dynamique, qui se déploye naturelle et sauvage. L'artiste a su saisir ces instants inouïs du monde maritime. Des embruns d'écumes de mer semblent vouloir sortir de l’œuvre, comme pour mieux atteindre le coeur du spectateur. la peintre aquarelliste Annie d'Heprin nous offre ce message de la mer, ces expressions de ces rouleaux impétueux de cette Île dans l'Océan Indien, comme autant de palpitations universelles. Ces expressions  authentiques du maritime lui ont permis d'obtenir le Trophée de Peinture de Marines "Art et Mer" 2016, en Catégorie Figuratif.

 

Catégorie Arts Numériques - Peinture Numérique: Régine BAZIN.  Avec l'Art numérique entré en compétition, c'est l'innovation 2016 dans l'exposition- concours "Art et Mer" portée par la peintre numérique Régine Bazin, brillante artiste de cette discipline qui est en pleine essor aujourd'hui. Les progrès des technologies de l'image ont créé de nouveaux térritoires créatifs, un nouvel univers, dans lequel les pixels, les palettes infinies et pinceaux numériques, les programmes, les écrans, ouvrent de nouvelles voies dans l'art contemporain. Si le progrès initie des évolutions dans tous les domaines il en produit une véritable "révolution" dans l'art à partir de nouveaux outils de graphismes, de colorisme et de visualisation en 2 et 3 D. L'oeuvre-d'art, peinture numérique, "Lune sur l'Eau", de Régine Bazin, propose au spectateur une version quasiment futuriste et abstraite et étonnamment audacieuse, en terme de composition picturale numérique. On y ressent un dépassement logique et technologique du présent dans notre siècle, on imagine ce que pu être en son temps "Impression Soleil Levant" quand Monet référença ainsi par son talent définitivement l'Impressionnisme déja avant-gardiste pour son époque. Dans notre modernité actuelle, Régine Bazin fondatrice de "l'Opto-Suggestivisme" nous apporte avec sa peinture numérique la démonstration d'un talent créatif, allié ç un savoir ingénieux, qui ont su intégrer les recherches logicielles de notre époque pour renouveler l'art, tout en s’efforçant d'en sauvegarder le poétique pictural. C'est ainsi que l'artiste à obtenu à Toulon le Trophée Peinture de Marines "Art et Mer" 2016,  Catégorie Peinture Numérique.

 

■ Catégorie  Paysage, Abstrait Portuaire, Prix du Jury, Christiane BROUSSARD "CRI": En catégorie de Paysagisme Abstrait Portuaire, avec ses expressions de Marines abstraites, Christiane Broussard, spécialiste confirmée abstraite du littoral et paysages côtiers, a transporté le public vers tous les ailleurs de la peinture impressionniste abstraite. Ses monochromes polysémiques révolutionnent le paysage abstrait, pour poser de nouveaux fondements dans le visuels, elle pousse l'art contemporain vers de nouveaux progrès conceptuels et esthétiques. Depuis le Sud, cette artiste depuis plusieurs années, a marqué d'une nouvelle empreinte l'abstraction. Elle a montré que la mer, le portuaire, le littoral, le paysage côtier pouvaient jouer un rôle pour faire avancer l'abstraction par de nouvelles grammaires spécifiques que l'artiste à fait surjaillir dans ses toiles. Si Collioure et les "Fauves" avait déjà mis en exergue le mimétisme géographique d'un lieu dans la vision d'art, qui était pour eux multicolore,  et le lien que cela généra pour le progrès esthétique. Christiane Broussard, peintre de marines  abstraites, quant à elle apporte bien ici, après Matisse et Les "Fauves", la confirmation que l'osmose du peintre et du paysage maritime, produit bien ces inspirations nouvelles aptes à bouleverser les visions artistiques, pour elle monochrome ou bi-chrome. Christiane Broussard, change les couleurs du voir pictural. Le Prix du Jury Peinture de Marines "Art et Mer" 2016, lui a été attribué. 

 

 

 

                                                                                                                         Editions EDMC "ART ET MER" 2016

 


* * * *  "L'ART ET LA MER" * * * * TEXTE * * * * "L'ART ET LA MER" * * * * TEXTE * * * *  "L'ART ET LA MER"


 

LIVRET DOCUMENTAIRE D'ACCOMPAGNEMENT D'EXPOSITION SUR L'ART ET LA MER

Concepts génériques d'une " ESTHETIQUE DES MERS "  - Mers, signes et civilisations -

(C) EDMC DEPARTEMENT RECHERCHE

 

[1] - Origines de l’ « Esthétique des mers et du maritime».

 

L’ « Esthétique des mers », depuis la nuit des temps, accompagne étroitement les progrès premiers hommes préhistoriques, qui vécurent sur les rivages d’abord pêcheurs, puis marins. L’art des premiers troncs d’arbres creusés sont la véritable protohistoire de nos navires les plus modernes. Dans leurs graphismes pariétaux, comme dans leurs colliers de coquillages, au néolithique, nous pouvons lire la naissance de ce que l’on peut appeler un « art des mers ». Nous percevons au travers des cultes magico-religieux et des manifestations artistiques symboliques qui s’y attachent, l’expression des liens du groupe autour des croyances mythiques en des forces surnaturelles ou divinités des mers...A travers l’analyse de l’art, des styles et tendances des représentations, des motifs et sujets marins à travers les siècles, c’est en fait l’âme profonde des civilisations maritimes qui transparaît.

 

[2] -« Esthétique des mers » et principaux courants d’arts.

 

Cette Esthétique marine s’exprime tour à tour, certes par des poissons très figuratifs et réalistes, mais aussi les aspects plus surréalistes de divinités, allant de Vénus et Neptune, jusqu’aux représentations de divinités sur les rivages d’Orient et d’Occident, de la Chine à la Grèce. Par cette démarche, on peut dégager et comprendre mieux les ressorts de ce que j’appelle un « art mythologique » et voir apparaître nettement le rôle primordial joué par les artistes dans les premières civilisations. Mais la mer a souvent été représentée par les artistes de façon abstraite, et cela déjà parmi les civilisations les plus anciennes. Ainsi par exemple, chez les minoens ou les hellènes, à travers leurs frises et leurs nombreuses décorations de temples ou palais, on peut voir représenté le mouvement de la mer ou des vagues. Une esthétique propre s’est en fait de tous temps imposée comme décisive, nécessaire, pour renforcer le lien étroit de l’homme avec la mer, manifester une identité sociétale maritime. Cette mer, que l’on a longtemps cru plate, avec un abîme au bout de l’horizon, à généré des croyances chamaniques, ou fabuleuses. D’innombrables légendes ont alimenté peu à peu une importante imagerie populaire, poétique, romantique, surréaliste... permettant de nombreuses inspirations de sujets aux artistes. Cette « Esthétique des mers » permet d’assimiler clairement la relation essentielle qui existe entre « art » et « culture ».

 

[3] - « Esthétique des mers » et évolution des sociétés.

 

L’« Esthétique des mers » est une « Esthétique de la communication ». Communication à l’intérieur du groupe social pour la définition de son appartenance commune maritime, mais aussi face aux autres zones intra-continentales. Cette esthétique se traduira par une thématique profondément culturelle d’une grande parties des sociétés riveraines, insulaires ou péninsulaires, qui ont voulu exprimer la mer artistiquement. On peut retrouver ceci au travers du développement des sociétés anciennes et contemporaines. Le développement au fil des siècles d’une économie d’échanges commerciaux par voie maritime, nous révèle que cette « Esthétique des mers » est dépositaire du contenu d’une communication « visuelle » spécifique majeure, ancienne et contemporaine. Cette communication, depuis les galets de plages recouverts de signes peints par des hommes préhistoriques, jusqu’aux effigies de pièces de monnaies antiques frappées de motifs marins, n’a cessé de se développer. Avec la modernité des sociétés du XV ème siècle, la Renaissance, les Grandes Découvertes, une nouvelle imagerie des mers s’installe dans la conscience populaire en Europe. Des images différentes apparaîtront dans la société et seront conditionnées par le développement d’une économie provenant d’au delà des mers. Les Grandes Découvertes sont aussi de Grandes Explorations des mers et des océans. Par ailleurs, l’importation de concepts technologiques de constructions de navires, de conceptions esthétiques différentes, de techniques d’art plus élaborées, ont produit certes des évolutions et changements dans la façon de voir, mais autant des harmonies et des enrichissements esthétiques entre continents lointains. Par exemple ce fut le cas avec les porcelaines blanc-bleu et le kaolin de Chine, qui ont crée un style en Europe. On assiste souvent à la transmission à la fois d’un goût et d’ une technique nouvelle. Ceci illustre aussi les interpénétrations des concepts, qui vont de pair avec les nombreux échanges de savoir-faire artistique ou artisanal - plus tard industriels - qui se poursuivront en continu jusqu’ à nos jours. Même dans les domaines les plus « pointus » de l’Esthétique, les modalités d’expression s’influencent entre continents au-delà des mers et océans. L’arrivée de concepts artistiques de l’école de New-York, ont influencé l’abstraction picturale en France ou en Italie dans la seconde moitié du XX ème siècle. Quant à nous, nous avons su tout autant exporter le surréalisme...

 

 

[4] - L’« Art significatif » des mers : expressions signalétiques des sciences marines anciennes et modernes.

 

De l’étoile polaire pour indiquer le Nord, du phare au téléphone portable, la mer restera toujours cette vaste étendue d’eau que le besoin de communication directionnelle domine. Une logique communicante appartient à l’art du visuel depuis la préhistoire . Par des recherches précédentes, j’ ai pu constituer les fondements de l’ art significatif (cf définition § 1) , qui est l’association du signe, du sens, et de l’Esthétique. Cet art se retrouve comme une composante élémentaire et « infra-structurante » des civilisations anciennes ou contemporaines. Cet art est un médium de toute transmission-réception d’arts ou cultures. La connaissance de l’art significatif est essentielle dans l’approche des sciences marines anciennes ou modernes. De la navigation grâce à l’ astrolabe, de l’infographie à la cartographie modernes, la signalétique à guidé les plus grands navigateurs. On comprend ainsi comment la création de toute signalétique maritime efficace passe par l’ étude approfondie de son « esthétique » qui sera garante de sa meilleure utilisation. Netteté, clarté, rapidité de compréhension, de lecture, sens et signes doivent s’exprimer par des graphismes issus de l’étude de l’Esthétique. Souvent en association avec les technologies modernes de l’image, le sens et le signe entrent dans une interdépendance expressive, une dualité, parfois une pluralité de « significations », une polyvalence « significative ». L’« Esthétique des mers » et « du maritime » s’attache à l’étude de l’ ensemble des représentations visuelles artistiques ou fonctionnelles et utilitaires en relation avec la mer. L’  Esthétique moderne et l’ « art significatif » sont indissociables et inscrivent le progrès des sciences de l’art dans celui de la société, pour l’optimiser.

 

[5] - « Esthétique des mers », marketing et publicité.

 

Cette «Esthétique des mers » se retrouve largement utilisée dans la mode vestimentaire, les sports, les loisirs, jusqu’aux aux affiches de croisières, voyages, et vidéo-clips exotiques. Cette esthétique constitue aujourd’hui la meilleure thématique permettant de sublimer les désirs et promouvoir ainsi les offres de produits et services par la publicité. Par la communication et les médias, l’« Esthétique des mers » est devenue essentielle et constitue actuellement la partie la plus importante du marketing et de la publicité. La mer, le rivage, la plage, les paysages exotiques marins, sont associés au rêve, à la conquête du bien-être et de la réussite sociale, aux vacances, à la récompense. Illustration de tous types de marques et enseignes, la mer devient objet et processus pour des ventes de tout un ensemble de biens et services situés dans son contexte. En termes ciblés, une bonne compréhension de l’ « esthétique des mers » va promouvoir de façon exponentielle la vente de produits et services liés à la mer. L’esthétique des mers et du maritime conditionne pertinence et performance de la communication de l’industrie du tourisme et des loisirs. L’ « Esthétique des mers » et du « maritime » est le vecteur le plus porteur dans le monde de la publicité et du marketing. On ne peut échapper aujourd’hui à cette esthétique spécifique. Mes travaux de recherche en art, m’ont permis de l’identifier, de la construire et la fonder en tant que telle, afin de faire déboucher cette « Esthétique des mers » sur un enseignement. Celui-ci devra permettre d’optimiser le potentiel de cette esthétique et mettre au service d’étudiants motivés de nouveaux atouts, selon leurs divers projets professionnels. Nous avons à présent le recul nécessaire et cerné le premier cadre interdisciplinaire et transdisciplinaire de cette esthétique spécifique. Un programme complet pour son enseignement théorique et pratique est conçu et a débuté en 2005.

 

[6] - « Esthétique des mers » et Design.  

 

Des compétences et une formation nouvelle sont nées avec le « Design des esthétiques des mers »... Design naval - Design urbain et conception-paysage maritimes - Design d’architectures intérieures et du mobilier marin. - Le Design naval : L’esthétique des mers analyse le design naval qui est étroitement lié au développement des technologies industrielles des mers depuis l’histoire des constructions de caravelles, de Colomb et Magellan, jusqu’aux paquebots géants des mers. La conception-paysage maritime : Il existe une « esthétique des architectures maritimes », avec un besoin de « concept-design » et de concepteurs-paysagistes marins. Le besoin existe au-delà des créations-aménagements des ports et marinas, ou de pôles de plates-formes offshore. Les toutes récentes créations expérimentales d’habitats marins et sous-marins, demain les « villes flottantes » appellent une nouvelle compétence en design qui doit intégrer de nouveaux paramètres. De micro-territoires flottants bâtis de résidences de vacances seront capables de voguer dans les prochaines années. La voie d’un progrès irréversible et ouverte dans la relation mer - habitat. Le Design maritime d’architecture d’intérieure et de mobilier marin : ce que j’appelle, le « Design meublant marin, ou maritime » a un véritable statut dans l’ « Esthétique des mers » et du « maritime », avec des débouchés professionnels en perspective. Créer du mobilier marin adapté à la navigation, c’est mieux comprendre le design ergonomique marin et répondre à de nouveaux besoins. Ce design de mobilier doit aussi se nourrir des connaissances esthétiques approfondies, anciennes et contemporaines. Cette « Esthétique des mers » et du « maritime » , bien assimilée pourra faire la différence « qualité » dans la concurrence. La connaissance des logiques riveraines, anciennes et modernes de création de mobiliers sur les littoraux d’Orient ou d’Occident est indispensable. C’est le moyen primordial pour le concepteur afin de savoir comment innover.

D.R. pour tous pays -  Copyright "L'ART ET LA MER" Livret documentaire d'Exposition EDITIONS EDMC 2015

 

 

 

 

■ La peintre Laurence SOIGNON, incarne la charnière entre les XXème et XXIème siècles: Sa peinture met en osmose l'art et la science, annonçant l'esthétique des prochaines décennies. Ses toiles relient l'universel.


"Emotion" peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

"L'Inconnu", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 70x50cm)

"Destinée", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 60x60cm)

La peintre abstraite Laurence SOIGNON, crée une nouvelle esthétique métaphysique

La peintre abstraite Laurence SOIGNON, crée une nouvelle esthétique métaphysique

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"Etat de Conscience", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 80x80cm)

L'abstraction de Laurence SOIGNON, passerelle entre l'esprit humain et l'univers. Une autre forme de spiritualité dans l'art contemporain.

L'abstraction de Laurence SOIGNON, passerelle entre l'esprit humain et l'univers. Une autre forme de spiritualité dans l'art contemporain.

"Suractivité", motif central, peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

"Mutation", motif central, peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

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Ici la peintre abstraite Laurence SOIGNON explique la relativité de nos conceptions et des images de la matière. Son coeur et sa peinture approchent l'intériorité de l'Homme dans l'univers.

Ici la peintre abstraite Laurence SOIGNON explique la relativité de nos conceptions et des images de la matière. Son coeur et sa peinture approchent l'intériorité de l'Homme dans l'univers.

"Plans Parallèles", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 50x60cm)

"Technologie", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 50x60cm)

Laurence SOIGNON. Sa peinture, son style, portés par une esthétique abstraite de haut niveau international, reconnus par l'attribution de la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2015.

Laurence SOIGNON. Sa peinture, son style, portés par une esthétique abstraite de haut niveau international, reconnus par l'attribution de la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2015.

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La peintre Laurence SOIGNON est issue des générations artistiques, qui, dans les années 80-90 ont vécu un "risorgimento" de la science, un regain d’intérêt pour les sciences dans la société. L'artiste s'est ouverte à l'art contemporain à la fin de cette décennie, dans ces "Eighties" qui produisaient une évolution en accéléré, dans tous les domaines. Au cœur d'une prise de conscience que le développement des nouvelles technologies apportait, chacun d'entre-nous pouvait voir ce progrès qui proliférait et peu à peu, envahissait notre quotidien, notre environnement. De l'informatique à l’opto-électronique, de la robotique aux  industries de pointe, les limites à l’ingénierie humaine semblaient définitivement abolies. L'espace, l'univers, les investigations cosmos-planétaires, les programmes spatiaux de la NASA, ou de l'Europe, avec les années CNES, ces années qui ont vu avec les astronautes français Jean-Loup Chrétien et Patrick Baudry, s'ouvrir de nouvelles voies au progrès de l'humanité. Ceci créait de nouvelles perspectives d'avenir. L'on entrevoit alors en Europe, dans le monde industriel, un futur, désormais indissociable de l'exploration interplanétaire, des avancées de la cosmologie, ainsi que des Sciences fondamentales. C'est dans cette effervescence que Laurence SOIGNON, allait débuter quant à elle, sa carrière de peintre en 1987.

 

A cette époque, ces nouveaux horizons des sciences et des technologies, au-delà du monde scientifique, sont en fait entrain de dynamiser le monde littéraire, la culture, relayés par le cinéma, avec des films dans les années 90, tels "Abyss" ou "Retour vers le Futur". La science irriguait tous les possibles, Laurence SOIGNON allait à son tour, avec sa peinture, en donner de nouvelles images, construire une nouvelle esthétique.... L’œuvre de l'artiste porte ainsi l'empreinte de ces progrès de la fin du XXème siècle. Son tableau "Technologie", (peinture acrylique sur toile 50x60cm), nous le rappelle. Cela fut une chance culturelle pour la peintre d'être en charnière de deux siècles, elle a réussi par ses toiles, par sa démarche artistique novatrice, à faire aujourd'hui le pontage admirable avec notre nouveau millénaire naissant. Avec son œuvre "L'Inconnu", (peinture acrylique sur toile 70x50cm), elle nous montre la logique première de sa démarche; une superbe réalisation antologique, qui propose une conception générique du monde autour d'un savoir caché de l'ultime, qu'il reste encore à découvrir pour la science. "L'Inconnu" renvoie l'Homme à son échelle, devant la nature immense, insondable, mystérieuse, magnifique. On peut voir toutefois dans ce tableau l'espoir d'un entendement possible au final, une compréhension accessible de notre Univers qui est à conquérir par les scientifiques. Ceci apparaît au travers de la lumière éblouissante concentrée, éclatante, mais distante, que l'artiste représente dans le haut de sa toile. Une espérance, un but, pour l'Homme comme pour l'Humanité. L'abstraction pionnière de l'artiste questionne par ses représentations picturales, les limites des sciences exactes, face à cet Univers. Une démarche artistique qui manifeste une interprétation de la cosmologie, avec les ressentis de l'intériorité de la peintre, en gestualité étudiée, efficiente. La peinture de Laurence SOIGNON, est une expression intuitive de la raison. Le raisonnement à besoin d'aller plus loin que le résultat des sciences. C'est une peinture qui veut participer a déchiffrer l'inconnu. Le style de l'artiste reste éloigné d'une "Action painting" déconditionnée de l'environnement comme celle que parfois produisit l'exceptionnel Pollock, chez Laurence SOIGNON, on ressent une abstraction au geste chargé de sens humain, intuitif puis intentionnel, en quête du cosmique, du cosmologique, en recherche d'un universel positif. Une émotion plasticienne sur la toile, faite de sensibilité issue de la méditation intérieure. La perception du Soi pour mieux sentir l'infini. Un acte de peindre qui pourrait être perçu comme une expression asiatique du Qi (ou Ki). Le souffle, la vie, que la peintre transmet ici à sa peinture répand un énergie originelle qui enveloppe la toile et le spectateur. Une amplitude de créativité qui transparaît dans la beauté cohérente, équilibrée, dans la majesté des couleurs. Une grammaire qui devient parfois quasiment cinétique. Laurence SOIGNON, fait le vide en elle, pour envoyer en la guidant, une émotion abstraite sur la toile. Elle identifie et peint en synchronie, à la fois une part d'elle-même et de cette incommensurable physique. Elle a intériorisé son regard pour aller à la dimension expressive extérieure de l'émoi. Concentration et spontanéité se mettent en ambivalences dans ses réalisations. ("Plans Parallèles", peinture acrylique sur toile 50x60cm. "Emotion" peinture de acrylique sur toile 40x40cm). Le pinceau de Laurence SOIGNON est, au bout de sa main, le  lien entre son monde intérieur et un monde externe, galactique, sidéral, affranchi de toutes limites. La particularité de l'approche artistique de Laurence SOIGNON est qu'elle a compris comment mobiliser toute sa puissance intérieure pour la communiquer sur la toile. Pour la peintre, l'introspection, la méditation, préparent sa gestualité, laquelle produira ensuite sur la toile, dès lors avec plus de fidélité, ses intuitions profondes. "Etat de Conscience", peinture acrylique sur toile 80x80cm, met en émergence ce phénomène: Une œuvre peut refléter en miroir les sensations du peintre dans l'univers. Pour Laurence SOIGNON, la conscience est un espace d'émotion et d’intelligence ouvert, c'est le moyen de se "connecter" à l'universel. Ses toiles sont devenues de véritables visions-passerelles entre l'être et l'infini. La peinture est chez cette artiste une démarche esthétique utile, qui positive l'acceptation de notre devenir dans la course du temps, de l'espace, des cycles planétaires. "Destinée" (peinture acrylique sur toile 60x60cm). Laurence SOIGNON en ce début de notre siècle est la première artiste qui fonde et grave dans l'art, l'esthétique d'une exobiologie. Avec l'interdépendance entre la force de l'univers et la fragilité de l'humain, de la vie. "Suractivité"(peinture acrylique sur toile 40x40cm) nous confronte à tout ce qui nous dépasse et nous en donne une idée esthétisée que le tableau ancre dans notre réalité. Ses représentations picturales investiguent des champs nouveaux hors de la cognition dans notre présent. On en mesure une vertigineuse appréhension dans sa toile "Mutation", (peinture acrylique sur toile 40x40cm). Son message est bien cette symbiose entre matérialité et immatérialité, entre l'être et l'existant inconnu. Elle a  extrait les images  d'une intuition des sciences , developpant ainsi la mission sociétale du peintre, sentinelle des futurs, pour en construire une œuvre de référence pour la science et les mathématiques, dont les théories ne peuvent aller encore jusqu'à ces territoires physico-visuels inaccessibles, qui ne peuvent être évoqués, "imagés", que par l'art, la peinture... L' « Universfield Painting » est le mouvement pictural créé par la peintre Laurence SOIGNON. Chacune de ses toiles est un véritable "insight" qui vient combler le manque que peut ressentir le chercheur, le scientifique, devant la complexité de sa tâche. Ses peintures poussent et supportent la science, pour l'aider par l'art, à aller vers l' "Eurêka" intemporel, générique et ultime. Lors de l'interview qu'elle a accordée aux Editions des musées et de la culture EDMC, Laurence SOIGNON a précisé : ..."L’expression esthétique de mon monde intérieur est infinie et variée... ma démarche avant d’être spirituelle, est scientifique, avec pour centre d’intérêt la cosmologie physique et quantique; la physique classique et la physique quantique et la recherche de leur unification; de la mise en équation d’un univers connecté: une unification de la physique de l’infiniment grand et de l’infiniment petit. Cette approche m’a conduite vers la connaissance de Soi".... L'artiste Laurence SOIGNON, pose ainsi la peinture comme moyen complémentaire d'investigation des sciences de l'Univers dans les dimensions de la recherche plurielle et transdisciplinaire entre les Beaux-Arts et la science. Dans l'harmonie de leur conjugaison, les arts et les sciences nous permettront peut-être de dévoiler un jour, les secrets de l'avenir, par les croisements et les superpositions des savoirs. La peinture de Laurence SOIGNON y contribue et représente aujourd'hui en Europe une tête-de-pont des Beaux-Arts dans les sciences. L'artiste a fondé un nouveau concept esthético-scientifique. Ses toiles appartiennent déjà au futur, il reste à présent à la civilisation à faire sienne un telle créativité contemporaine, non seulement pour les générations actuelles, mais aussi pour celles à venir.

 

 

Antoine Antolini, Octobre 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"La peintre Laurence SOIGNON, incarne la charnière entre les XXème et XXIème siècles: Sa peinture met en osmose l'art et la science, annonçant l'esthétique des prochaines décennies. Ses toiles relient l'universel".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Ocotbre 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant: titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 



 

 

■ PEKIN, capitale de la Chine. Reportage EDMC. Images de Chine 2015: Pékin. Une ville en pleine évolution dans la modernité la plus contemporaine. Aujourd'hui ..."Ce qui se passe à Pékin se passe dans le monde"...


PEKIN

PEKIN

PEKIN (BEIJING), CAPITALE DE LA CHINE.

PEKIN (BEIJING), CAPITALE DE LA CHINE.

LE MUSEE DES BEAUX-ARTS DE PEKIN

LE MUSEE DES BEAUX-ARTS DE PEKIN

PEKIN. Vue du centre-ville

PEKIN. Vue du centre-ville

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PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. L'art de la calligraphie en enseignes.

PEKIN. L'art de la calligraphie en enseignes.

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

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PEKIN au printemps. 2015

PEKIN au printemps. 2015

PEKIN. Ici, un haut lieu du thé en centre-ville.

PEKIN. Ici, un haut lieu du thé en centre-ville.

PEKIN. Novotel Beijing Peace, Styles et Tendances dans l'art international PEKIN DECEMBRE 2015 EDMC

PEKIN. Novotel Beijing Peace, Styles et Tendances dans l'art international PEKIN DECEMBRE 2015 EDMC

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REPORTAGE "IMAGES DE CHINE: PEKIN" © EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE EDMC 2015

 

 

 

■ MABRIS. Sa peinture nous emmène aux confins de l'abstraction. Au-delà de l'Action painting américain, des calligraphies de l'Asie, ou de tout "art informel", MABRIS fonde aujourd'hui une esthétique européenne novatrice.


la peintre MABRIS

la peintre MABRIS

"Ardente Exaltation", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 92x73cm)

"Audace", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 30x30cm)

la peintre MABRIS dans son atelier

la peintre MABRIS dans son atelier

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"Empreinte Cosmique", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 50x61cm)

"Accolade", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 116 x 89cm)

"Fulgurance", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 65x54cm)

"Rayon d'Or", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 54x65cm)

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Ici la peintre MABRIS en compagnie de Marina PICASSO

Ici la peintre MABRIS en compagnie de Marina PICASSO

"L'Abîme de Soi" peinture de MABRIS (acrylique sur toile 100x81cm)

"Bourrasque", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 81x100cm)

La peintre MABRIS, une certaine idée de l'abstraction qui, aujourd'hui, innove une nouvelle esthétique picturale dans l'art contemporain européen

La peintre MABRIS, une certaine idée de l'abstraction qui, aujourd'hui, innove une nouvelle esthétique picturale dans l'art contemporain européen

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La peintre abstraite Mabris. D'expositions en salons, en France et à l'étranger, cette artiste a fait remarquer  son travail, puis a su imposer l'originalité de son style parmi les recherches artistiques contemporaines. Au milieu de la variété foisonnante des langages picturaux son œuvre s'est nettement détachée. Au cœur de propositions culturelles multiformes,  son style permet de cerner une avancée dans le domaine de l'art abstrait, en innovant une nouvelle grammaire du signe et de la peinture dite "gestuelle" dans l'art contemporain européen.


L' "Action painting" américain voulait faire progresser l'approche de l'abstraction, remodeler son sens profond, notament avec Jackson Pollock, ensuite Willem de Kooning. En complet déconditionnement devant la toile, le geste devait alors retrouver un espace autonome, devenir absolu. Ce "risorgimento" de l'abstrait aux Etats-Unis devait être relayé en Europe avec "l'Informel", le "Tachisme", le mouvement "Cobra" (initiales de Copenhague, Bruxelles, Amsterdam) et l'abstraction lyrique ou peinture gestuelle, avec des peintres tels Georges Mathieu, Hans Hartung, Gérard Schneider, qui tentèrent de créer une identité esthétique européenne, une approche picturale plus française, plus européenne, se voulant encore plus avant-gardiste que celle d'Outre-Atlantique. Ils y réussirent d'ailleurs. Ce fut la période étonnante d'une création artistique abstraite qui se cherchait, se trouva, et fut la référence contemporaine jusque dans les années 70-80. C'est dans cet environnement que Mabris a vécu sa jeunesse, dans ces temps-forts de l'abstraction gestuelle, dans cette mode où les médias résonnaient d'échos de performances ou d' happenings célébres, dans un nouvel art contemporain européen en construction. Aujourd'hui, toutes influences estompées, Mabris a su composer avec sa peinture, son édifice personnel, avec une vision fraîche, neuve. En 2015, ses toiles constituent naturellement et intrinsèquement un dépassement de cet existant des  "années Georges Mathieu". Ses tableaux sont à la fois totalement innovants par un signe libre, mais aussi par un sens issu de sa propre génération, actuelle. Mabris, en fait, a réussi à créer des peintures en "prise directe", "phasées", avec son siècle naissant. Originaire de Nantes, elle fut artiste-photographe à ses débuts, puis perfectionna ensuite ses connaissances picturales, durant quatre années à l'Ecole des Beaux-Arts. Un parcours de talent, de passion, mais aussi de patience. Mabris s'est consacrée en un labeur incessant à sa peinture dans son atelier. Au fil des années, avec sérieux, elle est arrivée a mettre progressivement au point, à murir, son style. Elle a pu confier dans une interview "la solitude de l'atelier est une nécessité car elle permet de se concentrer, de se recentrer pendant que le monde tourne autour de soi, de prendre du recul. Pour moi, c'est maintenant devenu une nécessité , c'est aussi vital que respirer !". Mabris, dès ses premières grandes expositions, par la perfection et l'originalité de son travail, s'annonçait comme une signature qui allait marquer la peinture. Si à présent on peut parler à son sujet d'une référence dans l' art abstrait européen, c'est grâce à un chemin d'efforts avec une conviction tendue vers un but : vouloir peindre au-delà du peindre! On peut parler avec Mabris d'une "nouvelle peinture gestuelle" européenne, ouverte sur le monde, la société. Mabris est issue de cette France profonde de l'art, de ce monde d'artistes qui peint au quotidien. Depuis son atelier, elle s'est toujours sentie en osmose avec la conscience artistique du monde. Un tableau d'ici mais tout autant un tableau du monde. C'est imprégnée de cet universalisme, que la peinture de Mabris s'est mise réellement à palpiter au rythme de son temps. Elle est une des rares peintres actuelles qui représente aussi bien notre époque, par sa gestualité, contrôlée et spontanée en simultané, un acte peint, ouvert, large, accompli, fulgurant et signifiant. Sa peinture à épousé notre temps, reflète et met en image l'accélération de notre société, la vitesse sous toutes ses formes, le changement de nos normes "spatio-temporelles" que chacun ressent profondément tous les jours avec les nouvelles communications, la dématérialisation de la distance, du lieu, la mondialisation... Cette identité picturale de civilisation, Mabris, la pose sous nos yeux, avec une évidence inédite dans notre histoire contemporaine de l'art : Elle a donné une autre signification à la peinture du mouvement, au geste, à l'esthétique du mouvement sur la toile, l'a actualisé, traduisant une unité symbiotique de signe et d'évocation. Tout naturellement sur la toile "Fulgurance" (acrylique sur toile 65x54cm), elle trace ce temps ultra-rapide, interprète cette danse sociétale du déplacement, de l'aller-retour, d'un besoin du "toujours plus vite", qui ne laisse qu'une sensation fugace et floutée de l'image, du réel, des sentiments. Le génie de Mabris est d'avoir ressenti intuitivement ce choc de la modernité, d'avoir su emmagasiner l'impact frontal de cette révolution de notre vie quotidienne, du progrès, de l'être et de ses incertitudes face à ce nouveau monde a l'allure vertigineuse et en créer une grammaire inouïe de vérité, tel avec son œuvre titrée "l'Abîme de soi" (acrylique sur toile 100x81cm). Ses toiles, plus qu'une réflexion-miroir abstraite de l'hyper-avancée de notre société, sont de véritables tableaux-témoins, autant de signaux clignotants d'un monde frénétique. Lorsqu'elle réalisa sa toile "Ardente Exaltation" (acrylique sur toile 92x73cm) , probablement que Mabris, ne se doutait point combien cette œuvre en exposition, allait représenter d'émotions auprès du public dans le Sud de la France. Cette œuvre, avec ces entrecroisements paroxystiques, cette dynamique jaillissante d'entrelacs, véritable étonnement sous tous les regards. L'exposition d' "Ardente Exaltation" fut un événement et généra des ressentis les plus divers, d'évocations du monde, inter-culturelles, esthétiques ou encore calligraphiques... Le motif central, concentré en dynamique, se détachant sur un fond plan, voire spatial, terrestre, selon les différentes visions des spectateurs, détouré d'un bleu lointain, céleste ou maritime... La gestualité de Mabris, dans cette toile qui a été exposée plusieurs semaines sur la Côte-d'Azur n'a cessé de questionner, de susciter des interprétations émotionnelles des plus variées. Une peinture bien dans le style de l'artiste, aux harmonies contrastées, une expression dans laquelle la vigueur a remplacé la violence, la force picturale a su découvrir une palette de tonalités atténuées, douces au regard, pour faire passer un message d’énergie en graphismes gestuels. Les œuvres de cette artiste sont devenues puissantes, vibrantes, exceptionnellement criantes, parfois cinglantes telle par exemple "Bourrasque" (acrylique sur toile 81x100cm). Mabris sait toujours parler au cœur par une esthétique subtile, animée, re-créative. C'est en fait ce sens supérieur, que seul les artistes les plus doués peuvent intégrer puis émettre dans le tableau. Mabris, par ses titrages prend soin de ne jamais bloquer la projection du spectateur, pour lui laisser sa marge d'imaginaire, afin que celui-ci puisse vivre le tableau, y ajouter sa propre sensibilité, y convoquer son monde intérieur ou extérieur, ou les deux. C'est là aussi le secret de cette réussite; ce rapprochement avec le public. Le geste de l'artiste dans la rapidité, dans la spontanéité a appris à gérer la couleur et ses effets avec justesse, l'utiliser pour parfaire et prolonger une trajectoire de son intériorité directement sur la toile, poser l' éblouissement de non-dits, qui vont à la rencontre de l'esprit, vers l'âme de l'autre. Mabris a tout de suite su qu'elle ne devait pas peindre pour plaire, ni pour convenir à la presse, ni aller dans le sens des conseils prodigués par tel ou tel critique d'art, elle a compris qu'elle devait être avant tout elle-même, sans concession, mais peindre jusqu'au bout ses intuitions picturales. C'est ce qu'elle a fait. Aujourd'hui c'est gagné. Ce pari sur l'avenir, cette attitude à été sa force. Sa peinture à présent fait le tour du monde, des Etats-Unis à l'Inde, de Paris jusqu'à Dubaï. Partout on peut regarder et ressentir dans la soudaineté du visuel, cette expression immédiate et incomparable de l'esprit fusant sur la toile, sans aucune barrière entre expression et sensation et qui vient nous dire le monde, notre société, notre siècle. Un style, une signature, une actualité de l'art contemporain; les toiles de Mabris parlent du rythme de la vie, du rythme de la Terre qui tourne inexorablement et qui marque à tout jamais le début et la fin, sans arrêt, telle une "Empreinte Cosmique" (acrylique sur toile 50x61cm). Mabris, dans sa démarche a créé un nouvel entendement de l'évolution des stylistiques. Elle nous démontre que le vrai peintre abstrait est celui qui sait être dans une dimension d'excellence, transcender les sens et transmettre beaucoup plus encore, par les signes et les couleurs. En redéfinissant le rythme, le mouvement, la vitesse du geste et son objet, elle a posé le contenu sémiologique d'une autre abstraction, Mabris a réorganisé une grammaire essentielle de l'abstrait, en une acception actuelle pour notre XXIème siècle naissant. Dans la tradition immémoriale du peintre depuis la nuit des temps, des grottes d'Altamira au Musée d'Art Contemporain de New-York, certains artistes dans nos civilisations ont parfois ce rôle unique et privilégié de médium-médiateur de nos sociétés, pour traduire par l'art, en peinture, l'inconscient collectif d'une époque, d'une société a un moment donné de son évolution... Mabris est l'une de ces artistes. Il faut regarder son œuvre, se pencher sur son style et l'on s'y reconnaîtra, l'on y verra le monde. Mabris est une authentique révélation de l'art abstrait européen d'aujourd'hui. 

 

Antoine Antolini, Août 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"Mabris, peintre abstraite" sous-titre : "Sa peinture nous emmène aux confins de l'abstraction. Au-delà de l'Action painting américain, des calligraphies de l'Asie, ou de tout "art informel", MABRIS fonde aujourd'hui une esthétique européenne novatrice".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Août 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


 

 

■ Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Une oeuvre de haut niveau qui témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles.Une nouvelle dynamique créative.


Georges CASTILLE, un maître dans l'art contemporain. Son style, à travers les supports, les matériaux et les pigments réussit une synthèse de haut niveau des disciplines complexes de l'esthétique et des arts plastiques.

Georges CASTILLE, un maître dans l'art contemporain. Son style, à travers les supports, les matériaux et les pigments réussit une synthèse de haut niveau des disciplines complexes de l'esthétique et des arts plastiques.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr. "Promenade Nocturne", "Aimons-nous", "Lily".

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr. "Nous les Amoureux", "Charleston N° 3", "Starlette N°2"

Le maître Georges CASTILLE, peintre,  sculpteur, plasticien. Recoit le Diplôme d'authentification de sa Médaille

Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Recoit le Diplôme d'authentification de sa Médaille

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Le maître Georges CASTILLE, peintre sculpteur plasticien, obtient en 2015 pour l'ensemble de son oeuvre la Médaille

Le maître Georges CASTILLE, peintre sculpteur plasticien, obtient en 2015 pour l'ensemble de son oeuvre la Médaille "d'Artiste d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui ". Une consécration méritée pour cet artiste hors du commun.

"Carnaval de Venise", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Le Grand Bleu", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Poissons Exotiques", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

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"Clin d'oeil", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Clin d'oeil", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm) plan rapproché

Ici le maître Georges CASTILLE expliquant sa démarche artistique au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

Ici le maître Georges CASTILLE expliquant sa démarche artistique au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

"Poissons Exotiques N°1", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

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Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Une oeuvre de haut niveau qui fait la synthèse culturelle entre art décoratif et Beaux-arts. Son talent  témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles. Une nouvelle dynamique de création.


Une rencontre avec le maître Georges CASTILLE ne peut laisser indifférent. C'est un moment inoubliable. C'est entendre un artiste de haut niveau, et comprendre au fur et à mesure que l'on discute avec lui, qu'il vous explique sa démarche, que l'on se trouve en face d'un grand créateur, d'une authenticité absolue. Tout respire dans son travail un sens inné de l'art et de l'esthétique. Ses œuvres sont en fait l'aboutissement d'une recherche de plusieurs années, tant sur les supports, les matériaux, les pigments, que tout autant sur la puissance intense de la couleur. Il a étudié, observé, expérimenté, utilisé, comparé, de multiples peintures et matériaux pour en arriver à ses choix. Il utilise avec bonheur dans ses réalisations, les résultats pratiques de ses recherches pour le plus grand plaisir et l'étonnement des spectateurs, des amateurs d'art, des collectionneurs. Après avoir maîtrisé toutes les contraintes techniques, c'est aujourd'hui, des oeuvres-d'art d'une exceptionnelle qualité plasticienne que le maître Georges Castille nous donne à voir. Son style souvent léger et aérien, aux finitions d'excellence, survole toutes les lourdeurs de la matérialité de l'art. Il aime exprimer ses sujets dans une symphonie bien réglée de couleurs vives, en éclatantes harmonies. Le style de Georges CASTILLE peut être une démarche en interprétation du figuratif ou plus proche parfois de l'abstraction dans certaines œuvres. Son figuratif aime mettre en évidence l'élégance du sujet, des lignes de fuites appuyées, élaborées, des personnages aux allures épurées de formalismes morphiques superflus. Il réussit ainsi a conduire le sujet au plus proche de l'idée qu'il en a, de son idéalisation, de conceptions modernistes souvent avant-gardistes. (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) "Promenade Nocturne", "Aimons-nous", "Lily"). La vision d'un univers de la vie, du quotidien, font de la logique qu'il déploie dans le tableau, une réponse artistique, au goût du public pour un art abouti. Une réponse autant à une attente, voire à un besoin de notre société d'aujourd'hui. Au delà d'un retour à la référence dans sa rencontre avec le grand public, l’œuvre de Georges CASTILLE, se veut résolument porteuse d'un optimisme, avec un colorisme et des sujets qui nous entraînent loin de la morosité, (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm). "Nous les Amoureux", "Charleston N° 3", "Starlette N°2" ). Une générosité factuelle, une intelligence du sensible, pour apporter au spectateur un tableau spectacle, une œuvre d'art complète. Des ajouts caractéristiques, audacieux et bien à-propos fixés sur ses personnages, leurs donnent des suppléments de prestances. Accueils de collages signifiants, évocateurs des vérités des sujets. Tout tend dans la composition à atteindre une plénitude expressive. L'artiste sait faire entrer ainsi sa réalisation dans l'intemporel, dans la légende du thème qu'il a choisi de traiter. ("Charleston N° 3", "Starlette N°2" ). Le style du maître Georges CASTILLE est le fruit de l'intervention picturale, d'un travail plasticien, synthèse de bois et sculpture. Des dessins préparatoires, l'agencement, des architectures d'éléments, rien n'est laissé au hasard dans la construction de la composition qui aura vocation, à chaque fois, à devenir chef-d’œuvre du maître. Un exercice inouï de patience et de savoir-faire s'applique pour créer chaque tableau comme une véritable pièce d'art de collection. Un talent, pour un positionnement en verticalité ; un tableau fini qui rayonne de reliefs colorés, qui vibre dans l'espace plan. La luminosité et la perfection de l'ensemble produisent une reconquête du ressenti d'un art décoratif prestigieux, que l'artiste réussit à capter, recentrer et renvoyer au cœur du culturel en pleine puissance d'oeuvre-d'art originale, à part entière, novatrice, telles les icônes d'un territoire visuel atypique dans un art reformulé. Le style et les techniques méticuleuses de l'artiste peuvent couvrir tout autant les registres de l'abstrait, en de sublimes compositions non-figuratives, aux accents d'abstractions lyriques et poétiques, (Tableaux Bois sculpté 3D "Le Grand Bleu","Poissons Exotiques", "Poissons Exotiques N°1", œuvres 60x60cm). Avec parfois une intuition grandiose, la modélisation d'interprétations surprenantes qui bouleversent tous les déjà vus de l'art, ainsi "Carnaval de Venise", ou encore "Clin d’œil" marquent une avancée prononcée dans la représentation moderne du portrait (Tableaux Bois sculptés 3D 60x60cm). Un vaste univers esthétique, empli de vie et d'énergie, peuplé de représentations de la femme, de couples, de sujets figuratifs, d'abstractions, mais qui s'étend aussi à des œuvres statuaires. C'est un florilège de formes élégantes, de couleurs flamboyantes ou édulcorées, qui naissent sous les doigts de l'artiste. Des temps-forts d'art, rares, qui s'offrent aux regards éblouis du public. On peut voir pendant l'exposition l'émerveillement continu du spectateur devant des tableaux si parfaitement construits, devant ces sculptures polychromes étonnantes d'équilibres, rayonnantes de tons colorés, en matériaux contemporains. Une ampleur de talent qui englobe également l'art du bas-relief et l'art mural. Peintre, sculpteur, plasticien, le maître Georges CASTILLE a dû faire siennes, avec rigueur, tour à tour, les disciplines fondamentales des Beaux-arts, mais de plus, y ajouter ses propres recherches pour en arriver à un existant esthétique d'exception. Par son travail constant, il a obtenu dans cette décennie de ce début de siècle le dépassement de l'habituel visuel, produisant la synthèse et la réconciliation entre art décoratif et beaux-arts, culture esthétique contemporaine et goût du grand public. Il y est parvenu comme au but d'une destinée. L’œuvre du maître Georges CASTILLE s'impose désormais par la conquête d'une forme artistique autre, particulière, unique. On y trouve la volonté d'une nouvelle modalité stylistique et technique afin de créer l'oeuvre-d'art pour la société dans son ensemble, toutes générations confondues. Le maître a redéfini les fonctionnalités et le champ du décoratif en termes d'un statut d'art, parfaitement actuel, sachant en développer une nouvelle approche dans notre modernité. Le style de Georges CASTILLE revisite le concept "art" en recherche de l'ultime frontière du beau. (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. "Charleston N° 3", "Starlette N°2" 120x40cm). L'artiste dépasse la peinture, entre dans le décor de l'homme et de la société pour leur restituer l'embellissement du vivant, l'espoir dans l'existence. Georges CASTILLE redonne du bonheur, enchante le spectateur, l' exposition de ses oeuvres est un véritable spectacle de couleurs et de textures, de perfection et d'amour de l'art. Un talent à voir, à découvrir comme un voyage re-créatif, des œuvres comme autant de liens intemporels, de passerelles, entre les rêves, notre mémoire, la réalité. Un artiste unique en Europe par sa vision de l'esthétique et ses créations qui témoignent aujourd'hui que le bel ouvrage et art contemporain pourront toujours rester compatibles.

 

Antoine Antolini, Mai 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. " sous-titre : "Une oeuvre de haut niveau qui témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles. Une nouvelle dynamique créative".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Mai 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


■ La peintre Ann-Isabelle GUYOMARD, elle danse la peinture comme elle danse la vie. L'artiste expose ses oeuvres récentes à La Réunion. Un moment très attendu pour faire le point sur sa peinture, sur son style: Interview


"Sans titre I" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard - Acrylique sur toile, or 24c. ( 2,15m x 1,50m)

" Ilulissat " Peinture d'Ann-Isabelle Guyomard Acrylique sur toile, or 24c (1,90mx1,10m)

"Constellation" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard Acrylique sur toile (1,55m x 74cm)

Ann-Isabelle Guyomard, une artiste

Ann-Isabelle Guyomard, une artiste "Médaille Talents des Arts d'Aujourd'hui" expose ses oeuvres à La Réunion

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"Amant I" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et métal sur toile (55cmx46cm)

"Amant II" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et métal sur toile (70cmx50cm)

"Baïkal" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et encres sur toile (1,50mx73cm)

"Iku" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique sur toile (1,60mx80cm)

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"Sans titre II" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique sur toile, or 24c (2mx1,50m)

Exposition à La Réunion

Exposition à La Réunion "ESKIF" de la peintre Ann-Isabelle Guyomard

Vue de La Réunion, Mafate

Vue de La Réunion, Mafate

Vue de La Réunion, Ti Sable

Vue de La Réunion, Ti Sable

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ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE
EXPOSITION ESKIF

INTERVIEW DES EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE
PAR ANTOINE ANTOLINI

 

AA - Ann-Isabelle Guyomard, bonjour, vous présentez vos oeuvres dans le cadre de votre exposition ESKIF. Ayant suivi avec interêt votre travail artistique ces dernières années, on s'aperçoit que votre démarche a bien évolué et je pense que votre création va à présent bien plus loin que "l'action painting" d'un Pollock ou la "peinture gestuelle"  d'un Georges Mathieu... qui on marqué en leur temps la culture picturale abstraite; On vous sent bien dans la mouvance de notre époque actuelle où la danse à pris une importance très grande, c'est un phénomène sociologique (hyper night club aux alentours des villes ) et esthétique (rituels de mouvements, mode et vestimentaires ) qu'il serait intéressant d'analyser plus profondément...Pour vous qui êtes à La Réunion dans un univers paradisiaque, où la Nature est omniprésente, comment en êtes vous arrivée à introduire la danse dans votre peinture.....?  Avez vous été influencée, inspirée par cette atmosphère de beauté qui y règne ?

 

AIG : Si la danse est un phénomène sociologique et esthétique, je la conçois avant tout comme un moyen d’expression intime, dans lequel l’esthétisme est secondaire, et l’influence sociologique empreinte de cultures multiples. La danse est à la fois un état d’être et un lien avec l’environnement. L’exubérance de la nature à La Réunion nourrit ce lien, donne de la force au mouvement et une sensibilité accrue à ce que l’humain peut percevoir.

 

AA- Quels sentiments vous inspire la généralisation de la danse et quel est le rapport entre votre peinture et cette époque de danse dans notre siècle développée par tant de supports multimédias ?

 

AIG : La généralisation de la danse n’a de sens que si le mouvement est vécu. Se regarder danser n’est pas danser. Ma peinture est dépourvue de jugement sur le mouvement. Elle représente ce qui est, de façon non transformée, à l’état d’intention dans le corps.

 

AA- Y-a-t-il une actualité sociologique dans votre peinture ?

 

AIG : S’il y en a une, elle résulte de la rencontre entre les perceptions des mondes polaires, tropicaux, terrestres et marins ; mais ce n’est pas là son objet.


AA- Une volonté de modernité stylistique ou plutôt l'expression d'un besoin intérieur ?

 

AIG : Sans aucun doute l’expression d’un désir intérieur plus que d’un besoin, d’une confrontation avec ce qui existe d’invisible, d’une curiosité bienveillante dans la découverte. Ma peinture est avant tout organique.


AA- Connaissant votre travail est-ce une étape profonde de votre évolution d'artiste ou une recherche plus ponctuelle ou expérimentale ?....pourquoi?

 

AIG: C’est une étape profonde et toujours expérimentale. J’en suis au stade de la représentation des racines, de la base, du fondement de ce qui pourra devenir un arbre. La légèreté et la fraicheur des recherches ponctuelles interviendront à la saison des bourgeons et des fleurs.


AA- Avez vous fait évoluer votre palette, changé des couleurs, introduit des éléments plus matiéristes ?


AIG : Ma palette est composée de couleurs primaires : bleu abysses, rouge sang, noir, blanc, et or. La Réunion y a ajouté le vert tropical et le rose indien. La matière naturelle, le sable volcanique, les écorces, l’eau d’un endroit précis, font toujours partie de l’histoire.

 

AA- Pourrait-on savoir quel type de danse, de mouvements, vous réalisez ?

 

AIG : Il s’agit de danse dite «  contemporaine ». Elle implique le corps tout entier, dans son unité et ses infinies possibilités.

 

AA- De quelle manière vous mettez-vous en harmonie avec la toile pour la finaliser ?

 

AIG : Je dors avec son souvenir et l’intention qui l’a motivée, souvent en rêve ou en vision. Au matin, si la vision que j’en ai correspond à ce que je vois, la toile est terminée.


AA- Avez-vous des intentions esthétiques, graphiques, avant de commencer ?


AIG : Définitivement. Ces intentions sont concentrées et absorbées par celle de réaliser ce que je vois.

 

AA- Est-ce qu'il y a dans votre démarche esthétique une part de spiritualité, quelque chose de cosmique, universaliste, ou bien est-ce plus matériel, technique, tel la recherche du déconditionnement du geste ?

 

AIG : Ma démarche, si s’en est une, est celle de l’entonnoir : les éléments et les intentions s’organisent inconsciemment. Un jour, cette conjonction me force à l’écoute. L’équation est résolue ; la sensation est claire et prend la forme d’une image ou d’un mouvement dansé. Alors je peins.

 

AA- Enfin, Ann-Isabelle Guyomard, pourriez vous nous dire quelles sont dans vos créations les caractéristiques nouvelles de votre style ?

 

AIG : Un peu moins d’hameçons, un peu plus de dimension.


AA- Que souhaitez-vous apporter dans l'art ou faire entrer dans la peinture abstraite par la danse aujourd'hui ?

 

AIG : La sensation d’être.

Ann-Isabelle Guyomard , je vous remercie,

 

Antoine Antolini EDMC

Novembre 2014 

 

 

 

 

■ Alain DELIC, un peintre contemporain qui participe activement à la construction de l'art international et à l'évolution de l'abstraction.


Alain Délic, peintre,

Alain Délic, peintre, "Elohim" huile sur double support papier de soie plissé froissé (116x89cm)

Alain Délic, peintre abstrait

Alain Délic, peintre abstrait "Aréthuse" huile sur double support papier de soie plissé froissé (180x170cm)

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Fulgurance transcendentale" huile sur double support papier de soie plissé froissé (130x120cm)

 Alain Délic, peintre abstrait, ici il commente sa toile

Alain Délic, peintre abstrait, ici il commente sa toile "Aréthuse"

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Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les racines du ciel" huile sur papier de soie froisé (64x49cm)

Alain Délic, peintre contemporain abstrait.

Alain Délic, peintre contemporain abstrait.

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "l'Elan vital", pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les Forces de la vie", pastel à l'huile (64x49cm)

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Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les Ondes telluriques" pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre abstrait, médaille

Alain Délic, peintre abstrait, médaille "Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'hui 2013"

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Océanonox", pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre contemporain abstrait. Médaille

Alain Délic, peintre contemporain abstrait. Médaille "Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'hui 2013", France.

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Le peintre contemporain abstrait Alain Délic vit sur la Côte-d'Azur, à Villefranche-sur-mer, son atelier-galerie est situé à Nice. Ce peintre abstrait de haut niveau, a créé le concept de la « Diachromie énergétique » (exposition 1989). Ses œuvres sont des pontages qui transcendent le réel pour connecter d'autres entendements, d'autres forces, d'autres formes d'intelligences, qui échappent à nos états de conscience quotidiens. Pour lui on peut remplacer le mot inspiration par intuition. Il est le premier peintre abstrait qui a su utiliser, transformer ses intuitions du monde, pour rechercher l'énergie que le geste pictural peut capturer et retransmettre au travers des couleurs, du style, de l'application par une manière particulière de touches successives. Il peut utiliser également un support spécifique pour recevoir les pigments. Fréquemment, il applique des huiles sur double support papier de soie plissé froissé. Ses intuitions maitrisent des énergies colorisées à destination intrinsèque de l'œuvre et pour le regard du spectateur. Alain Délic réussit à interpréter ses intuitions avec sa peinture, proposant avec la création de l'oeuvre-d'art, une nouvelle forme d'abstraction esthético-spirituelle.

 

Peintre abstrait, il a construit sa logique picturale, au tout début, dans les atmosphères australiennes, et introduit dans son esthétique des peintures sur papier froissé qui sont un reflet homothétique des sols craquelés australiens qui apparaissent sous le soleil après les grandes pluies. Sols immenses comme un épiderme, un aspect de peau argileuse et naturelle recouvrant la Terre, la planète, un contenant de forces vitales et telluriques. Il met en oeuvre son concept de « Diachromie énergétique ». Il l'exprime celui-ci soit de façon matiériste sur double support papier de soie plissé froissé dont il a fait son style, soit de façon encore plus immatérielle avec des abstractions aux pastels à l'huile, qui décrivent ses sensations profondes comme avec « Les Ondes telluriques » pastel à huile (64x49cm). Son itinéraire se tient à l'écart des mouvements américains d'action painting, tout autant distant de l'art informel, de la peinture non figurative en France ou en Europe. Son concept de la « Diachromie énergétique », intègre un jeu des couleurs qui se complètent ou s'opposent en résonances, s'harmonisent, et canalisent une énergie métaphysique, vitale et cosmique, que le peintre fait circuler dans l'œuvre. Il en résulte un rayonnement continu d'intensités tonales, une sensation vibratoire constante. Cela peut provenir aussi bien du support pour les huiles, des couleurs, tout comme de la composition des touches sur les œuvres sur papier. « Elohim » huile sur double support papier de soie plissé froissé ( 116x89cm), « L'Élan Vital », pastel à l'huile (64x49cm). La « Diachromie énergétique » marque dans l'art contemporain l'osmose d'une science du visuel tendue vers une spiritualité, une conjugaison entre sensibilité physique et sensibilité métaphysique. Alain Délic à travaillé sur l'effet transcendantal des couleurs. Il met en exergue et utilise dans son abstraction, le lien physique du minéral pour aller vers le spirituel, des pigments comme autant de moyens de reconstituer l'image du monde. Il utilise intuitivement la force vibratoire que ces pigments émetteurs de couleurs, peuvent produire, pour les optimiser par ses touches. La couleur véhicule de l'énergie, matière en mouvement, énergie vitale et cosmique créatrice de vie. Ces effets énergétiques sont ainsi recherchés dans la palette, peuvent surgir dans l'esprit de l'artiste ou du spectateur selon comment le regard se posera sur l'œuvre. Le concept d'Alain Délic s'apparenterait à une recherche sur l'effet esthético-sensible énergétique (dynamique au sens large ) que peut produire l'œuvre sur le spectateur, mais sans rapport avec « l'Optic'Art ». Mark Rothko, lui aussi, dans un autre registre spirituel plus méditatif, recherchait l'effet de la couleur sur l'intériorité du spectateur, l'apaisement, avec ses grandes toiles monochromes oranges, véhicules d'introspection et de recueillement. Toutefois, depuis ces recherches d'Alain Délic dans les années 90, qui méritent d'être enseignées et largement diffusées sur les cinq continents, ce peintre n'a pas cessé d'élargir ses appréhensions du monde sur la toile ou sur les oeuvres sur papier, continuant à faire progresser l'art contemporain. Sa démarche artistique originale scientifico-spirituelle à évolué bien sûr, s'est enrichie au fil des ans par une pratique encore plus poussée de l'abstraction. Il réalise à présent des toiles et des œuvres sur papier, d'une délicatesse extrême, qui sont un condensé de force vivante et tout autant de fragilité vibrante. Il a voulu que le papier de soie froissé, deviennent parfois comme une peau de l'esprit, le réceptacle ultime de ses ressentis, des signes, des couleurs les plus subtiles. Son talent s'est affirmé en une énergie vibratoire et évolue vers plus de spiritualité, de cosmicité. « Les Forces de la vie » pastel à l'huile (64x49cm). Alain Délic nous montre par la couleur et sa grammaire picturale l'interface spirituelle de l'humanité. Vie et mort, terre et ciel, passé, présent et futur ne font plus qu'un. Son travail marque cette première décennie du XXI siècle, d'un style constant mais renouvelé, revivifiant pour l'abstraction. D'intemporalité, en temps synchrone, l'œuvre du peintre Alain Délic dépasse tous les à-priori, toutes les sémantiques, pour capturer, matérialiser sous ses pinceaux les indices d'une systémique métaphysique et métapsychique, dans laquelle baignerait l'esthétique universaliste. Il actualise par ses toiles les mythes de l'humanité, ses peurs, « Arethuse » huile sur double support papier de soie plissé froissé (180x170cm). Plus qu'une réussite exemplaire ou un progrès esthétique novateur, la peinture d'Alain Délic est devenue un dépassement polysémique, qui questionne la réalité objective du monde et répond avec une autre vérité sensible, par l'art. De « Fulgurance transcendantale », huile sur double support papier de soie plissé froissé (130x120cm) à « Océanonox » pastel à l'huile (64x49cm) son concept s'est de plus en plus matérialisé, inscrit dans une interprétation abstraite du monde.Comme un perpétuel état de grâce, qui fait que ce qu'il sent est peint. Le peintre sait être relais de ces flux colorés qu'il ressent, interprète. Si dans un passé ancestral, l'Ecole de Shanghaï à pu chercher, la première, un geste pictural libre de toute contrainte, c'est dans la modernité que l'École de New-York voudra aussi le déconditionnement consumériste et un retour aux sources de la pureté gestuelle libérée, tel avec Jakson Pollock, Willem De Kooning, ou Franz Kline; Pour Alain Délic, son abstraction reste un travail en continu de l'autre coté de la matière, derrière le miroir. Il est en interdépendance, en limites d'un ici et d'un au-delà, un pied dans le réel et un pied dans l'irréel, pour nous proposer des toiles-messages, des oeuvres-passerelles entre l'humanité et tous les ailleurs plausibles. Alain Délic est actuellement le peintre qui se rapprocherait le plus de la mission anthologique de l'artiste, depuis la nuit des temps. A l'aube d'un nouveau millénaire, ce maître incarne l'artiste dans son rôle générique, il maintient ce fil rouge qui se déroule au travers de l'évolution des civilisations. Alain Délic fait survivre ce qui relie notre présent artistique aux premiers peintres paléolithiques. Il est emblématique de la mission sociétale de l'artiste, celui qui dressait au-dehors des grottes le totem sculptural au milieu de la horde apeurée, souvenir de l'artiste initial qui trace les décors aux ressentis mystiques à Lascaux ou Altamira. Alain Délic est le successeur de ces artistes qui ouvrirent l'Homme à l'art. Il en est le relais naturel, pour dire l'art dans ses fonctionnalités essentielles, spirituelles et collectives. « Les Racines du ciel », huile sur papier de soie froissé (64x49cm). Il capte et peint notre modernité, nos entendements nouveaux. Il traduit avec ses pinceaux les échos humanistes qui découlent des découvertes d'autres planètes, au-delà du système solaire, des galaxies. Alain Délic sait les prouesses de l'astronomie, les convictions d'autres mondes habités. Peintre-médiateur, il crée son œuvre entre l'inconscient des hommes et les visions d'un ailleurs inconnu. Alain Délic a réussi a devenir un peintre au summum de la fonction immémoriale assignée aux artistes, à l'aube de l'Art; Lorsque les meilleurs artistes étaient les plus doués pour les arts dans le groupe humain. Alain Délic est à la fois ce peintre intemporel transmetteur des ressentis archétypes les plus profonds et cet artiste avant-gardiste exceptionnel dans notre société d'aujourd'hui. Par son talent il participe activement à la construction de l'art international.

 

 

Antoine Antolini, Novembre 2013

 

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2013 - titre « Alain Délic un peintre contemporain qui participe activement à la construction de l'art international

et à l'évolution de l'abstraction. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Novembre 2013

© Editions des musées et de la culture EDMC 2013

 

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ A la suite de la disparition survenue le 9 Avril 2013 du grand peintre Zao Wou-Ki, Denise Jensen, peintre abstraite française, a rendu un hommage pictural au chef de file international du paysagisme abstrait.


DENISE JENSEN, PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE, A RENDU UN HOMMAGE PICTURAL A ZAO WOU-KI

DENISE JENSEN, PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE, A RENDU UN HOMMAGE PICTURAL A ZAO WOU-KI

 APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013

APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 "HOMMAGE A ZAO WOU-KI" (huile sur toile 150x100 cm) PEINT PAR DENISE JENSEN

 APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 DENISE JENSEN A PEINT

APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 DENISE JENSEN A PEINT "HOMMAGE A ZAO WOU-KI" (huile sur toile 150x100 cm)

ABSTRACTION ET PAYSAGE, C'EST LA VIE DE DENISE JENSEN, MEDAILLE PEINTRE D'EXCELLENCE TALENTS DES ARTS D'AUJOURDH'UI 2013

ABSTRACTION ET PAYSAGE, C'EST LA VIE DE DENISE JENSEN, MEDAILLE PEINTRE D'EXCELLENCE TALENTS DES ARTS D'AUJOURDH'UI 2013

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"JUSTE DE PASSAGE" (80 x 40 cm Acrylique sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE DE DENISE JENSEN

"SUR LA BANQUISE" (100 x 81 cm Huile sur toile ) PAYSAGE ABSTRAIT DE DENISE JENSEN

"JUSQU'A LA RIVE" (100x73 cm Huile sur toile) PEINTURE DE DENISE JENSEN. ABSTRACTION PAYSAGISTE

PEINTURE

PEINTURE "REFLETS D'ARGENT" (100x50cm Huile sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE DE DENISE JENSEN

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LA PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE DENISE JENSEN

LA PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE DENISE JENSEN

"NUAGES EFFILOCHES" (100x73 cm Huile sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE SIGNEE DENISE JENSEN

"RIVIERE SAUVAGE" (92 x 73 cm Huile sur toile) PAYSAGISME ABSTRAIT DE LA PEINTRE DENISE JENSEN

LA PEINTRE DENISE JENSEN. SES PAYSAGES ABSTRAITS VONT AU-DELA DU VISIBLE, AVEC UN LANGAGE PICTURAL DIFFEREND

LA PEINTRE DENISE JENSEN. SES PAYSAGES ABSTRAITS VONT AU-DELA DU VISIBLE, AVEC UN LANGAGE PICTURAL DIFFEREND

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Une page de l'Histoire de l'art est tournée, une étape est franchie dans l'art contemporain avec la mort du peintre franco-chinois Zao Wou-Ki le 9 avril dernier. Il laisse la signature d'un talent exceptionnel dans la culture mondiale. L'art abstrait et tout particulièrement le paysage abstrait garderont à jamais la mémoire de celui qui fut un bâtisseur à sa façon, d'un pont artistique entre la Chine et la France, l'Asie et l'Occident. C'est la peintre abstraite Denise Jensen qui aussitôt à rendu un hommage pictural au maître français du paysage abstrait.


La nouvelle est tombée brutalement sur les bureaux de presse des capitales tout autour du monde. Nul ne pouvait ressentir aussi profondément l'impact de cette disparition que notamment Denise Jensen, cette artiste-peintre du paysage abstrait, non seulement admiratrice inconditionnelle du Maître pour qui « la mort de Zao Wou-Ki est une perte immense pour l'art contemporain », mais également peintre paysagiste abstraite. Au-delà de son chagrin, c'est au travers de l'hommage pictural qu'elle a rendu aussitôt, qu'elle à su surmonter sa peine. Essayons de mieux faire connaissance avec cette artiste qui nous démontre, qu' en art un peintre ne meurt pas, car après lui le flambeau reste allumé et la route se poursuit sur le chemin ouvert... Malgré les difficultés, encore aujourd'hui, dans les cultures sociétales, pour la compréhension de ces artistes qui interprètent la Nature abstraitement, avec leur cœur, leur âme, leur talent, où que ce soit, ils n'abandonnent rien de leur vocation esthétique. Paysagistes abstraits, ils continuent leur engagement de vie: l'amour de la peinture, l'amour de l'abstraction et du paysage dans une autre dimension picturale. Denise Jensen, peintre abstraite à décodé tous les secrets profonds de l'expression de la Nature, dont elle exprime un « essentiel de ressentis ». Comme Zao Wou-Ki, elle a tout de suite admis que la peinture était avant tout langage, un moyen d'expression non-verbal, qui va plus loin que les mots. Il se dégage de la peinture de Denise Jensen, une atmosphère de silence et de couleurs, avec une omniprésence du mouvement traité dans une diversité de formes et avec amplitude. Ambiance, d'où émane une sagesse du temps qui passe, que l'artiste fixe... Elle place l'esprit au premier plan de l'œuvre, on y retrouve le « souffle », le « Ki », qui en émergent, dans un concept d' universalité. Denise Jensen pose touche après touche, geste après geste, sa peinture sur la toile, qui devient peu a peu, une autre partie d'elle-même. Ses émotions les plus intérieures viennent livrer la traduction abstraite de la Nature et du paysage, en symbiose avec son être profond. Son conscient, son inconscient, se conjuguent. Denise Jensen, avance dans l'abstraction paysagiste, avec la nouveauté de sa propre génération. Son hommage à Zao Wou-Ki, dans son style personnel, nous délivre un message d'une intensité picturale et spirituelle, qui transcendent l'image du visible. Chez Zao Wou-Ki, le paysage interprété, les jeux de lueurs, les enchevêtrements d'éléments significatifs, gestuels, savaient être allusifs de la Nature, souvent y transparaissent des ressentis visuels, naturels, végétaliens. Une force d'expression qui n'en demeure pas moins à la fois physique (le paysage y est subjascent) et métaphysique (sensations spirituelles et cosmiques). Pour Denise Jensen, l'image, le lien à la Nature, se fait dans un plan de ressentis plus immatériels, avec dans sa peinture le choix de sujets, de visions, d'expressions paysagistes abstraites, plus intégrales, voire plus minérales, éloignée d'éléments végétaliens. Denise Jensen est tournée vers l'idée d'un paysage insolite, qu'elle traite en miroir sobrement coloré et très nuancé de ses sentiments intérieurs, les contrastes les plus forts y soulignent le mouvement. La notion d'espace y devient le moyens d'un territoire, d'un autre sens d'expression. Son œuvre « Sur la Banquise » est étrange et vraie, ces tourments qui s'exhalent de la « Rivière Sauvage », ou bien de « Jusqu'à la Rive », associent à la fois le paradoxe du mouvement et de l'immanence de la Nature. L'artiste fait passer une notion de vie dans ses paysages, qui à leur tour lui permettent de transmettre en allégories son propre monde intérieur. Magnifiques et majestueux messages qui sont autant ceux de nos mondes intérieurs inconnus. Denise Jensen, sait la "cosmicité", entend l'universalité de l'abstraction paysagiste qu'elle réussit à créer comme un lien artefact, de tous les paysages. Denise Jensen transpose son atmosphère, comme un signe de modernité, dans sa génération du paysage abstrait. Le spectateur est mené par la peintre, par le titre de la toile, vers un "insight", une illumination intérieure... Pour comprendre et apprécier en lui même cette peinture du sublime. Avant tout culturellement européen, le style de la peintre va derrière les apparences du visible pour en extraire les émotions enfouies. Si le paysage abstrait a pu encore rester actuellement une orientation de première importance dans l'art, c'est grâce à des peintres qui ont l'amour de la Nature, le sens inné de l'abstraction, tel Zao Wou-Ki, grâce aussi à ces nouveaux artistes contemporains en France et à travers le monde. Denise Jensen montre avec ses approches que paysage reste le substrat de l'évolution, voire de l'élévation, du figuratif vers l'abstraction. Denise Jensen aujourd'hui, au moment de la mort de Zao Wou-Ki, rend ainsi de cette façon, l'authentique hommage de cet esprit interprétatif du paysage, tel un message posthume au Maître défunt. Personne ne saura jamais les secrets de cette profondeur de sensibilité du grand peintre que fut le regretté Zao Wou-Ki, car il emporte avec lui les cultures esthétiques de deux continents, l'Asie et l'Europe, qui sous ses pinceaux ont été en osmose de coeur et d'esprit. Denise Jensen évolue dans la peinture du présent et deja dans celle de demain. Elle traduit cette relation humaine face à la Nature. On peut dire que la peinture de Denise Jensen est par son contenu, son essence, définitivement intemporelle. Comme peut l'être pareillement son hommage au Maître Zao Wou-Ki. Il s'agit de cette peinture des ressentis, la représentation d'une conscience immémoriale. Propositions d'autres visions, d' autres possibles qui nous rassurent de savoir que tout n'est pas encore découvert, peint. Le 9 Avril 2013 Le chef de file français du paysage abstrait Zao-Wou-Ki, nous quitte, après une vie consacrée à l'art, à la peinture, après avoir produit un nombre immense de merveilleux chefs-d'œuvre. Qui peut le remplacer ? Seul l'avenir nous le dira... Denise Jensen est déjà aujourd'hui une référence dans l'après Zao Wou-Ki, avec une esthétique paysagiste française, européenne, vivante et épurée, intuitive et spontanée. Denise Jensen sait accueillir le paysage dans une abstraction maitrisée, mystérieuse, allégorique et hypersensible. Son style remarquable et abouti, questionne l'actualité du geste artistique. En ce début de XXI ème siècle la signature de Denise Jensen s'inscrit comme majeure dans l'art contemporain.

 

A noter que l'artiste paysagiste abstraite Denise JENSEN à reçu en 2013 la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui.

                                                                                                 Antoine Antolini, Octobre 2013

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE « TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - titre « Hommage de la peintre abstraite française Denise Jensen, lors de la disparition de  Zao Wou-Ki. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Octobre 2013

 © Editions des musées et de la culture EDMC 2013

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ L'Esthétique du virtuel chez Régine BAZIN. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs. Ses oeuvres associent technologie et art contemporain pour bâtir l'univers visuel du XXIème siècle.


REGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

REGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

VOIR LA VIDEO DE REGINE BAZIN

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 Volutes Voluptueuses

Volutes Voluptueuses

Tableau abstrait issu d'un Fractal

Tableau abstrait issu d'un Fractal

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Esthétisme Pictural

Esthétisme Pictural

Voyage de Nuit

Voyage de Nuit

Crystal Dream

Crystal Dream

RÉGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

RÉGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

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La Bête du Gévaudan Mythe ou Réalité

La Bête du Gévaudan Mythe ou Réalité

Électronique

Électronique

Quelque Part

Quelque Part

Planète Végétale

Planète Végétale

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Régine BAZIN, artiste peintre numérique


REGINE BAZIN, ARTISTE DU NUMERIQUE

REGINE BAZIN, ARTISTE DU NUMERIQUE

Tempête Stellaire

Tempête Stellaire

Globules Rouges

Globules Rouges

Grâce et Beauté Ornithologique

Grâce et Beauté Ornithologique

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Beauté Singulière 2

Beauté Singulière 2

Abyssal

Abyssal

 Infernalement

Infernalement

Apocalypse

Apocalypse

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" L'Esthétique du virtuel chez Régine Bazin. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs. Art numérique et création plasticienne." Interview de Régine Bazin par Antoine Antolini.


Régine BAZIN propose sa modernité numérique comme un défi à tous les a-priori des arts. Son esthétique, issue de son imaginaire, revèle autant ses intuitions profondes du monde, des mondes, qui nous entourent... Un art conjugué au temps futur, en de belles compositions vives et colorées, pleines de subtiles intensités. Régine BAZIN veut échapper à toute étiquette de genres, ou de styles, déja connus, pour nous dire simplement qu'elle se sent, qu'elle se veut, cette artiste numérique éprise de liberté de création. Il est vrai que son univers est sans limite, que ses moyens d'évolution plasticienne sont infinis, aussi, c'est bien dans son adéquation à ce potentiel nouveau si large, qu'elle ne veut épouser aucune école, ni aucun courant. Son objectif étant de créer toujours plus, de laisser son nouveau langage numérique s'exprimer avec spontanéité. Qu'il s'agisse des abstractions les plus ultimes, ou des pontages qu'elle peut faire avec influence du réel, Régine BAZIN, veut donner un signal humain, dans ce monde d'immatérialité. L'Art numérique est encore, aujourd'hui, en pleine recherche de ses références et en évolution continue. l'Art numérique, on pourra dire aussi Digital art si on en retient l'acception issue de l'anglophonie, mettant plus l'accent sur le fonctionnement technique interne et mathématique des données informatiques; Nous utiliserons ici, une acception plus francophone, en parlant des oeuvres numériques, de l'Art numérique de Régine BAZIN. (A.A.)

 

Antoine Antolini (AA) Interview Régine Bazin (RB)

 

AA: Régine BAZIN, pouvez-vous nous donner votre définition de l'art numérique ? -RB : L’Art numérique est un Art complexe et très varié, je suis peu habilitée en tant que peintre numérique, à définir les autres formes de Computer Art. Cependant je sais qu’il existe beaucoup de logiciels reliés à la photo d’art et il ne m’appartient pas de m’immiscer dans ce domaine très particulier...

 

AA: Selon vous faut-il les mêmes qualités pour un peintre, un sculpteur, un artiste du numérique ? Ou bien d'autres types de qualités spécifiques ? -RB: Chaque secteur de l’Art connaît son propre cloisonnement et ses règles. En peinture numérique la liberté d’expression est immense, comme dans bien des formes d’Art contemporain. On peut qualifier comme artistes du numérique, des musiciens, des photographes, et le cinéma, par exemple...

 

AA: Régine BAZIN, pensez-vous que l'art numérique soit l'art du XXI ème siècle ? Et si oui pourquoi ?-RB: L’Art numérique est certainement l’Art du XXI ème siècle, pour la simple raison qu’internet est mondial et en pleine expansion. L’utilisation des technologies numériques ouvre la porte à un Art innovant, par sa complexité et son immense palette de possibilités nouvelles.

 

AA: Comment voyez-vous s'inscrire l'art numérique en général dans le contexte des nouvelles générations actuelles, dans le contexte de l'audio-visuel, du cinéma et des productions des grands studios cinématographiques, des clip musicaux ?... -RB: Cinéma ( effets spéciaux et animations ); Musique ( synthétiseurs…. ); Publicités médiatiques ( audio-visuel ); Photos d’Art et Peinture Numérique, sont des disciplines en plein essor.

 

AA: Parlons en particulier de votre travail, Régine Bazin. Vous considérez-vous figurative, abstraite ou souhaitez vous définir une autre expression esthétique par vos créations numériques ? -RB: Je ne me considère dans aucun cloisonnement particulier étant donné que je ne cesse d’évoluer en permanence. Il appartient à chacun d’apprécier ou non, mes créations.

 

AA: Lorsque vous réalisez une œuvre, quels sont les sujets ou thèmes que vous affectionnez particulièrement ? -RB: Les thèmes que j’affectionne, tout particulièrement, sont souvent métaphysiques, philosophiques, poétiques et beaucoup de tableaux sont des hymnes à la Vie et à la Nature.

 

AA: Dans vos compositions recherchez vous principalement l'esthétique ou bien vous investissez-vous en sensibilité,ressenti profond,en message,en philosophie ? -RB: Dans mes compositions, je recherche l’esthétique par définition, mais aussi un sens profond souvent spirituel, métaphysique, que je laisse à chacun la liberté d’interpréter. Sans oublier parfois une pointe d’humour.

 

AA: Dans vos oeuvres que recherchez-vous ou créez-vous d' innovant, de spécifique, par rapport aux autres artistes du numérique?...Est-ce du domaine technique ou du domaine de la démarche intellectuelle? Ou les deux ? -RB: Essayons de définir ce qu’est l’ "Inspiration Artistique" : Est-ce seulement de l’imaginaire?, de l’intuition, un pan de son âme, un goût pour ce qui est Beau, un ressenti de ce qui fait vibrer autrui, enfin un talent qui réunit tout cela en même temps.

 

AA: Merci Régine BAZIN.

Le public pourra retrouver de nombreuses autres oeuvres de l'artiste sur internet en indiquant son nom dans les moteurs de recherche et notamment avec Google...

 

 

Interview réalisée par Antoine Antolini, Décembre 2012

 

 

TITRE: " L'Esthétique du virtuel chez Régine Bazin. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs.Art numérique et création plasticienne.

Interview de Régine Bazin par Antoine Antolini. "

© Antoine Antolini – © Editions des musées et de la culture EDMC

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant titre,auteur,sources de publication

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ La peintre Sylvie GUTERMANN. Elle abolit un paradoxe en rendant compatibles Nature et Abstraction. Ses "Sans-titre" bousculent de nombreux à priori dans l'art abstrait.


SYLVIE GUTERMANN PEINTRE, A MIS EN RELIEF, AU CENTRE DU TABLEAU, UN ELEMENT DE BRANCHE.

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE, A MIS EN RELIEF, AU CENTRE DU TABLEAU, UN ELEMENT DE BRANCHE.

"SANS TITRE" PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN. FLAMBOYANTS ORANGES, LA FORET Y DEPOSE UNE BRANCHE.

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE A RECU LA MEDAILLE D'HONNEUR DE

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE A RECU LA MEDAILLE D'HONNEUR DE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI " 2012

SYLVIE GUTERMANN SAIT AUSSI PRIVILEGIER AVEC AUTANT DE TALENT UN AXE ABSTRAIT JOUANT SUR LES CONTRASTES DE FORMES ET D' INTENSITES  LUMINEUSES

SYLVIE GUTERMANN SAIT AUSSI PRIVILEGIER AVEC AUTANT DE TALENT UN AXE ABSTRAIT JOUANT SUR LES CONTRASTES DE FORMES ET D' INTENSITES LUMINEUSES

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PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN - ABSTRACTION ET NATURE SONT AU RENDEZ-VOUS.

PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN - ABSTRACTION ET NATURE SONT AU RENDEZ-VOUS.

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN A PRESENTE SES PEINTURES, ICI, AU POLE EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN A PRESENTE SES PEINTURES, ICI, AU POLE EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

"SANS TITRE" - SYLVIE GUTERMANN - ELEMENT D'UNE BRANCHE D'ARBRE INCLUS DANS LA PEINTURE (DETAIL CENTRAL)

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN VA PLUS LOIN DANS LES TERRITOIRES DE L'ABSTRAIT.

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN VA PLUS LOIN DANS LES TERRITOIRES DE L'ABSTRAIT.

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Sylvie GUTERMANN intègre la Nature dans l'abstraction, cela de la manière la plus prononcée. Elle peint au-delà de toutes les conventions quant à une abstraction qui pour certains peintres, se doit d'être hors du figuratif donc totalement dissociée de la Nature. Sylvie GUTERMANN échappe également à toutes considérations de paysagisme abstrait, pour poser une pierre nouvelle sur l'édification d'un nouveau concept dans lequel Abstraction et Nature se conjuguent, se complètent... La peintre crée une audacieuse compatibilité, défiant les à priori pour produire une esthétique nouvelle. A sa façon très personnelle et avec talent, Sylvie GUTERMANN, fait entrer matériellement, physiquement, la Nature figurative en statut d'Abstraction dans la réalisation de ses toiles. L'artiste sait également, avec autant de réussite, privilégier dans son abstraction un axe pictural, dans lequel elle excelle en expressions de contrastes de formes et de matières, sachant jouer avec les clartés et poussant avec maitrise les intensités lumineuses à leur paroxysme. 

 

Au-delà de ses recherches sur les formes, la lumière, l'obscur pour mieux crier le clair, le sombre pour mieux faire briller l'or, la peintre sait en même temps rester en étroit contact avec la Nature... Pour l'artiste, les morceaux de branchages, sont des extraits de notre environnement. Elle en fait signe et sens; Signe esthétique dans la construction de sa toile; Sens évocateur par l'émanation signifiante qui s'en dégage... L'artiste produit ainsi un nouveau langage personnel dans le pictural. Une façon d'innover avec aisance et simplicité. Ce sont bien ces forêts qui entourent son atelier, qui lui en ont donné l'idée, qui ont guidé son geste. Sylvie Gutermann en est devenue de fait, leur médiatrice dans l'interface artistique. De la même manière, elle démontre bien que le milieu ambiant du peintre, joue dans sa peinture un rôle fondamental, l'influence concrètement dans son résultat. Ce fut le cas avec la lumière pour Matisse, ou Van Gogh, avec la montagne Sainte-Victoire pour Cézanne... Qu'il s'agisse de calanques, de bords de mers ou de champs de blé à perte de vue, comme de grandes forêts, le peintre devient un transmetteur d'une sensibilité. Un relai visuel émotionnel de ce qui peut émaner d'un lieu... Les toiles de Sylvie GUTERMANN, qui peint au cœur des forêts, nous apportent, en exposition dans le contexte des villes trépidantes, dans les galeries, face au public, mais aussi pour l'art contemporain, cette émanation authentique d'un lieu, la séquence d'une atmosphère qu'elle à su saisir, intégrer à son œuvre, pour nous faire don d'une sensibilité autre... L'artiste a su capturer en peignant dans son environnement de sérénité boisée, le message immatériel et éthéré de la Nature, qu'elle parvient à poser sur ses toiles pour le plus grand plaisir des spectateurs, l'étonnement des amateurs d'innovations artistiques... Comment exprimer mieux la Nature dans un tableau si ce n'est en l'incluant telle quelle, en posant un extrait vivant de cette immensité forestière, un simple bout de branche d'arbre...mais qui nous dit tout... Sensibilité, poésie, beauté, message... Un acte d'art, qui va plus loin qu'une inclusion matiériste, pour sublimer la forêt, lui donner un nouveau potentiel au cœur de l'œuvre-d'art. Sylvie GUTERMANN, peintre abstraite, s'est ainsi laissée guider par ses ressentis profonds, son intuition. Elle a su mettre en osmose plasticienne, en symbiose de logique dans l'art contemporain,  Nature et Abstraction, pour les rendre définitivement et irréversiblement compatibles. La peintre, au moyen de ses toiles exprime deux messages, tout d'abord un message esthétique, par une interprétation novatrice de l'expression abstraite, mais ensuite un message qui exprime clairement qu'aujourd'hui, dans la modernité l'on ne peut se déshumaniser, se désolidariser hors réalité, de la Nature même, qui nous porte, dont on dépend étroitement... Certes, l'abstraction peut être une interprétation avancée de la sensibilité humaine, par le langage des couleurs, par une expression éloignée de l'image réaliste, être autant un moyen subtil d'exprimer l'intériorité de l'être humain dans notre siècle, toutefois Sylvie GUTERMANN, dans sa peinture, en faisant le pontage de l'univers abstrait et de la matérialité brute de la nature, à posé un nouveau langage. Sa grammaire de sens, de couleurs et de signes, comme un fruit attendu, vient aujourd'hui, nous réconcilier avec tout ce que l'on risquait de perdre de vue dans le progrès des créations numériques, des visuels du non-figuratif technologique. Au cœur d'un monde qui tend vers le virtuel, la démarche abstraite de Sylvie GUTERMANN, avec la puissance du langage intemporel de la peinture, sauvegarde l'essentiel: notre relation à la Nature.

 

Au titre de ses recherches innovantes dans l'art pictural marquant une synthèse originale de la nature et de l'abstraction, la peintre Sylvie GUTERMANN est devenue en 2012 MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI".

 

 

Antoine Antolini, Mai 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » – Avril 2012 titre «  La peintre Sylvie GUTERMANN. Elle abolit un paradoxe en rendant compatibles Nature et Abstraction. Ses "sans-titre" bousculent de nombreux à priori dans l'art abstrait. »  © Texte, Antoine Antolini – Mai 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ La peintre Caroline MERCIER : Une nouvelle tendance esthétique dans l'art contemporain. L'artiste dépasse les limitations du tableau unique pour conquérir d'autres espaces picturaux.


UNE NOUVELLE VISION QUI SORT L'OEUVRE PICTURALE DE LA REFERENCE DU TABLEAU UNIQUE

UNE NOUVELLE VISION QUI SORT L'OEUVRE PICTURALE DE LA REFERENCE DU TABLEAU UNIQUE

CAROLINE MERCIER PEINTRE

CAROLINE MERCIER PEINTRE

TRYPTIQUE SIGNÉ CAROLINE MERCIER

TRYPTIQUE SIGNÉ CAROLINE MERCIER

AFFICHE D'EXPOSITION DE CAROLINE MERCIER

AFFICHE D'EXPOSITION DE CAROLINE MERCIER

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LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2012

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER VEUT DEPASSER LA NOTION DU TABLEAU UNIQUE PAR LA RECONQUETE DE L'ESPACE POUR L'ART

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER VEUT DEPASSER LA NOTION DU TABLEAU UNIQUE PAR LA RECONQUETE DE L'ESPACE POUR L'ART

AVEC LES POLYPTYQUES SIGNÉS CAROLINE MERCIER, LA PEINTRE ASSEMBLE PLUSIEURS TABLEAUX ORIGINAUX POUR CRÉER UNE OEUVRE UNIQUE

AVEC LES POLYPTYQUES SIGNÉS CAROLINE MERCIER, LA PEINTRE ASSEMBLE PLUSIEURS TABLEAUX ORIGINAUX POUR CRÉER UNE OEUVRE UNIQUE

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, AU COEUR D'UNE NOUVELLE GÉNÉRATION QUI DÉFINIT DE NOUVELLES FONCTIONNALITÉS POUR  L'ART

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, AU COEUR D'UNE NOUVELLE GÉNÉRATION QUI DÉFINIT DE NOUVELLES FONCTIONNALITÉS POUR L'ART

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La démarche artistique de Caroline Mercier, peintre contemporain, est à la fois une démarche esthétique et tout autant sociologique. L'artiste propose, en effet, une nouvelle approche de la peinture et plus particulièrement, de la manière d'exprimer celle-ci en polyptyques, dans un style qui lui est propre, positionnant également une perspective bien spécifique quant à la fonctionnalité de ses tableaux dans le design mobilier et l'environnement quotidien. Une démarche picturale abstraite, un style très actuel, qui associent des gestualités subtiles de « drippings » très mesurés; Sa façon porte également sur une structuration nouvelle de l'œuvre d'art elle-même, qui dépasse le principe du tableau unique, pour peindre sur plusieurs toiles en lien étroit les unes avec les autres. Caroline Mercier à voulu dépasser le format unique du tableau que l'on rencontre habituellement, pour rompre avec les tabous d'un certain conformisme de l'oeuvre-d'art. L'artiste sort des chemins traditionnels pour générer un autre état d'esprit en peinture et des oeuvres novatrices.

 

Ses réalisations d'un même sujet abstrait, sur plusieurs surfaces avec plusieurs toiles de différentes dimensions, donnent un autre caractère, une personnalité plaisante, animée, vivante, à ses créations. Il s'en dégage un impact artistique très pertinent que le public perçoit très bien, reçoit très favorablement durant l'exposition des œuvres. Son style conjugue une « inventivité », une « instinctivité », dans les champs d'une expression dynamique, avec des tracés vifs, toniques. La peintre sait y apporter une complémentarité harmonieuse, avec des éléments de grammaire plus géométriques, carrés, ou rectangulaires.... Une belle structuration interne de l'œuvre, qui accueille ainsi parfois un certain lyrisme, un mystère, un ressenti plus poétique... C'est une recherche esthétique, qui ne laisse jamais insensible le spectateur... Des titrages évocateurs, tels « Profondeur bleue », ou « Turquoise », viennent mettre l'accent sur des choix de palette, comme « Terre d'Or », donnant une très douce orientation, s'il en était besoin, à celui qui regarde. Parfois un sens plus fort avec « Durga Devi », plus de mouvement avec « Dansez » ... La peintre déploie ses œuvres en plusieurs tableaux, avec des diptyques, ou des quadriptyques... Elle maitrise des modalités originales, des moyens pratiques et techniques, encore plus forts pour servir son expression plasticienne ; On comprend l'émergence d'une nouvelle façon de dire les ressentis aux spectateurs, afin de faire partager ainsi au public des sensations plus intérieures, plus intenses... Avec son choix de polyptyques, la peintre Caroline Mercier est partie à la conquête de nouveaux espaces artistiques et architecturaux... Elle nous propose une autre façon d'occuper les murs et positionne l'art au mieux dans l'environnement. ... «Je souhaite occuper l'espace par l'art »... Nous dit-elle. Avec toute la passion, mais aussi toute la raison d'une artiste qui produit des créations qu'elle veut à la fois, qualitatives, tout en étant avant-gardistes, différentes et référentes des modernités de notre siècle naisssant. Pour la peintre, l'art peut encore plus évoluer, progresser, des innovations sont encore possibles, même si beaucoup à pu déjà être dit, peint, en termes d'avancées théoriques, de bonds en avant esthétiques, de Picasso avec le cubisme, juqu'aux étonnants monochromes de l'école américaine de Rothko ou de Barnett Newman... Mais avec la peintre Caroline Mercier, de la nouvelle génération contemporaine française et européenne, il faut aujourd'hui se poser la question de l'œuvre-d'art elle-même, en tant que telle, avec cette artiste peut-être s'interroger sur la remise en question de l'idée basique du tableau unique dans l'espace, par rapport aux finalités de l'art, aux attentes, aux besoins de la société actuelle, par rapport aux fonctions de l'art et aux fonctionnalités de l'esthétique aujourd'hui... Caroline Mercier nous apporte sa réponse, ses réponses par ses tableaux... Cette artiste à compris que l'organisation de l'espace n'est plus la même qu'au siècle passé, que les goût du publics attendent que le créateur vienne donner un autre appétit artistique, en phase avec la rapidité, l'universalité du monde... Tout est accéléré, tout est vie et animation, dans un rythme trépident. « Je cherche à donner la notion de continuité et de mouvement au travers de mes œuvres, avec plusieurs tableaux qui se répartissent dans l'espace en une seule oeuvre. Avec mes assemblages de toiles, de différentes tailles, j'arrive à donner encore plus de mouvement et sortir du territoire, pour moi trop éxigu, du sempiternel tableau unique »... Son message est bien reçu... C'est alors que les œuvres diptyques, triptyques ou polyptyques de Caroline Mercier, prennent tout leur sens, nous apparaissent nouveautés, régénérantes et créations « oxygènatoires » pour un art contemporain qui veut vivre pleinement adapté à son siècle. Ses œuvres comportent deux expressions artistiques en une : On y perçoit d'une part, le contenu sémantique et sémiotique, fait de sens et de signes, en fait les traductions, les interprétations abstraites de ses sentiments, de ses sensations... D'autre part, simultanément, l'œuvre s'inscrit dans l'espace en termes de formes, d'empreinte signalétique et organisationnelle sur le plan visuel, au moment où l'accrochage de son tableau polyptyque se répartit, peut s'aménager, pour « former » une autre œuvre spatiale... Parfois selon le goût, la liberté de l'amateur d'art, qui pourra, s'il le souhaite, répartir comme il préfère les éléments pour faire ainsi totalement sienne l'oeuvre-d'art... Se l'approprier pleinement... La distribution des diverses toiles-éléments sur les cimaises de la galerie, l' agencement esthétique des diverses pièces sur le mur de l'appartement, proposent un art complet, absolu, individualisé, personnalisé... Au-delà de toutes conceptions formelles, ou des célèbres approches du groupe Support-Surface, Caroline Meunier nous parle un langage d'artiste mais aussi de sociologue, de créatrice originale, mais aussi celui d'une architecte d'intérieur dans la redéfinition du décor par rapport à l'espace d'habitation. Elle nous pose les questions essentielles des fonctions effectives, opérationnelles, de l'œuvre-d'art dans la société de maintenant. Caroline Mercier conforte les lettres de noblesse d'un art pour le public, de la création, lorsqu'elle nous parle de tableaux qu'elle fait pour décorer un lieu, ce qu'elle rend parfaitement compatible avec un art de haut niveau, qui ne peut être réservé essentiellement que pour des amateurs voire des investisseurs, mais doit rendre heureux chacune et chacun qui le veut ... La fonction d'un polyptyque peut être indispensable pour décorer un appartement, un hall de lieu public ou privé... Cela pour la peintre  est un vrai aboutissement pour son œuvre d'art, pour partager un moment de regard, de rencontres de consciences avec un particulier spectateur (dans un salon ou une salle-à-manger) ou pour le plus grand nombre dans des lieux publics (les gares ou aéroports, les halls d'hôtels)... Pour Caroline Mercier, le décoratif c'est du culturel et même une forme de culture qui peut être individualisée ou plus grand public. Le décoratif peut témoigner de l'identité d'un lieu, d'une société, d'une civilisation... En effet, combien de grandes civilisations anciennes, nous ont délivré leurs messages culturels au travers des âges, grâce aux décors de leurs objets les plus usuels... par leurs fresques peintes surles murs dans des lieux de vie quotidienne... Caroline Mercier, souhaite que sa peinture, ses toiles, puissent être, de la même façon, dans la modernité, des éléments d'embellissement de la vie des gens au quotidien, un art de haut-niveau accessible pourtant, pour chaque individu, dans chaque maison, chaque appartement... Un signature pour créer du bonheur... des peintures pour un public, toutes classes d'âge confondues, car l'art pour elle est un message de convivialité pour tous, jeunes ou séniors. Et bien sûr, pour la jeunesse, plus tôt le contact sera pris avec le beau, avec l'esthétique, avec le plaisir de regarder une peinture, et mieux ce sera pour leur construction culturelle et artistique future. Aussi l'installation d'une œuvre d'art, dite « décorative », dans un appartement, un centre culturel, peut remplir aussi en ces sens, une mission éducative. A partir de ces considérations, la peintre travaille sur des tableaux originaux, qui remplissent les vrais critères de l'art, qui sont issus du plus profond de ses ressentis, et qui sont créés pour les spectateurs, comme des moments uniques émanants de l'esprit et du cœur de l'artiste, pour aller vers l'autre. Art grand public certes, mais par-dessus tout art qualitatif, qui a vocation à participer à part entière à la construction plus générale de l'art contemporain adapté aux besoins de notre époque. Ainsi la peintre travaille sur une abstraction fondée, pondérée... Chaque œuvre restant une recherche élégante, raffinée... « Je ne suis pas dans une démarche de performance... Je veux faire un ensemble harmonieux, bien fini »... Un art pour le progrès culturel par la fonction du décoratif au plus près du public, c'est ainsi que Caroline Mercier, aime concevoir ses œuvres en imaginant leur possible contexte environnant, leur connexion aux autres sensibilités. Ses résultats sont probants; En effet, ses créations abstraites témoignent d'une réussite esthétique indéniable, en contenu de couleurs, en formulation de structures, qui en font des œuvres à vivre, des œuvres intemporelles, internationales. Caroline Mercier, dans nos nouvelles générations d'artistes, par ses réflexions et choix artistiques, ses recherches et son talent, incarne bien cette prise de conscience des nouveaux territoires de l'art, à présent aux cotés du design mobilier, faisant corps avec, aux premierx planx dans l'architecture intérieure, en immersion dans les ameublements les plus stylés du goût contemporain. La démarche de Caroline Mercier se pose la question préalable du contexte dans lequel son style va prendre place, son abstraction tient paradoxalement compte d'un autre temps réel, celui de la vie, de la vie quotidienne... du vu et du vécu... La peintre à réussi à maitriser un concept, pour rapprocher concrètement l'art du public, pour atténuer le fossé qui peut séparer le public de l'art et de l'abstrait en particulier. Elle veut redéployer une nouvelle image de l'artiste et de l'utilité de l'oeuvre-d'art, du rôle de l'art dans le mieux-être, de l'utilisation de la création contemporaine pour agrémenter, mettre en valeur le patrimoine. Caroline Mercier manifeste cette prise de conscience de nouveaux objectifs fonctionnels avec ses polyptyques, pour relancer l'appétit de l'art dans le public; Sa conviction pour donner un sens à son acte de peindre, avec de nouvelles définitions esthétiques, sociologiques, plasticiennes, font de Caroline Mercier, une artiste référente d'un véritable leadership dans ces nouvelles tendances du polyptyque, des assemblages abstraits, de l'occupation intelligente et construite de l'espace plan. Caroline Mercier, en prise directe avec l'art dans sa génération, est aux toutes premières places dans la reconquête structurelle et organisationnelle par la peinture de l'espace architectural. Artiste novatrice, sa recherche pour la refonte de l'idée de tableau et ses créations d'oeuvres-d'art plurielles, en style contemporain, lui ouvrent les voies de l'international.

 

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE D'HONNEUR  « TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » 2012

 

 

Antoine Antolini, Mars 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI – Mars 2012 titre «  LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, UNE NOUVELLE TENDANCE ESTHETIQUE DANS L'ART CONTEMPORAIN »  © Texte, Antoine Antolini – Mars 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ Chez Allynée style pictural et stylisme deviennent un pontage esthétique réussi. Pour cette créatrice peinture et couture ne sont qu'un. Par ses modèles le spectateur voyage de haute-couture en "haute-peinture"...


LA PEINTRE ALLYNEE (RENEE BALLY) DEVANT SA COLLECTION PEINTE DE VETEMENTS DE MODE

LA PEINTRE ALLYNEE (RENEE BALLY) DEVANT SA COLLECTION PEINTE DE VETEMENTS DE MODE

MODELE

MODELE "PAOLA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

MODELE

MODELE "QUINTIA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

MODELE

MODELE "SOFIA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

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"QUNTIA" MODELE © DÉTAIL COUTURE TRICOT EN COLLAGE SUR TOILE

ALLYNEE RECOIT LA MEDAILLE D'HONNEUR TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI JANVIER 2012, UNE BELLE OUVERTURE D'ANNÉE ART ET MODE

ALLYNEE RECOIT LA MEDAILLE D'HONNEUR TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI JANVIER 2012, UNE BELLE OUVERTURE D'ANNÉE ART ET MODE

PÔLE EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR AFFICHE D'EXPOSITION DE LA PEINTRE ALLYNÉE

PÔLE EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR AFFICHE D'EXPOSITION DE LA PEINTRE ALLYNÉE

LA CREATRICE PEINTRE ALLYNÉE  MODE ET MODERNITE, ELLE EXPOSE SES MODELES PEINTS AUX CIMAISES DE L'ART CONTEMPORAIN

LA CREATRICE PEINTRE ALLYNÉE MODE ET MODERNITE, ELLE EXPOSE SES MODELES PEINTS AUX CIMAISES DE L'ART CONTEMPORAIN

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LA PEINTRE ALLYNEE, UNE SYNTHESE ESTHETIQUE DE LA PEINTURE ET DE LA MODE : CREATRICE D'UNE COLLECTION COMPLETE DE TABLEAUX SUR LA MODE ET LE MANNEQUINAT. Allynée est une artiste complète, qui peint depuis de nombreuses années, avec un talent qui sait explorer avec succès diverses thématiques, allant des paysages aux personnages, et qui pratique également la sculpture. Les travaux de sa période actuelle semblent avoir jeté les bases les plus abouties de son évolution et de sa recherche en art. En effet, l'artiste témoigne dans ses plus récents travaux picturaux, d'une volonté de dépasser les canons traditionnels de l'art, figuratifs, impressionnistes ou abstraits, pour réaliser un acte de peindre innovant avec de nouvelles logiques contemporaines, en effectuant le pontage entre deux grands domaines de notre époque, la peinture, bien sûr, et la couture, à savoir la mode, dont en particulier le mannequinat, sans quoi rien n'est possible en couture, prêt-à porter ou haute-couture...


Allynée, dans sa démarche, réussit en utilisant toute la modernité visuelle de notre siècle, à faire transmigrer des valeurs esthétiques, d'un domaine à l'autre. Ceci elle le peint, dans une inter-dépendance stylistique, une inter-subjectivité pour le spectateur, qui voit et vit la mode, au travers des œuvres peintures-coutures d'Allynée. Ses modèles de vêtements, sont des contenus et supports du message, permettent à la peintre de lancer en avant toute la thématique du mannequinat et de la rénovation de l'image du corps et de ses postures, en nouvelle esthétique contemporaine. Mannequins, top-models, sont devenus particulièrement en vogue aujourd'hui, avec des critères propres de la présence du corps dans l'espace... Devenant pour Allynée à la fois mannequins et nouveaux modèles vivants d'une autre nature dans la culture moderne de nos sociétés du multimédia. La peinture d'Allynée, vient ouvrir un nouveau discours entre le mannequin et le vêtement, l'idée de beauté du corps, radiographiant le canon esthétique actuel. De ce que peut en constater la peintre en produisant ses œuvres d'art, elle en répertorie une traçabilité, en temps réel, de ce qui est, de ce qu'elle voit et veut... Allynée optimise la mode, la scénarise, pour en faire mémoire artistique, mémoire de société. L'artiste, le peintre, le sculpteur, apparaissent généralement quand il est besoin de définir, de dire, de confronter, les canons de l'esthétique, en identifier au mieux les règles, pour créer un repérage dans le temps de cette capacité de la société à produire du beau à sa façon, selon la communication ou l'évolution du progrès, les goûts du moment... Ici, Allynée, avec sa série sur les mannequins et la mode, fait à la fois le constat d'un état d'être, d'un état de voir dans notre relation à la mode et pour le spectateur, le public, en fixe en peinture quelques paramètres incontournables, qui pourraient être qualifiés de « fondamentaux »... Allynée, est parvenue toutefois, à aller plus loin que le rôle du peintre, qui impulse, ou encore valide une image de la mode dans la société. Sa série de peintures produit une création dans la création. L'artiste réalise ses propres modèles, à chaque fois, avec un apport supplémentaire, puisqu'elle peint, elle assemble et présente, à l'échelle du tableau, une idée originale avec des tissus qu'elle fabrique en fin tricot. Ils viennent épouser en un collage parfait, la trame de la toile peinte, dans un assemblage heureux, un matiérisme de plus raffinés. Allynée transporte aujourd'hui, avec réussite l'image de la mode, de l'élégance, du style et du stylisme, de la mode et du modèle dans l'espace filtré et exigeant de l'art contemporain. Sa démarche, doublement créatrice, est à la fois esthétique et plastique ; C'est une construction ingénieuse et artistique, qui sait unir sur la toile peinte, en une logique interdisciplinaire, les valeurs de beauté et de fonctionnalités, que peinture et /ou mode, véhiculent dans notre vie quotidienne... Des modèles comme Emma , Paola ou Quintia, sont emblématiques de la capacité d'Allynée à avoir saisi les meilleures poses, les meilleures attitudes, non seulement du mannequin en présentation de collection; Mais ce sont aussi ces temps-forts de mises en valeurs du vêtement par le mouvement du corps, que l'artiste a capté, capturé, pour les peindre en statut d'art dans ses œuvres... Une vingtaine de tableaux nous disent, tour à tour, les postures les plus représentatives, tels que la peintre peut les saisir dans le souci de transmettre une vérité. La diversité de chacune des expressions corporelles, leurs originalités, font de cette collection de peintures une forme nouvelle de collection de mode et d'un nouvel académisme dans la perception du corps humain. La peintre à inventé une nouvelle manière de créer un modèle dans un autre atelier... Allynée crée une collection en utilisant l'art...pour l'art. L'art du pinceau au service du corps dans l'espace. L'artiste à partir de ce corps dans l'espace, lui fait porter un vêtement et va l'inscrire, l'écrire en une grammaire nouvelle du « porté » et du « vu ». Nouveau modèle vivant... Allynée par la peinture, nous parle aussi de la personnalité et du rôle primordial du mannequin... La coiffure joue un rôle et devient à son tour un signal du mannequin dans l'espace… Ici, les noms des modèles entrent en osmose avec le mannequin, pour ne faire plus qu'une seule œuvre d'art peinte, à rendre, à restituer, au regard du public. Le spectateur comprend et ressent cette révélation nouvelle de la peinture, qui s'échappe vers de nouveaux horizons à conquérir, évolue sur de nouveaux chemins, pour dépasser encore plus de tabous et dire qu'il peut y avoir un art avec un grand A... A comme Allynée ? et que cet Art ne connaît pas de limites, de frontières entre les disciplines, les secteurs artistiques. Les démarches de créations ont bien les mêmes ressorts, comme en témoigne la peintre. En synthèse et en harmonie, l'artiste fait progresser l'art contemporain, au travers de l'acception et de la « mise en oeuvre-d'art » de nouvelles dimensions transversales, de symbioses esthétiques, pour nous dire que l'osmose de talents créatifs est aussi vérité dans l'acte de création.

 

La peintre Allynée à obtenu la Médaille « Talents des Arts d'Aujourd'hui » en 2012.

 

 

Antoine Antolini, Février 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI – FEVRIER 2012."LA PEINTRE ALLYNEE,UNE SYNTHESE ESTHETIQUE DE LA PEINTURE ET DE LA MODE"  © Texte, Antoine Antolini – FEVRIER 2012  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Le texte (en dehors des photos des peintures des modèles sous copyright) peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication.


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■ Bettina SCHOPPHOFF. Son style pictural redéploie un nouveau figuratif dans l'art contemporain par de nouvelles logiques esthétiques innovantes de l'espace et des plans dans la représentation du sujet.


LES TROIS ENFANTS,  BETTINA SCHOPPHOFF RENOUVELLE L'APPROCHE ET LE SENS  DU SUJET FIGURATIF

LES TROIS ENFANTS, BETTINA SCHOPPHOFF RENOUVELLE L'APPROCHE ET LE SENS DU SUJET FIGURATIF

LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF, SON STYLE PICTURAL INTRODUIT DANS L'ART EUROPEEN UNE TOUTE AUTRE FACON DE REVELER  LE SUJET

LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF, SON STYLE PICTURAL INTRODUIT DANS L'ART EUROPEEN UNE TOUTE AUTRE FACON DE REVELER LE SUJET

"FILS DE LA VIE" DE BETTINA SCHOPPHOFF UNE ARIANE QUI PEINT LA DESTINEE... LA VIE EN EQUILIBRE

"CROISEMENT" BETTINA SCHOPPHOFF A SU SAISIR L'ARCHITECTURE DU SUJET AVEC UNE AUTRE LOGIQUE

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BETTINA SCHOPPHOFF RECADRE LA PUISSANCE DE L'EVOCATOIRE POUR ELARGIR LES FRONTIERES DE L'ART ET DU TABLEAU

BETTINA SCHOPPHOFF RECADRE LA PUISSANCE DE L'EVOCATOIRE POUR ELARGIR LES FRONTIERES DE L'ART ET DU TABLEAU

"RAPPROCHEMENT" DE BETTINA SCHOPPHOFF PROPOSE LE GROS PLAN COMME NOUVELLE ESTHETIQUE PICTURALE CONTEMPORAINE

"LES ADOS"; LA PEINTURE DE BETTINA SCHOPPHOFF SAISIT UNE PARTIE DE LA SCENE POUR MIEUX EN DIRE L'ENSEMBLE

AVEC

AVEC "JOURNAL DU DIMANCHE" LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF REDEFINIT LA NOTION D'ESPACE

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Bettina Schopphoff, une artiste contemporaine qui vivifie l'art contemporain par un talent rafraîchissant. On attendait du neuf, du renouveau dans les expressions contemporaines, et notamment au niveau du figuratif... Voilà une artiste qui vient apporter une réponse. Ses recherches novatrices comme, par exemple, dans ses œuvres « Journal du dimanche, » ou « Croisement » ré-explorent incessamment la réalité en d'autres configurations de modernité, en d'autres recompositions du sujet dans l'espace, en vues du-dessus comme si l'image devait échapper au tableau, comme si l'individu ne devait pas être cantonné, ni contenu dans l'œuvre-d'art... Une peinture dense, emplie de pensées sur le monde, la vie, le passé, le présent, le futur, qui est aussi un questionnement humain tel qu'avec « Fils de la vie », une émotion du devenir, qui emmène les sujets vers leurs destinées, que nul ne connait vraiment, mais que l'on pourrait entrevoir à partir du réel. Une artiste qui fait progresser aujourd'hui l'art contemporain.

 

Avec ses « Trois Enfants » ou « Les Ados », Bettina Schopphoff a su prouver que tout n'était pas encore dit dans l'expression du pictural. En potentialisant l'évocatoire figuratif, par une expression partielle du sujet sur la toile, elle a su inventer et produire l'idée d'ensemble plus forte qu'une représentation traditionnelle de la totalité pourrait le faire... Ses « Trois Enfants » ont posé définitivement une nouvelle pierre dans la construction de l'art d'aujourd'hui. A présent, Bettina Schopphoff est une signature incontournable pour tout amateur d'art averti. Ses créations originales et innovantes démontrent qu'en art figuratif, le détail, le gros-plan, le « zoom », peuvent traduire parfois plus efficacement la globalité du sujet. Comment Bettina Schopphoff à pu arriver à bousculer toutes les idées reçues, dépasser les formatages acquis, les architectures basiques du tableau, aller plus loin que les écoles picturales, de New-York, Paris ou Berlin ?... Tout d'abord par son travail assidu, mais aussi par son inspiration en constant éveil et cette conviction que lui a donné son talent, afin de poursuivre sur la voie de l'innovation. Sa démarche qui modifie tous les à-priori est riche pour l'Europe, face aux Etats-Unis ou à l'Asie, parce qu'elle vient proposer de nouvelles façons du "voir" en peinture; Cela avec maîtrise, élégance et surtout une grande pertinence stylistique, qui fait trouver sa pleine place à cette artiste, sur le niveau international. Après Cézanne, Monet et les Impressionnistes, Picasso et les Cubistes , Bettina Schopphoff, vient nous dire par son pinceau que les ressentis intérieurs peuvent être exprimés absolument différemment dans le figuratif, de ce que l'on pouvait penser et pourtant en être non moins puissants. Au-delà de l'évanescence des distances, des vibrations du soleil et de la lumière, de la déconstruction analytique du sujet, on comprend dans la peinture de Bettina Schopphoff, comment le visuel peut être désormais ressenti et pensé, exprimé, proposé en une autre esthétique, en un pontage soujascent de la "partie" vers le "tout", avec une autre sensibilité plasticienne "fractionnée" pour être mieux "optimisée". A contre-pieds des académismes, des mouvances avant-gardistes, des époques modélisantes certes, mais révolues, l'artiste peut être considérée comme une novatrice en ce début du XXI ème siècle. Avec une grammaire évocatrice qui n'est pas simplement stigmatisante, la peintre "recadre" le point-de-vue du réel, hors de tous contextes de nouvelle figuration, ou de filiations des figurations narratives, hors du champ de tout néo-réalisme... Avec « Les Ados », l'artiste repense complètement par elle-même la portée scénographique du tableau, et refonde, à sa façon, sa propre approche picturale du sujet. Sa stylistique originale, en prenant un élément interne du sujet sait en créer le plan principal. Bettina Schopphoff, arrive à nous renvoyer vers toute une interface psychosociale autour du sujet traité. L'artiste en centralisant les logiques de la partie d'une scène, en sait faire acte d'art, extrait visuel unique, comme avec « les Ados ». De la même manière, avec son tableau « Rapprochement » elle saisit le plan essentiel et redynamise le pouvoir évocatoire du thème, redéployant le suggestif qui se cache derrière le figuratif premier. La peintre transmet par l'essence succincte de l'image, un ensemble profond, fort, émouvant, sensible... Nous laissant reconstituer par notre imaginaire l'évidente totalité environnante. Le talent si nouveau, si différent, de cette artiste, permet aux spectateurs de revisiter l'idée même du « non-dit » en art contemporain, au travers d'une représentation reciblée, du réel. Une peinture anecdotique en interrogations, en « indéfinitude », une expression narrative en suggestivité, qui laissent en mystère ouvert toute la fin du récit, de l'intention... Bettina Schopphoff possède un langage de touches justes et vives, d'applications aux intenses couleurs, pleines de vérité. Elles sait transporter le public sur les chemins de l'art, en lui laissant toutefois une totale liberté  projective, lorsque chacun peut envisager devant ses toiles, comme il le ressent, le sujet total, l'image finale. L'originalité sociologique exceptionnelle de cet un univers pictural issu du réel, conjugue une part de figuratif et celle d'un imaginaire non-peint. Il appartient alors à celui qui regarde l'oeuvre, de créer à son tour sa propre scène, en une sublime interactivité, comme un moment d'art magique...une fascination... Bettina Schopphoff donne au spectateur une conscience d'être et d'exister face à l'oeuvre-d'art. Puissance d'un talent qui à eu la science et l'audace picturale « d'intrapôler » le sujet autour de ce qui le définit le mieux, de la façon la plus intrinsèque. Bettina Schopphoff par son style, sa palette, sa technique de positionnement du sujet sur la toile laisse envisager une autre vision possible pour toutes les figurations, préfigurant de nouveaux modèles d'expression. En phase avec notre modernité. la peintre par son travail artistique apporte de nouvelles notions sémantiques et sémiotiques à l'art contemporain.

 

Pour son talent et ses créations originales la peintre Bettina Schopphoff à obtenu en 2011 la  Médaille d'Honneur « Talents des Arts d'Aujourd'hui ».


Antoine Antolini

Direction Rédactionnelle EDMC 

 

 

Exposition Bettina SCHOPPHOFF - PÔLE D'EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR - Décembre 2011

Reportage: titre: " Bettina Schopphoff. Son style pictural redéploie un nouveau figuratif dans l'art contemporain par de nouvelles logiques esthétiques innovantes ".  © texte Antoine Antolini - Direction rédactionnelle EDMC - Tel: 06 10 99 90 98  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

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■ CHRONIQUE DES MOUVEMENTS ARTISTIQUES


■ MOUVEMENTS ARTISTIQUES : Ann-Isabelle GUYOMARD, artiste et chercheur, fondatrice du mouvement GoldLight et conceptrice du Droit Emotionnel, lance une passerelle exceptionnelle entre l'Art et la Science.


ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE CHERCHEUR, CREATRICE DE LAND'ART

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE CHERCHEUR, CREATRICE DE LAND'ART

"RAVAGES" DE ANN-ISABELLE GUYOMARD, PEINTURE ABSTRAITE FEUILLE D'OR ET INCLUSIONS FIGURATIVES © 2011

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE ET ARTISTE LAND' ART CONSACRÉE

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE ET ARTISTE LAND' ART CONSACRÉE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2011"

ANN-ISABELLE GUYOMARD A PEINT

ANN-ISABELLE GUYOMARD A PEINT "SOUS LA SURFACE"

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LAND'ART

LAND'ART "ROCHE MARINE" ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART ROCHE MARINE 2  CREATION ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART ROCHE MARINE 2 CREATION ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART

LAND'ART "VIGIE" OEUVRE DE ANN-ISABELLE GUYOMARD RENCONTRE DE L'OR ET DE LA ROCHE COTIIERE, DEVENANT UN ECLAT DE LUMIERE AU SOLEIL, VISIBLE DE TRES LOIN

LAND'ART PROJET

LAND'ART PROJET "CONSTELLATION SAINTE VICTOIRE", ANN-ISABELLE GUYOMARD A CRÉÉ UN PROJET INNOVANT ET... LUMINEUX SUR LA FAMEUSE MONTAGNE DE CEZANNE © A-I GUYOMARD 2011

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Au cœur de la génération actuelle, Ann-Isabelle Guyomard fait converger les savoirs esthétiques et artistiques pour une mise en relief des problématiques environnementales et humaines. Conjuguant émotion et réalité, impact de la Nature et sensibilité profonde, l'artiste réussit par ses œuvres et ses intentions plasticiennes, à réaliser un progrès très appréciable et une innovation intellectuelle dans l'approche de l'art, par le développement du rôle que celui-ci peut jouer dans les sciences. Dans la lignée de Léonard de Vinci, peintre et savant, tout comme après Mondrian et sa recherche d'un nouveau langage universel, ou encore de Calder et ses mobiles aux équilibres esthétiques et mathématiques, les travaux d’Ann-Isabelle Guyomard ouvrent et proposent de nouvelles voies dans le contemporain, comme autant de questionnements profonds pour chacun d'entre nous. L'artiste a su conjuguer les paramètres de notre modernité, pour leur donner une lisibilité et mettre ainsi le spectateur en état d'art...  

 

Un parcours particulièrement dense en Recherche Fondamentale permet aujourd'hui à Ann-Isabelle Guyomard, de croiser les disciplines des beaux-arts avec les démarches cognitives appliquées à l'environnement. Comme ses œuvres de Land'Art, ses peintures actuellement exposées au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur apportent une contribution novatrice au rôle de l’art. Comme un nouveau territoire à explorer, l'artiste propose une nouvelle interface de ressentis (GoldLight et Droit Emotionnel), afin de mettre en lumière les éléments les plus caractéristiques d'un lieu et nous dire la Nature en histoire d'art. (voir le projet de Land'Art "Constellation Sainte Victoire"). L'artiste redéploye ainsi les notions fondamentales de l'art comme support de la culture dans nos sociétés, en redynamisant le potentiel de l'acte créatif esthétique, en lien avec la Recherche. Elle re-positionne dans sa démarche les objectifs classiques du Land'Art, pour les orienter vers un acte utile pour la nature, le paysage, l'environnement, l'écosystème... Pour Ann-Isabelle Guyomard, produire une œuvre de Land'Art sur la Nature doit profiter avant tout à celle-ci comme entité première. Qu'il s'agisse des problèmes de déforestation massive, tout comme de la sauvegarde du patrimoine marin, ce sont de précieuses démarches de promotion et de protection, de mises en évidence ultimes et essentielles de la beauté de la planète que propose le Land'Art très spécifique d'Ann-Isabelle Guyomard. Dans sa grammaire esthétique, l’artiste assume une finalité de sensibilité intime, mais sait aussi et surtout, créer une prise de conscience pour le spectateur, le public, la société en général.... Les certitudes d'Ann-Isabelle Guyomard sont enracinées dans son être profond. L'impact du Land'Art de l'artiste est pour elle un art indissociable de la photographie et du film, du court-métrage ou de la vidéo. Les expositions, les conférences ou encore les ouvrages d'art et les encyclopédies pour la jeunesse, doivent porter témoignage de l'acte créatif sur l'espace et la Nature vierge. Par sa création, l'artiste en arrive à produire un véritable fait culturel ici et maintenant. Par le caractère indispensable du retour de l'esthétique de la planète à la société par la photographie, le Land'Art d'Ann-Isabelle Guyomard rejoint les préoccupations des grands photographes de la Nature comme Yann Arthus-Bertrand. Toutefois, Ann-Isabelle Guyomard intervient directement sur la Nature pour la mettre en situation, en statut d'œuvre d'art, au-delà des découvertes mêmes de géomorphismes artistiques. Entre les mains de cette artiste, le Land'Art vit ainsi une autre dimension, peut-être en définitive sa vraie dimension, par l'adéquation qu'elle a su en faire; à savoir  mettre cette discipline de l'Art appliquée au Paysage, à la terre et à la Terre, aux pays et au Pays, d'Art sur le Paysage, au service de l’espace, de notre planète et de son environnement. Il s’agit d’un Land'Art comme un territoire artistique initialement immatériel auquel Ann-Isabelle Guyomard à su donner une raison d'être. Dans son style esthétique, l'artiste a souvent recours au matériau noble qu’est l'or. Allégorie de la rareté des environnements vierges, symbole de pureté et de lumière, elle l’utilise sous forme de feuilles ou de pigments, qu’elle marie, imbrique, applique pour restituer à la Nature l'idée du beau et du précieux en magnifiques visuels.  Dans son Land’Art, elle veut réaliser et poser toujours le plus concrètement possible le sens cyclique d'osmose entre l'Homme, son rapport étroit à l'environnement et l'idée de pureté originelle. Par son intuition du monde et son intelligence de l'humanité, cette conceptrice-chercheur apporte une reconnaissance originale au Land'Art. Elle a su en définir un nouveau regard, de nouvelles fonctionnalités et une puissante signification, auxquels on ne peut qu'adhérer. Pour Ann-Isabelle Guyomard, l’important est de restituer une émotion directe. Aussi, la traduction des sensations et des émotions humaines les plus profondes, se fait par l’emploi de matériaux bruts tels que l’or, le sable, la roche, l’indigo en poudre… Il existe dans son langage une véritable symbiose des perceptions, où le visuel peut évoquer un son premier, un toucher, un goût... Dans son acte créatif, le corps humain devient membrane de perception et de réception du monde, pour un voyage entre l’intimité et l’immensité. Pour cette artiste, l’acte créatif est aussi une expression corporelle où la danse et la musique expérimentale sont partie intégrante de l’œuvre finale, l’Art passe dans le corps, l’unité apparaît, visible. Ses œuvres s’apparentent ainsi à une plongée, une expérience intense, une synthèse, véritable exploration des plus complètes des paysages émotionnels. Ann-Isabelle Guyomard nous fait voyager entre les abysses et l’espace interstellaire, créant une symbiose et révélant la connexion intime et invisible entre les éléments. Aussi, ses œuvres apparaissent comme une célébration de la beauté des sciences pures et de l’esprit humain dans ce qu’il a de plus universel. L’Art est une exploration du lien entre sensations et émotions, entre l’intérieur et l’extérieur. A travers ce prisme, l’artiste nous invite à la découverte entre sensations premières et questionnements existentiels.
Egalement peintre sur toile, son travail pictural reste le reflet de cet engagement humain, artistique et scientifique. En tant que peintre, Ann-Isabelle Guyomard donne à voir une abstraction originale, qu'elle sait là encore faire progresser, par l'inclusion d'éléments figuratifs symbolisant les différents liens avec le monde marin comme interface de son monde intérieur. Ann-Isabelle Guyomard est ici encore, médiatrice de cette interaction entre Art, Nature et Sciences. Sa peinture est révélatrice d'une nouvelle synthèse, d'une nouvelle symbiose entre protection de l'environnement et rôle de l'artiste face aux dilemmes des sociétés contemporaines. Pour Ann-Isabelle Guyomard, l'art est messager, et l'œuvre d'art une preuve d’amour pour la vie, l’espace, et un moyen de rendre l’Homme positif face à la Nature. Afin d'atteindre cet idéal, Ann-Isabelle Guyomard fait le « pari du beau »; on sauvegardera et on protègera mieux la Nature si on l'aime. Et pour l'aimer il faut en saisir toute la beauté, la ressentir jusqu’à faire corps avec… l'art est pour elle une passerelle pour cela, pour aller de la sensibilité à la spiritualité. Aussi, c'est cette prise de conscience d'une nouvelle esthétique de l'environnement que propose cette éminente et talentueuse artiste. 

 

Ann-Isabelle Guyomard a obtenu pour l'ensemble de son œuvre et ses recherches artistiques la Médaille d'Honneur "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2011.   


                                                                            Antoine Antolini, septembre 2011

                                                                            Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Le GoldLight. « C’est un art inspiré par la lumière. Je vois de l’or. En toute chose, en toute personne, dans les paysages, l’infiniment petit et l’infiniment grand, je vois de la beauté. Le GoldLight est ma façon de rendre cette beauté tangible, passer de l’invisible au visible. C’est pour moi l’expression directe d’une sensation et d’une émotion pures. Comme le haïku, il illumine l’instant, ici et maintenant. Il s’intègre dans la représentation abstraite de l’art pictural et dans ma conception du Land Art ».   

 

Du Droit Emotionnel - Emotional Law. « Le Droit Emotionnel est un droit inspiré par l’émotion profonde ressentie par l’homme face à la nature vierge - le stade zéro. Il est l’expression directe de cette perception intime et universelle, l’outil permettant de protéger ce que l’homme considère comme ayant une valeur intrinsèque importante. Comme pour Jean-Louis Etienne, je crois que l’« Antarctique a cette capacité de confronter l’homme à son intimité ». Aussi, l’idée du Droit Emotionnel m’est apparue en 2003 dès le début de mes recherches doctorales sur cette région, avec l’intuition que cette émotion humaine initiale trouvait écho dans toutes les zones de nature vierge du monde, permettant d’utiliser le Droit Emotionnel comme un moyen d’en défendre les valeurs » (lire Guyomard A-I.: « La protection de l’environnement en Antarctique - Droit international et Droit comparé ».   

 

Extrait - Ann-Isabelle Guyomard nous dit aussi : « La Recherche m’a permis de percevoir la grande perméabilité qui existe entre l’Art et la Science. J’apprécie la beauté des liens qui relient ces différentes facettes de la conscience humaine et je suis heureuse de trouver mon équilibre entre rigueur scientifique et créativité ».

 

Remerciements de Ann-Isabelle Guyomard: « Je présente tous mes remerciements au Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP-Europe, ainsi qu'aux Editions des musées et de la culture, pour l'attribution de cette importante distinction artistique, qui symbolise pour moi une passerelle entre les sphères scientifiques et artistiques. » Cérémonie de remise du 15 juillet 2011 Toulon. 

 

Land'Art 

« Roche marine », Plage des Bouchons, Carry-le-Rouet. Land'Art

« Vigie », Cap Rousset, Carry-le-Rouet. Land'Art

 

Projet sur la montagne cézanienne: « Constellation Sainte Victoire » © Land'Art 2011 A-I Guyomard : « La nuit, les panneaux photovoltaïques restituent l’énergie solaire sous forme de lumière. En pleine obscurité, ils donnent alors à la montagne une nouvelle ligne entre terre et ciel grâce à l'installation d’un réseau de lampes à éclats de différentes puissances. La Constellation Sainte Victoire apparaît.» 

 

Ce projet particulièrement intéressant en terme de promotion du patrimoine, d'image valorisante pour les lieux et les hommes, intitulé "Constellation Saint Victoire" à été présenté et expliqué publiquement par sa conceptrice Ann-Isabelle Guyomard, le 15 juillet 2011 au Centre de Recherche en Art et Conservation du Patrimoine CRACP-Europe Unité privée de recherche – 36 boulevard de Strasbourg à Toulon – en présence notamment de M. André Rossi, président de l'Association Méditerranéenne des Inventeurs AMI (dont le bureau est à l'INPI à Marseille), de M. Eugène German, ancien cadre du Ministère de la Culture aux services départementaux des Monuments historiques, ainsi qu'en présence des Editions des musées et de la culture EDMC. Ce projet est sous copyright selon les dispositions de la loi du du 11 mars 1957 et les conventions internationales sur la Propriété Intellectuelle OMPI Genève .

 

Reportage: titre: "Ann-Isabelle GUYOMARD, artiste et chercheur, fondatrice du mouvement GoldLight et conceptrice du Droit Emotionnel, lance une passerelle exceptionnelle entre l'Art et la Science". texte Antoine Antolini - Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine C.R.A.C.P. 2011 - e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr  Tel: 06 10 99 90 98  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

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■ MOUVEMENTS ARTISTIQUES : David PONS, peintre, initiateur d'un nouveau courant pictural, le "Restructuralisme", s'attache à exprimer une synthèse contemporaine d'impressionnisme, de fauvisme et de cubisme ...


DAVID PONS CRÉATEUR DU

DAVID PONS CRÉATEUR DU "RESTRUCTURALISME" MÉDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2011

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PAYSAGE, PEINTURE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PAYSAGE, PEINTURE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

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PAYSAGE MARITIME DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PAYSAGE MARITIME DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PEINTURE PORTUAIRE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PEINTURE PORTUAIRE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

MARINE DE DAVID PONS PEINTRE RESTRUCTURALISME

MARINE DE DAVID PONS PEINTRE RESTRUCTURALISME

PEINTURE PAYSAGISTE RESTRUCTURALISME DAVID PONS, PEINTRE

PEINTURE PAYSAGISTE RESTRUCTURALISME DAVID PONS, PEINTRE

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UNE AMBITION QUE L'ARTISTE CONFORTE PAR DES PEINTURES DANS CE STYLE  ET SES REFLEXIONS THEORIQUES. DAVID PONS EST MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" PROMOTION AOUT 2011.

 

David Pons, après plusieurs années de recherche sur les diverses stylistiques picturales, propose aujourd'hui une intéressante synthèse entre trois grandes mouvances de notre art moderne; l'impressionnisme que l'on doit notamment à Camille Pissarro, Claude Monet, Edouard Manet, n'oublions pas ici le rôle important des visions cézanniennes; le fauvisme, qui comme on le sait naquit à partir de 1905, à l'instar d' Henri Matisse; le cubisme, par lequel en particulier, Pablo Picasso, marqua définitivement l'histoire de l'art. Aujourd'hui, c'est à Beaumont, tout à côté de Clermont-Ferrand, en Auvergne, que David Pons à su mettre au point une nouvelle grammaire restructuraliste au travers de laquelle il fait poindre et rayonner notre berceau artistique français et européen. Peintre paysagiste, l'artiste excelle aussi bien dans l'expression de paysages maritimes, portuaires, littoraux, de marines; que dans les paysages intérieurs, de montagnes, forestiers, lacustres.


Aucune représentation de la nature n'a de secret pour David Pons. Il produit ainsi des toiles qui offrent au regard du spectateur une richesse de ressentis, de sensations intérieures, car pour lui cette symbiose esthétique qu'il fonde avec le restructuralisme n'est pas le fruit du hasard. Pour David Pons, son style, lui permet une gamme de langage diversifié pour dire sa relation au paysage, donner de la force, de l'intensité à ce qui apparaît sous ses yeux. L'exceptionnel talent de ce peintre réside dans le fait qu'il sait nous apporter et marier dans sa peinture plusieurs niveaux de sensibilités, d'expressions, de l'insight intérieur impressionniste, à la vigueur colorique fauve, cela avec un rapport dimensionnel autre dans la construction de l'image en échos aux cubistes. David Pons insiste lors de son interview sur le mot « évoquer »; pour lui sa peinture veut représenter la nature, le paysage, et cela plus fortement avec ces évocations des courants de l'art moderne, que l'on retrouve en condensé dans le restructuralisme. Ce sont les moyens d'atteindre d'autres paliers, un niveau plus élevé dans l'art de la représentation picturale paysagiste. Cette intégration de ces grands courants dont il sait manier, inscrire et doser les nuances, dans ses œuvres restructuralistes, donnent à ses tableaux un foisonnement de perspectives, de coloris, de profondeurs et d'intensités lumineuses hors du commun. David Pons à appris par sa pratique, l'art de guider la lumière dans l'ensemble du tableau, d'amener l'intensité extrême là où il le veut, dans une lointaine perspective ou alors au tout premier plan de l'œuvre. Il parvient à marquer un art dans l'art... Ses tonalités roses pâles, ses bleus pastels vifs ou froids, ses touches et à-plats, hors de toutes conventions de couleurs, ses jaunes, ses ocres, nous disent des atmosphères venues d'ailleurs, comme échappées de son âme, de sa passion de voir, de son aptitude a ressentir, de sa capacité a traduire... Depuis de nombreuses années, ce jeune peintre, à su produire une œuvre abondante en style restructuraliste. Ce sont, à présent, plusieurs dizaines de toiles qui fondent cette mouvance sous sa signature. Une révélation originale qui procède d'un besoin incontournable, sociétal, du progrès des arts dans notre époque. David Pons à montré qu'il sait faire avancer le figuratif dans une modernité quand tout s'extrapole, en restant lui-même en lien direct avec la réalité du paysage, pour en donner un nouvel aspect. Avec ses huiles sur toiles il stabilise des stylistiques les plus délicates par des techniques abouties, usant tour à tour de spatules ou de pinceaux. Son concept du restructuralisme prolonge les travaux des grands maîtres de la peinture. Il élabore ses toiles en les faisant fusionner, en les rassemblant, les unissant, redonnant dans le présent un nouveau souffle à leurs puissances innovantes. David Pons nous montre ainsi qu' une nouvelle génération peut savoir ne rien perdre du passé, et que l'art peut aussi inlassablement avancer par l'évolution des notions existantes, des visions premières, en travaillant l'édification de nouvelles constructions esthétiques. Le restructuralisme à comme objet de restructurer le paysage sur la toile, en mettant en pratique, en résonances, en confrontation ou en harmonies, en juxtapositions, les plus belles démarches artistiques, les plus belles avancées de l'histoire de l'art... Dès lors l'idée de cette synthèse de David Pons, vient se signaler différemment dans un siècle ou l'avant-gardisme cherche de nouveaux défis, de nouveaux langages, de nouvelles techniques, de nouveaux matériaux...  Le restructuralisme nait à partir du paysage authentique, du figuratif le plus explicite, pour en donner un autre sens, un autre discours, une autre portée... David Pons échappe à la représentation littérale du visible sans faire basculer le tableau dans l'abstrait. Le restructuralisme brise pourtant les chaînes du lien à l'image, pour en redire une autre vérité, une autre liberté... Pour le fondateur du restructuralisme, ces courants tels que l'impressionnisme, le fauvisme ou le cubisme, sont autant d'hypothèses dont il faut faire aujourd'hui la synthèse, au-delà de tous clivages de styles, avec les moyens de notre recul, que permettent aujourd'hui les décennies écoulées. David Pons veut mettre en osmose, capitaliser en mémoire d'art, redéployer en symbiose dans le présent, ces savoirs-faire paysagistes d'hier. Il donne ainsi clairement, nettement, par ses tableaux, un potentiel nouveau à notre culture picturale, en validant dans notre XXI ème siècle naissant l'héritage de nos meilleures visions artistiques; il maintient et renouvelle, notre identité esthétique dans l'actualité contemporaine des arts. Au cœur de la concurrence pour la conquête de nouvelles images esthétiques, de la recherche pour de nouveaux styles internationaux, notamment face aux nouveautés des États-Unis, de l'Asie ou de l'Afrique, le restructuralisme a sa pleine place, et témoigne d'une peinture de qualité et de grand talent.

 

Antoine Antolini, Août 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur


© Texte, Antoine Antolini Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

 

 

■ Le peintre Jean-Louis GAILLARD, au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur à expliqué son concept : le "Rondisme"

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La toile "Victoire" du peintre GAILLARD, illustre son concept le "Rondisme", à la fois style et mouvement d'art contemporain

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Le peintre Jean-Louis GAILLARD au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Le peintre Jean-Louis GAILLARD au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

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Jean-Louis GAILLARD, peintre - Exposition "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" AOUT 2010 -

Autant un style qu'un mouvement pictural à l'instar du peintre Jean-Louis GAILLARD, son fondateur, le "Rondisme" veut s'inscrire, entre-autres, dans une logique de post-cubisme, au-delà des apports des formes circulaires d'un Delaunay, ou tubulaires de Fernand Léger. L'artiste s'efforce, avec succès, de développer une nouvelle esthétique européenne, positionnant les graphismes et les couleurs comme autant d'éléments essentiels. Avec une modernité ayant su intégrer les démarches de l'abstraction lyrique, c'est à partir de courbes et de plans convergents vers l'expression du motif, que GAILLARD accompagne le spectateur, dans une autre dynamique du Beau, d' équilibres de formes en tonalités vives... Comme à pu l' évoquer Cézanne, si tout tend à la rotondité dans la Nature - de la pomme... à tous les cosmo-morphismes - Jean-Louis GAILLARD propose, quant à lui, une formulation qui libère le sujet du plan de la toile, par l'élaboration d'architectures atypiques; Il a su exprimer la tendance naturelle des éléments du sujet à leur propre auto-reconstruction en image. Jean-Louis GAILLARD révèle ainsi comment maîtriser la mémoire de forme des composants objectifs du figuratif après les avoir rendus abstraits. Jeux de tri-dimensionnalités, synoptisme, insight, Jean-Louis GAILLARD, tout en sauvegardant l'existant de notre berceau culturel artistique,  innove avec pertinence aujourd'hui un travail totalement différencié internationalement, de la production picturale américaine et asiatique. Antoine Antolini - Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur (Août 2010)

 

 


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