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Les éditions EDMC, association socio-cullturelle, loi 1901 à but non lucratif pour
la promotion et le développement international de l'art et de la muséologie.

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Artistes, musées, autres...

* * * * * * * * * * * * * * * * * * Evénementiel Sanremo Italia * * * * * * * * * * artistes et talents à la Une * * * * * * * * * * * * * PARIS 10/10/2019 "Hommage Artistique International à la Planète Terre" * * * * * * Exposition-Hommage à PARIS par le peintre abstrait CAZORLA-CAZO, Salons Mercure Philharmonie La Villette PARIS 19 ème * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * *

■ 2019 Reportages ▼__________________ Images ▼ Textes ▼_______________________ ▼


                                            REPORTAGES EN COURS      REPORTAGES EN COURS      REPORTAGES EN COURS 

■ ITALIA - ARTISTI LAUREATI DEL PALMARES. GRANDI TROFEI ARTE E STILI SANREMO 2019


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■ SYNTHESE IMAGE RESUME - GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI SANREMO 2019 - Italia


Sanremo - Italia - 2019 Le casino

Sanremo - Italia - 2019 Le casino

Sanremo - Italia - 2019 Best Western Hotel Nazionale****

Sanremo - Italia - 2019 Best Western Hotel Nazionale****

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019  Best Western Hotel Nazionale****

Sanremo - Italia - 2019 Best Western Hotel Nazionale****

Sanremo - Italia - 2019 Apertura dell'evento artistico Grandi Trofei Arte e Stili da parte della presidente della giuria Annie d'Herpin

Sanremo - Italia - 2019 Apertura dell'evento artistico Grandi Trofei Arte e Stili da parte della presidente della giuria Annie d'Herpin

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019 Le Best Western Hôtel Nazionale ****

Sanremo - Italia - 2019 Le Best Western Hôtel Nazionale ****

Sanremo - Italia - 2019 Cerimonie di apertura dell'evento artistico Grandi Trofei Arte e Stili

Sanremo - Italia - 2019 Cerimonie di apertura dell'evento artistico Grandi Trofei Arte e Stili

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Sanremo - Italia - 2019 Le casino

Sanremo - Italia - 2019 Le casino

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

"Quand la Lune rencontre le Soleil" Sculpture de Chantal Derderian-Christol

Grandi Trofei Arte e Stili Sanremo - Italia - 2019 La Commissione giudicatrice

Grandi Trofei Arte e Stili Sanremo - Italia - 2019 La Commissione giudicatrice

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

"Rome" peinture de Gérard Suissia

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019 Ouverture de l'événement artistique Grands Trophées Art et Styles par la présidente du Jury Annie d'Herpin

Sanremo - Italia - 2019 Ouverture de l'événement artistique Grands Trophées Art et Styles par la présidente du Jury Annie d'Herpin

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

"Couleurs de Saison" oeuvre du pastelliste Frédéric Steinlaender

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019  L'église russe

Sanremo - Italia - 2019 L'église russe

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

"Le Ruban de l'Amitié" Sculpture de Chantal Derderian-Christol

Chantal Derderian-Christol, peintre, sculptrice

Chantal Derderian-Christol, peintre, sculptrice

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Best Western Hotel Nazionale**** où a eu lieu l'événementiel

Best Western Hotel Nazionale**** où a eu lieu l'événementiel "Grandi Trofei Arte e Stili" Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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Sanremo - Italia - 2019 - analyse du style d' Isabelle Geli par Antoine Antolini critique d'art

Sanremo - Italia - 2019 - analyse du style d' Isabelle Geli par Antoine Antolini critique d'art

"Coquillage" peinture de Cécile Duret

Annonce du Palmarès par le Comité du Jury présidé par Annie d'Herpin

Annonce du Palmarès par le Comité du Jury présidé par Annie d'Herpin

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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Evénementiel Sanremo - Italia - 2019 au Best Western Hôtel Nazionale

Evénementiel Sanremo - Italia - 2019 au Best Western Hôtel Nazionale

" Vague d'Energie" peinture d'Isabelle Geli

Sanremo - Italia 2019

Sanremo - Italia 2019

Jacqueline Morandini, peintre

Jacqueline Morandini, peintre

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Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Grandi Trofei Arte e Stili  Sanremo - Italia - 2019 Cérémonie d'ouverture de l'événementiel

Grandi Trofei Arte e Stili Sanremo - Italia - 2019 Cérémonie d'ouverture de l'événementiel

"Maestro" peinture de William Fenech

 William Fenech, peintre

William Fenech, peintre

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Sanremo - Italia - 2019  Le Jury

Sanremo - Italia - 2019 Le Jury

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

Sanremo - Italia - 2019

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■ Evénementiel SAN REMO 2019 - ITALIE Concours "GRANDS TROPHEES DE L'ART ET DES STYLES - SAN REMO 2019 - ITALIE" PALMARES Concorso "GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA"
Palmares Concorso "GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA" 

Eventi Settembre 2019 Arte e Stili Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo, Italia - Presentazioni- concorso e Palmares organizzati sotto gli auspici delle Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa - Rapporti ■ Événementiel  Septembre 2019 Salon du Best Western Hotel Nazionale * * * * à SAN REMO, Italie - Organisé sous l'égide avec le concours des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe- 

 


■  Diffusione internazionale arte e cultura artistica

Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa

 Attualita Arte e Stili Internazionali.

 

PALMARES SANREMO - ITALIA 2019

 

11 Settembre 2019 BEST WESTERN HOTEL NAZIONALE * * * * SANREMO - ITALIA 

Laureati dei GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA

Artisti che hanno ottenuto il GRANDE TROFEO DI ARTE E STILI SANREMO 2019

- lista alfabetica -

 

DERDERIAN -CHRISTOL Chantal, PITTRICE SCULTRICE

DURET Cécile, PITTRICE

FENECH William, PITTORE

GELI Isabelle, PITTRICE

MORANDINI Jacqueline ,PITTRICE

STEINLAENDER Frédéric, PITTORE A PASTELLO

SUISSIA Gérard, PITTORE

 

                                                                               ______________

 

 

Présidente della Commissione giudicatrice:

Annie D'HERPIN, presidente di giurie artistiche internazionale

Segretariato della Commissione giudicatrice:

Antoine ANTOLINI, critico d'arte, conferenziere,

Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa 

 

 

■ DERDERIAN-CHRISTOL Chantal, Pittrice Scultrice. Insignita del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre Sculptrice. Lauréate du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Affiche Sanremo 2019

Affiche Sanremo 2019

Sanremo 2019

Sanremo 2019

Presentazioni-concorso di Arte e Stili

Presentazioni-concorso di Arte e Stili "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019." al Best Western Hotel Nazionale **** Italia. EDMC

Grandi Trofei di Arte e Stili 2019 Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Grandi Trofei di Arte e Stili 2019 Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

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Grandi Trofei di Arte e Stili 2019 Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Grandi Trofei di Arte e Stili 2019 Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Chantal Derderian-Christol, <br/> pittrice scultrice Sanremo 2019

Chantal Derderian-Christol,
pittrice scultrice Sanremo 2019

Vue de Sanremo 2019

Vue de Sanremo 2019

"Quand la Lune Rencontre le Soleil " sculpture de Chantal Derderian-Christol

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 Antoine Antolini, critique d'art, analyse l'esthétique de l'oeuvre

Antoine Antolini, critique d'art, analyse l'esthétique de l'oeuvre "Quand la Lune Rencontre le Soleil " sculpture de Chantal Derderian-Christol

"Quand la Lune Rencontre le Soleil " sculpture installée de Chantal Derderian-Christol

Chantal Derderian-Christol, peintre sculptrice, lauréate du Palmarès, Grand Trophée de l'Art et des Styles, Sanremo 2019, Italie.

Chantal Derderian-Christol, peintre sculptrice, lauréate du Palmarès, Grand Trophée de l'Art et des Styles, Sanremo 2019, Italie.

"Le Ruban de l'Amitié"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

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"Le Ruban de l'Amitié"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

"Le Ruban de l'Amitié"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

Chantal Derderian-Christol, peintre sculpteur, obtient le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.

Chantal Derderian-Christol, peintre sculpteur, obtient le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

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"Le Ruban de l'Amitié"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

"Le Cercle de Famille"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

"Le Cercle de Famille"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

"Le Cercle de Famille"
sculpture de
Chantal Derderian-Christol

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"Evasion au Soleil" peinture de Chantal Derderian-Christol

"Evasion au Soleil" (vue latérale) peinture de Chantal Derderian-Christol

"Tapis Volant" peinture de Chantal Derderian-Christol

Sanremo 2019, Italia.

Sanremo 2019, Italia.

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Lors de l'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles Sanremo 2019" Italie, qui a eu lieu le 11 septembre 2019 dans la superbe cité de la Riviera, à l'espace événementiel du Best Western Hotel Nazionale * * * *, le style et les œuvres de la peintre et sculptrice Chantal Derderian Christol ont été présentées avec succès. Le style des sculptures tel "Quand la Lune Rencontre le Soleil ", de dimension imposante,3 mètres de haut pour 2,4 mètres de large, avec une profondeur de 40cm, 2018, acier thermolaqué, révèle le talent de l'artiste. La sculptrice a su trouver par cette œuvre d'art, non seulement une intéressante thématique, mais en présenter une expression à la fois géométrique, par la circularité des lignes d'acier, mais autant lyrique et poétique par la représentation évocatrice de la Lune rencontrant le Soleil. Chantal Derderian-Christol en travaillant ce matériau sobre et puissant, avec aisance, laisse entrevoir au-delà du poétique, une synthèse de spiritualité astrale et de métaphysique, qui trouvent bien leur place dans le lieu d'installation, en extérieur, le jour au soleil et la nuit sous la lune, en phase directe avec les éléments cosmiques. Le pontage visuel, entre le moulin ancien, et cette sculpture étonnante, crée une convivialité incomparable de ce lieu. La représentation statuaire astrale au sol, semble s'être posée avec grâce au coté de ce ravissant édifice à pales. Un nouveau regard jaillit aussitôt sur ce moulin d'où s'exhale à présent un parfum de vie. Art du bâti et art de la statuaire se font échos, la sculpture posée à coté du moulin, questionne d'autres sens esthétiques, donnant une allure diachronique à cet immobilisme, qui redéfinit désormais ce lieu en un espace rare et intemporel. "Le Ruban de l'Amitié" de Chantal Derderian Christol, sculpture monumentale, qui atteint près de 3 mètres de hauteur créée en 2018, en acier corten, est inspirée par l'amitié qui relie les êtres, en particulier les couples anciens, mais autant le côtoiement avec la nature, où peut parfois se créer au fil du temps depuis l'enfance un attachement à un lieu, un paysage, à un grand arbre. Une allégorie d'un lien affectif qui apparaît, avec le temps qui passe, dans notre existence, dans le partage d'un temps de vie avec tout ce qui nous entoure. Un style abstrait de haute teneur évocatrice et interprétative, tout comme celui de la sculpture "Le Cercle de Famille", 290 cm de haut créée en 2016, en acier corten, symbolisant le lien vivant et évolutif, exponentiel de la famille. Un travail de haute technicité, dynamique, qui marque le mouvement dans une parfaite logique de lignes. Le Comité du Jury a été très sensible à la qualité très aboutie des œuvres et au choix du matériau utilisé , ainsi qu'à l’intelligence sensible et expressive de l'artiste dans le déploiement signifiant des formes. En peinture, l'artiste Chantal Derderian Christol à mis en compétition de style "Évasion au Soleil" Peinture acrylique (160x390cm - 2012) Un style en abstraction qui témoigne d'une spontanéité expressionniste du geste, qui a été commentée par le critique d'art Antoine Antolini, ainsi que "Tapis Volant" peinture acrylique (160x160cm 2014) plus minimaliste, faisant une incursion dans le monochrome. A propos de l'ensemble des œuvres présentées, sculptures et peintures, le critique d'art a indiqué que "ces œuvres manifestent une qualité ainsi qu'une maîtrise de style, un savoir-faire technique de réalisation affirmé, ils s'en dégage de ce fait un réel intérêt esthétique et plasticien, tant sémantique que sémiotique, quant à l'approche conceptuelle de cette artiste, dans le domaine de l'art abstrait". Le Comité du Jury, après en avoir délibéré, à confirmé cette analyse, puisque lors du Palmarès, celui-ci a attribué à Chantal Derderian Christol, pour son talent et style de peintre et de sculptrice, le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019,  le 11 Septembre 2019 à SANREMO au Best Western Hotel Nazionale * * * * Italie. Les Editions des musées et de la culture adressent leurs félicitations à l'heureuse lauréate.

 

Reportage sur place 11/09/2019

© Textes images EDMC. Oeuvres C.Derderian Christol

 

 

Durante dell'evento "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019" Italia, che si è tenuto l'11 settembre 2019 nella splendida città della Riviera, presso lo spazio eventi del Best Western Hotel Nazionale * * * *, lo stile e le opere della pittrice e scultrice Chantal Derderian Christol sono stati presentati con successo. Lo stile delle sculture tale "Quand la Lune Rencontre le Soleil ", dimensioni imponenti, 3 metri di altezza per 2,4 metri di larghezza, con una profondità di 40 cm, 2018, acciaio verniciato, rivela il talento dell'artista. La scultrice  ha trovato in questa opere d'arte  non solo un'interessante tematica, ma nel presentare un'espressione sia geometrica, dalla circolarità delle linee d'acciaio, ma tanto lirica e poetica dalla rappresentazione della Luna che incontra il Sole . Chantal Derderian-Christol lavorando questo materiale sobrio e potente, con facilità, offre uno sguardo oltre, quello della poetica, una sintesi di spiritualità astrale e metafisica, che trovano il loro posto nel luogo di installazione, fuori, il giorno in cui sole e notte sotto la luna, in fase diretta con gli elementi cosmici. Il visivo, tra il vecchio mulino e questa straordinaria scultura, crea un'impareggiabile convivialità di questo luogo. La rappresentazione statuaria astrale sul terreno, sembra essere stata posata con grazia sul lato di questo affascinante edificio con pallido. Un nuovo sguardo nasce subito su questo mulino, da cui ora emana un profumo di vita. L'arte di costruire incontra l'arte della statuaria, la scultura posta accanto al mulino, mette in discussione altri sensi estetici, dando uno sguardo diacronico a questo immobilismo, che ridefinisce questo posto in uno spazio raro e senza tempo. ""Le Ruban de l'Amitié" di Chantal Derderian Christol, una scultura monumentale, è stat creata nel 2018, raggiunge un'altezza di quasi 3 metri in altezza, realizzata in acciaio corten, si ispira all'amicizia che lega gli esseri, in particolare le coppie antiche, il contatto con la natura, che a volte può essere creato nel tempo fin dall'infanzia un attaccamento a un luogo, un grande albero. Un'allegoria di un legame emotivo che appare, con il passare del tempo, nella nostra esistenza, nella condivisione di un tempo della vita. Uno stile astratto di alto contenuto evocativo e interpretativo, come quello della scultura "Le Cercle de Famille", alta 290 cm creata nel 2016, in acciaio corten, che simboleggia il legame vivente ed in evoluzione, esponenziale della famiglia. Un'opera di grande tecnicità, dinamica, che segna il movimento in una perfetta logica di linee. Il comitato della giuria è stato molto sensibile alla qualità delle opere e del materiale utilizzato, nonché all'intelligenza sensibile ed espressiva dell'artista nella rappresentazione significativa delle forme. Nella pittura, l'artista Chantal Derderian Christol ha messo in competizione lo stile "Évasion au Soleil" pittura acrilica (160x390cm - 2012) Uno stile in astrazione che testimonia una spontaneità espressionista del gesto, che è stato commentato dal critico d'arte Antoine Antolini, così come la pittura acrilica "Tapis Volant" (160x160cm 2014) più minimalista, facendo un'incursione nel monocromio. Riguardo a tutte le opere presentate, sculture e dipinti, il critico d'arte ha indicato che "queste opere manifestano una qualità oltre che una padronanza dello stile, una conoscenza tecnica di realizzazione affermata, emergono quindi un vero interesse estetico e di arti plastiche, sia semantico che semiotico, per quanto riguarda l'approccio concettuale di questo artista, nel campo dell'arte astratta ". Il comitato della giuria, dopo aver deliberato, ha confermato questa analisi, poiché durante il Palmarès ha assegnato a Chantal Derderian Christol, per il suo talento e stile di pittrice e scultrice, il "Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019" , 11 settembre 2019 a SANREMO, al Best Western Hotel Nazionale * * * * Italia. Le Edizioni di musei e cultura si congratulano con la fortunata insignita del Palmares.

 

Rapporto in loco 11/09/2019

© Testi immagini EDMC. Opere C.Derderian Christol

 

 

 

■ DURET Cécile, Pittrice. Insignita del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre. Lauréate du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Affiche Sanremo 2019

Affiche Sanremo 2019

Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

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Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Arte e Stili Sanremo 2019

Arte e Stili Sanremo 2019

Cécile Duret Sanremo 2019

Cécile Duret Sanremo 2019

Cécile Duret, peintre, lauréate du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019

Cécile Duret, peintre, lauréate du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019

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Le critique d'art Antoine Antolini analysant ici, à Sanremo une oeuvre d'art de Cécile Duret, peintre

Le critique d'art Antoine Antolini analysant ici, à Sanremo une oeuvre d'art de Cécile Duret, peintre

"Eventail" peinture de Cécile Duret - Acrylique sur toile 54x73cm 2015

"Plongée Multicolore" peinture de Cécile Duret. Acrylique sur toile 60x73cm 2014

"Aquarium" peinture de Cécile Duret. Acrylique sur toile 60x73cm 2015

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Palmares Grandi Trofei di Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

Palmares Grandi Trofei di Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

la peintre Cécile Duret, lauréate du Palmarès, Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019

la peintre Cécile Duret, lauréate du Palmarès, Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019

"Flammes" peinture de Cécile Duret. Acrylique sur toile 65x81cm 2017

"Coquillage" peinture de Cécile Duret. Acrylique sur toile 60x73cm 2018

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Sanremo 2019  Grandi Trofei di Arte e Stili

Sanremo 2019 Grandi Trofei di Arte e Stili

Settembre 2019 - Présentations de art et styles trophées Riviera au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Settembre 2019 - Présentations de art et styles trophées Riviera au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Catalogue des événementiels EDMC - Sanremo 2019

Catalogue des événementiels EDMC - Sanremo 2019

Cécile Duret, pittrice, Insignita del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019

Cécile Duret, pittrice, Insignita del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019

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Sanremo. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles. Sanremo 2019" Italie, compétition de styles artistiques, a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Le style et les œuvres de l'artiste Cécile Duret, peintre contemporaine, ont été présentés devant le Comité du Jury, dans cette ville joyau de la Riviera italienne. Le style de l'artiste exprime une abstraction colorée, qui dégage un optimisme certain. La peintre possède une intuition interprétative qui font de chaque œuvre une pièce unique rare de haut niveau. La variété des thématiques créatives de Cécile Duret apparait dans ses titrages. Son style comporte une gestualité qui dépasse le concept de l'action painting américaine, pour s'apparenter à une démarche abstraite plus européenne, véhiculant de la poésie et une interprétation allégorique de sujets extraits du monde réel ( Aquarium, Eventail, Coquillage, Flammes...) . La peinture de Cécile Duret est en lien avec son contexte artistique, culturel et pictural, l'Europe, avec une manière transcendant notre impressionnisme abstrait, qui pose sur la toile une intervention en abstraction, spontanée, lyrique, évocatrice, qui cale dans le niveau international une peinture abstraite «french touch ». Une grammaire esthétique qui surprend sur chaque tableau. Le Comité du Jury a apprécié cette artiste qui réussit ainsi à se construire un chemin personnel et stylistique , dans le très difficile domaine de l'innovation abstraite. "Plongée Multicolore", peinture acrylique sur toile (60x73cm - 2014) nous entraîne dans une dynamique de couleurs intenses, avec à partir du centre, une blancheur qui s'irradie en diaphane bleuté, pour nous donner un espace de fuite au cœur même de cette plongée. On ressent bien une composition forte et puissante, qui s'auto-équilibre en remous tumultueux picturaux . "Éventail" peinture de Cécile Duret , acrylique sur toile (54x73cm- 2015 ), illustre ici la subtilité interprétative de l'abstraction de l'artiste, qui sait conserver un lien très évocateur avec le réel , tout en faisant apparaître un éventail comme venu d'un lointain ailleurs, avec un traitement technique et matiériste sur la toile, très réussi. Un Eventail, plein d'élan baigné dans des couleurs de chaleurs torrides. Au cœur de ces rouges orangés, apparaissent quelques applications d'un blanc jade brillant qui structurent cet éventail qui questionne le réel. Le Jury à apprécié tout autant la peinture "Aquarium". L a peintre par cette œuvre, acrylique sur toile (60x73cm -2015) sait nous montrer un jeu abstrait entre contenant et contenu, les limites du tableau devenant le périmètre d'un espace bouillonnant de vie, dans un contexte de couleur de fond, bleu aquatique, qu'affectionne particulièrement l'artiste. Le geste enlevé et direct dans "Flammes", acrylique sur toile (65x81cm – 2017) devait finir de convaincre le Comité du Jury, en témoignant de la force et de l'ampleur du mouvement sur la toile. On voit une spontanéité maîtrisée, qui sait relever au final et mettre en valeur, avec précision, la sémantique de l’œuvre . "Coquillage" acrylique sur toile (60x73cm – 2018) réussit a traiter, par son aspect emblématique du milieu maritime, toute l'émotion du vivant, un univers subaquatique. Avec une émulsion qui mélange le sens et le signe, le conscient et l'inconscient, les intensités vives et des nuances plus douces. Cécile Duret montre par cette œuvre « Coquillage », sa haute maîtrise de l'esthétique abstraite, en jouant d'une expression non figurative, pleine d'harmonie et de beauté, jusqu'aux dernières limites du sens. La démarche stylistique de grand talent de Cécile Duret , artiste au parcours international, a finalement convaincu à Sanremo. Le Comité du Jury, après en avoir délibéré, a attribué à la peintre Cécile Duret, lauréate du Palmarès, le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019, le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * SANREMO, Italie. Les Editions des musées et de la culture adressent leurs félicitations à l'heureuse récipiendaire .

 

Reportage sur place 11/09/2019

© Textes, images EDMC. Œuvres C. Duret

 

 

 

Sanremo. Italia. L'evento "Grandi Trofei di Arte e Stili". Sanremo 2019" Italia, concorso di stili artistici, si è tenuto l'11 settembre 2019, sulla Riviera, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Lo stile e le opere dell'artista Cécile Duret, pittrice contemporanea, sono stati presentati davanti al Comitato della giuria, in questa città gioiello della Riviera italiana. Lo stile dell'artista esprime un'astrazione colorata, che rilascia un certo ottimismo. La pittrice ha un'intuizione interpretativa che rende ogni opera un raro pezzo artistico unico di alto livello. La varietà di temi creativi di Cécile Duret appare nelle sue titolazioni. Il suo stile ha un gesto che va oltre il concetto di action painting americano, per essere come un approccio astratto più europeo, che trasmette poesia e un'interpretazione allegorica di soggetti del mondo reale (Aquarium, Eventail, Coquillage, Flammes. ..). La pittura di Cécile Duret è legata allo suo contesto artistico, culturale e pittorico, l'Europa,con un modo che trascende il nostro impressionismo astratto, che pone sulla tela un intervento in astrazione, spontaneo, lirico, evocativo. Una pittura che pone a livello internazionale un stile astratto di " French touch". Una grammatica estetica che sorprende su ogni opere. Il Comitato della giuria ha apprezzato questa artista, che è riuscita a costruire un modo personale e stilistico, nel campo molto difficile dell'innovazione astratta. "Plongée Multicolore", questa pittura acrilica su tela (60x73cm - 2014) ci conduce in una dinamica di colori intensi, con dal centro, una bianchezza che si irradia in blu diafano, per darci uno spazio di fuga nel cuore di questa immersione. Si sente una composizione forte e potente, che si equilibra nella turbolenza tumultuosa pittorica. Il dipinto "Éventail" di Cécile Duret, acrilico su tela (54x73cm- 2015), illustra qui, la sottigliezza interpretativa dell'astrazione dell'artista, che sa come mantenere un legame molto evocativo con il reale, mostrando allo stesso tempo un ventaglio che viene da molto lontano, con un trattamento tecnico e materiale sulla tela, di grande qualita. Un Eventail, pieno di élan, immerso nei colori di calore torrida. Al centro di questi rosso-arancio, appaiono alcune applicazioni di un bianco giada brillante, che strutturano questo ventaglio che mette in discussione il reale. La giuria ha anche apprezzato la pittura "Aquarium". La pittrice di quest'opera, acrilico su tela (60x73 cm -2015), può mostrarci un gioco astratto tra contenitore e contenuto, i confini del dipinto diventano il perimetro di uno spazio gorgogliante della vita, in un contesto di colore di sfondo, blu acquatico, che piace particolarmente all'artista. Il gesto rimosso e diretto in "Flammes", acrilico su tela (65x81cm - 2017) è stato quello che ha convinto finalmente il Comitato della giuria, una testimonianza della forza e dell'entità del movimento sulla tela. Vediamo una spontaneità controllata, che sa finalmente sollevare ed evidenziare, con precisione, la semantica del lavoro. L'acrilico "Coquillage" su tela (60x73cm - 2018) riesce a trattare, con il suo aspetto emblematico dell'ambiente marittimo, tutta l'emozione del vivente, un mondo sottomarino. Con un'emulsione che mescola il significato e il segno, il conscio e l'inconscio, le intensità e le sfumature. Cécile Duret mostra con questo lavoro «Coquillage», la sua alta padronanza dell'estetica astratta, interpretando un'espressione non figurativa, piena di armonia e bellezza, fino ai limiti del significato. L'approccio stilistico di grande talento di Cécile Duret, artista internazionale, ha finalmente convinto a Sanremo. Il Comitato della giuria, dopo deliberazione, assegnato al pittrice Cécile Duret, insignita del Palmarès, il Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019, l'11 settembre 2019, al Best Western Hotel Nazionale * * * * SANREMO , Italia. Le Edizioni di musei e cultura si congratulano con la fortunata insignita del Palmares.

 

Rapporto in loco 11/09/2019

                                                                                                                             © Testi, immagini EDMC. Opere C. Duret

 

 

 

 

 

■ FENECH William, Pittore. Laureato del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre. Lauréat du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Affiche Sanremo 2019

Affiche Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019." Italia

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019." Italia al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

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Arte e Stili  Sanremo 2019 Italia

Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

Il pittore William Fenech (Autoritratto)

Il pittore William Fenech (Autoritratto)

Sanremo 2019

Sanremo 2019

Après plusieurs succès sur la Côte-d'Azur le style du peintre William Fenech a été à nouveau primé sur la Riviera italienne

Après plusieurs succès sur la Côte-d'Azur le style du peintre William Fenech a été à nouveau primé sur la Riviera italienne

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"On The Rock" de William Fenech Huile sur toile de lin 120x120cm

"Le Tango Bar" peinture de William Fenech. Huile sur toile de lin 60x73cm

"Le Splendid Bar" peinture de William Fenech. Huile sur toile de lin 60x73cm

"Le Maestro" peinture de William Fenech. Huile sur toile de lin 80x80cm

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Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Settembre 2019

Settembre 2019 "Grandi Trofei di Arte e Stili artistici Sanremo Riviera 2019" al Best Western Hotel Nazionale **** Italia EDMC

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

"Le Jazzy Bar" peinture de William Fenech Huile sur toile de lin 89x116cm

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Italia. Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici Riviera Sanremo 2019 EDMC

Italia. Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici Riviera Sanremo 2019 EDMC

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

 Il pittore William Fenech a ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019

Il pittore William Fenech a ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

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Sanremo. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles. Sanremo 2019" Italie, compétition de styles artistiques, a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Le style et les œuvres du peintre William Fenech, ont été présentés devant le Comité du Jury, dans cette ville sur la Riviera italienne. Le style de l'artiste exprime une atmosphère de mouvement, dans laquelle les personnages sont exprimés en détails, en un style très personnel, expressionniste, au plus près des sentiments et de la vie. William Fenech avec son œuvre "On The Rock", peinture Huile sur toile de lin (120x120 cm), nous emmène au cœur de son univers, dans un de ses cafés-concerts, où la musique est reine, où les danseurs font honneur au rythme des musiciens. "On the Rock", un titre évocateur, moment de détente, mais aussi une danse vive et tonique. Les couples tournent et virevoltent. Le mouvement est prédominant dans ce tableau, dans les premiers plans, particulièrement, représenté par les robe féminines. Ce jeu des vêtements volants autour des jambes, sont emblématiques de la danse, et l'on y retrouve cette atmosphère, qui, depuis Toulouse-Lautrec à traversé le temps, comme nous le montre bien ici, William Fenech. Les musiciens et les tempos, les danses, sont celles de notre époque, mais depuis le French Cancan, la robe féminine ne cesse de marquer le tempo et de s'adapter à la danse, du Flamenco au Tango, dans la danse classique ou moderne. William Fenech a bien intégré cet élément artistique du vêtements féminin, et de son rôle esthétique. Cela cadre bien avec son univers, celui de ses tableaux,dans lequel le costume,les vêtements ont une représentation sociologique. A travers ces habits, il sait nous parler de l'histoire ou du vécu de ses personnages. "Le Tango Bar", huile sur toile de lin (60x73 cm) confirme cela lorsque l'on voit les robes des danseuses de tango, au premier plan, robe avec franges, ou d'autres plus amples ou plus étroites. L'accordéon est là, lui aussi, pour souligner les passions et entraîner les sentiments dans le tourbillon de ses notes. Mouvement, dynamique, William Fenech, sait mettre sous le signe de la gaîté, de la joie et du bonheur, cet espace de divertissement. "Le Splendid Bar" huile sur toile de lin (60x73 cm) à permis de mettre en évidence dans la peinture de William Fenech son aptitude à traiter les volumes, les architectures , les plans sur la toile, jouer en perspective pour donner encore plus de hauteur ou de profondeur à la salle. Dans "Le Splendid Bar" comme dans le "Jazzy Bar" huiles sur toile de lin (89x116cm), le Comité du Jury a relevé cette qualité chez le peintre à représenter des architectures intérieures, comme autant de recherches picturales sur le lieu lui-même, son décor, ses perspectives. En effet ses toiles de pianos-bars, de cafés-concerts, sont pour le peintre des lieux festifs mais autant de lieux aussi, d'expérimentations de la manière de peindre l'espace, de travailler le visuel intérieur d'un lieu, en tant que tel, dans ses lignes, ses formes et contre-plans, pour donner du recul au spectateur, amplifier les sensations de profondeur et d'espace. Le peintre sait nous accueillir, il nous absorbe dans son tableau par des scènes toujours très ouvertes. Son expressionnisme du mouvement, s'étend au traitement des jeux des volumétries, à l'agrandissement perceptif de la scénographie. Comptoirs, coupole, étagères, salles principales, salons, colonnes, mezzanine, perspectives par les carrelages au sol, William Fenech sait comment créer un mouvement optique et d'échelle entre le lieu et les personnes. Ceci, comme un corollaire au mouvement de ses personnages. Tel un peintre architecte, il excelle dans ce domaine de la peinture des caractéristiques topographiques, en plus de celles de ses personnages, avec pourrait-on dire un talent dans le talent. Le Comité du Jury a également apprécié dans cette compétition de style, l’œuvre "Le Maestro", huile sur toile de lin (80x80cm) ou l'expressionnisme de William Fenech atteint le sublime dans les yeux de ce Maestro. Un regard plein de sentiments et de vie, d'inquiétude vigilante aux notes qui se succèdent et que filtrent son cœur et son oreille. La présentation de "Le Jazzy Bar" nous ramène dans la musique moderne avec ce café-concert, nouveau café-jazz, où les amoureux du jazz se réunissent et se retrouvent pour partager un moment fort de musique "in live", sous les visages iconiques des pionniers. Le style de William Fenech, dont la notoriété s'étend bien au-delà des frontières, a convaincu le Comité du Jury à Sanremo. Le "Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019", a été attribué au peintre William Fenech, lauréat du Palmarès, par le Comité du Jury en Italie, le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * Sanremo. Les Editions des musées et de la culture adressent leurs félicitations à l'heureux lauréat .

Reportage sur place 11/09/2019

© Textes, images EDMC. Œuvres W. Fenech

 

 

Sanremo. Italia. L'evento "Grandi Trofei di Arte e Stili". Sanremo 2019 "Italia, concorso di stile artistico, si è tenuto l'11 settembre 2019, sulla Riviera, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Lo stile e le opere del pittore William Fenech, sono stati presentati davanti al Comitato della giuria, in questa città della Riviera italiana. Lo stile dell'artista esprime un'atmosfera di movimento, in cui i personaggi sono espressi nei dettagli, in uno stile molto personale, espressionista, più vicino ai sentimenti e alla vita. William Fenech con la sua opera "On The Rock", dipinto ad olio su tela (120x120 cm), ci porta al cuore del suo universo, in uno dei suoi caffè-concerti, dove la musica è regina, dove i ballerini onorano il ritmo dei musicisti. "On the Rock", un titolo evocativo, un momento di relax, ma anche una danza vivace e vivace. Le coppie girano e volteggiano. Il movimento è predominante in questo dipinto, in primo piano, in particolare, rappresentato dagli abiti femminili. Questo gioco di abiti volanti intorno alle gambe, sono emblematici della danza, e si trova lì quell'atmosfera, che, da quando Toulouse-Lautrec ha attraversato il tempo, come lo mostra bene qui, William Fenech. I musicisti e i tempi, i balli, sono quelli dei nostri tempi, oggi, ma dal French Cancan, l'abito femminile non smette di segnare il tempo e di adattarsi alla danza, dal Flamenco al Tango, nella danza classica o moderna . William Fenech ha ben integrato questo elemento artistico, dell'abbigliamento femminile e il suo ruolo estetico. Questo si adatta bene al suo universo, quello dei suoi dipinti, in cui il costume, i vestiti hanno una rappresentazione sociologica. Attraverso questi vestiti, sa come raccontarci la storia o l'esperienza dei suoi personaggi. "Le Tango Bar" olio su tela di lino (60x73 cm) lo conferma , quando vediamo gli abiti di ballerini di tango, in primo piano, vestiti con frange o altri più o stretti. Anche la fisarmonica è lì per enfatizzare le passioni e portare sentimenti nel turbine delle sue note. Il movimento, dinamico, William Fenech, sa mettere sotto il segno di allegria, gioia e felicità, questo spazio di intrattenimento. "Le Splendid Bar" olio su tela di lino (60x73 cm) ha contribuito a evidenziare nella pittura di William Fenech, la sua capacità di elaborare volumi, architetture, piani sulla tela, giocare in prospettiva per dare ancora più altezza o profondità nella stanza. In "Le Splendid Bar" come nel "Jazzy Bar", olio su tela di lino (89x116cm), il Comitato della giuria ha notato questa qualità del pittore, per rappresentare architetture d'interni, così come gran parte della ricerca pittorica sul luogo stesso , il suo arredamento, le sue prospettive. In effetti le sue tele di piano bar, caffè-concerti, sono per il pittore dei luoghi festivi, ma anche così tanti posti, di esperimenti sul modo di dipingere lo spazio, per lavorare la visuale interna di un luogo, in come tale, nelle sue linee, nelle sue forme e nei suoi piani contrari, per dare prospettiva allo spettatore, amplificare le sensazioni di profondità e spazio. Il pittore sa come darci il benvenuto, ci assorbe nella sua pittura con scene sempre molto aperte. Il suo espressionismo del movimento si estende al trattamento dei giochi di volumetria, all'allargamento percettivo della scenografia. Controsoffitti, cupola, mensole, sala principale, salotti, colonne, mezzanino, prospettive di piastrelle per pavimenti, William Fenech sa come creare un movimento ottico e una scala tra luogo e persone. Questo come corollario del movimento dei suoi personaggi. Come un pittore architetto, eccelle in questo campo della pittura di elementi topografici, oltre a quelli dei suoi personaggi, con uno si potrebbe dire, un talento nel talento. Il Comitato della giuria ha anche apprezzato in questa competizione di stile, l'opera "Il Maestro", olio su tela di lino (80x80 cm) o l'espressionismo di William Fenech, raggiunge il sublime negli occhi di questo Maestro. Uno sguardo pieno di sentimenti e vita, ansia vigile per le note successive che filtrano il suo cuore e il suo orecchio. La presentazione di "Le Jazzy Bar" ci riporta alla musica moderna con questo caffè-concerto, un nuovo caffè-jazz, dove gli amanti del jazz, si riuniscono e si incontrano per condividere un momento di musica "dal vivo", sotto i volti iconici dei pionieri. Lo stile di William Fenech, la cui notorietà si estende ben oltre i confini, ha convinto in Sanremo, il Comitato della giuria. Il "Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019", è stato assegnato al pittore William Fenech, Laureato del Palmarès, dal Comitato della giuria in Italia, l'11 settembre 2019, al Best Western Hotel Nazionale * * * * Sanremo, Italia . Le Edizioni di musei e cultura si congratulano con il fortunato laureato.

 

 

Rapporto in loco 11/09/2019

© Testi, immagini EDMC. Opere W. Fenech

 

 

 

 

 

■ GELI Isabelle, Pittrice. Insignita del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre. Lauréate du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Arte e Stili  Sanremo 2019 Italia

Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Affiche Sanremo 2019 Italia

Affiche Sanremo 2019 Italia

Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici

Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici "Grandi Trofei Arte e Stili Sanremo 2019" al Best Western Hotel Nazionale **** - Riviera italiana

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Italia. Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici

Italia. Presentazioni-concorso di Arte e Stili artistici "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019."

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

La pittrice Isabelle Geli a ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019 Italia

La pittrice Isabelle Geli a ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili. Sanremo 2019 Italia

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Arte e Stili. Sanremo 2019 Italia

Arte e Stili. Sanremo 2019 Italia

"Lumière du Lointain" Isabelle Geli, peintre. Acrylique sur toile de lin. Technique au couteau Dimensions 61x46 cm. 2018

"Vague d' Energie" oeuvre d'Isabelle Geli. Peinture acrylique sur toile de lin.Technique au couteau. 61x38cm. 2018

"Le Chant des Oiseaux " peinture d'Isabelle Geli. Acrylique sur toile de lin. Technique au couteau. 100X81cm 2019

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Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

la peintre Isabelle Geli, lauréate du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019 Italie

la peintre Isabelle Geli, lauréate du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019 Italie

"Hors frontières" oeuvre d'Isabelle Geli. Peinture acrylique sur toile de lin. Technique au couteau 100x81cm. 2018

"Un Havre de Paix" peinture d'Isabelle Geli. Acrylique sur toile de lin. Technique au couteau 92x73cm.2019

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Sanremo 2019. Le critique d'art Antoine Antolini analyse le style de la peintre contemporaine Isabelle Geli.

Sanremo 2019. Le critique d'art Antoine Antolini analyse le style de la peintre contemporaine Isabelle Geli.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Palmares Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia. Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Palmares Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia. Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

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Sanremo. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles. Sanremo 2019", Italie, compétition de styles artistiques, a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Le style et les œuvres de la peintre contemporaine, surréaliste abstraite, Isabelle Geli, connue internationalement, ont été présentés devant le Comité du Jury, dans cette ville très connue en Italie. Cet événementiel artistique des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe 2019, a choisi la ville de SAN REMO, joyau de la Riviera italienne, ville célèbre médiatisée par ses participations à l'EUROVISION. Les Editions EDMC-Europe ont souhaité marquer par ce choix, la vocation européenne des concours artistiques de disciplines des beaux-arts, qu'elles organisent avec leur concept utilisant les nouvelles technologies du numérique. Ces compétitions d'art créées depuis plusieurs années par les Editions EDMC, permettent de faire rayonner spécifiquement les styles et l'art français ou européen sur l'international. Ceci par leur promotion et leur diffusion culturelle à l'étranger. Après avoir participé à la sélection préparatoire parmi plusieurs centaines de présélectionnés,la peintre Isabelle Geli a été admises à concourir et à mis en compétition de styles plusieurs de ses œuvres. Avec "Lumière du Lointain" (61x46 cm) acrylique sur toile de lin en technique au couteau, 2018, c'est ici un tableau emblématique de l'univers de l'artiste. Un tableau à la fois mystérieux et quasi-magique, qui nous entraîne dans un surréalisme abstrait, dont la peintre détient les secrets. Une toile qui nous montre une ville émergée de l'inconscient de l'artiste, une ile qui à un pied dans le réel et un autre dans un au-delà étrange. Îlot paradis ou marina de rêve, c'est une ville évoquée, interprétée, en suspension entre ciel et mer , qui s'est construite, avant tout dans l'intériorité intime de l'artiste, qui nous l'offre comme une partie enfouie d'elle-même posée là sur la toile, révélée au regard du spectateur. On retrouve dans cette thématique qui lui est personnelle une grande maîtrise de composition, sa propre grammaire comme dans son œuvre "Hors Frontières" (100x81cm.) peinture acrylique sur toile de lin en technique au couteau. 2018. Ici la spatule effectue en épaisseur, une graduation de plans successifs , comme des vagues en stries marines, qui nous décalent, créant un recul, par cet alignement répété de strates, de sensations, vers un accessible idéal par la peinture. Des vagues qui sont le chemin ondulant pour atteindre le merveilleux au bout de soi-même. L'allégorie est très présente dans le surréalisme abstrait d'Isabelle Geli. Toutefois il s'agit d'une "allégorie-interface de son inconscient" , qui donne à ses toiles une nouvelle particularité très spécifique, dans le Surréalisme abstrait. Il y a dans ses œuvres un apport différent, de ce que fut en son temps le style des premiers surréalistes abstraits avec André Breton, en France, ou dans le style des peintres qui anticipèrent l'Ecole de New-York aux Etats-Unis. Comme la peintre le montre bien, dans cette compétion avec "Un Havre de Paix" (92x73cm) peinture acrylique sur toile de lin, en technique au couteau. 2019, ou encore avec l'oeuvre "Hors Frontières", elle arrive à extraire de son intériorité une représentation picturale de son inconscient, certes individuel , mais autant, sinon plus, qui est de nature collective. Isabelle Geli nous transmet un inconscient collectif paradoxalement "du futur", à sa façon, comme en écho nouveau contemporain au grand savant Carl Gustav Jung, qui marque la psychanalyse de notre temps. Isabelle Geli a su créer ainsi une nouvelle dialectique picturale hors du passé, par un sursaut d' intuition inconsciente, elle va hors de l'espace et du temps, elle atteint dans sa peinture un autre ailleurs, comme avec "Hors Frontières", pour nous parler non pas d'un passé immémorial mais d'un "futur immémorial" existant déjà, enfoui au plus profond de nous, d'elle-même, qui échappe à l'espace-temps. Ce qui fait de cette artiste une peintre exceptionnelle, c'est effectivement l'expression de cet inconscient collectif, non point au regard de la nuit des temps, mais au regard du plus lointain futur, dont elle aurait déjà en elle l'empreinte. Ses toiles marquent ainsi de nouvelles théories sur l'insconscient collectif. Le critique d'art Antoine Antolini, à précisé que : "Isabelle Geli avait créé de nouvelles références incontournables dans le Surréalisme abstrait pour mieux comprendre cette mouvance aujourd'hui". Le critique d'art n'a pas manqué de bien préciser et commenter en tous points ces différents aspects théoriques très novateurs, devant le Comité du Jury à Sanremo, qui a agréé d'ailleurs cette démarche originale théorique et picturale de la peintre Isabelle Geli, puisqu'il la validera ensuite, comme le prouve le résultat du Palmares de cette compétition de styles Sanremo 2019. L’œuvre "Vague d'énergie" (61x38cm) peinture acrylique sur toile de lin en technique au couteau 2019, présentait quant à elle un surréalisme abstrait, dans une dynamique évocatrice de la mer et de l'énergie, le surpassement visuel de cette vague en évocation de la vie, des éléments, entourées de signes. L'artiste manie ici la spatule avec dextérité , avec un geste ample et large, très professionnel, qui démontre à la fois une spontanéité et une sûreté de mouvement. L'élan gestuel est complété de graphismes plus précis, plus complexes, résonances de langages inconnus devenus ici esthétique des profondeurs inconscientes de l'artiste. "Le Chant des Oiseaux " (100x81cm) acrylique sur toile de lin en technique au couteau, 2019, montre la particularité créative que cette professeure de peinture, qui arrive a restituer sur la toile, un visuel pour traduire un autre langage hautement abstrait celui du chant des oiseaux. Rares sont les peintures et les artistes qui ont abordé, ou abordent, cette thématique du chant des oiseaux par une expression esthétique de signes, de leur chants en abstraction. Les toiles d'Isabelle Geli, apparaissent chacunes comme de véritables recherches en peinture contemporaine. Qu'il s'agisse de l'aspect intellectuel dans ses œuvres, tout comme des aspects de sa technique experte à la spatule, appelée aussi peinture "au couteau", les toiles de cette artiste produisent un apport indéniable à l'art d’aujourd’hui. Son travail a convaincu en Italie, le Comité du Jury à Sanremo. Le "Grand Trophée de l'Art et des Styles. Sanremo 2019", a été attribué à la peintre et professeure de peinture, Isabelle Geli, lauréate du Palmarès, pour ses recherches picturales et ses innovations dans l'art, par le Comité du Jury en Italie, le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Les Editions des musées et de la culture adressent leurs félicitations à l'heureuse lauréate .

 

 

                                                                                                                            Editions EDMC-Europe

                                                                                                                   Reportage sur place 11/09/2019

                                                                                                                © Textes, images EDMC. Œuvres I. Geli

 

 

 

Sanremo. Italia. L'evento "Grandi Trfei di Arte e Stili. Sanremo 2019", Italia, concorso di stili artistici, si è tenuto l'11 settembre 2019, sulla Riviera, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Lo stile e le opere della pittrice surrealista astratta contemporanea Isabelle Geli, conosciuta a livello internazionale, sono stati presentati davanti al Comitato della giuria, in questa rinomata città in Italia. Questo evento artistico di Edizioni dei Musei e Cultura EDMC-Europe 2019, ha scelto la città di Sanremo, gioiello della Riviera italiana, famosa città mediata dalla sua partecipazione a EUROVISION. Le Edizioni EDMC-Europa hanno voluto segnare con questa scelta, la vocazione europea delle competizioni artistiche delle discipline delle Belle-arti, che organizzano con il loro concept utilizzando le nuove tecnologie del digitale. Queste competizioni artistiche, create per diversi anni da EDMC Edizioni, consentono di mostrare gli stili e l'arte francesi ed europei a livello internazionale. Questo attraverso la loro promozione e diffusione culturale all'estero. Dopo aver partecipato alla selezione preparatoria, tra diverse centinaia di artisti preselezionati, la pittrice Isabelle Geli è stata ammessa a competere e ha messo in competizione stili diversi tra le sue opere. Con la pittura d'arte "Lumières du Lointain" (61x46 cm) acrilico su tela con tecnica a coltello, 2018, ecco un dipinto emblematico dell'universo dell'artista. Un dipinto, al tempo stesso misterioso e quasi magico, che ci conduce in un surrealismo astratto, di cui la pittrice detiene i segreti. Una tela che ci mostra una città che emerge dall'inconscio dell'artista, un'isola che ha un piede nel reale e un'altra in uno strano al di là. Un isola paradisiaca o marina di sogno, è una città evocata, interpretata, sospesa tra cielo e mare, che è stata costruita, soprattutto nell'intima interiorità dell'artista, che ce la offre come parte sepolta di se stesso, posto lì sulla tela, rivelato allo spettatore. Troviamo in questo tema che è personale una grande padronanza della composizione, la sua grammatica artistiche, come nella sua opera "Hors Frontières" (100x81cm.) Pittura acrilica su lino con applicazione tecnica alla spatola o "a coltello". 2018. Qui la spatola esegue in spessore, una graduazione di piani successivi, come onde in strisce marine, che ci spostano, creando un rinculo, attraverso questo ripetuto allineamento di strati, di sensazioni, verso un ideale accessibile dal dipinto. Onde che sono la via ondulata per raggiungere il meraviglioso, alla fine di se stessi. L'allegoria è molto presente nel surrealismo astratto di Isabelle Geli. Tuttavia, è una "interfaccia allegoria del suo inconscio", che conferisce ai suoi dipinti una nuova specificità, molto specifica, nel surrealismo astratto. Nelle sue opere c'è un contributo diverso, da quello che era ai suoi tempi lo stile dei primi surrealisti astratti con André Breton, in Francia, o nello stile dei pittori che hanno anticipato la New York School, negli Stati-Uniti. Come mostra il pittore, in questa competizione con "Un Havre de Paix" (92x73cm) pittura acrilica su lino, tecnica alla spatola, nel 2019, o con l'opera "Hors Frontières", riesce a estrarre dalla sua interiorità una rappresentazione pittorica del suo inconscio, sicuramente individuale, ma altrettanto, se non di più, di natura collettiva. Isabelle Geli ci trasmette un inconscio collettivo paradossalmente "del futuro", a modo suo, come in eco di nuovo contemporaneo al grande scienziato Carl Gustav Jung, che segna la psicoanalisi del nostro tempo. Isabelle Geli ha così creato una nuova dialettica pittorica fuori dal passato, con un sussolto di intuizione inconscia, esce dallo spazio e dal tempo, raggiunge nella sua pittura un altro altrove, come con "Hors Frontières", per parlarci non di un passato immemorabile, ma di un "futuro immemoriale" già esistente, sepolto nel più profondo di lei, di se stessa, che sfugge allo spazio-tempo. Ciò che rende questa artista una pittrice eccezionale è, in effetti, l'espressione di questo inconscio collettivo, non al sguardo della notte dei tempi, ma al sguardo del futuro più lontano, di cui avrebbe già nella sua l'impronta. I suoi dipinti segnano quindi nuove teorie sull'inconscio collettivo. Il critico d'arte Antoine Antolini, ha affermato che : "Isabelle Geli aveva creato nuovi riferimenti essenziali nel surrealismo astratto per comprendere meglio questo movimento oggi". Il critico d’arte non ha mancato di precisare bene e commentare in tutti i punti questi diversi aspetti teorici molto innovativi, dinanzi al Comitato della Giuria a Sanremo, che ha d’altronde approvato questo approccio originale teorico e pittorico della pittrice Isabelle Geli, poiché la convaliderà poi, come lo dimostra il risultato del Palmares di questa competizione di stili Sanremo 2019. La pittura "Vague d'Energie " (61x38cm) acrilica su tela acrilica su tela in tecnica alla spatola 2019, le ha presentato un surrealismo astratto, in una dinamica evocazione del mare e dell'energia, il superamento visivo di questa onda, evocazione della vita, elementi, circondati da segni. L'artista gestisce la spatola con destrezza, con un gesto ampio, molto professionale, che dimostra sia la spontaneità che la sicurezza dei movimenti. Il momento gestuale è completato da una grafica più precisa, più complessa, risonanze di linguaggi sconosciuti che sono diventati qui estetica delle profondità inconsce dell'artista. "Chant des Oiseaux" (100x81cm) pittura acrilica su tela con tecnica a spatola, o "a coltello", 2019, mostra la particolarità creativa che questo professore di pittura, che riesce a rendere su tela, un visual per tradurre un altro linguaggio altamente astratto del canto dei uccelli. Pochi dipinti e artisti hanno affrontato, o avvicinano, questo tema del canto degli uccelli con un'espressione estetica di segni, le loro canzoni in astrazione. I dipinti di Isabelle Geli, ognuno appare come vera ricerca nella pittura contemporanea. Che si tratti dell'aspetto intellettuale delle sue opere, nonché degli aspetti della sua tecnica esperta alla spatola, chiamata anche pittura "a coltello", i dipinti di questa artista, danno un contributo innegabile all'arte oggi. Il suo lavoro ha convinto in Italia il Comitato della giuria a Sanremo. Il "Grande Trofeo di Arte e Stili". Sanremo 2019 è stato assegnato alla pittrice e insegnante di pittura, Isabelle Geli, insignita del Palmarès, per la sua ricerca pittorica e le sue innovazioni nell'arte, dal Comitato della giuria in Italia , 11 settembre 2019, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Le Edizioni di Musei e Cultura si congratulano con la fortunata insignita.

 

 

                                                                                                                                  Edizioni EDMC-Europa 
                                                                                                                             Rapporto in loco 11/09/2019
                                                                                                                    © Testi, immagini EDMC. Opere I. Geli

 

 

 

 

 

 

 

■ MORANDINI Jacqueline, Pittrice. Insignita del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre. Lauréate du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

 Affiche Sanremo 2019

Affiche Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

 Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

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Arte e Stili  Sanremo 2019 Italia

Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

Présentation-concours des styles artistiques

Présentation-concours des styles artistiques "Grands Trophées de l'Art et des Styles SANREMO 2019" au Best Western Hotel Nazionale **** Italie

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Jacqueline Morandini, pittrice, Insignita del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

Jacqueline Morandini, pittrice, Insignita del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

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Jacqueline Morandini, peintre contemporaine

Jacqueline Morandini, peintre contemporaine

"Les Eaux Intérieures" oeuvre de Jacqueline Morandini. Technique mixte sur toile Type 3D. 30x60cm. avec métal découpé laser. 2017

"Les Eaux Lagunaires" Oeuvre de Jacqueline Morandini. Technique mixte sur toile 40x120cm. avec métal découpé laser.

"Immersion Grand Bleu" oeuvre Jacqueline Morandini 50X100cm 2016 Techn. Mixte (encre, pigments, acrylique)

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Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italie

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italie

Le critique d'art Antoine Antolini , à Sanremo commente le style d'une oeuvre de Jacqueline Morandini, peintre

Le critique d'art Antoine Antolini , à Sanremo commente le style d'une oeuvre de Jacqueline Morandini, peintre

"Le Lagon Bleu De Rangiroa "oeuvre Jacqueline Morandini 20X100cm 2014 Techn. Mixte (encre, pigments,acrylique)

" Ciel d'Azur 2" "oeuvre Jacqueline Morandini 60x60cm Techn. Mixte et métal découpe laser

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"Grandi Trofei di Arte e Stili Artistici Sanremo 2019" Italia EDMC

Diffusion culturelle et artistique EDMC-Europe

Diffusion culturelle et artistique EDMC-Europe

Jacqueline Morandini, peintre contemporaine

Jacqueline Morandini, peintre contemporaine

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

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SANREMO. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles Sanremo 2019" Italie, compétition de styles artistiques, a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Le style et les œuvres de la peintre Jacqueline Morandini ont été présentées devant le comité du Jury. Si la démarche de l'artiste est particulièrement fondée sur l'abstraction, celle-ci, pour certaines de ses œuvres, a souhaité renouveler sa grammaire, en réalisant des inclusions figuratives. Cela sous forme de représentations figuratives en métal découpes lasers. Ainsi ont été présentées en compétition "Les Eaux Lagunaires" 40x120cm 2017Techn. Mixte Avec métal découpe laser avec des représentations d'Ibis, "Les Eaux Intérieures", technique mixte sur toile Type 3D. 30x60cm. avec métal découpé laser. 2017 avec des inclusions d'éléments du monde aquatique. Ou encore " Ciel d'Azur 2" 60x60cm. techn. mixte avec métal découpe laser, évoquant des représentations du monde aérien avec des oiseaux stylisés. Toutefois les créations de la peintre qui ont tout particulièrement intéressé le Comité du jury, ont été ses œuvres abstraites. Des peintures réalisées en verticalité dans une logique totémique selon l'approche de l'artiste. La particularité du style de Jacqueline Morandini réside dans une expression abstraite, gestuelle, qui véhicule tout un substrat inconscient dans lequel le spectateur peut se retrouver avec une projection de sa propre intériorité. Avec l'oeuvre "Immersion Grand Bleu" 50x100cm 2016 techn. mixte (encre, pigments, acrylique) l'artiste donne une indication de sens dans le titre, allusion au domaine subaquatique, tout en laissant une liberté de ressentis au spectateur, par cette interprétation abstraite qu'elle en fait. Cette œuvre nous entraîne ainsi dans une dimension de la profondeur marine suggérée par son titre. Dans cette toile on peut comprendre toute la puissance gestuelle expressive, qui crée cette iconographie mystérieuse, qui sous-tend, en fait, notre conscience des signes et du sens. On se retrouve ainsi dans les fondamentaux de l'abstraction, tels qu'ils ont pu être explorés par les surréalistes abstraits, puis par les premiers expressionnistes abstraits de l'école de New York. Le totem restant un thème de prédilection de la peinture abstraite, au carrefour des mythes et de l'inconscient individuel ou collectif. C'est avec «Le Lagon Bleu De Rangiroa " 20x100cm 2014 techn. mixte (encre, pigments,acrylique) que le Comité du Jury a pu apprécier pleinement cette démarche de recherche en art abstrait de l'artiste, quant à cet aspect totémique que véhicule ses peintures. Un style, aux interfaces plurielles en terme de signification, depuis d'intrigantes touches iconographiques, jusqu'aux lointains échos de mythologie. Des signes informels venus des profondeurs sociétales sont posés sur la toile comme autant d'intuitions de cette peintre.Elle nous les livre pour questionner notre entendement. Au-delà de ce contenu abstrait allégorique, Jacqueline Morandini a repris le principe du totem en le résumant et le redéfinissant esthétiquement en un seul plan frontal unique, accroché au mur. Un nouveau concept muséologique. Accroché au mur l'oeuvre-totem ne montrera qu'un seul plan comme résumé du tout. Un nouveau totem condensé en une seule vision de face. Ainsi son œuvre " Le Lagon Bleu De Rangiroa " avec ses dimensions de 20x100cm rappelle au spectateur, l'aspect du totem en un seul plan plat. Dans une situation habituelle les totems qu'ils soient cylindriques ou carrés ne seront toujours visible par une personne que par une face. Chaque fois que le l'homme et son regard tourneront en rond, tout autour du totem, ils ne pourront en saisir optiquement qu'une succession de facettes. C'est ainsi que Jacqueline Morandini a su faire une synthèse optique, de toutes ces facettes intrinsèques tout autour du totem, pour en restituer une seule, en une face synthétique et « synoptique ». Un nouvel apport esthétique pour le plaisir visuel mais aussi cognitif du spectateur apparaît ainsi dans «  Le Lagon Bleu De Rangiroa ». Une œuvre qui innove dans ce nouveau concept de perception visuelle picturale, sémantique et optique. La démarche de Jacqueline Morandini, produit une avancée esthétique dans l'art sur le plan international. Le Comité du Jury, après en avoir délibéré, a attribué lors du Palmares le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019, à la peintre Jacqueline Morandini, le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à SANREMO, Italie. Les Editions des musées et de la culture adressent leurs félicitations à l'heureuse lauréate.

 

                                                                                                            Reportage sur place 11/09/2019

                                                                                                 Reportage analyse esthétique, Antoine Antolini

                                                                                                 © Textes, images EDMC. Oeuvres J. Morandini

 

 

 

SANREMO.Italia. L'evento "Grandi Trofei di Arte e Stili - Sanremo 2019" Italia, concorso di stili artistici, si è tenuto l'11 settembre 2019, sulla Riviera, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Lo stile e le opere dell pittrice Jacqueline Morandini sono stati presentati davanti al comitato della giuria. Se l'approccio dell'artista si basa in particolare sull'astrazione, questa, per alcune delle sue opere, desiderava rinnovare la sua grammatica pittorica, realizzando inclusioni figurative. Questo sotto forma di rappresentazioni figurative di ritagli laser di metallo. Così sono stati presentati in concorso "Les Eaux Lagunaires" 40x120 cm 2017 tecnica mista con taglio laser in metallo con raffigurazioni di Ibis, "Les Eaux Intérieures", tecnica mista su tela Tipo 3D. 30x60cm. con metallo tagliato a laser. 2017 con inclusioni di elementi del mondo acquatico. O "Ciel d'Azur 2" 60x60cm. tecnica mista con taglio laser in metallo, evocando rappresentazioni del mondo aereo, con uccelli stilizzati. Tuttavia, le creazioni della pittrice che interessarono particolarmente il comitato della giuria, furono le sue opere astratte. Dipinti realizzati in verticalità, in una logica totemica secondo l'approccio dell'artista. La particolarità dello stile di Jacqueline Morandini risiede in un'espressione astratta, gestuale, che trasmette un intero substrato subconscio in cui lo spettatore può finire con una proiezione della sua propria interiorità. Con il lavoro "Immersion Grand Bleu" 50x100cm 2016 tecnica mista (inchiostro, pigmenti, acrilico) l'artista fornisce un'indicazione di significato nel titolo, un'allusione al dominio sottomarino, lasciando allo spettatore la libertà di sentire, grazie a questa interpretazione astratta che ne fa. Questo lavoro ci conduce a una dimensione della profondità marina , suggerita dal suo titolo. In questo dipinto possiamo comprendere tutto il potere gestuale espressivo che crea questa misteriosa iconografia, che di fatto sta alla base della nostra consapevolezza dei segni e dei significati. Ci troviamo quindi nei fondamenti dell'astrazione, mentre venivano esplorati dai surrealisti astratti, quindi dai primi espressionisti astratti della Scuola di New York. Il totem rimane un tema di predilezione della pittura astratta, al crocevia dei miti e dell'inconscio individuale o collettivo. È con la tecnica mista "Le Lagon Bleu De Rangiroa " 20x100cm 2014 (inchiostro, pigmenti, acrilico) che il Comitato della giuria è stato in grado di apprezzare appieno questo approccio di ricerca nell'arte astratta dell'artista, per quanto riguarda questo aspetto totemico che usa i suoi dipinti, uno stile con interfacce plurali in termini di significato, da tocchi iconografici intriganti ai lontani echi della mitologia, i segni informali dalle profondità della società sono posti sulla tela come intuizioni di questo pittore. Li consegna a noi per mettere in discussione la nostra comprensione Al di là di questo contenuto astratto allegorico, Jacqueline Morandini ha ripreso il principio del totem riassumendolo e ridefinendolo esteticamente in un unico piano frontale, appeso al muro, un nuovo concetto museologico. Aggrappato al muro, l'opera totem mostrerà solo un piano come una sintesi. Un nuovo totem condensato in un'unica vista frontale, quindi il suo lavoro "Le Lagon Bleu De Rangiroa  "con le sue dimensioni di 20x100cm ricorda allo spettatore, l'aspetto del totem in un unico piano piatto. In una situazione normale, i totem, sia cilindrici che quadrati, saranno sempre visibili a una persona da una sola faccia. Ogni volta che l'uomo e il suo sguardo ruotano attorno al totem, possono solo catturare otticamente una successione di sfaccettature. In tal modo Jacqueline Morandini è stata in grado di effettuare una sintesi ottica di tutte queste sfaccettature intrinseche attorno al totem, per ripristinare un singolo, in una faccia sintetica e "sinottica". Un nuovo contributo estetico per il piacere visivo ma anche cognitivo dello spettatore appare in "Le Lagon Bleu De Rangiroa ". Un'opera che innova in questo nuovo concetto di percezione visiva pittorica, semantica e ottica. L'approccio di Jacqueline Morandini, produce un progresso estetico nell'arte a livello internazionale. Il Comitato della giuria, dopo deliberazione, ha assegnato il "Grande Trofeo di Arte e Stili - Sanremo 2019" alla pittrice Jacqueline Morandini al Palmares l'11 settembre 2019, presso il Best Western Hotel Nazionale * * * * a SANREMO, Italia. Le Edizioni di musei e cultura si congratulano con la fortunata insignita del Palmares.

 

                                                                                                              Rapporto in loco 11/09/2019

                                                                                                      Rapporto analisi estetica, Antoine Antolini

                                                                                                     © Testi, immagini EDMC. Opere J. Morandini

 

 

 


■ STEINLAENDER Frédéric, Pittore a Pastello. Laureato del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Pastelliste. Lauréat du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Affiche Sanremo 2019 Italia

Affiche Sanremo 2019 Italia

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italia

Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili al Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italia

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Arte e Stili  Sanremo 2019 Italia

Arte e Stili Sanremo 2019 Italia

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Frédéric Steinlaender, pittore a pastello, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

Frédéric Steinlaender, pittore a pastello, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

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Frédéric Steinlaender, pittore a pastello, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

Frédéric Steinlaender, pittore a pastello, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

"Arbres Coupés" oeuvre de Frédéric Steinlaender 67x47cm pastel (2017)

"Couleurs de Saison" oeuvre de Frédéric Steinlaender 40x40cm pastel (2017)

"Lumière dans le Schwarzbach" oeuvre de Frédéric Steinlaender 50x35cm pastel (2017)

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"Schwarzbach en Automne" oeuvre de Frédéric Steinlaender 65x50cm pastel (2017)

"Vallée du Schwarzbach" oeuvre de Frédéric Steinlaender 65x50cm pastel (2017)

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

Frédéric Steinlaender, maître-pastelliste, lauréat du Palmarès, obtient le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.Italie

Frédéric Steinlaender, maître-pastelliste, lauréat du Palmarès, obtient le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.Italie

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Sanremo. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles. Sanremo 2019", Italie, compétition de styles artistiques, a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Le style et les œuvres du maître-pastelliste Frédéric Steinlaender ont été présentées avec succès. L'artiste déjà connu sur le plan international (notamment en Chine), mais aussi sur la Riviera Française, a réussi le grand schelem à Sanremo, en remportant sur la Rivera Italienne cette fois-ci, le "Grande Trofeo di Arte e Stili Sanremo 2019 - Italia". La trajectoire sans faute, de ce pastelliste exceptionnel réside avant tout dans un talent certes, mais autant dans son travail acharné aux pastels sur le motif, qui lui ont permis de maîtriser cette très délicate et difficile technique. Seule pratique constante et expérience peuvent en effet permettre à un artiste de connaître toute la finesse de cet art des pastels. Ceci afin d'arriver, comme aujourd'hui Frédéric Steinlaender le fait , à impulser aux paysages une force émotionnelle, grâce à mille nuances, des plus diaphanes aux plus intenses. Un art et une discipline qui appellent la plus grande rigueur dans le choix de chaque pastels qui s'integrera, fondra ses pigments, dans la couleur d'ensemble, pour donner de la vie, encore plus de force au tableau. Avec "Arbres Coupés", de Frédéric Steinlaender (67x47cm) pastel 2017, ressortent de cette œuvre, au-dela de la beauté plasticienne stricto-sensu, un romantisme, voire une mélancolie. C'est aussi un message qui s'adresse au cœur et à l'esprit. Une allégorie de cette nature si forte et si fière, tant aimée, que l'on voit ici abattue à terre en regardant ces arbres couchés. Arbres forts et fragiles à la fois. La nature dans ses intempéries nous montre que parfois rien n'est épargné, que la fôrêt peut subir à tout moment les violences du climat. Ce superbe pastel narratif, peint sur le motif, témoigne bien de la sensibilité de Frédéric Steinlaender, qui s'efforce d'être toujours, le plus possible, en phase, en symbiose, avec la nature. Il porte ici un regard d'un réalisme poétique qui nous va droit au cœur. L'artiste nous montre là, une autre facette du beau, tel un hommage à ces arbres tombés. Avec "Couleurs de Saison", (40x40cm) pastel 2017, Frédéric Steinlaender nous dit tout le colorisme étonnant des saisons, le cycle de la nature, dans son renouvellement. Nature qui se pare de nuances caractéristiques. Comme il aime à le faire, l'artiste porte un regard original sur cette nature, peint un moment unique et vrai, sur le motif. Il nous fait voir ce cotoiement d'un vert vivant et printanier avec une autre gamme d'ocres et de rousseurs automnale qui est bien là aussi. Une ambiguité de la nature en pleine transition, que l'artiste sait si bien capter, avec beaucoup de subtilité. Un tableau particulièrment intéressant qui nous prouve comment la nature peut être si différente d'un arbre à l'autre, et en absolue variante du vert aux ocres, en un même moment, en un même lieu. Oui, il nous rend conscient de ce que l'on voit , il arrête le temps sur son tableau, pour nous apprendre à regarder. Un ciel bleu, un sentier animé de clartés, parcouru d'ombres profondes, nous rappelle la force de la lumière environnante. Une œuvre pleine de poésie et de sentiments, baignée dans un romantisme émotionnel. L'artiste aime nous parler du Schwarzbach, de son Schwarzbach, à lui. C'est le lieu qui l'attire, qui l'inspire sans cesse et le ressource dans son intériorité d'artiste pastelliste. Comme Cézanne peignait au Sud avec amour la Sainte Victoire et se lançait les défis les plus audacieux pour en représenter l'essence même, Steinlaender peint au Nord le Schwarzbach dans ce même esprit fusionnel, d'amour et de recherche esthétique. "Lumière dans le Schwarzbach" (50x35cm) pastel 2017, ou "Schwarzbach en Automne" (65x50cm) pastel 2017, ou bien encore "Vallée du Schwarzbach", (65x50cm) pastel 2017, sont autant d’œuvres de Frédéric Steinlaender, pour révéler les magnificences, tout à la fois de cette rivière et de ces lieux. Steinlaender et le Schwarzbach, une véritable histoire d'amour, qui a commencé par un regard, entre un homme et une rivière, un peintre et une région. Il nous parle de cette rivière avec une sensibilité quasi-affective, nous la montrant dans ses différents caractères, au repos, dans la sérénité luminescente et paisible, dans sa sublime beauté, avec "Lumière dans le Schwarzbach". Plus capricieuse et nerveuse en automne avec "Schwarzbach en Automne" . Il la surprend pour nos yeux émerveillés, dans la "Vallée du Schwarzbach", dans son écrin naturel, pour nous en dépeindre toute sa beauté sauvage. Le Comité du Jury à Sanremo, a bien ressenti ce message pictural, venu de l'intériorité la plus profonde de l'artiste, ce lien qu'il a su créer par ses pastels avec la nature et le Schwarzbach. Peintre pastelliste de talent, amoureux du Schwarzbach, il en a été le meilleur ambassadeur en Italie puisqu'il a décroché au-delà des frontières, le "Grande Trofeo di Arte e Stili Sanremo 2019 - Italia". Lauréat du Palmarès, pour la maîtrise de son art et des techniques aux pastels, le Comité du Jury en Italie, a attribué au Maître-Pastelliste Frédéric Steinlaender, le Grand Trophée de l'Art et des Styles, le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Les Editions des musées et de la culture, adressent leurs félicitations à l'heureux lauréat .

 

 

                                                                                                                 Reportage sur place 11/09/2019

                                                                                                 © Textes, images EDMC. Œuvres F. Steinlaender

 

 

 

Sanremo. Italia. Evento "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo. 2019", Italia, concorso di stili artistici, si è tenuto l'11 settembre 2019, sulla Riviera, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Lo stile e le opere del maestro pittore a pastello Frédéric Steinlaender sono stati presentati con successo. L'artista già conosciuto a livello internazionale (soprattutto in Cina), ma anche sulla Costa Azzurra, ha realizzato il grande schelem a Sanremo, vincendo questa volta sulla Rivera italiana, il "Grande Trofeo di Arte e Stili Sanremo 2019 - Italia ". La traiettoria impeccabile di questo pastellista eccezionale, risiede soprattutto in un talento certamente, ma altrettanto nel suo duro lavoro con i pastelli sul terreno, che gli ha permesso di padroneggiare questa tecnica, molto delicata e difficile. Solo la pratica e l'esperienza costanti possono davvero consentire a un artista di conoscere la finezza di questa arte dei pastelli. Questo per arrivare, come oggi fa Frédéric Steinlaender, a spingere i paesaggi, in una forza emotiva, grazie alle mille sfumature, dalle più diafane alle più intense. Un'arte e una disciplina che richiedono il massimo rigore nella scelta di ogni pastello che si integrerà, fonderà i suoi pigmenti, nel colore generale, per dare vita, ancora più forza alla l'opera d'arte. Con "Arbres Coupés" di Frédéric Steinlaender (67x47cm) pastello 2017, questo lavoro supera la bellezza estetica stricto-sensu, un romanticismo, persino una malinconia. È anche un messaggio che si rivolge al cuore e alla mente. Un'allegoria di quella natura, così forte e così orgogliosa, così amata, che vediamo qui abbattuta, guardando questi alberi reclinati. Alberi forti e fragili alla volta. La natura nel suo brutto tempo ci mostra che a volte nulla viene risparmiato, che la foresta può subire in qualsiasi momento la violenza del clima. Questo superbo pastello narrativo, dipinto sul motivo, testimonia bene la sensibilità di Frédéric Steinlaender, che si sforza di essere sempre, per quanto possibile, in fase, in simbiosi, con la natura. Qui dà uno sguardo al realismo poetico che arriva dritto al cuore. L'artista ci mostra un altro aspetto della bellezza, un omaggio a questi alberi caduti. Con "Couleurs de Saison", (40x40cm) pastello 2017, Frédéric Steinlaender, ci racconta tutti gli incredibili colori delle stagioni, il ciclo della natura, nel suo rinnovamento. Natura che è adornata con sfumature caratteristiche. Come gli piace fare, l'artista dà uno sguardo originale a questa natura, dipinge un momento unico e vero sul motivo. Ci fa vedere questo brio di un verde vivente come in una primavera, con un'altra gamma di ocre e volpi autunnali che è buona anche lì. Un'ambiguità della natura in piena transizione, che l'artista conosce così bene, un opera con molta sottigliezza. Un'immagine particolarmente interessante, che ci mostra come la natura possa essere così diversa da un albero all'altro, e in assoluta variazione dal verde all'ocra, nello stesso momento, nello stesso posto. Sì, ci rende consapevoli di ciò che vediamo, ferma il tempo sulla sua pittura, per insegnarci a guardare. Un cielo blu, un percorso animato dalla luce, attraversato da ombre profonde, ci ricorda la forza della luce circostante. Un'opera piena di poesia e sentimenti, immersa in un romanticismo emotivo. All'artista piace parlare di Schwarzbach, il suo Schwarzbach, quello suo. È il luogo che lo attrae, che lo ispira costantemente e la risorsa nella sua interiorità come artista pastellista. Mentre Cezanne dipingeva con amore la Santa Vittoria nel Sud e si lanciava le sfide più audaci per rappresentare la sua stessa essenza, Steinlaender dipinse lo Schwarzbach nel Nord con lo stesso spirito di fusione, d'amore e di ricerca estetica. "Lumière dans le Schwarzbach" (50x35cm) pastel 2017, o "Schwarzbach en Automne" (65x50cm) pastel 2017, o anche "Vallée du Schwarzbach", (65x50cm) pastel 2017, sono tutte opere di Frédéric Steinlaender, per rivelare le magnificenze, subito di questo fiume e di questi luoghi. Steinlaender e il Schwarzbach, una vera storia d'amore, iniziata con uno sguardo, tra un uomo e un fiume, un pittore e una regione. Ci parla di questo fiume con una sensibilità quasi emotiva, mostrandolo nei suoi diversi aspetti, a riposo, in serenità luminescente e pacifica, nella sua bellezza sublime, con "Lumière dans le Schwarzbach". Più capriccioso e nervoso in autunno con "Schwarzbach en Automne". La sorprende per i nostri occhi meravigliati, nella "Vallée du Schwarzbach", nella sua cornice naturale, per rappresentare tutta la sua bellezza selvaggia. Il Comitato della giuria a Sanremo ha sentito questo messaggio pittorico, proveniente dalla più profonda interiorità dell'artista, questo legame che ha creato attraverso i suoi pastelli con la natura e Schwarzbach. Pittore a pastello di talento , innamorato di Schwarzbach, è stato il miglior ambasciatore di questo, in Italia da quando ha vinto il "Grande Trofeo di Arte e Stili Sanremo 2019 – Italia". Laureato del Palmarès, per la padronanza della sua arte e tecniche a pastello, il Comitato della giuria in Italia, assegnato al Maestro Pastellista Frédéric Steinlaender, il Grande Trofeo di Arte e Stili, l'11 settembre 2019 al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Edizioni di musei e cultura, rivolgono le loro congratulazioni al fortunato laureato.

 

 

 

                                                                                                                     Rapporto in loco 11/09/2019

                                                                                                        © Testi, immagini EDMC. Opere F. Steinlaender

 

 

 

 

■ SUISSIA Gérard, Pittore. Laureato del Palmares. Grande Trofeo di Arte e Stili SANREMO 2019 - Italia ■ Peintre. Lauréat du Palmarès. Grand Trophée de l'Art et des Styles. SANREMO 2019 - Italie


Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Italie - Vue de Sanremo. Le casino.

Affiche de communication Sanremo 2019

Affiche de communication Sanremo 2019

Sanremo 2019. Settembre 2019. Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili

Sanremo 2019. Settembre 2019. Presentazioni-concorso dell'Arte e Stili "Grandi Trofei di Arte e Stili. Sanremo 2019." Italia al Best Western Hotel Nazionale ****

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italie

Présentation-concours des styles au Best Western Hotel Nazionale **** Sanremo 2019 Italie

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Settembre  11-10-2019 Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Settembre 11-10-2019 Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Grandi Trofei di Arte e Stili, Sanremo 2019, Italia.

Gérard SUISSIA, pittore, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

Gérard SUISSIA, pittore, laureato del Palmares, ha ottenuto il Grande Trofeo di Arte e Stili, Sanremo 2019 Italia

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"Rome" peinture de Gérard Suissia 100x100cm huile sur toile - Série "Les Capitales" art abstrait

"Bruxelles" peinture de Gérard Suissia 100x100cm huile sur toile - Série "Les Capitales" art abstrait

"Paris" peinture de Gérard Suissia 100x100cm huile sur toile - Série "Les Capitales" art abstrait

"Londres" peinture de Gérard Suissia 100x100cm huile sur toile - Série "Les Capitales" art abstrait

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Le critique d'art Antoine Antolini, à Sanremo, présente le style d'une oeuvre de paysage abstrait du peintre contemporain Gérard Suissia.

Le critique d'art Antoine Antolini, à Sanremo, présente le style d'une oeuvre de paysage abstrait du peintre contemporain Gérard Suissia.

"Pékin" peinture de Gérard Suissia 100x100cm huile sur toile - Série "Les Capitales" art abstrait

Gérard Suissia, peintre, lauréat du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.Italia

Gérard Suissia, peintre, lauréat du Palmarès, a obtenu le Grand Trophée de l'Art et des Styles Sanremo 2019.Italia

Sanremo 2019 Italia

Sanremo 2019 Italia

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Sanremo. Italie. L'événementiel "Grands Trophées de l'Art et des Styles. Sanremo 2019", Italie, compétition générale de styles artistiques, du figuratif à l'abstrait, toutes disciplines de Beaux-Arts et techniques a eu lieu le 11 septembre 2019, sur la Riviera italienne, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Italie. Le style et les œuvres du peintre contemporain abstrait Gérard Suissia, ont été présentées avec succès en cette occasion, dans le cadre de la mise en concours stylistique, qui était organisée sur place par les Editions des musées et de la culture, à l'issue d'une présélection par le comité préparatoire. L'objectif était ainsi, de faire connaitre l'art français de niveau international, en Italie dans le contexte d'une diffusion culturelle des talents de l'Héxagone à l'étranger. L'artiste français Gérard Suissia, déjà connu internationalement, depuis une vingtaine d’année en particulier en Chine, a mis ses travaux en compétition, pour diffuser la connaissance de ses œuvres et afin d'actualiser son parcours artistique en 2019. Un peintre de très haut niveau, qui aurait pu être sélectionné hors concours, tant son travail est connu et abouti depuis tant d'années. Il s'agit d'une peinture innovante sur l'international, où ce peintre reste en position de première ligne dans sa catégorie. Ses travaux picturaux ont déjà fait l'objet de nombreux reportages, de textes et analyses, car cette peinture suscite un questionnement, aussi bien sur l'art abstrait, que sur le paysage et son interprétation en abstraction, ou encore sur l'écriture dans l’œuvre d'art. Gérard Suissia est entré dans son époque, en creusant encore plus profond le sillon qu'avaient creusé auparavant des abstraits tels Malevitch (1879-1935), Kandinsky,(1866-1944) ou plus près de nous Georges Mathieu (1921-2012). Il faut savoir que depuis plus de 20 ans maintenant, la peinture du maître Suissia, a été bien comprise en Chine, et a reçu un bon accueil dans la jeunesse, que ce soit lors de présentations stylistiques, à Pékin, à Tianjin ou même à l'Université de l'Hébei dans le Nord de la Chine, encore recemment en 2018. Sa peinture est une dialectique entre l'écriture, linguistiquement abstraite, le contenu de l'art l'abstraction, et l'expression du paysage qu'il produit en abstraction, avec les caractéristiques du lisible. Il intègre l'écriture comme moyen signifiant d'esthétique, tout en revendiquant la nature abstraite des lettres, des mots, des noms. Le paysage devenant dès lors, à la fois compréhensible, tout en étant visuellement abstrait sur la plan pictural. Des couleurs viennent compléter l'impact de l'oeuvre par des sensations, des lignes plus ou moins puissantes, des perspectives ainsi que des allégories symboliques, emblématiques des lieux, en relation avec ses paysages de villes. Les villes et leurs paysages urbanistiques, sont un domaine de travail privilégié pour l'artiste et celui de son exploration en son style novateur. Sa série  "LES CAPITALES", constitue sans aucun doute une avancée aussi bien théorique, qu'esthétique, dans le domaine de l'art abstrait international d'aujourd'hui comme cela ne s'était pas produit depuis bien des années. Cet artiste a ainsi mis en compétition stylistique à Sanremo, cinq tableaux représentants quatre capitales européennes et une capitaleasiatique. "PARIS", huile sur toile (100x100cm), "ROME", huile sur toile (100x100cm) "BRUXELLES" Huile sur toile (100x100cm) "LONDRES", huile sur toile (100x100cm) et une capitale asiatique, à savoir la capitale chinoise "PEKIN" également une huile sur toile (100x100cm) toutes les cinq appartenant à sa série LES CAPITALES. Le critique d'art Antoine Antolini, présent sur place, après avoir resitué le style de Gérard Suissia, dont il connait le travail, l'a évoqué aussi bien dans le contexte de l'art international, notamment par rapport aux survivances des tendances de l'Ecole de New-York, voire à l'art américain contemporain, ainsi que par rapport aux tendances artistiques de l'abstraction en Chine. Le critique a rappelé les caractéristiques très novatrices de la peinture de cet artiste. Il a notamment indiqué à Sanremo à propos de Gérard Suissia que : …" ce peintre abstrait n'est pas suffisamment reconnu en Europe, alors qu'il apporte une innovation de premier ordre dans l'art contemporain par sa peinture (....) son travail est une rencontre entre la linguistique et l'abstraction"(...) en poursuivant ... " d'importants professeurs d'art parmi les plus grands en Chine, l'ont compris, il faudrait absolument développer une meilleure connaissance de cet artiste dans nos écoles d'art et universités européennes, car il y a là maintenant un enjeu artistique et culturel international autour de cette peinture novatrice, née en France, née en Europe, en lisière de nos 20 ème et 21ème siècle " . Gérard Suissia, depuis de nombreuses années conserve son cap, et poursuit inlassablement sa route, car il sait qu'il a ouvert une nouvelle voie. Le tableau "ROME", était parfaitement indiqué dans le contexte de ce challenge des styles qui se tenait en Italie. Le Comité du Jury a apprécié ce travail de haut niveau. Il a voulu récompenser non seulement l'artiste en tant que peintre contemporain, mais également la dimension théorique abstraite de ce travail, qui est celle d'un véritable peintre-chercheur. Le Comité du Jury a ainsi attribué au peintre abstrait Gérard Suissia, Lauréat du Palmarès,le "Grand Trophée de l'Art et des Styles. Sanremo 2019", Italie, ("Grande Trofeo di Arte e Stili Sanremo 2019 – Italia"), le 11 Septembre 2019, au Best Western Hotel Nazionale * * * * à Sanremo. Les Editions des musées et de la culture, adressent leurs félicitations à l'heureux lauréat.

 

                                                                                                                    Reportage sur place 11/09/2019

                                                                                                             © Textes, images EDMC. Œuvres G. Suissia

 

 

 

Sanremo. Italia. L'evento "Grandi Trofei di Arte e Stili - Sanremo 2019", Italia, concorso generale di stili artistici, dal figurativo all'astratto, tutte le discipline di Belle Arti e tecniche, si è tenuto l'11 settembre 2019, su la Riviera Ligure al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Italia. Lo stile e le opere del pittore contemporaneo Gérard Suissia, sono stati presentati con successo in questa occasione, nell'ambito del concorso stilistico, organizzato in loco dalle Edizioni di musei e cultura, alla fine preselezione da parte del comitato preparatorio. L'obiettivo era quindi far conoscere l'arte francese a livello internazionale, in Italia nel contesto di una diffusione culturale dei talenti dell'esagono all'estero. L'artista francese Gérard Suissia, già noto a livello internazionale, da vent'anni soprattutto in Cina, ha messo in competizione le sue opere, diffondendo la conoscenza delle sue opere e aggiornando la sua carriera artistica nel 2019. Un pittore di altissimo livello, che avrebbe potuto essere selezionato fuori concorso, poiché il suo lavoro è noto e di successo da così tanti anni. È una pittura innovativo a livello internazionale, dove questo pittore rimane in prima linea nella sua categoria. Le sue opere pittoriche sono già state oggetto di numerosi rapporti, testi e analisi, perché questo stile di pittura solleva domande, tanto sull'arte astratta, quanto sul paesaggio e sulla sua interpretazione in astrazione, o sulla scrittura in l'opera d'arte. Gerard Suissia entrò nella sua era, scavando ancora più in profondità il solco che in precedenza era stato scavato da pittori astratti come Malevitch (1879-1935), Kandinsky,(1866-1944) o più vicino a noi Georges Mathieu (1921-2012). Bisogna sapere che ormai da più di 20 anni la pittura del maestro Suissia è stato ben compresa in Cina e ha ricevuto un caloroso benvenuto da parte dei giovani, sia durante le presentazioni stilistiche, a Pekin, Tianjin, o a Hebei University nella Cina del Nord, ancora recentemente nel 2018. La sua pittura è una dialettica tra la scrittura linguisticamente astratta, il contenuto dell'astrazione artistica e l'espressione del paesaggio che produce in astrazione, con le caratteristiche del leggibile. Integra la scrittura come mezzo di estetica, mentre rivendica la natura astratta di lettere, parole, nomi. Il paesaggio diventa, allo stesso tempo, comprensibile, pur essendo visivamente astratto sul piano pittorico. I colori completano l'impatto dell'opera con sensazioni, linee più o meno potenti, prospettive e allegorie simboliche, emblematiche dei luoghi, in relazione ai suoi paesaggi di città. Le città e i loro paesaggi urbani sono un campo di lavoro privilegiato per l'artista e quello della sua esplorazione nel suo stile innovativo. La sua serie "LES CAPITALES" è senza dubbio un progresso teorico, oltre che estetico, nel campo dell'arte astratta internazionale oggi, come non lo è stato per molti anni. L'artista ha così messo in competizione stilistica a Sanremo, cinque dipinti che rappresentano quattro capitali europee e un capitale asiatica. "PARIS", olio su tela (100x100 cm), "ROME", olio su tela (100x100 cm) "BRUXELLES" Olio su tela (100x100 cm) "LONDRES", olio su tela (100x100 cm) e una capitale asiatica, ovvero la capitale cinese "PEKIN" è anche un olio su tela (100x100cm) tutti e cinque appartenenti alla sua serie LES CAPITALES. Il critico d'arte Antonio Antolini, presente sul posto, dopo aver ricollocato lo stile di Gérard Suissia, di cui conosce l'opera, lo ha evocato anche nel contesto dell'arte internazionale, soprattutto in relazione alle sopravvissute delle tendenze di la New-York School, anche l'arte americana contemporanea, nonché le tendenze artistiche dell'astrazione in Cina. Il critico ha ricordato le caratteristiche molto innovative della pittura di questo artista. In particolare, ha raccontato a Sanremo di Gérard Suissia che: ... "questo pittore astratto non è sufficientemente riconosciuto in Europa, mentre porta una innovazione di prim'ordine nell'arte contemporanea attraverso la sua pittura (... ) il suo lavoro è un incontro tra linguistica e astrazione "(...) perseguire ..." importanti insegnanti d'arte tra i più grandi in Cina, hanno capito, dovrebbe assolutamente sviluppare un migliore conoscenza di questo artista nelle nostre scuole d'arte e università in Europa, perché ora c'è una sfida artistica e culturale internazionale attorno a questa pittura innovativa, nata in Francia, nata in Europa, ai margini del nostro XX e XXI secolo ". Gerard Suissia, per molti anni mantiene il suo corso e continua instancabilmente, perché sa di aver aperto una nuova strada. Il dipinto "ROME", è stato perfettamente indicato nel contesto di questa competizione di stili che si è svolta in Italia. Il Comitato della giuria ha apprezzato questo lavoro di alto livello. Voleva premiare non solo l'artista come pittore contemporaneo, ma anche la dimensione teorica astratta di quest'opera, che è quella di un vero pittore-ricercatore. Il Comitato della giuria ha assegnato al pittore astratto Gérard Suissia, laureato del Palmarès, il "Grande Trofeo di Arte e Stili." Sanremo 2019 ", Italia, ("Grand Trophée de l'Art et des Styles. Sanremo 2019 - Italia "), l'11 settembre 2019, al Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo. Edizioni di musei e cultura, rivolgono le loro congratulazioni al fortunato laureato.

 

                                                                                                                              Rapporto in loco 11/09/2019

                                                                                                                     © Testi, immagini EDMC. Opere di G. Suissia

 

 

 

 

 

SYNTHESE


■ 2019 Septembre


__________________________________________  Images ▼ Textes ▼_______________________________________ ▼

                   REPORTAGES EN COURS    
■ Evénementiel SAN REMO 2019 - ITALIE Concours "GRANDS TROPHEES DE L'ART ET DES STYLES - SAN REMO 2019 - ITALIE" PALMARES Concorso "GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA"
Palmares Concorso "GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA" 

Eventi Settembre 2019 Arte e Stili Best Western Hotel Nazionale * * * * a Sanremo, Italia - Presentazioni- concorso e Palmares organizzati sotto gli auspici delle Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa - Rapporti ■ Événementiel  Septembre 2019 Salon du Best Western Hotel Nazionale * * * * à SAN REMO, Italie - Organisé sous l'égide avec le concours des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe- 

 


■  Diffusione internazionale arte e cultura artistica

Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa

 Attualita Arte e Stili Internazionali.

 

PALMARES SANREMO - ITALIA 2019

 

11 Settembre 2019 BEST WESTERN HOTEL NAZIONALE * * * * SANREMO - ITALIA 

Laureati dei GRANDI TROFEI DI ARTE E STILI - SANREMO 2019 - ITALIA

Artisti che hanno ottenuto il GRANDE TROFEO DI ARTE E STILI SANREMO 2019

- lista alfabetica -

 

DERDERIAN -CHRISTOL Chantal, PITTRICE SCULTRICE

DURET Cécile, PITTRICE

FENECH William, PITTORE

GELI Isabelle, PITTRICE

MORANDINI Jacqueline ,PITTRICE

STEINLAENDER Frédéric, PITTORE A PASTELLO

SUISSIA Gérard, PITTORE

 

                                                                               ______________

 

 

Présidente della Commissione giudicatrice:

Annie D'HERPIN, presidente di giurie artistiche internazionale

Segretariato della Commissione giudicatrice:

Antoine ANTOLINI, critico d'arte, conferenziere,

Edizioni di Musei e Cultura EDMC-Europa 

 

 

 

 

 

■ RIVIERA FRANCAISE - CONCOURS D'ETE DES STYLES ARTISTIQUES AOUT 2019 EDMC-Europe ■ PALMARES GRANDS TROPHEES DE LA COTE-D'AZUR DES STYLES ET DES ARTS 2019


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■ PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA COTE-D'AZUR DES  DES ARTS ET DES  STYLES 2019

A la suite du concours général des styles artistiques Côte-d'Azur 2019 ainsi que des délibérations du Jury qui se sont déroulées dans le Salon Picasso de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-Les-Palmiers les résultats sont les suivants:

 

Les Lauréats du Palmarès sont:

 

  YILIUYI, peintre abstrait, Lauréat du Palmarès

Grand Trophée de la Côte-d'Azur-French Riviéra 2019 des Arts et des Styles

 

  PALATAN Magali, peintre figurative, Lauréate du Palmarès

Grand Trophée de la Côte-d'Azur des Arts et des Styles 2019

 

  VAN LONG Emile, peintre chercheur, Lauréat du Palmarès

Trophée de la Côte-d'Azur 2019 des Arts et des Styles. mention Recherche, technique et style

 

  ASAKI Toshio, peintre contemporain, Lauréat du Palmarès

Trophée du Style Côte-d'Azur-French Riviéra 2019.

 

  Un hommage artistique exceptionnel a été rendu en cette occasion au Peintre Alain CADENEL 1945-2019, Artiste d'Honneur des Editions des musées et de la culture (EDMC)

 

Le Comité du Jury était présidé par Annie d'Herpin, présidente de jury artistiques internationaux.

Secrétariat général du Jury : Antoine Antolini, conférencier, critique d'art.

 

■ CONCOURS ESTIVAUX SUR LA RIVIERA FRANCAISE - PALMARES ETE 2019 COTE-AZUR - EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE EDMC-Europe - Synthèse image de l'événementiel.


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CONCOURS D'ETE DES STYLES ARTISTIQUES SUR LA RIVIERA FRANCAISE COTE D'AZUR HYERES-LES-PALMIERS AOUT 2019

 

CLIQUER SUR LES ONGLETS BLEUS EN HAUT DE PAGE POUR VOIR LES REPORTAGES INDIVIDUELS SUR LES ARTISTES

 

 

 

■ YILIUYI, peintre abstrait, Lauréat du Palmarès. Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019


Affiche Présentations-Concours 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

Affiche Présentations-Concours 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

Art et Styles 2019 YILIUYI, peintre abstrait, Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte-d'Azur French Riviera2019

Art et Styles 2019 YILIUYI, peintre abstrait, Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte-d'Azur French Riviera2019

Présentations-Concours Août 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019

Présentations-Concours Août 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019

YILIUYI, Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019, peintre contemporain abstrait

YILIUYI, Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019, peintre contemporain abstrait

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peinture abstraite de YILIUYI

peinture abstraite de YILIUYI

peinture abstraite de YILIUYI

peinture abstraite de YILIUYI

oeuvre de YILIUYI, peintre abstrait

oeuvre de YILIUYI, peintre abstrait

Gros plan sur une toile du peintre abstrait YILIUYI

Gros plan sur une toile du peintre abstrait YILIUYI

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peinture de YILIUYI, peintre abstrait

peinture de YILIUYI, peintre abstrait

YILIUYI, peintre contemporain abstrait a obtenu le Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Rivera 2019

YILIUYI, peintre contemporain abstrait a obtenu le Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Rivera 2019

Présentations-Concours Août 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019

Présentations-Concours Août 2019 YILIUYI, lauréat du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur French Riviera 2019

Editions des musées et de la<br/>culture EDMC-Europe 2019

Editions des musées et de la
culture EDMC-Europe 2019

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CONCOURS GENERAL D'ETE DES STYLES ARTISTIQUES AOUT 2019 PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA COTE-D'AZUR DES STYLES ET DES ARTS 2019

 

In the context of the summer art contests on the Riviera, organized every year by the Editions of museums and culture EDMC-Europe, it was during this style competition, held in Hyères-Les-Palmiers, on the Côte-d'Azur French-Riviera, in lounges of the Mercure Hotel **** Côte-d'Azur, that the works and the style of the painter YILIUYI, previously selected, were presented in front of the Jury Committee. His abstract works evoke water. YILIUYI spoke with great sensitivity on his artistic approach, so that we understand at best this abstract painting of high aesthetic level. Text of the painter about his approach to his painting: YILIUYI  "Yi water" - Liu Yi : "The original intention of this group of green works originated from my hometown. The green mountains and waters of my hometown inspired me. I soaked in the clear stream water in front of the green mountain. I was not swimming in the stream but experience the water flow through my skin and wrap my body. Chinese painting has describe "water" in detail since ancient times. Landscape paintings in the Song and Yuan Dynasties were representative. The physical properties of water include liquid water, solid water-"ice", and distilled water-"gas" which is ”qi”. And "qi" plays a spiritual role in traditional Chinese culture. The "qi” is metaphysical and divine. I want to express the spiritual existence I my work. It is a materialized embodiment of metaphysics. It contain my understanding of the spiritual of traditional Chinese culture and the meaning of “water”. Water is the spiritual embodiment of Chinese people.I like the art of the ancient Chinese Han Dynasty and the art of China from far ancient times because the more ancient cultural phenomenon, the more can be traced back to the origin of civilization. My works select the green color of the cool color system. First, the cold color is more representative of Asia, and the second is because green represents life. Water is the mother of life itself.Water represents the most essential nature of traditional Chinese cultural genes:Static and dynamic (water looks like in still; however, underwater flow is indeed turbulent).Fast and slow (water flow very fast. when viewers see that moment, the picture seemed to slow down, but when you ingest the water, you can feel the speed of water) Weak and strong (water is soft and weak, but the water has a turbulent and scary side) Material and the spiritual. (different material properties of water represent its different spiritual connotation.) Water is the metaphysical philosophical embodiment. Water is also a representative of time and space. Man's description of water which reflects the concept of space for thousand years. My works are juxtaposed to the meaning of time through the manifestation the flow of water, counteracting the individual's personal understanding of life and time, and allowing the passage of water to reflect the meaning of time." © Text YILIUYI "Yi water" - Liu Yi , for EDMC Text of the painter about his approach to his painting. The Jury Committee, after deliberation, wished to honor the talent of the painter, and encourage him to continue in his path, to continue to deepen his furrow in abstract art. The Jury Committee wished to notice and reward YILIUYI's research on the non-figurative expression of water, the inner feelings that he has, be they symbolic, spiritual, and the aesthetic contribution he made for contemporary art today in the abstract expression of this subject, that with a great perfection in the action of painting. At the end of the competition presentations, during the Palmarès 2019 in Hyères-Les-Palmiers, on August 10, 2019, in the Picasso salon of the Mercure Hotel **** Hyères Center, the Jury Committee awarded le "Grand Trophée des Arts et Styles Côte-d'Azur Riviera 2019" the "Great Trophy Arts and Styles Côte-d'Azur Riviera 2019" with Jury's congratulations to artist YILIUYI, laureate of French Palmarès of Styles. Editions of museums and culture EDMC-Europe congratulate the talented laureate.

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 10/08/2019

© Textes, images, YLIUYI peintures, EDMC 2019

 

 

 

 

■ Magali PALATAN, peintre figurative, lauréate du Palmarès, Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019


Art et Styles 2019 Magali PALATAN, peintre, Grand Trophée de la Côte-d'Azur des Arts et des Styles 2019

Art et Styles 2019 Magali PALATAN, peintre, Grand Trophée de la Côte-d'Azur des Arts et des Styles 2019

Présentations-Concours Août 2019 Magali PALATAN, lauréate du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

Présentations-Concours Août 2019 Magali PALATAN, lauréate du Palmarès et Grand Trophée des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

Magali PALATAN, peintre, Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte-d'Azur 2019

Magali PALATAN, peintre, Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte-d'Azur 2019

peintre figurative, Magali PALATAN, a obtenu le Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte d'Azur 2019

peintre figurative, Magali PALATAN, a obtenu le Grand Trophée des Arts et des Styles de la Côte d'Azur 2019

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Magali PALATAN peintre,

Magali PALATAN peintre, "Sous bois aux abords de St Paul de Vence" huile sur toile de lin (55x38cm)

Affiche Présentations-Concours 2019 Magali PALATAN, lauréate du Palmarès des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

Affiche Présentations-Concours 2019 Magali PALATAN, lauréate du Palmarès des Arts et des Styles Côte-d'Azur 2019

"Histoire de Reflets II", huile sur toile de lin (61x46cm), de Magali PALATAN, peintre figurative

PALATAN Magali a peint

PALATAN Magali a peint "Venise et ses Reflets" huile sur toile de lin (60x60cm) avec talent

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peinture de Magali PALATAN

peinture de Magali PALATAN "Enfants sur la Plage" huile sur toile de lin (60x60cm)

la peintre figurative Magali PALATAN, une passion de l'art, une technique picturale aboutie.

la peintre figurative Magali PALATAN, une passion de l'art, une technique picturale aboutie.

Magali PALATAN, peintre,

Magali PALATAN, peintre, "Bouquet Cœur" huile sur toile de lin (80x80cm)

Un talent confirmé et une haute maîtrise du style figuratif. Magali PALATAN, Grand Trophée de la Côte d'Azur des Arts et des Styles 2019.

Un talent confirmé et une haute maîtrise du style figuratif. Magali PALATAN, Grand Trophée de la Côte d'Azur des Arts et des Styles 2019.

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Magali PALATAN, lauréate du Palmarès, Grand Trophée de la Côte-d'Azur des Arts et des Styles 2019


Dans le cadre des concours artistiques estivaux sur la Riviera, organisés chaque année par les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, c'est lors de la compétition de styles qui s'est tenue à Hyères-Les-Palmiers, sur la Côte-d'Azur, dans les salons de l'Hôtel Mercure **** que les œuvres et le style de la peintre figurative, préalablement sélectionnée, Magali Palatan, ont été présentés devant le Comité du Jury. Des commentaires et analyses esthétiques sur l’œuvre ont été apportées par le critique d'art et conférencier Antoine Antolini (EDMC), devant le comité du Jury. Un style figuratif plein de recherche et d'imagination est maîtrisé par cette artiste, pour donner plus d'ampleur esthétique au sujet. Celle-ci possède une capacité très naturelle à apporter en peinture un plus d'atmosphère, de curiosité, un sujet qui surprend. Si le romantisme - au sens émotionnel du terme - la poésie, sont un dénominateur commun dans la peinture de l'artiste, son interprétation est dans chaque tableau une nouvelle recherche, qui pourra être poétique et pittoresque, comme avec "Sous bois aux abords de St Paul de Vence" huile sur toile de lin (55x38cm), ou bien portera sur la forme et l'architecture, comme dans les œuvres "Histoire de Reflets II", huile sur toile de lin (61x46cm), "Venise et ses Reflets" huile sur toile de lin (60x60cm). Une expression spontanée sur la couleur et l'harmonie des tonalités se retrouve dans "Bouquet Cœur"  huile sur toile de lin (80x80cm). Un contenu scénographique particulièrement intéressant est réussi avec"Enfants sur la Plage" huile sur toile de lin (60x60cm). Magali PALATAN, dans une collection au choix diversifié, va au-devant de l'attente du spectateur, bien au-delà d'une vision première. Ce sont des toiles à admirer, a contempler, a détailler, on peut alors voir le cours d'eau et l'ombre du pont dans "Sous bois aux abords de St Paul de Vence" sembler bouger, selon comment le spectateur se déplacera devant le tableau. "Histoire de Reflets II", huile sur toile de lin (61x46 cm), "Venise et ses Reflets" huile sur toile de lin (60x60cm), va plus loin pour nous dire jusqu'à quel point l'abstraction peut se cacher dans le figuratif. Une ambivalence de formes, de traits, de lignes, aux sens dessus-dessous, si lisibles, justement si pleines de charmes et de questionnements. Des architectures de façades qui nous racontent leur vraie histoire, dans leurs propres reflets. Le monde pictural de Magali Palatan nous subjugue, car il conserve précieusement le réel, pour nous en donner une version artistique, nous donner un goût de rêve face à l'existant. Le regard de l'artiste aide le spectateur à se dépasser pour aller plus loin, plus haut, dans le ressenti de son environnement. En admirant un tableau de Magali Palatan on se sent vivre, vivant, car sa peinture est pleine d'une énergie tranquille, reposante, bienfaisante. Le Comité du Jury a ressenti lui aussi ce talent de la peintre à créer une ambiance paisible, qui va plus loin que la fidélité figurative à l'image, pour entrevoir un reflet d'âme. De nombreux peintres ont essayé et essayent encore, de produire au travers du tableau une sensation d'harmonie globale picturale et sentimentale, qui envoûtera le spectateur, pour l'entraîner dans un autre réel, leur réel, leur univers. Certains, de Monet à Van Gogh, entres autres, y sont arrivés avec les styles impressionniste ou post impressionniste. Magali Palatan, est quant à elle dans une peinture figurative qui aime côtoyer la nature, la vie, flirte avec le motif, sans s'engager, ni dans un néo-impressionisme, ni dans un académisme rigoureux, ni dans un fauvisme choquant. Sa peinture coule comme le temps qui passe, des œuvres intemporelles, qui ne sacrifient rien aux modes, pour nous proposer sa vision, son émotion, sa sensibilité intérieure, avec des sujets diversifiés qui l'inspirent. Une peinture qui ne peut jamais lasser le spectateur. Derrière cette grammaire, ces touches à l'huile, se cache un travail persévérant, il y chez l'artiste un amour de la peinture, qui la pousse vers des choix judicieux de sujets. C'est cet ensemble de qualités qui ont été appréciées du Jury, ce talent discret, qui est bien là, pour qui sait regarder, qui apparaît encore plus, à qui sait ressentir, vibrer, oublier un moment le vacarme du monde pour partager la douceur d'un paysage et s'émerveiller encore. Le Comité du Jury, après délibération, a souhaité honorer le talent de Magali Palatan, l'encourager à poursuive dans sa voie, pour continuer à creuser son sillon dans l'art, comme elle le fait, avec amour et conviction. A l'issue des présentations-concours, lors du Palmarès 2019 à Hyères-Les-Palmiers, dans le salon Picasso de l'Hôtel Mercure **** Hyères Centre, le Jury a attribué un Grand Trophée Côte-d'Azur Arts et Styles 2019 à l'artiste Magali Palatan, peintre figurative. Les Editions EDMC-Europe félicitent l'heureuse lauréate.

 

 

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 10/08/2019

© Textes images EDMC, peintures Magali Palatan

 

 

 

■ VAN LONG Emile, peintre chercheur, Trophée de la Côte-d'Azur 2019. Recherche, technique et style


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"Léonard de Vinci et son Modèle Mona Lisa" peinture E. VAN LONG

"Faites l'Amour pas la Guerre" peinture E. VAN LONG

"Poissons de la Prospérité" peinture E. VAN LONG

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"Un Eté pas comme les Autres" peinture E. VAN LONG

"Hommage à l'Amitié, à Van Gogh et Gauguin" peinture E. VAN LONG

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Lors de de l'événementiel CONCOURS GENERAL D'ETE DES STYLES ARTISTIQUES AOUT 2019 PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA COTE-D'AZUR DES STYLES ET DES ARTS 2019 HYERES-LES-PALMIERS COTE-D'AZUR 2019, l'oeuvre "Léonard de Vinci et son Modèle Mona Lisa " de Van Long Huile sur toile (100x100cm) a été présentée et a été particulièrement appréciée. La peinture d'Emile Van Long est une peinture tactile, accessible aux malvoyants, par le toucher direct de la peinture sur la toile. Cette démarche novatrice du peintre français Van Long, mise au point après plusieurs années de recherche, a été expliquée non seulement en France, mais diffusée par ailleurs dans le monde, non seulement en Europe ou au Viet Nam, mais également aux Etats Unis, où le peintre a séjourné en Arizona en 2018 et y a fait découvrir son travail pictural de recherche à des malvoyants américains de cet Etat. Lors de l'événementiel à Hyères-Les-Palmiers, l'artiste a présenté des oeuvres particulièrement intéressantes par leur styles et sujets. "Hommage à l'Amitié à Van Gogh et Gauguin" (130x97cm) ou encore "Faites l'Amour pas la Guerre" huile sur toile (92x73cm) "Neuf Poissons, la Propsérité" huile sur toile (100x100cm) ou encore " Eté non comme les Autres" huile sur toile (92x73cm) - L'artiste réalise deux sortes d’oeuvres: 1° - Certaines, sont créées en relief, "en cloisonné" pour tous publics, indistinctement, y compris les malvoyants. 2° D'autres, plus spécifiques, sont quant à elles destinées plus particulièrement aux malvoyants et incluent des écritures en langage Braille. L'artiste, pour réaliser ce type d’oeuvres a appris le langage Braille, qu'il intègre ainsi parfois dans ses tableaux, lorsqu'il veut renforcer l'explication, le sens du tableau et compléter les ressentis tactiles des mal-voyants. Le peintre Van Long marque une avancée dans l'art contemporain. Peintre, créateur de la peinture dite "en cloisonné", il s'est orienté avec cette peinture en cloisonné, peinture du toucher, d' oeuvres tactiles, vers une démarche humaine et très utile dans la société, pour aider les malvoyants à ressentir l'art, superficielement et en parallèle le plus intérieurement possible. En effet il est possible de suivre les moindres détails de ses oeuvres en touchant le tableau, en caressant la toile, on y suit les "lignes en relief ", du sujet qui est peint. On peut le décoder, le déchiffrer par le toucher sensible. Son oeuvre reste principalement pour tous les publics, et permettra dans le futur comme il l'espère, que ses oeuvres puissent être touchées par le public à l'intérieur de musées. C'est une grande innovation et un paradoxe esthétique, à un moment où les oeuvres d'art sont fréquemment très protégées, par des vitres, pour éviter les risques du contact avec le public, dans les grands musées. Le peintre Van Long est le créateur d'une nouvelle forme d’oeuvres-d'art pour les musées spécifiquement: Il s'agit d’oeuvres palpables avec les mains, par toutes les catégories de public, tous les spectateurs. C'est par ce moyen que le chercheur en art Van Long, pense faire des ponts dans la société avec les malvoyants aimant l'art, qui pourront avoir une raison d'aller dans un musée eux-aussi, tout comme chacun. Il auront en ce lieu du regard, eux-aussi, des oeuvres-d'art à découvrir, à ressentir.Toutefois selon les désidérata du Maître, dans les musées cette peinture pourrait être, non pas uniquement pour les malvoyants, mais pour tous, "en incluant les malvoyants dans un public d'ensemble". C'est une façon aussi pour lui de resserrer les liens entre tous les individus dans la société. Une nouvelle façon aussi de découvrir l'art, avec une démarche sociale globale pour tout public. Ce maître Emile Van Long fonde un nouvel "Art Tactile" pour tous et veut ainsi montrer qu'il peut exister un "Art Tactile" qui peut être universel, pour tous les individus dans une même société, qui transcendera toutes les barrières, des langues et des capacités de la vision.A noter qu’Émile Van Long dans sa démarche de chercheur, à voulu apprendre aussi le langage en braille, afin de compléter selon le cas, quelques-uns de ses tableaux tactiles, par des écritures lisibles sous les doigts, les décrivant, pour ainsi mieux faire ressentir, mieux faire comprendre l' art à certains malvoyants. Une démarche aboutie et complète, une recherche qui donne lieu aujourd'hui à des oeuvres de haut niveau. Plusieurs reportages sur les tableaux du Maître et son long itinéraire de recherche picturale ont été déjà réalisés. Celui ci est en mesure de dispenser aujourd'hui des enseignements artistiques aux malvoyants par ses techniques et faire des expositions spécifiques. Le Comité du Jury, a été très sensible a cette recherche nouvelle, sociale et humaine, après délibération, il a souhaité honorer le talent du peintre chercheur Emile Van Long, ses recherches sur la vision, le sens tactile et remarquer le travail effectué par l'artiste pour l'intégration du langage de Braille, dans ses tableaux. Le Comité à apprécié ces recherches sur la peinture en cloisonné en tant qu'une peinture pouvant être destinée aux malvoyants, mais aussi a voulu récompenser en m^me temps un talent confirmé dans la création d'une "esthétique tout public" avec un style et une palette, qui s'inscrivent aux premiers rangs dans l'art contemporain figuratif. A l'issue des présentations-concours, lors du Palmarès 2019 à Hyères-Les-Palmiers, dans les salons de l'Hôtel Mercure **** Hyères Centre, le Jury a attribué le 10 Août 2019 un Trophée Côte-d'Azur Arts et Styles 2019 mention Recherche Artistique au peintre-chercheur Emile Van Long. Les Editions EDMC-Europe félicitent l'heureux lauréat.



Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 10/08/2019

© Textes images EDMC peintures E. Van Long

 

 

 

■ ASAKI Toshio, peintre contemporain, Trophée du Style Côte-d'Azur-French Riviera 2019.


le peintre international Toshio Asaki, Trophée du Style Côte-d'Azur French-Riviera 2019

le peintre international Toshio Asaki, Trophée du Style Côte-d'Azur French-Riviera 2019

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JAPON. Toshio Asaki, peintre.

JAPON. Toshio Asaki, peintre.

Paysage, peinture de Toshio Asaki

Paysage, peinture de Toshio Asaki

"Jardin Japonanis à Kyoto" peinture de Toshio Asaki

Paysage, peinture de Toshio Asaki

Paysage, peinture de Toshio Asaki

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"Le Fuji-Yama" peinture de Toshio Asaki. Le peintre a été inspiré par ce volcan enneigé, plus haute montagne du Japon et connu mondialement.

Paysage, peinture de Toshio Asaki

Paysage, peinture de Toshio Asaki

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Lors de de l'événementiel CONCOURS GENERAL D'ETE DES STYLES ARTISTIQUES AOUT 2019 PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA COTE-D'AZUR DES STYLES ET DES ARTS 2019 HYERES-LES-PALMIERS COTE-D'AZUR 2019, Le style et les oeuvres du peintre Toshio Asaki, ont été présentées en compétition de styles, à loccasion du concours artistique organisé par les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe. Ceci consécutivement à une présélection artistique sur l'ensemble de la France, de la Côte-d'Azur et de la Rivera Française, avec un Comité de sélection préparatoire, afin de révéler des talents dont le dénominateur commun était un niveau international avéré. La compétition stylistique a eu lieu avec des artistes tous connus à l'international et dont les styles sont aujourd'hui mûrs et confirmés. Les œuvres de Toshio Asaki ont ainsi été présentées et le Comité du Jury a été particulièrement sensible à cette forme innée d'impressionisme, qui ressort des paysages peints par cet artiste. Un style qui apporte par les couleurs et les touches, parsemées comme des pétales de couleurs, fraicheur et poésie dans le tableau. A n'en pas douter, le grand peintre Claude Monet aurait trouvé très intéressant un tel travail, qui cotoie le figuratif, pour en faire vibrer l'image par les couleurs et les sensations intérieures du peintre, des ressentis qu'il transmet par sa manière ensuite au spectateur. Toshio Asaki sait créer chez chez celui qui regarde un impact de beauté et de poésie. Henri Matisse, lui qui créa "Japonaise au Bord de l'Eau" en jettant ainsi des bases de ce qui allait devenir plus tard l'impressionnisme abstrait, aurait lui aussi certainement apprécié différentes peintures de Toshio Asaki, tels ses paysages comme "Le Jardin japonais à Kyoto". Toshio Asaki possède en lui cet impressionnisme abstrait. Ses peintures rayonnent de ces jeux perceptifs avec l'image, quand les fleurs, les arbres ou les montagnes se transforment sous le regard en un autre langage empli d'une poésie transcendante. Le peintre Toshio Asaki, possède un talent sûr, une élégante puissance de style, une grammaire picturale qui construit le tableau avec énergie et délicatesse, audace et justesse. A l'issue des présentations-concours, lors du Palmarès 2019 à Hyères-Les-Palmiers, dans les salons de l'Hôtel Mercure **** Hyères Centre, le 10 Août 2019 Le Comité du Jury, a voulu honorer le talent de ce peintre international de haut niveau, en attribuant à Toshio Asaki, Lauréat du Palmarès, le Trophée du Style Côte-d'Azur French-Riviera 2019. Les Editions des musées et de la culture félicitent l'heureux récipiendaire.

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 10/08/2019

© Textes, images EDMC peintures Toshio Asaki

 



 


During the events GENERAL COMPETITION OF SUMMER ARTISTIC STYLES AUGUST 2019 PALMARES OF THE GREAT TROPHEES OF THE COTE-D'AZUR OF STYLES AND ARTS 2019 HYERES-LES-PALMIERS COTE-D'AZUR 2019, Style and works by the painter Toshio Asaki, were presented in a competition of styles on the occasion of the competition organized by Editions des Musées et de la culture EDMC-Europe. This is the result of an artistic preselection throughout France, Côte-d'Azur and Rivera Française, with a Preparatory Selection Committee, to reveal talents whose common denominator was an international level. The stylistic competition took place with artists all known internationally and whose styles are now mature and confirmed. The works of Toshio Asaki were thus presented and the Jury Committee was particularly sensitive to this innate form of impressionism, which emerges from the landscapes painted by this artist. A style that brings by the colors and the touches, strewn like petals of colors, freshness and poetry in the painting. Undoubtedly, the great painter Claude Monet would have found very interesting such a work, which is next the figurative, to make vibrate the image by the inner feelings of the painter, which he transmits by his way then to the viewer. Toshio Asaki knows how to create in the one who watches an impact of beauty and poetry. The great painter Henri Matisse, who created "Japonaise au Bord de l'Eau", thus laying the foundations of what would later become abstract impressionism, would have certainly also appreciated various paintings by Toshio Asaki, such as his landscapes as "The Japanese Garden" in Kyoto ". Toshio Asaki possesses in him this abstract impressionism, his paintings radiate from these perceptive games with the image, when the flowers, the trees or the mountains are transformed under the gaze into another language filled with a transcendent poetry. The painter Toshio Asaki, possesses a sure talent, an elegant power of style, a pictorial grammar that constructs the painting with energy and delicacy, audacity and accuracy. At the end of the competition presentations, during the Palmarès 2019 in Hyères-Les-Palmiers, in the salons of the Mercure Hotel **** Hyères Center, on August 10, 2019 The Jury Committee, wanted to honor the talent of this international high-level painter, awarding Toshio Asaki, Laureate of the Palmarès, the Côte-d'Azur Style Trophy French Riviera 2019. The Editions of Museums and Culture congratulate the lucky recipient.

 

Editions of museums and culture (EDMC)

Report on the spot 10/08/2019

© Texts, images EDMC paintings Toshio Asaki

 

 

 

 

■ Mémoire des Arts et des Styles
HOMMAGE AU PEINTRE ABSTRAIT ALAIN CADENEL 1945-2019 EDMC
Artist d'Honneur des Editions des musées et de la culture EDMC


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Lors de l'événementiel sur la Riviera française Grands Trophées 2019 de la Côte-d'Azur  Editions EDMC à Hyères-Les-Palmiers le 10 Aôut 2019  un Hommage posthume a été rendu en cette occasion au peintre Alain CADENEL 1945-2018 honorant le talent de cet artiste hors du commun qui nous a quitté trop tôt.

          

                                  HOMMAGE AU PEINTRE ABSTRAIT ALAIN CADENEL 1945-2019

 

Les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, ont rendu un hommage posthume au peintre abstrait Alain CADENEL, 1945-2019, artiste d'honneur des Editions,  afin d' honorer sa mémoire, à l'occasion de l'événementiel  des Grands Trophées  Côte  d'Azur     Riviera Arts et Styles 2019.Le talent d'Alain CADENEL,ses qualités humaines ,  son écoute  et son  amour  de l'art,  laisseront le  plus      beau des souvenirs. Artiste d'excellence,  homme à la  fois  convivial et  réservé, ce peintre  était  attachant,  nous le  regretterons. Un    peintre ne meurt jamais, dit-on,  car  sa peinture laisse un peu de lui-même après sa vie,  dans le grand cursus de nos  civilisations. Nous aurons encore la chance de pouvoir admirer ses oeuvres et ainsi de  l'apprécier . Les  Editions EDMC - Europe  ont  rendu  cet Hommage,  le 10 Août 2019 dans les Salons de l'Hôtel Mercure* * * * de Hyères - Les - Palmiers Côte-d'Azur,  à  Alain  CADENEL, artiste d'honneur  des  Editions ,  peintre  abstrait  empli  de  spiritualité, témoignant ainsi leur amitié et estime à notre cher peintre Alain. 

 


                                                                                                                                                       Editions EDMC 2019

 

 


■ Artistes et Talents de références EDMC


 

 

 

■ 2019 Reportages ▼


__________________________________________  Images ▼ Textes ▼_______________________________________ ▼

 

■ Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts. MARSEILLE 2019. Editions des musées et de la culture EDMC. Lauréats du concours artistique.


William FENECH, peintre

William FENECH, peintre

Jacqueline MORANDINI, peintre

Jacqueline MORANDINI, peintre

Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Nadine BERTULESSI, peintre

Nadine BERTULESSI, peintre

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Abraham DAYAN, peintre

Abraham DAYAN, peintre

Fédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Fédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

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Synthèse image PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS MARSEILLE 2019


VIDEO d'ensemble de l'événementiel

VIDEO d'ensemble de l'événementiel

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Great Mediterranean Trophies of Styles and Arts Marseille

Great Mediterranean Trophies of Styles and Arts Marseille

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) peinture Emmanuelle AMSELLEM

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) peinture Emmanuelle AMSELLEM

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Ouverture de l'événementiel des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Ouverture de l'événementiel des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Discours d'ouverture par le président du Jury M. E. German.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Discours d'ouverture par le président du Jury M. E. German.

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Annie d'Herpin Vice-Présidente du Jury

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Annie d'Herpin Vice-Présidente du Jury

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) "Hommage à Mstislav Rostropovitch" par le peintre William FENECH

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation par le critique d'art Antoine Antolini, délégué EDMC

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation par le critique d'art Antoine Antolini, délégué EDMC

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation par le critique d'art Antoine Antolini, délégué EDMC

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation par le critique d'art Antoine Antolini, délégué EDMC

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) N. BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) N. BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Jacqueline Morandini remise du Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 par le Jury  (EDMC)

Jacqueline Morandini remise du Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 par le Jury (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Durant les travaux du Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) présentation du Style Jacqueline Morandini

Durant les travaux du Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) présentation du Style Jacqueline Morandini

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Durant les travaux du Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation du Style Araham DAYAN.

Durant les travaux du Jury Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation du Style Araham DAYAN.

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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RESULTATS DU PALMARES 2019

LAUREATS DU PALMARES DES GRANDS TROPHEES DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS MARSEILLE 2019 :  En date du 8 Juin 2019 à MARSEILLE, condécutivement aux délibérations du Comité du Jury,

les artistes lauréats du Concours artistique dont les noms suivent ont obtenu:

 

FENECH William, peintre, GRAND TROPHEE DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS MARSEILLE 2019 (Avec félicitations du Jury) 

 

MORANDINI Jacqueline , peintre, GRAND TROPHEE DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS MARSEILLE 2019 (Avec félicitations du Jury) 

 

AMSELLEM Emmanuelle,  peintre, GRAND TROPHEE DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS  MARSEILLE 2019 

 

BERTULESSI Nadine, peintre, GRAND TROPHEE DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS  MARSEILLE 2019 

 

DAYAN Abraham, peintre, TROPHEE D'OR DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS  MARSEILLE 2019 

 

STEINLAENDER Frédéric, pastelliste, TROPHEE D'OR DE LA MEDITERRANEE DES STYLES ET DES ARTS MARSEILLE 2019 

 

Le Comité du Jury était présidé par:  M. Eugène German, diplômé des Beaux-Arts et des Arts décoratifs, président de Jurys internationaux . Secrétariat du Jury et analyses esthétiques des oeuvres :  Antoine Antolini, conférencier, critique d'art , délégué des Editions Edmc.

 

* * * *  REPORTAGES SUR L'EVENEMENTIEL ET LES ARTISTES LAUREATS, VOIR EN PAGE "REPORTAGES" * * * *

 

 

■ William FENECH, peintre,
Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Avec les félicitations du Jury. Lauréat du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Discours d'ouverture du Préident du Jury M. E. German. Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Discours d'ouverture du Préident du Jury M. E. German. Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Le peintre William FENECH et son adorable mascotte porte-bonheur... Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Le peintre William FENECH et son adorable mascotte porte-bonheur... Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Le Maître Catalan  William FENECH, peintre expressionniste figuratif à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 Avec les félicitations du Jury

Le Maître Catalan William FENECH, peintre expressionniste figuratif à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 Avec les félicitations du Jury

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

"Autoportrait" Huile sur toile de lin (55x46cm) 2018, William FENECH, peintre

"Hommage à Mstislav Rostropovitch" Huile sur toile de lin (80x80cm) 2019, William FENECH, peintre

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"L'Ascot" Huile sur toile de lin (97x130cm) 2019, William FENECH, peintre

"Chez Miguel" Huile sur toile de lin (80x80cm) 2019, William FENECH, peintre

"The Music'Bar" Huile sur toile de lin (60x73cm) 2019, William FENECH, peintre

Devant son Oeuvre-Hommage au violoncelliste Rostropovitch. Le Maître Catalan William FENECH, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts

Devant son Oeuvre-Hommage au violoncelliste Rostropovitch. Le Maître Catalan William FENECH, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts

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MARSEILLE 2019 - Présentation de l'oeuvre

MARSEILLE 2019 - Présentation de l'oeuvre "Hommage à Mstislav Rostropovitch" de William FENECH, par le critique d'art Antoine Antolini (EDMC)

William FENECH, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

William FENECH, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

 William FENECH, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

William FENECH, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) William FENECH, peintre

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William FENECH, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019, Avec félicitations du Jury. Lauréat du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC)

 

 

Le peintre William Fenech, vit à CERET, Pyrénées-Orientales. Il pratique une peinture particulièrement animée et vivante, l’expressionnisme figuratif du mouvement. Le Maître catalan a fait l'honneur de sa participation au concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des styles et des arts, Marseille 2019, organisé sous l'égide des Editions des musées et de la culture (EDMC). Durant cette compétition artistique, ont pu se confronter différents styles d'artistes de très haut niveau, préalablement sélectionnés par le Comité préparatoire de l'événementiel. L'objectif de cette manifestation étant de participer à un renouveau des visions de l'art contemporain, en prenant en considération un certain nombre de fondements esthétiques , qui construisent l'art international. Le peintre William Fenech, initie depuis plusieurs années dans l'art, un nouveau style d'expressionnisme figuratif du mouvement, qu'il aime à déployer autour de sa thématique de la vie nocturne, qu'il privilégie dans son œuvre, en un prolongement actuel de l'esprit de maîtres tels Renoir ou Toulouse-Lautrec. Ses toiles portent un message de convivialité, de goût de vivre, souvent au travers de nombreux personnages, que l'artiste peint en laissant se dégager une atmosphère dynamique et rythmée, où les regards, les sourires, les gestes se répondent, avec autant de mimiques, d'attitudes propres à chacun, cela dans une authenticité exceptionnelle. La toile "Autoportrait" Huile sur toile de lin (55x46cm) 2018, a été présentée tout d'abord au Jury, avec en appui les commentaires analytiques du critique d'art Antoine Antolini. Une œuvre mettant clairement en évidence le degré d'aptitude de cet artiste a réaliser une expression authentique et vraie d'un visage, dans son rapport au réel. On ressent dans cet autoportrait divers aspects du caractère du peintre, et c'est bien là le but recherché, car son expressionnisme figuratif, veut transmettre au-delà de la peinture de l'apparence, une vérité intérieure. La toile "Hommage à Mstislav Rostropovitch" Huile sur toile de lin 80x80cm) 2019 de William Fenech, montre toute la force et l'énergie intérieure du grand musicien. L'expressionnisme figuratif du peintre arrive à traduire dans ce tableau, non seulement la force et la délicatesse du geste du grand violoncelliste, mais aussi toutes ces sonorités, qui semblent être intériorisées pour l'exécution de la pièce musicale. Le peintre a voulu montrer l'osmose qui existait entre Rostropovitch et son instrument, il a réussi à nous restituer picturalement cette union, de plus, d'une façon vraiment expressive et émouvante. Incomparablement, le Maître sait toujours comment introduire dans sa peinture un supplément d'âme, qui vient transformer chacun de ses tableaux en véritable chef-d'oeuvre. Le décor est empli de magnificence tel un écrin d'art qui environne Rostropovitch. Le Jury a été particulièrement sensible à l'importance de cette Oeuvre-Hommage et au talent du peintre pour la réaliser. Cette peinture majeure a été suivie de trois tableaux particulièrement intéressants de William Fenech. "L'Ascot", Huile sur toile de lin (97x130cm) 2019 puis "Chez Miguel", Huile sur toile de lin (80x80cm) 2019 et enfin, "The Music'Bar" Huile sur toile de lin (60x73cm) 2019, témoignant de la grande aisance de cet artiste à peindre les nuances dans les aspects de visages, comme autant de reflets de vies, les allures vestimentaires... Nous racontant des moments intenses d'existence, par ces scénographies musicales de cafés-concerts nouvelle génération. Comme nous le révèle le peintre, ces lieux font perdurer, aujourd'hui encore, un besoin ancestral de la fête et du divertissement. Les peintures de William Fenech, peignent du lien humain, un espace social autre, que seule peut arriver à créer la musique. Le Comité du Jury à attribué le 8 Juin 2019 dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, à l'issue du Palmarès, la prestigieuse distinction artistique, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019, à William Fenech, peintre lauréat du concours artistique. Avec félicitations du Jury.

 

 

 

 

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures W. Fenech

 

 

 

 

■ Jacqueline MORANDINI, peintre,
Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Avec les félicitations du Jury. Lauréate du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Jacqueline MORANDINI, peintre, lauréate du concours artistique, à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 - Avec les félicitations du Jury.

Jacqueline MORANDINI, peintre, lauréate du concours artistique, à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 - Avec les félicitations du Jury.

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

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"Les Eaux Intérieures" type 3D Technique Mixte incrustation motif en métal découpe laser sur toile (30x60cm) 2017 Jacqueline MORANDINI, peintre

"Ciel d'Azur 2" Technique Mixte incrustation motif en métal découpe laser sur toile (60x60cm) -2017, Jacqueline MORANDINI, peintre

"Sous le Signe du Taureau" Technique Mixte incrustation feuilles de métal et motif en bois découpé finition effet laque (162x114cm) 2017, Jacqueline MORANDINI, peintre

"La Disparition des Métaux Natifs" Technique Mixte (60x60cm) 2014, Jacqueline MORANDINI, peintre

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"Terre et Matières" Technique Mixte (80x100cm) 2013, Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Jacqueline MORANDINI, peintre, lauréate du concours artistique, à obtenu à MARSEILLE le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 - Avec les félicitations du Jury.

Jacqueline MORANDINI, peintre, lauréate du concours artistique, à obtenu à MARSEILLE le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 - Avec les félicitations du Jury.

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Jacqueline MORANDINI, peintre

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Jacqueline MORANDINI, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019, Avec félicitations du Jury. Lauréate du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC)

 

Le style et les œuvres de la peintre Jacqueline Morandini ont été présentées lors du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019. Cet événementiel, sous l'égide des Editions des musées de la culture (EDMC), a pour objectif de mettre en évidence des talents d'artistes contemporains de très haut niveau, afin de participer à un renouveau des visions de l'art contemporain, en prenant en considération un certain nombre de fondements esthétiques qui construisent l'art international. Le style de Jacqueline Morandini, initialement abstrait a connu une évolution par l'inclusion de motifs en métal découpé au laser sur toile. On a pu voir des œuvres dans une démarche d'osmose très intéressante, novatrice, associant un travail en abstraction recevant des incrustations figuratives. Ainsi l'oeuvre "Les Eaux Intérieures" type 3D Technique Mixte incrustation motif en métal découpe laser sur toile (30x60cm) 2017, a permis d'apprécier une thématique marine au travers de poissons en métal finement découpés au laser. La dominante de bleus dans l'œuvre apportait une évocation maritime. Plus aérienne "Ciel d'Azur 2" Technique Mixte incrustation motif en métal découpe laser sur toile (60x60cm) 2017, a fait apprécier au Jury deux représentations d'oiseaux en plein vol, incrustées dans l'œuvre, avec un aspect très abouti en une esthétique à la fois abstraite quant au fond-support et figurative par les motifs, l'ensemble très bien construit et élégant tendant vers la légèrté et l'immatériel. Avec l’œuvre "Sous le Signe du Taureau" Technique Mixte incrustation feuilles de métal et motif en bois découpé, finition effet laque (162x114cm) 2017, Jacqueline Morandini, avait choisi de présenter dans cette compétition de styles, un très intéressant sujet polysémique, aux échos mythologiques, astrologiques, sous le signe... et paradoxalement également terriens. Une oeuvre étonnante, en évocation de ciel et de terre, de force et de liberté, une œuvre-icône, qui apporte à l'art une version contemporaine très personnelle de cet animal mythique. Le Comité du Jury, a entendu les commentaires du critique d'art Antoine Antolini, et a pu être documenté sur le fait que depuis quelques années l'artiste a fait évoluer son œuvre abstraite, en y intégrant des inclusions de motifs figuratifs, dans une démarche de recherche esthétique de grande qualité afin de potentialiser l'expression picturale évocatoire. En effet cette union de la démarche abstraite et de l'inclusion figurative produit de puissants résultats esthétiques et émotionnels, additionnant en synergie les impacts visuels figuratifs et abstraits. Ces œuvres ont permis, de plus, de montrer au Comité du Jury, combien l'artiste est en osmose avec l'Homme, la Nature , l’environnement et la vie. Les œuvres en abstraction telle "La Disparition des Métaux Natifs" Technique Mixte (60x60cm) 2014 ou encore "Terre et Matières" Technique Mixte (80x100cm) 2013, traduisent avec une grande intuition, l'épuisement des ressources de la planète, mais aussi nous rappellent les éléments qui constituent le fondement environnemental profond et essentiel de la vie. Citoyenne du monde, artiste sans frontières, Jacqueline Morandini déploie avec persévérance, son langage pictural, dans lequel les couleurs entrent en correspondance avec son message humaniste et environnemental. Toujours attentive à situer l'Homme et la vie au cœur de sa démarche artistique. La peintre à mis au point cette grammaire de couleurs allégoriques, pour dire son art dans l'intemporel et hors de toutes géographies. Une peinture universaliste, hors du champ d'une seule civilisation, d'une société donnée, ou de tel ou tel pays. La peinture de Jacqueline Morandini est transculturelle, chacun peut ressentir un lien direct et profond individuel, en face d'une de ses oeuvres. Son style et sa grammaire abstraite et évocatoire, sont entrés dans le domaine international depuis plus de 17 ans, en Europe, en Amérique du Nord (Canada et Etats-Unis), en Asie (Japon), au Maroc et en Russie. Ses œuvres sont aujourd’hui présentes dans des collections privées en Europe (France, Allemagne, Angleterre, Espagne, Belgique …) Maroc, Québec et aux Etats-Unis. Lors du concours des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019 le Comité du Jury à attribué le 8 Juin 2019, à l'issue du Palmarès, dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, le prestigieux Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, à la peintre Jacqueline Morandini, lauréate du concours artistique - Distinction attribuée avec les félicitations du Jury -

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures J. Morandini

 

 

 

■ Emmanuelle AMSELLEM, peintre,
Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Lauréate du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Emmanuelle AMSELLEM, peintre

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Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grand Trophée de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

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"Variations B4", Huile sur toile de lin (80x80cm), 2008 (Œuvre réalisée au couteau), Emmanuelle AMSELLEM, peintre

"Figures 3D B2" Huile sur toile de lin (162X114cm) 2011(Composition réalisée au couteau), Emmanuelle AMSELLEM, peintre

"Figures B11" Huile sur toile (100X100cm) 2009 (Composition réalisée au couteau) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

"Variations B5" huile sur toile de lin (20X20cm) 2008 (Œuvre réalisée au couteau), Emmanuelle AMSELLEM, peintre

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Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019

Emmanuelle AMSELLEM, peintre, lauréate du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019

"Variations B16" Huile sur toile de lin (116X90cm) 2011 (Œuvre réalisée au couteau), Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation du Style Emmanuelle AMSELLEM, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini. (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation du Style Emmanuelle AMSELLEM, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini. (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Emmanuelle AMSELLEM, peintre

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Emmanuelle AMSELLEM, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019.

Lauréate du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC)



Consécutivement à la sélection au plan national, le style et les œuvres de la peintre Emmanuelle Amsellem ont été présentées lors de l'événementiel artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019. Cet événementiel s'est tenu dans les salons de l’Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port , sous l'égide des Editions des musées de la culture (EDMC). Cette manifestation a vu la mise en compétition de styles et de démarches artistiques de grande qualité, l'objectif étant de mettre en relief le talent d'artistes vivants de très haut niveau, permettant ainsi un renouvellement des visions de l'art contemporain, avec de nouveaux critères dans notre Histoire contemporaine de l'Art. C'est ainsi que lors du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019, plusieurs œuvres de l'artiste Emmanuelle Amsellem, par ailleurs lauréate du prix Claude Berthault, (décerné en 2009 par l’Institut de France sur proposition de l’Académie des Beaux-Arts, pour l’ensemble de son œuvre ), ont été présentées avec succès en Juin 2019 devant le Jury à Marseille. Le critique d'art Antoine Antolini a utilement analysé l'importance de ce travail, devant le Comité du Jury, signalant la portée et l'originalité de cette peinture, aujourd'hui dans l'art contemporain. Avec les œuvres présentées telles "Variations B4", Huile sur toile de lin (80x80cm), 2008 (Œuvre réalisée au couteau), "Figures 3D B2" Huile sur toile de lin (162X114cm)  2011 (Composition réalisée au couteau), "Figures B11" Huile sur toile (100X100cm) 2009 (Composition réalisée au couteau), "Variations B5" huile sur toile de lin (20X20cm) 2008 (Œuvre réalisée au couteau), "Variations B16" Huile sur toile de lin (116X90cm) 2011 (Œuvre réalisée au couteau), le style et la démarche artistique d' Emmanuelle Amsellem, témoigne avant tout d'une maîtrise absolue de la couleur et des formes. Au travers des œuvres mises en compétition le Jury a pu tout autant apprécier une grammaire picturale variée, dont le dénominateur commun était le bleu. Pas n'importe quel bleu. Un bleu élaboré, sur lequel vient jouer la lumière. Ici des tons plus sourds emprisonnent l'éclat, pour le libérer là à côté, en touches au couteau, luminescentes. Des bleus quasiment "vivants" animent la toile. Les intensités se répondent comme en échos. Lorsque l'artiste pose en contraste un bleu de Prusse, lorsqu'elle pousse le bleu de cobalt a donner encore plus  de reflets, la lumière se modèle sur la surface, tout devient magique, envoûtant... L'artiste sait faire varier la sensation visuelle non seulement dans les nuances, mais va bien au-delà. Au cours de ses recherches esthétiques Emmanuelle Amsellem, à découvert comment faire interagir les intensités colorées entre-elles, de plus maîtriser leur interactions en jouant du bleu comme en une gamme musicale. Une peinture emplie de force, d'énergie, d'une profondeur sensible inégalable, qui  comble chez le spectateur au regard habitué, un besoin visuel jamais encore assouvi auparavant. Les œuvres d'Emmanuelle Amsellem savent parcourir les différents terrains de l'art abstrait, du géométrique, du signe, jusqu'à une forme très personnelle d'informel matiériste, avec un talent qui sait faire évoluer en même temps optic'art et monochromes. Dépassement de toute approche minimaliste, sa peinture détient un message spirituel et cosmique. Une peinture de référence dans notre culture esthétique du XXI ème siècle. A l'issue des délibérations du Jury du concours des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019, l'artiste est entrée au Palmarès. Le 8 Juin 2019, dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, le Comité du Jury à attribué à la peintre abstraite Emmanuelle Amsellem, lauréate du concours artistique, le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts.



Editions des musées et de la culture (EDMC) 

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures E. Amsellem



 

■ Nadine BERTULESSI, peintre,
Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Lauréate du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts 2019 Présentation du style de Nadine BERTULESSI, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts 2019 Présentation du style de Nadine BERTULESSI, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini

Nadine BERTULESSI, peintre, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

Nadine BERTULESSI, peintre, a obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019

Grand Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 attribué par le Jury à Nadine BERTULESSI, peintre

Grand Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 attribué par le Jury à Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

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"Un Moment Divin" Pigments purs sur toile aux couteaux et glacis (60x60cm) 2019 peinture de Nadine BERTULESSI

"L'Ange LELAHEL", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis (120x60cm) 2019 peinture de Nadine BERTULESSI.

"Souffle d'Energies", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis.(100x100cm) 2019, peinture de Nadine BERTULESSI.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Nadine BERTULESSI, peintre

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"Immersion Dans un Nouvel Univers" Pigments purs aux couteaux sur toile et glacis. (116x89cm) 2019, peinture de Nadine BERTULESSI

"Comme un Chant de Liberté" pigments purs aux couteaux sur toile et glacis . (200x100cm) 2019, peinture de Nadine BERTULESSI.

(plan rapproché)

(plan rapproché) "Comme un Chant de Liberté" pigments purs aux couteaux sur toile et glacis . (200x100cm) 2019, peinture de Nadine BERTULESSI.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Nadine BERTULESSI, peintre

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(plan rapproché)

(plan rapproché) "Comme un Chant de Liberté" pigments purs aux couteaux sur toile et glacis . (200x100cm) 2019, peinture de Nadine BERTULESSI.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

La peintre abstraite Nadine Bertulessi, lauréate du concours artistique, à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 -

La peintre abstraite Nadine Bertulessi, lauréate du concours artistique, à obtenu le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts MARSEILLE 2019 -

Nadine BERTULESSI, peintre, dans sa galerie à Morestel en Isère.

Nadine BERTULESSI, peintre, dans sa galerie à Morestel en Isère.

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Nadine BERTULESSI, peintre. L'univers pictural de l'artiste, ici une vue de sa galerie à Morestel en Isère.

Nadine BERTULESSI, peintre. L'univers pictural de l'artiste, ici une vue de sa galerie à Morestel en Isère.

Nadine BERTULESSI, peintre. L'univers pictural de l'artiste, ici une vue de sa galerie à Morestel en Isère.

Nadine BERTULESSI, peintre. L'univers pictural de l'artiste, ici une vue de sa galerie à Morestel en Isère.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Nadine BERTULESSI, peintre

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Nadine BERTULESSI, peintre, Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019. Lauréate du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC)

 

Le style et les œuvres de la peintre Nadine BERTULESSI ont été présentées avec succès durant l'événementiel artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019. Cet événementiel, sous l'égide des Editions des musées de la culture (EDMC), s'est tenu dans les salons de l’Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port. L'objectif de cette manifestation étant de mettre en relief le style et la démarche artistique de créateurs de très haut niveau, afin d'apporter, au travers de talents nouveaux et innovants d'artistes vivants, un renouvellement des visions de l'art contemporain. Le style et l’œuvre de Nadine Bertulessi , ont tout d'abord été sélectionnés au plan national, par le Comité préparatoire du concours des styles artistiques. Cela a permis à la peintre de mettre ses œuvres en compétition face au Comité du Jury. Parmi les oeuvres présentées, la toile "Un Moment Divin", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis (60x60cm) 2019 a montré la maîtrise de l'artiste dans l'expression d'une grammaire puissante, à la fois nuancée, dans une gamme de rouges orangés, de blancs lumineux, qui entraînent le spectateur dans un univers étrange, dans lequel se mêlent sensations intimistes et d'infinitude. Avec "L'Ange LELAHEL", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis (120x60cm) 2019, on a pu assister ici à une magistrale interprétation diaphane, d'un entre-deux mondes. Une véritable aptitude de la peintre abstraite à toucher à l'immatériel par son talent. Cette démarche est le fruit d'un long parcours, la première toile abstraite de Nadine Bertulessi remontant vingt ans en arrière. Comme a pu l'expliquer devant le Jury, le critique d'art Antoine Antolini, l'artiste Nadine Bertulessi est une artiste rare, qui a voulu et a réussi à rester hors de toutes influences externes, livresques ou pédagogiques, pour apporter à l'art, une peinture abstraite comme un diamant pur. Aujourd'hui la peinture de Nadine Bertulessi, respire une grande authenticité, est emplie d'une force positive. Pendant ses premières années d'abstraction la peintre a tout d'abord voulu bannir de son intériorité sur la toile toute expression ou ressentis négatifs, ceci afin de trouver son véritable jardin intérieur, débarrassé de tout parasitage. C'est à partir de là que cette artiste, en développant ses techniques sur les couleurs, son travail aux couteaux, ses propres techniques de glacis, a pu par la pratique et toujours plus de travail, arriver finalement à exprimer ses sensations les plus profondes, avec la plus grande justesse, avec le plus de vérité. Sa toile "Souffle d'Energies", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis.(100x100cm) 2019, témoigne d'un spontanéité absolue de l'artiste dans la réalisation de l’œuvre. Ses toiles sont un moyen d'épanouissement, de dépassement d'elle-même à chaque fois, d'ouverture spirituelle, cosmique, non seulement pour elle, mais aussi pareillement pour son public, pour le spectateur qui saura regarder, ressentir. Avec ses œuvres "Immersion Dans un Nouvel Univers", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis. (116x89cm) 2019 et notamment sa toile "Comme un Chant de Liberté", pigments purs aux couteaux sur toile et glacis . (200x100cm) 2019, on peut apprécier la dualité de deux univers réunis sur la toile. Nadine Bertulessi allie son univers intérieur à l'Univers. La peinture de l'artiste est devenue aujourd'hui un lien, une symbiose entre deux mondes. Expression unique de deux univers, le sien, immatériel, fait de ressentis et d'intuitions intimistes et un autre plus méta-physique, aux sources d'un imaginaire générique. Il se dégage de ses toiles une forme étonnante d'harmonie physico-céleste, ses peintures chevauchent et entrecroisent deux mondes, l'un extérieur et l'autre intérieur, celui de sa vie et celui d'un au-delà pictural. Hors de toutes limites d'espace et de temps, ses peintures deviennent transcendance. Ses toiles reflètent son univers enfoui au plus profond d'elle-même et celui le plus éloigné, aux confins de ses intuitions spirituelles et cosmiques. La démarche picturale novatrice de Nadine Bertulessi est un véritable apport dans notre berceau culturel artistique. A l'issue des délibérations du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019, l'artiste est entrée au Palmarès. Le Comité du Jury à attribué le 8 Juin 2019 , dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, le Grand Trophée de la Méditerranée du Style et des Arts, à la peintre Nadine Bertulessi, lauréate du concours artistique.

 

 

 

Editions des musées et de la culture (EDMC) 

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures N. Bertulessi

 

 

 

 

 

 

 

 

■ Abraham DAYAN, peintre.
Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Lauréat du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Abraham DAYAN, peintre

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Abraham DAYAN, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Peintre Lauréat du Concours artistique.

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

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"Survol de l'Univers" Huile sur toile (130x97cm) 2012, Abraham DAYAN, peintre

"Néfertiti" Huile sur toile (81x130cm) 2013, Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation du style d'Abraham DAYAN, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini  (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - Présentation du style d'Abraham DAYAN, peintre, par le critique d'art Antoine Antolini (EDMC)

"Le Radeau" Huile sur toile (76x60cm) 2015, Abraham DAYAN, peintre

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"Femme Allongée" Huile sur toile (101,50x157cm ) 2016, Abraham DAYAN, peintre

"La Femme qui Danse" Huile sur toile (100x100cm) 2006, Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Abraham DAYAN, peintre

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Abraham DAYAN, peintre, Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019.

Lauréat du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC)


La sélection au plan national du style et des œuvres du peintre Abraham DAYAN a donné lieu à la présentation de différentes peintures de l'artiste dans le cadre de l'événementiel artistique Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019. Ce temps fort des arts s'est déroulé dans les salons de l’Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port , sous l'égide des Editions des musées de la culture (EDMC). L'objectif de cette manifestation étant de mettre en relief le talent novateur d'artistes vivants de très haut niveau, afin de participer à un renouveau des visions de l'art contemporain, en prenant en considération un certain nombre de fondements esthétiques qui construisent l'art international. Une compétition stylistique certes, mais autant un fait culturel, qui s'efforce de participer au plus près du progrès de l'art d’aujourd’hui. Abraham DAYAN, est un artiste novateur, qui a su faire entrer dans l'art une grammaire très aboutie, avec une démarche rigoureuse et élaborée, qui rend une cohérence à l'ensemble de son travail, un style. Un choix d'œuvres significatives de son style ont été présentées devant le Comité du Jury, tel "Survol de l'Univers" Huile sur toile (130x97cm) 2012, "Néfertiti" Huile sur toile (81x130cm) 2013 ou encore "Le Radeau"  Huile sur toile (76x60cm) 2015, "Femme Allongée" Huile sur toile (101,50x157cm ) 2016, ainsi que "La Femme qui Danse" Huile sur toile (100x100cm) 2006. Le peintre Abraham DAYAN, propose dans l'art actuel une peinture emplie d'originalité aussi bien dans ses personnages, ses scénographies, toujours avec beaucoup de sensibilité. Le critique d'art Antoine Antolini a souligné devant le Comité du Jury que la peinture de cet artiste est bien la preuve qu'en art, le géométrique peut rejoindre le lyrique et le poétique. Abraham Dayan a créé, sans aucun doute, un concept par lequel il démontre qu' équilibre et rationalité des formes et des couleurs peuvent atteindre un langage supérieur, celui du poétique. De plus Abraham DAYAN, vérifie cette synthèse, en particulier dans l'approche au travers de personnages, de portraits, auxquels il sait donner vie, émotions, sensibilité dans son style très personnel. Il peut traiter de la même façon le paysage ou tout autre sujet. Le style d’Abraham DAYAN, par sa simplification ultime, arrive à conquérir l'essentiel, capte et nous fait capter l'essence même de son sujet sur la toile. Sa technique de composition et l'harmonie qui se dégagent de son oeuvre s'imposent  dans l'art comme une véritable pas en avant dans l'esthétique contemporaine, car son expression directe de la forme, de l'anatomie, son atmosphère, arrivent à faire ressortir l'esprit de ses personnages. Son style "essentiel" transcende un temps présent, une civilisation, une société, il est de toutes les époques, depuis la nuit des temps, du trait pariétal géométrique, de la mosaique angulaire, jusqu'aux aux nouvelles technologies de l'image et de l'animation virtuelle. De nombreux artistes à travers le monde, sur tous les continents, ont travaillé de tout temps la simplification des formes figuratives, en peinture comme en sculpture, plus près de nous, de Picasso à Folon, pour y rechercher de la poésie picturale, pour savoir comment les résonances géométriques, pouvaient entraîner une harmonie dans le générique, voire de la spiritualité. Abraham DAYAN, a retrouvé par son style, le lien primordial, anthologique, entre les harmonies des couleurs et celles de la forme, sa grammaire est le concept le plus synthétique, qui élève le sujet peint à un niveau supérieur du visuel. Sa peinture émet un nouvel entendement esthétique pour qui sait le recevoir. A l'issue des délibérations du Jury du concours des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019, l'artiste Abraham DAYAN, lauréat du concours artistique, est entré au Palmarès. Le 8 Juin 2019, dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, le Comité du Jury à attribué au peintre Abraham DAYAN, le Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts.

 

 

Editions des musées et de la culture (EDMC) 

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures A. DAYAN



 

 

 

 

■ Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste.
Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts. MARSEILLE 2019. Lauréat du concours artistique.


Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au  maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER,

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER,

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury à Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au  maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER,

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER,

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Présentation au Jury du style de Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

"Jazzy " Pastel - Pastelmat (50x65cm) - 2019 Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

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"Renard" Pastel - Pastelmat (35x45cm) 2019, Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

"Rivière Mystérieuse" Pastel - Pastelmat (65x40cm) 2018, Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

"Schwarzbach" Pastel - Pastelcard (40x60cm) 2015, Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

"Windstein" Pastel - Pastelmat (50x65cm) 2018, Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

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Fédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste, lauréat du concours des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019 (EDMC)

Fédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste, lauréat du concours des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019 (EDMC)

 Le style de STEINLAENDER Frédéric maître-pastelliste devant le Jury des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Le style de STEINLAENDER Frédéric maître-pastelliste devant le Jury des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC)

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au  maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER, lauréat du concours artistique.

Trophée d'Or de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) attribué par le Jury au maître-pastelliste Frédéric STEINLAENDER, lauréat du concours artistique.

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Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 - (EDMC) Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste

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Frédéric STEINLAENDER, maître-pastelliste, Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts, MARSEILLE 2019.

Lauréat du concours artistique.

8/06/2019. (EDMC

 


Consécutivement à la sélection artistique nationale, organisée pour la préparation du concours artistique des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts MARSEILLE 2019 , la démarche esthétique et le style du maître-pastelliste Frédéric Steinlaender, ont une nouvelle fois passé le cap de la sélection, pour être présentés devant le Comité du Jury à Marseille, dans le cadre de l'événementiel mis en œuvre sous l'égide et selon le concept des Editions des musées et de la culture (EDMC). L'objectif de cette manifestation étant de participer à un renouveau des visions de l'art contemporain, en prenant en considération un certain nombre de fondements esthétiques, qui construisent l'art international. Cela, au travers d'artistes contemporains de très haut niveau, dans tous les styles du figuratif à l'abstrait, mais également dans toutes les techniques, dont ici les pastels, avec Frédéric Steinlaender. Un artiste dont le talent rayonne aujourd'hui jusqu'en Chine. Ainsi, les oeuvres telles "Jazzy " Pastel - Pastelmat (50x65cm) 2019, "Renard" Pastel - Pastelmat (35x45cm) 2019, "Rivière Mystérieuse" Pastel - Pastelmat (65x40cm) 2018, ou bien "Schwarzbach" Pastel - Pastelcard (40x60cm) 2015, et "Windstein" Pastel - Pastelmat (50x65cm) 2018, ont été présentées avec succès devant le Comité du Jury. Frédéric Steinlaender dispose d'une capacité à aller sur toute la gamme de l'expression picturale, de la plus figurative comme avec "Renard", jusqu'à la plus impressionniste, aux frontières de l'abstraction, comme avec "Jazzy", œuvre magistrale, dans laquelle en un florilège de touches, les tonalités des couleurs rejoignent celles musicales, tout autour du musicien. Le travail tout en délicatesse du maître-pastelliste a été apprécié, non seulement pour sa qualité expressive figurative, mais également pour l'atmosphère, le climat étonnant que Frédéric Steinlaender, arrive à faire se dégager, avec diverse particularités, de chacune de ses œuvres (rythme, ambiance, mystère, poésie, mise en symbiose du spectateur avec la nature, sujets inattendus). C'est d'ailleurs ce qui a pu être mis en avant devant le Jury. Ses paysages sont une recherche esthétique. Pour le critique d'art Antoine Antolini "Il y a dans le style de cet artiste une de façon de voir le paysage en modernisant le figuratif, ceci par un ensemble de nuances en intimité avec la Nature"... "Il crée dans son traitement du motif une interface évocatoire, qui prolonge la vision première vers un autre monde sensible, bien au-delà du regard"... En effet tout en restant fidèle à l'image du paysage, Frédéric Steinlaender sait faire apparaître les aspects les plus secrets de la Nature, au delà de l'apparence, il sait en saisir l'esprit, les forces non visibles qui s'y trouvent, les énergies latentes, qu'il peint, diaphanes ou bien en tons plus vifs, aigus. Il nous fait ressentir tout ce qui y est enfouis en signifiance, en émotions, des échos de mythes, de magique, de l'inattendu, ("Rivière Mystérieuse" ou encore "Windstein"), mais aussi la vie, qui y est omniprésente, bouillonnante et qui éclabousse nos yeux. Une vie qui peut nous rendre plus serein, restituant du bonheur,  par sa contemplation, comme "Schwarzbach". Avec la « Rivière mystérieuse », sans rien changer fondamentalement au motif, c'est ici par les nuances de ses tonalités, ses choix de couleurs, ses applications de doux sfumatis, en créant une paix diaphane, que l'artiste arrive à faire rentrer l'immatériel, le spirituel, dans une beauté poétique. L'artiste réalise des tableaux qui sont de véritables passerelles vers la poésie, "sa" poésie; Vers une forme de langage pictural issu du cœur, de son regard d'artiste. Sa maîtrise parvient à extraire la part de rêve qui se cache dans la réalité. Il montre aussi bien la douceur d'un paysage en un ensemble d'harmonies lumineuses , que la fougue d'une rivière. Son œuvre "Renard" , signale à quel point il arrive capturer ce qui est impalpable. Avec "Renard" l'artiste est arrivée a peindre, à traduire, cette attention soutenue du renard… C'est une démonstration de talent confirmé, que d'arriver à saisir comme ici l'insaisissable, cett force attentive immatérielle de cet animal, en définitive, son esprit. Un style qui témoigne d'un amour profond du paysage, de la Nature. Le Comité du Jury a été sensible à cette osmose de l'artiste avec la Nature avec laquelle il fait étroitement corps pour nous la raconter de l'intérieur. A l'issue des délibérations du Jury, l'artiste Frédéric Steinlaender, lauréat du concours artistique, est entré au Palmarès des Grands Trophées de la Méditerranée des Styles et des Arts, MARSEILLE 2019. C'est dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** Marseille Centre Vieux Port, que le Comité du Jury à attribué le 8 Juin 2019, au Maître-pastelliste Frédéric Steinlaender, le Trophée d'Or de la Méditerranée du Style et des Arts.

 

 

 

Editions des musées et de la culture (EDMC)

Reportage sur place 8/06/2019

© Textes images EDMC peintures F. Steinlaender

 

 

 

 

 

■ EDMC


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■ 2018 STYLES & TALENTS A LA UNE 2018


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■ ANNEE 2018 Reportages ▼


 

 

■ "ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2018"


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 VIDEO ARTISTES D'HONNEUR 2018 GRANDS TROPHEES DES ARTS 2018

VIDEO ARTISTES D'HONNEUR 2018 GRANDS TROPHEES DES ARTS 2018

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Comité du Jury - Annie d'Herpin, Présidente du Jury Novembre 2018

Comité du Jury - Annie d'Herpin, Présidente du Jury Novembre 2018

La présentation du style de la peintre Tahera DELAYE par Antoine ANTOLINI a retenu l'attention du Jury

La présentation du style de la peintre Tahera DELAYE par Antoine ANTOLINI a retenu l'attention du Jury

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"Sauvetage" une sculpture publique de Didier LEMAITRE

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Le style fauve de Jean-Paul SCHMITT entre symbolisme et surréalisme a été analysé devant le Comité du Jury par Antoine ANTOLINI

Le style fauve de Jean-Paul SCHMITT entre symbolisme et surréalisme a été analysé devant le Comité du Jury par Antoine ANTOLINI

En compétition dans le Palmarès

En compétition dans le Palmarès "Chambord" d'Alain CADENEL, une résine teintée étonnante.

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■ Jean-Paul SCHMITT, peintre contemporain a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 "ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018" ▼


Jean-Paul SCHMITT Grand Trophée des Arts 2018

Jean-Paul SCHMITT Grand Trophée des Arts 2018 "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

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Jean-Paul SCHMITT Grand Trophée des Arts 2018

Jean-Paul SCHMITT Grand Trophée des Arts 2018 "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

Le peintre Jean-Paul SCHMITT

Le peintre Jean-Paul SCHMITT

Le peintre Jean-Paul SCHMITT

Le peintre Jean-Paul SCHMITT

"Anne aux Emplettes" Huile (81 x 65 cm) du peintre Jean-Paul SCHMITT

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Le peintre contemporain Jean-Paul SCHMITT

Le peintre contemporain Jean-Paul SCHMITT

"Café XIII" Tower Hamlets à LONDRES Huile au couteau (116 x 89 cm) du peintre Jean-Paul SCHMITT

"Nature Morte aux Poires fripées" Acrylique(80 x 80 cm) du peintre Jean-Paul SCHMITT

Jean-Paul SCHMITT, peintre

Jean-Paul SCHMITT, peintre

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"Saint Martin XXX" Chemin de la Sablière Huile au couteau (80x120cm) de Jean-Paul SCHMITT, peintre

Jean-Paul SCHMITT, peintre

Jean-Paul SCHMITT, peintre

Jean-Paul SCHMITT, peintre

Jean-Paul SCHMITT, peintre "Intérieur Café II" Huile au couteau (116x89cm)

Jean-Paul SCHMITT, peintre contemporain

Jean-Paul SCHMITT, peintre contemporain

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Actualité des styles et tendances dans l'art 2018. Lors de l’événementiel artistique Palmarès des Arts Hiver 2018 Artistes d'Honneur de l'Année 2018, marquant un temps fort de fin d'Année et faisant appel aux nouvelles techniques média de communication visuelle, qui s'est tenu le 24 novembre 2018 à Hyères-Les-Palmiers, sur la Côte-d'Azur, dans les Salons de l’hôtel Mercure **** à l'initiative des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, le style et les œuvres de plusieurs artistes issus de présélection et sélection nationales portant sur l'ensemble de l'Hexagone ont été présentés. Le peintre Jean-Paul SCHMITT a obtenu, après délibération du Comité du jury, le Grand Trophée des Arts "Artistes d'Honneur de l'Année 2018". Le style de l'artiste présenté devant le Jury, a permis de mettre en valeur des approches esthétiques particulièrement intéressantes, au travers de plusieurs peintures. Avec des œuvres présentées telles "Anne aux Emplettes",(Huile 81x 65 cm) , "Café XIII" Tower Hamlets à Londres (Huile au couteau 116 x 89 cm), "Nature Morte aux Poires fripées" Acrylique (80x80cm), ou encore "Intérieur Café II" (Huile au couteau de116x89cm), ainsi que l'étonnant paysage "Saint Martin XXX" Chemin de la Sablière (Huile au couteau 80x120cm), le style de Jean-Paul SCHMITT a pu être remarqué par le Jury. Le commentaire analytique d' Antoine Antolini, critique d'Art, délégué des Editions, a mis en relief une approche esthétique maîtrisée, avec une palette sobre et atténuée. Le style figuratif de Jean-Paul SCHMITT se pose aujourd'hui dans l'art contemporain avec force et référence, car il incarne une synthèse picturale fruit de notre berceau culturel français et européen. Ainsi, qu'il s'agisse de l'accent mis sur les motifs de décor de la robe de "Anne aux Emplettes", qui constituent un apport à la fois poétique et ludique en animant la toile par des mouchetés, rayures, espaces colorés plus vifs et unis, ou bien de ses autres œuvres, ce sont les racines de notre peinture moderne que l'on peut y voir affleurer. L'approche en verticalité dans une sensation cézanienne de sa "Nature Morte aux Poires fripées" Acrylique (80x80cm) , qui montre comment le peintre sait déstructurer la perspective et le plan dans un effet esthétique étudié, est une recherche contemporaine aboutie qui a plu au Jury. Le style de l'artiste est dans une maîtrise absolue, qui lui permet un véritable langage subtil, comme encore avec son paysage "Saint Martin XXX" montrant une synthèse de références, avec un ciel fauve qui nous pousse vers un aspect ambivalent entre surréalisme et symbolisme dans l'immanence de cyprès hors de toute temporalité. La présidente du Comité du Jury, Annie d'Herpin, a relevé la qualité du travail et l'excellence de l'artiste sur le traitement des sujets en contre-jour dans les œuvres "Café XIII" Tower Hamlets à Londres encore plus évident dans "Intérieur Café II". Le style de Jean-Paul SCHMITT, riche d'échos matissiens, parfois fauves, ou innovant une nouvelle modernité parfois dans un post-cézanisme, a permis de remarquer ce peintre tel un atout artistique confirmé de notre patrimoine pictural français et européen, capable de porter haut le message de l'excellence picturale sur la scène internationale. En attribuant le Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018" au peintre Jean-Paul SCHMITT, le Comité du Jury a voulu honorer à juste titre, une personnalité artistique de haut niveau national dans le domaine pictural. Les Editions des musées et de la culture EDMC, adressent toutes leurs félicitations à l'heureux Lauréat. (c) Editions EDMC-Europe Reportage Novembre 2018.

 

 

■ Tahera DELAYE, peintre contemporaine a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 "ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018" ▼


Affiche de l'Evénementiel

Affiche de l'Evénementiel

Tahera DELAYE

Tahera DELAYE "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

La peintre abstraite Tahera DELAYE

La peintre abstraite Tahera DELAYE "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

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"Expression des Couleurs - Trichromique N°1" Huile sur lin (92x73cm) Oeuvre de la peintre abstraite Tahera DELAYE

Gros plan central de l'oeuvre

Gros plan central de l'oeuvre "Expression des Couleurs - Trichromique N°1" de la peintre Tahera DELAYE

La peintre abstraite Tahera DELAYE  Grand Trophée des Arts 2018

La peintre abstraite Tahera DELAYE Grand Trophée des Arts 2018 "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

La peintre abstraite Tahera DELAYE  Lauréate du Palmarès des Arts - Présentations d'Hiver - Novembre 2018

La peintre abstraite Tahera DELAYE Lauréate du Palmarès des Arts - Présentations d'Hiver - Novembre 2018

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"Expression des Couleurs - Trichromique N°2" Huile sur lin (92x73cm) Oeuvre de la peintre abstraite Tahera DELAYE

Gros plan central de l'oeuvre

Gros plan central de l'oeuvre "Expression des Couleurs - Trichromique N°2" de la peintre Tahera DELAYE

La peintre abstraite Tahera DELAYE  a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 lors de la présentation nationale de styles HIVER Novembre  2018

La peintre abstraite Tahera DELAYE a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 lors de la présentation nationale de styles HIVER Novembre 2018

"Expression des Couleurs - Trichromique N°3" Huile sur lin (92x73cm) Oeuvre de la peintre abstraite Tahera DELAYE

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Gros plan central de l'oeuvre

Gros plan central de l'oeuvre "Expression des Couleurs - Trichromique N°3" de la peintre Tahera DELAYE

La peintre abstraite Tahera DELAYE

La peintre abstraite Tahera DELAYE "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

Tahera DELAYE peintre contemporaine abstraite

Tahera DELAYE peintre contemporaine abstraite "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

Actualité des Styles et Tendances dans l'Art : Tahera DELAYE peintre contemporaine abstraite

Actualité des Styles et Tendances dans l'Art : Tahera DELAYE peintre contemporaine abstraite

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Actualité des styles et tendances dans l'art 2018. Le style et la démarche artistique de la peintre contemporaine abstraite Tahera DELAYE ont été présentés lors de l’Événementiel artistique Palmarès des Arts Hiver 2018 "Artistes d'Honneur de l'Année 2018", qui s'est tenu le 24 Novembre 2018  à Hyères-Les-Palmiers,  dans les Salons de l’hôtel Mercure ****  sur la Côte-d'Azur, à l'initiative des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe. Ont été ainsi mis en relief au plan national et international les styles et œuvres de plusieurs artistes sélectionnés. Chaque artiste présenté étant issu de présélection et sélection sur le plan national portant sur l'ensemble de l’Hexagone et sur un nombre très important d'artistes. Ainsi les «Présentations d'Hiver Novembre 2018 des Styles Artistiques » marquent tous les ans un temps fort de la fin de l'Année. Un moment des arts qui clôture l'année et permet de faire le point sur la création contemporaine en France, de dégager des styles de références, des tendances esthétiques et placer des talents confirmés dans l'actualité des arts actuels. C'est à la fois la prise en considération d'un parcours, d'un degré d'engagement dans l'art, de l'explication de l'artiste sur sa démarche artistique profonde comme à pu le faire Tahera DELAYE, mais aussi l'aptitude à produire une nouvelle esthétique et a générer une stylistique différente, qui permettent d'aboutir à la sélection ultime d' artistes éminents pour le Palmarès des Arts 2018. Le Comité du Jury a pu statuer avec le concours d' analyses esthétiques d'Antoine Antolini, critique d'art, sociologue des arts et délégué des Editions, tout en faisant appel aux nouvelles techniques média de communication visuelle. Le style de la peintre abstraite de Tahera DELAYE a été présenté au travers d’œuvres telles "Expression des Couleurs - Trichromique N°1" Huile sur lin (92x73cm) , "Expression des Couleurs - Trichromique N°2" Huile sur lin (92x73cm) ainsi qu' "Expression des Couleurs - Trichromique N°3", également une Huile sur lin (92x73cm).Tahera DELAYE crée une peinture abstraite qui redéploye des logiques expressives à la fois géométriques par les formes et poétiques par leurs harmonies de couleurs et leurs positionnements intersubjectifs, visuellement interactifs sur ses toiles. La recherche abstraite de l'artiste joue sur la lumière, la luminosité des morcellements peints, comme si la lumière éclatait physiquement et accompagnait des touches en géométriques. Un effet vitrail, qui filtre par endroit l'intensité, qui donne plus de densité à la couleur ici, pour mieux la voir rejaillir là. Avec la peinture abstraite de Tahéra DELAYE, ce sont, non seulement les couleurs qui se répondent, dans leurs nuances, leurs valeurs, leurs intensités, mais ce sont aussi les formes qui se font échos. L'ensemble pictrual produit une éblouissante symphonie tonale contemporaine. Tahera DELAYE nous livre ses sentiments profonds lorsqu'elle dit ..."La Peinture pour moi, c'est le moyen de rendre perceptible aux autres, ce que je reflète, ce que j’exprime,comme un prolongement de moi, jeté à l’extérieur,un miroir et un révélateur de mon monde de rêve et de tourment : mon œuvre. Pour réaliser cette œuvre, je fais appel à mon intelligence, à mes connaissances, à mes traditions, à mes sentiments et à ma manière particulière de vibrer, qui dépend à la fois de mon corps et de mon âme. La peinture, c’est comme une fonction essentielle et indispensable pour mon existence, qui m’est imposée comme un besoin, c’est un moyen de perpétuel échange avec ce qui m’entoure."....Cette réflexion de l'artiste montre combien sa démarche artistique est forte, intérieure. Le Comité du Jury à particulièrement apprécié la peinture de Tahera DELAYE qui déconstruit et reconstruit image et plan coloré, ces aspects d'une géométrie et d'une architecture de l'oeuvre qui sont en ambivalence d'une trichromie puissante, pour se redeployer sous le regard, créer une dynamique endogène, d'où s'exhale l'essentiel supérieur de l'oeuvre. Une forme de transfigurations en un tout expressif de ces formes et de ces couleurs elle-mêmes qui sont à la fois les parties et l'ensemble. C'est cette dialectique exceptionnelle et audacieuse que maîtrise aujourd'hui Tahera DELAYE dans un minimalisme de couleurs en trichromie. On comprend mieux l'Oeuvre de Tahera DELAYE à la fois dans l'émotion et la recherche esthétique lorsqu'elle poursuit...."A travers mes couleurs dans des formes différentes, l’œil est attiré vers une lumière, qui présente une luminosité matérielle, symbolisant la vie, la joie et le bonheur, la terre et l’air, l’espace, la force , imprégnée de la beauté irréelle d’un monde invisible avec ses rêves et ses forces, parfois en abandonnant tout rapport avec la réalité visible, que l’on doit juger du seul point de vue de l’harmonie de la composition et parfois en cachant la vraie réalité recherchée, les couleurs se représentent dans le désordre délibéré, pour exprimer un monde intérieur, sans être influencé par les formes extérieures, un monde invisible, avec ses êtres et ses forces intérieurs "... Le Comité du Jury a hautement apprécié la démarche artistique de l'artiste dont le pinceau prolonge sur la toile une immense sensibilité intérieure. Une peinture qui témoigne d'un style pictural affirmé et maîtrisé tant dans sa grammaire picturale que dans sa sémantique. Le Comité du Jury a attribué à l'unanimité à la peintre Tahera DELAYE le 24 novembre 2018 lors du Palmarès des Arts Hiver 2018 le Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018". Les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, adressent à l'heureuse  Lauréate, toutes leurs félicitations. (c) Editions EDMC-Europe Reportage Novembre 2018.

 

 

■ Alain CADENEL, peintre contemporain a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 "ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018" ▼


Le peintre abstrait Alain CADENEL

Le peintre abstrait Alain CADENEL "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

Alain CADENEL peintre contemporain abstrait

Alain CADENEL peintre contemporain abstrait

Alain CADENEL peintre contemporain abstrait Grand Trophée des Arts

Alain CADENEL peintre contemporain abstrait Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Annéee 2018"

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Alain CADENEL peintre contemporain abstrait

Alain CADENEL peintre contemporain abstrait "CHAMBORD" Résine teintée (30x30cm)

Gros plan sur l'oeuvre

Gros plan sur l'oeuvre "CHAMBORD" Résine teintée (30x30cm) d' Alain CADENEL peintre contemporain abstrait

"INFINIE PROVENANCE", Résine teintée (100x100cm) oeuvre d' Alain CADENEL peintre abstrait

Gros plan sur l'oeuvre

Gros plan sur l'oeuvre "INFINIE PROVENANCE", Résine teintée (100x100cm) d' Alain CADENEL peintre abstrait

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Alain CADENEL peintre abstrait

Alain CADENEL peintre abstrait

"MORPHÉE" Résine teintée (60x80cm) oeuvre Alain CADENEL peintre abstrait

Gros plan sur l'oeuvre

Gros plan sur l'oeuvre "MORPHÉE" Résine teintée (60x80cm) d'Alain CADENEL peintre abstrait

Le peintre Alain CADENEL, a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018

Le peintre Alain CADENEL, a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 "Artiste d'Honneur de l'Année" Lors du PALMARES HIVER NOVEMBRE 2018"

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Actualité des styles et tendances dans l'art 2018. Le style et la démarche artistique du peintre Alain CADENEL, artiste contemporain abstrait, ont été présentés devant le Comité du Jury, lors de l’Événementiel artistique Palmarès des Arts, Hiver 2018, « Artistes d'Honneur de l'Année 2018 », qui s'est tenu le 24 Novembre 2018, à Hyères-Les-Palmiers, sur la Côte-d'Azur, dans les Salons de l’Hôtel Mercure **** Un Événementiel qui revient tous les ans, à l'initiative des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe, qui s'efforcent de remarquer ainsi l'évolution et les tendances de l'art, au travers des œuvres et des styles d'artistes éminents. Ont été ainsi mis en relief au plan national et international les styles et œuvres de plusieurs artistes sélectionnés dont Alain CADENEL, admis au Palmarès pour la seconde fois. Un peintre qui creuse un sillon profond dans l'art, par une technique de résines teintées, qui lui permettent de réaliser des œuvres abstraites novatrices, tant par leur grammaire esthétique que par leur support. Chaque artiste présenté étant issu de présélection et sélection sur le plan national, sur un ensemble d'artistes. Les tendances qui se dessinent lors de ces «Présentations d'Hiver des Styles Artistiques Nov. 2018 » viennent montrer un renouveau des art, de l'avant-gardisme, ou confirmer, comme c'est le cas pour Alain CADENEL, une tendance naissante. Tous les ans ce temps fort de la vie artistique marque la fin de l'Année. Un moment des arts permettant de faire le point sur la création contemporaine en France et placer des talents émergents, ou plus confirmés, dans l'actualité des arts d'aujourd'hui. Le Comité du Jury 2018, au travers du Grand Trophée des Arts «Artiste d' Honneur de l'Année 2018 » , a voulu récompenser le style et l'intérêt des œuvres d'André CADENEL, dans l'art contemporain. Cet artiste a su se rendre maître d'une audacieuse technique de résines teintées, qui nécessite une haute maîtrise pour être menée à bien. Le travail des résines demande beaucoup de précautions et un savoir faire pointu, qui ne s'acquiert que par la pratique. Le contenu sémantique et sémiotique des résines teintée de CADENEL s'inscrivent progressivement dans le paysage artistique du Sud de la France. Cette notoriété en région méritait d'être portée sur l'échelon national et international, ce qui a conduit le Comité artistique préparatoire puis ensuite le Comité du Jury a admettre une nouvelle fois dans la sélection ultime ce peintre exceptionnel, pour le Palmarès des Arts 2018 . Ceci permettant, à terme, à cette peinture de poser les premiers ferments d'une nouvelle tendances en abstraction. Ainsi, avec le concours d' analyses esthétiques d'Antoine Antolini, critique d'art, sociologue des arts et délégué des Editions, le Comité du Jury, a tour à tour examiné les styles des œuvres telles "CHAMBORD" Résine teintée (30x30cm). Une œuvre qui porte un message esthétique et culturel patrimonial , une évocation par laquelle le peintre fait venir à nous, depuis ce monde artistique du XVI ème siècle, jusque dans notre hyper-modernité au cœur du territoire de l'abstraction un signal culturel profond. Un hommage à la magnificence française dans un come-back historique. Le Comité du Jury a apprécié l'esprit de recherche d'Alain CADENEL qui s'est à nouveau traduit avec l’œuvre "INFINIE PROVENANCE", Résine teintée (100x100cm), qui nous dit dans une homothétie du passé et du futur, comment cette œuvre d'art magistrale peut en illustrer une jonction par son essence même en un temps présent, devenant conjonction, une matérialisation concrète de la métaphysique et du spirituel. Une autre œuvre "MORPHÉE" une très belle Résine teintée (60x80cm) à fini de convaincre le Comité du Jury du talent de ce peintre hors normes. C'est par une une ligne continue d'une force lyrique et poétique inouïe, qui dresse le sillage d'une esthétique épurée, qu'Alain CADENEL nous plonge dans un univers quasi-magique, dans une gestualité hypnotique. Avec cette œuvre au bord de la nuit, avant le rêve, dans une vision d'étrangeté subjective, l'artiste à su une nouvelle fois étonner et séduire le Comité du Jury. Après délibération, le Comité du Jury a confirmé le talent d'Alain CADENEL tant stylistique que technique, pour ses réalisations dans le champ de nouveaux supports, matières et pigments. Lors du Palmarès des Arts Hiver de Novembre 2018 le peintre Alain CADENEL a obtenu le Grand Trophée des Arts « Artiste d'Honneur de l'Année 2018 ». Les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe adressent à l'heureux lauréat leurs plus vives félicitations .(c) Editions EDMC-Europe Reportage Novembre 2018 

 

 

■ Didier LEMAÎTRE, sculpteur, a obtenu le Grand Trophée des Arts 2018 "ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018" ▼


Evénementiel Artistes d'Honneur 2018

Evénementiel Artistes d'Honneur 2018

Didier LEMAITRE, sculpteur

Didier LEMAITRE, sculpteur "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

Le Sculpteur Didier LEMAITRE a obtenu  le Grand Trophée des Arts

Le Sculpteur Didier LEMAITRE a obtenu le Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

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La sculpture

La sculpture ""SAUVETAGE" oeuvre du sculpteur Didier LEMAITRE

"SAUVETAGE" Une sculpture publique réalisée par l'artiste Didier LEMAITRE

Cérémonies d'attribution du Grand Trophée des Arts

Cérémonies d'attribution du Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018" à l'éminent sculpteur Didier LEMAITRE

Une vue de l'oeuvre statuaire

Une vue de l'oeuvre statuaire "SAUVETAGE" du sculpteur Didier LEMAITRE

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Gros plan sur l'oeuvre statuaire

Gros plan sur l'oeuvre statuaire "SAUVETAGE" Bronze du sculpteur Didier LEMAITRE

Vue gros plan profil de l'oeuvre

Vue gros plan profil de l'oeuvre "SAUVETAGE" statue en bronze du sculpteur Didier LEMAITRE

Vue plan rapproché frontal de l'oeuvre

Vue plan rapproché frontal de l'oeuvre "SAUVETAGE" statue en bronze du sculpteur Didier LEMAITRE

Didier LEMAITRE, sculpteur, Grand Trophée des Arts

Didier LEMAITRE, sculpteur, Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

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Le sculpteur, Didier LEMAITRE, Grand Trophée des Arts

Le sculpteur, Didier LEMAITRE, Grand Trophée des Arts "Artiste d'Honneur de l'Année 2018"

"SAUVETAGE" une vue de côté de l'oeuvre du sculpteur Didier LEMAITRE

Le sculpteur Didier LEMAITRE durant la réalisation de la statue

Le sculpteur Didier LEMAITRE durant la réalisation de la statue "SAUVETAGE"

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AUTRES OEUVRES  DU SCULPTEUR  DIDIER LEMAITRE

AUTRES OEUVRES DU SCULPTEUR DIDIER LEMAITRE

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Didier LEMAITRE sculpteur

Didier LEMAITRE sculpteur

Avec sa sculpture de trois personnages hybrides le sculpteur LEMAITRE Didier a créé une oeuvre statuaire triptyque surréaliste

Avec sa sculpture de trois personnages hybrides le sculpteur LEMAITRE Didier a créé une oeuvre statuaire triptyque surréaliste

Le sculpteur DIdier LEMAITRE a été remarqué également pour son talent dans le style surréaliste, au travers de certaines de ses œuvres parmi ses nombreuses créations

Le sculpteur DIdier LEMAITRE a été remarqué également pour son talent dans le style surréaliste, au travers de certaines de ses œuvres parmi ses nombreuses créations

Un bel exemple du talent surréaliste du sculpteur DIdier LEMAITRE au travers de cet exceptionnel surréalisme de style thérianthrope

Un bel exemple du talent surréaliste du sculpteur DIdier LEMAITRE au travers de cet exceptionnel surréalisme de style thérianthrope

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En plus de son aptitude aux sculptures académiques le sculpteur DIdier LEMAITRE a également un talent surréaliste

En plus de son aptitude aux sculptures académiques le sculpteur DIdier LEMAITRE a également un talent surréaliste

Didier LEMAITRE

Didier LEMAITRE "Artiste d'Honneur" 2018. Lauréat du Palmarès des Arts des Artistes sélectionnés nationaux 2018

 ici un bronze de style surréaliste zoanthrope élégant et très abouti, du sculpteur Didier LEMAITRE qui crée des œuvres contemporaines dans une esthétique de haut niveau qualitatif

ici un bronze de style surréaliste zoanthrope élégant et très abouti, du sculpteur Didier LEMAITRE qui crée des œuvres contemporaines dans une esthétique de haut niveau qualitatif

Le sculpteur Didier LEMAITRE s'est vu délivrer pour l'excellence stylistique de ses créations le Grand Trophée des Arts

Le sculpteur Didier LEMAITRE s'est vu délivrer pour l'excellence stylistique de ses créations le Grand Trophée des Arts "Artistes d'Honneur de l'Année 2018"

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Actualité des styles et tendances dans l'art 2018.  Le Sculpteur Didier LEMAITRE.

 

Le style et la démarche artistique du sculpteur Didier LEMAITRE ont été présentés, lors de l’Événementiel artistique Palmarès des Arts Hiver 2018  "Artistes d'Honneur de l'Année 2018 ", cet Evénementiel s'est tenu le 24 Novembre 2018 à Hyères-Les-Palmiers, dans les Salons de l’Hôtel Mercure **** sur la Côte-d'Azur, à l'initiative des Editions des musées et de la culture EDMC-Europe. Comme chaque année, l'objectif étant une mise en relief au plan national et international de styles et d'œuvres d' artistes sélectionnés par le Comité préparatoire. Le talent, l'itinéraire, l'engagement artistique, mais aussi le contenu signifiant de l'ensemble de l'Oeuvre de l'artiste, sont autant de critères qui permettent de retenir les artistes à partir des présélections. Chaque artiste présenté étant issu, en effet, de présélection, et sélection, sur le plan national portant sur l'ensemble de l’Hexagone et sur un nombre très important d'artistes. Ainsi, les "Présentations d'Hiver Novembre 2018 des Styles Artistiques" marquent tous les ans, un temps fort de la fin de l'Année. Un moment des arts, qui clôture l'année écoulée et permet de faire le point sur la création contemporaine en France, de dégager des styles de références, des tendances esthétiques et placer des talents confirmés, ou émergents, dans l'actualité des arts actuels. Didier LEMAITRE a présenté une aptitude confirmée sur les registres de la création statuaire, allant de l'Académisme, avec son œuvre "Sauvetage" (que nous allons commenter ci-après) au Surréalisme, avec des œuvres , plus lyriques tels ses personnages hybrides de l'oeuvre "Famille Tête de Linotte" groupe statuaire triptyque surréaliste, ou encore "Métamorphose"dont Didier LEMAITRE nous dit " la posture féline de mon modèle m'a inspiré cette métamorphose : tête, queue, patte avant droite et griffe de chat au pouce de la main gauche"... Cette aptitude à produire des sculptures de haut niveau esthétique et a générer, par ailleurs une stylistique très différente, témoignent toujours chez Didier LEMAITRE, le même soucis de rigueur et d'harmonie des formes, des proportions, l'exactitude des attitudes, la finition la plus parfaite du sujet. Un talent, un métier d'excellence, qui lui ont permis d'aboutir à la sélection ultime réservée à d' éminents artistes, afin d'être présentés pour le Palmarès des Arts 2018. Le Comité du Jury a pu apprécier les diverses oeuvres mises en compétition. Le critique d'art Antoine Antolini, sociologue des arts et délégué des Editions, présent sur place, a pu apporter son concours aux présentations des artistes par ses analyses esthétiques, dans cet Evénementiel qui a su faire appel aux nouvelles techniques média de la communication visuelle d'aujourd'hui. Lors de ce préstigieux Palmarès, le style du sculpteur Didier LEMAITRE a été présenté au Comité du Jury, faisant l'unanimité lors des délibérations pour l'attribution du Grand Trophée des Arts 2018 "Artiste d'Honneur de l'Année 2018" . Au travers d'une oeuvre majeure : "Sauvetage" chacun avait pu en effet apprécier le talent du sculpteur lors des présentations de son style.  "Sauvetage ", de Didier LEMAITRE est une statue dans l'espace public, qui met en scène le sauvetage d'une vie humaine par un Sapeur-Pompier, ressortant des décombres tenant sur son épaule le jeune enfant qu'il a sauvé. "Sauvetage" est un bronze de taille humaine, visible au 2 bis, rue de Mordelles, à Bréal-sous-Montfort, en Ille-et-Vilaine (Bretagne). Le Comité du Jury a été convaincu par le réalisme de cette sculpture et de la puissance qui s'en dégage, tant symbolique, qu'expressive. Le Comité avait pris connaissance de la démarche de l'artiste et des précieuses explications relatives à la génèse, à la naissance de cette sculpture "Sauvetage". La présidente du Comité du Jury à d'ailleurs lu le texte du sculpteur Didier LEMAITRE, au moment de la présentation de l'artiste.

 

Texte dont nous indiquons ici quelques passages relatifs à la réalisation de la sculpture érigée pour le 120 ème Anniversaire du Centre d’Incendie et de Secours, de Bréal-sous-Montfort. Avant de créer cette œuvre le sculpteur a rencontré au préalable les Sapeurs-Pompiers du Centre. - Didier LEMAITRE: (extraits) (…) " Derrière leurs suggestions exprimées : un casque, un buste, un symbole … je voulais ressentir leur motivation profonde. Il faillait trouver une idée. (…) Je voulais donc rendre hommage à leur dévouement, à leur courage, à leur abnégation. (…) Un pompier en action, en mouvement. Un pompier qui s’extrait d’une situation difficile, d’une catastrophe, naturelle ou pas et qui sauve un bébé. Là j’ai tout de suite vu sur leurs visages et dans leurs regards que ça raisonnait très fort en eux. Ils s’identifiaient. Ils se projetaient. Ils se sentaient complètement en phase avec cette proposition. C’était çà, bien sûr, qu’il fallait faire. La population aussi a adhéré. Nous l’avons constaté, le jour de l’inauguration et depuis ! Elle a ressentie la détermination, la force, l’émotion et l’amour que cette sculpture veut transmettre. Je voulais donc leur rendre hommage, merci de m’avoir permis d’y contribuer."


(...) Didier LEMAITRE SCULPTEUR : "Merci à la fonderie Gaillard (B.B.C.) à Jean-Claude GAILLARD et toute l’équipe, LAURENCE, PEGGY, LAURENT, SERGE, GUILLAUME, (...). Merci aux services de la commune (…) en particulier à Dominique DANDOIS directeur du service technique qui a proposé de reprendre l’idée de départ en reconstituant le contexte de l’intervention. En tant que consultant à ce niveau, je tenais à ce que le pompier soit un peu enfoui dans le socle, au milieu des blocs de béton qui seraient disposés autour de lui de telle sorte que l’on ait une impression d’émergence du corps du pompier. Merci à Mathieu LESAICHERRE (société AR-BETON) pour la réalisation de ces beaux blocs de béton. Merci à Stéphane DOLAIS responsable du service Espaces Verts (…) . Enfin merci à Sébastien NIZAN président de l’Amicale des Sapeurs Pompiers de Bréal et à toute son équipe. Merci à l’adjudant chef Christophe LEGALL chef de Centre, à son adjoint Anthony KER et à l’ensemble des sapeurs-pompiers de Bréal-sous-Montfort. Dédicace particulière pour Ludovic et Ambre qui m’ont inspirés pour la sculpture." Les Cérémonies d'inauguration ont eu lieu en présence de nombreuses personnalités, des Sapeurs-Pompiers et du public (…) " Ma sculpture "SAUVETAGE" a été érigée et inaugurée  au 2 bis rue de Mordelles  à Bréal-sous-Montfort le 8 Septembre 2018. (...) cet évènement a eu lieu en présence du Maire  Bernard ETHORE, du Député Gaël BOHEC, du sous préfet Denis OLAGNON, de la conseillère départementale Armelle BILLARD, du Colonel Patric FENEON,  du Lieutenant Lionel GOGDET, de l'adjudant-chef Christophe LE GALL, ainsi que du maire de Saint-Turial David MOISAN. "

 

Lors du Palmarès des Arts Hiver de Novembre 2018 le sculpteur Didier LEMAITRE a obtenu le Grand Trophée des Arts « Artiste d'Honneur de l'Année 2018 ». Les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe adressent à l'heureux Lauréat leurs plus vives félicitations . (c) Editions EDMC-Europe Reportage Novembre 2018 

 

 

■ Présentations Artistiques ■ Actualité des Styles et Tendances dans l'Art 2018

PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTES D'HONNEUR ANNEE 2018"


 

Présentations Artistiques Actualité des Styles et Tendances dans l'Art 2018

PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2018"

Événementiel Artistique Peinture, Sculpture, Création Artistique

Salons Hôtel Mercure * * * * Samedi 24 Novembre 2018 Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur

Editions des musées et de la culture EDMC-Europe

 

 

P A L M A R E S

Ont obtenu sur délibération du Comité du Jury

 

 

PEINTURE


GRAND TROPHEE DES ARTS, ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018 PEINTURE

SCHMITT Jean-Paul, peintre

DELAYE Tahera, peintre

CADENEL Alain, peintre

_____________

 

TROPHEE DES ARTS, ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018

DURET Cécile, peintre

_____________

 

 

SCULPTURE


GRAND TROPHEE DES ARTS, ARTISTE D'HONNEUR DE L'ANNÉE 2018 SCULPTURE

Didier LEMAITRE, sculpteur

_____________

 

 

 

Le Comité du Jury 2018 était composé comme suit

Annie d'HERPIN, peintre, photographe, présidente du Jury

Ancienne jury international des arts contemporains à PEKIN (Chine)

Eugène GERMAN, diplômé des Beaux-Arts et des Arts-Décoratifs

spécialiste d'évaluations stylistiques (nombreuses présidences

et vice-présidences de jurys en France et à l'étranger)

Jeany BRISSOT, Marraine des Editions EDMC et du 25 ème Anniversaire EDMC

 

Secrétariat du Jury et présentations artistiques :

Antoine ANTOLINI, critique d'art, sociologue, Délégué des Editions EDMC-EUROPE

 

 

■ COMMUNIQUE DE PRESSE ET MEDIAS FRANCE / INTERNATIONAL OPEN SOURCE POUR AGENCES DE PRESSE. Communiqué de presse EDMC. 2018  PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTES D'HONNEUR ANNEE 2018"

EDITIONS EDMC 26/11/2018 open source: « Actualité des Styles et Tendances dans l'Art 2018 - Présentations Artistiques - Samedi 24 Novembre 2018 à Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur a eu lieu l'Événementiel Artistique, Peinture, Sculpture, Création Artistique PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2018" dans les Salons Hôtel Mercure * * * * organisé par les Editions des musées et de la culture (EDMC-EUROPE) au plan national par les Editions des musées et de la culture EDMC-Europe à l'issue d'une sélection nationale dans l'Héxagone. A 18h 30 à été proclamé Le PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2018". Ont ainsi obtenu, après délibération du Comité du Jury, dans le domaine artistique peinture, le Grand Trophée des Arts Artistes d'Honneur de l'Année 2018, les peintres dont les noms suivent : SCHMITT Jean-Paul, peintre ; DELAYE Tahera, peintre; CADENEL Alain, peintre. A obtenu le Trophée des Arts Artiste d'Honneur de l'Année 2018, DURET Cécile, peintre. Dans la discipline des Beaux-Arts, Sculpture: Didier LEMAITRE, sculpteur, a obtenu le Grand Trophée des Arts Artiste d'Honneur de l'Année 2018 Sculpture. Les Editions des musées et de la culture ont adressé leurs félicitations à ces artistes de talent. Le Comité du Jury était composé de personnalités des arts, Annie d'HERPIN, peintre, photographe, présidente du Jury, Ancienne jury internationale des arts contemporain à PEKIN (Chine). Eugène GERMAN, diplomé des Beaux Arts et des Arts Décoratifs, spécialiste d'évaluations stylistiques (nombreuses présidences et vice-présidences de jurys en France et à l'étranger). Jeany BRISSOT, Marraine des Editions EDMC et du 25 ème Anniversaire en 2018 des Editions EDMC. Le Secrétariat du Jury et les présentations artistiques ont été éffectués par Antoine ANTOLINI, critique d'art, sociologue, Délégué des Editions EDMC-EUROPE. Emission EDMC 26/11/2018 16H30. 

 

■ PRESS AND FRANCE MEDIA RELEASE / INTERNATIONAL OPEN SOURCE FOR PRESS AGENCIES. EDMC news release. 2018 PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTS OF HONOR YEAR 2018".
EDMC EDITIONS 26/11/2018 open source: "News of Styles and Trends in Art 2018 - Artistic Presentations - Saturday, November 24, 2018 in Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur took place the Artistic Event, Painting, Sculpture, Artistic Creation PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTS OF HONOR OF THE YEAR 2018" in the Salons Hotel Mercure * * * * organized by the Editions of Museums and Culture (EDMC-EUROPE) at the national level by Editions des museums and culture EDMC-Europe after a national selection in the Hexagon. At 18:30 has been proclaimed the PALMARES DES ARTS 2018 "ARTISTS OF HONOR OF THE YEAR 2018". Thus obtained, after deliberation of the Committee of the Jury, in the artistic domain of painting the Great Trophy of the Arts Artists of Honor of the Year 2018 the painters whose names follow: SCHMITT Jean-Paul, painter; DELAYE Tahera, painter; CADENEL Alain, painter. Got the Trophy of Arts Artist of Honor of the Year 2018, the painter DURET Cécile. In the discipline of Fine Arts, Sculpture, Didier LEMAITRE, sculptor, obtain the Great Trophy of the Arts Artist of Honor of the Year 2018 Sculpture. The Editions of Museums and Culture have sent their congratulations to these talented artists. The Jury Committee was composed of personalities of the arts, Annie d'HERPIN, painter, photographer, president of the Jury, Former international jury of the contemporary arts in BEIJING (China). Eugène GERMAN, graduated from Fine Arts and Decorative Arts, specialized in stylistic evaluations (numerous presidencies and vice-presidencies of jury, in France and abroad). Jeany BRISSOT, EDMC Editions and 25th Anniversary 2018 EDMC Editions padron's. The Jury's Secretariat and the artistic presentations were done by Antoine ANTOLINI, art critic, sociologist, EDMC-EUROPE Publishing Delegate. EDMC broadcast 2018.11.26 - 4.30 pm.

 

■ Le peintre William FENECH, creuse un sillon toujours plus profond dans l'art figuratif contemporain avec son Expressionnisme du mouvement. Son style renforce notre patrimoine artistique et culturel européen.



1 - Le peintre William FENECH, son style, l'Expressionnisme du mouvement, impulse la vie.

1 - Le peintre William FENECH, son style, l'Expressionnisme du mouvement, impulse la vie.

2 -

2 - "Le Grand Café" Huile sur toile (Hst. 89x116cm). Peinture de William FENECH

3 -

3 - "Les Compères"(Hst.80x80cm) Tableau du peintre William FENECH

4 - William FENECH, Maître figuratif contemporain. Grand Prix du Style 2017.

4 - William FENECH, Maître figuratif contemporain. Grand Prix du Style 2017.

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5 -

5 - "Le Magicien à la Colombe" (Hst. 55 x 38cm) de William FENECH, peintre

6 -

6 - "L'Uba Club" (Hst. 89x116cm) Toile contemporaine signée William FENECH

7 -

7 - "Les Marchands de Bonheur" (Hst.55x46cm) Tableau de William FENECH

8 -

8 - "Le Madison" Huile sur toile (Hst. 89x116cm). Peinture de William FENECH

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9 - Le peintre William FENECH devant ses paysages.

9 - Le peintre William FENECH devant ses paysages.

10 -

10 - "Le Privé" Hst. (50x65cm) Huile sur toile de FENECH William

11 - Le peintre William FENECH dans son atelier, réalisant un tableau.

11 - Le peintre William FENECH dans son atelier, réalisant un tableau.

12 -

12 - "Culture Catalane - La Cobla" (Hst. 100x81cm) Oeuvre du peintre William FENECH

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13 -

13 - "Le Pub" (Hst. 97x130cm) peinture figurative de William FENECH

14  -

14 - "Le Marchand de Ballons" (Hst. 65x54cm) Tableau de William FENECH

15 -

15 - "Argentina" (Hst. 89x116cm) Peinture figurative de William FENECH

16 -

16 - "Le Bar à Champagne" (Hst 89x116cm) une oeuvre-d'art signée William FENECH

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17 -

17 -"Le Clapotis" (Hst.89x116cm) Tableau du Maître William FENECH

18 -  William FENECH, peintre contemporain

18 - William FENECH, peintre contemporain

19-

19-"L'Orchestre Philharmonique" (Hst. 100x100cm) Tableau signé du Maître William FENECH

20 -

20 - "Irish Pub" (Hst. 89x116cm) William FENECH, peintre figuratif contemporain

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Le peintre William FENECH. Artiste d'Honneur de l'Année 2017, Grand Prix du Style 2017 - Editions des musées et de la culture - EDMC - (Palmarès national des styles 2017). 

 

                                                                                              

■ Le peintre William FENECH, un Maître Catalan.

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William FENECH, peintre catalan français, vit et peint à Céret, (ville artistique des Pyrénées-Orientales). L'artiste au fil des années à conçu et affirmé un esthétique contemporaine de la vie dans la société, peignant au travers de personnages, de scènes de genre, une approche nouvelle, actualisée, en particulier de la danse et de la de la fête à notre époque. Les peintres, depuis très longtemps, s'attachent à représenter cet aspect intemporel des danses traditionnelles - autres que classiques - dans la conscience collective, depuis les fresques des danses égyptiennes ou gréco-romaines, ou encore plus antérieures.

 


William FENECH,  une esthétique picturale et culturelle des danses de société et de la vie festive.

 

La Renaissance flamande, plus près de notre époque, avec les Brueghel, l'Ancien et Pieter Brueghel le Jeune, ont marqué la peinture de danse festive et des jours de noces, dès le XVIème siècle, précisément dans une ouverture sociétale et populaire. Une esthétique festive, populaire et de tradition, qui fonde une "ethnographie picturale de la danse de divertissement et de tradition". Un aspect pictural évolué, plus intimiste, sera donné par la suite à la danse en bals populaires, au XIX ème siècle, avec les ginguettes de Renoir, ses représentations de danses et de bals à Bougival, au Moulin de la Galette, à la campagne ou à la ville.  A l'horizon du XXème siècle, les scènes emblématiques de danse, comme au Moulin Rouge, par Toulouse-Lautrec, en particulier, montreront des atmosphères toujours plus intimistes du divertissement et de la fête, s'attachant aux lieux et à la vie durant la nuit dans l'intérieur des lieux. Il décrira des scènes de bals, de cafés-concerts, un Montmartre nocturne, où il écoutait les chanteuses de cafés-concerts, chanteuses ou danseuses à dessiner ou à peindre, telles Yvette Guilbert, La Goulue, Jane Avril. Il affectionnait la nuit et les nombreux cabarets ou cafés-concerts de Montmartre, tels le Mirliton, le Chat Noir, Les Ambassadeurs, le Jardin de Paris, le Rat-Mort, le Divan japonais, La Scala ou bien encore le café-concert Elysée-Montmartre. Dans le prolongement  des univers de Renoir, ou de Toulouse-Lautrec, les œuvres de William FENECH, nous parlent dans notre décennie, dans un style moderne et actualisé, différent, des cabarets et cafés-concerts de notre époque, des danses de société à la mode, en couple ou bien encore peignant des chanteuses de cafés-concerts et des pianos-bars d'aujourd'hui, comme dans des oeuvres telles "Le Grand Café", Huile sur toile Hst. (89x116cm), "L'Uba Club" (Hst. 89X116cm), "Le Bar à Champagne" (Hst 89x116cm), "Le Privé" Hst. (50x65cm), "Le Clapotis" (Hst. 89X116cm), "Le Pub" (Hst. 97X130cm), "Le Madison" Huile sur toile (Hst. 89X116cm), ou encore "Argentina" (Hst. 89X116cm), "Irish Pub" (Hst. 89X116cm), notamment. Autant de tableaux très vivants de la vie nocturne et de ses divertissements. Des tableaux qui confirment le maître contemporain William FENECH, en émergence dans notre modernité du XXIème siècle, comme l'héritier et le continuateur à part entière, de cette esthétique picturale et culturelle des danses de société et de la vie festive. Un item de l'art, profondément ancré, ancestralement, dans nos sociétés et représenté, on ne peut mieux, dans la peinture figurative contemporaine actuelle par William FENECH.

 

 

William FENECH, peintre catalan français


William FENECH, peintre catalan, vit et peint à Céret, dans une région qui accueillit de nombreux grands peintres, dont en particulier Picasso et Braque, précisément à Céret pour y peindre. Henri Matisse a marqué l'art avec "La Danse" en 1909, une de ses plus importantes peintures, une œuvre avant-gardiste, de synthèse, transculturelle, une scène symbolique, intemporelle et polysémique. Alliant danse, tradition, mythe et modernité stylistique. Cette œuvre s'inscrit ainsi comme un prolongement, ici au début du XXème siècle de l'esthétique festive, populaire et de tradition, dans une nouvelle ethnographie moderne picturale de la danse festive de divertissement et de tradition - danse traditionnelle. Il s'agirait en effet avec "La Danse", d'une représentation matissienne, inspirée ici de la fameuse danse catalane, "La Sardane", effectuée en cercle et qui aurait été vue par Matisse, dansée en bord-de-mer à Collioure, alors qu'il était en séjour dans cette ville pour y peindre, durant l'été 1905. Cela est d'autant plus évident que cette danse populaire y est omniprésente, encore pratiquée aujourd'hui, lors des fêtes, par la population dans les rues ou sur les places à Collioure et en Pays Catalan, tout comme d'ailleurs à Barcelone et dans la Catalogne espagnole aussi. On retrouve bien dans le tableau d'Henri Matisse, un de ses plus célébres, la caractéristique chorégraphique de cette danse en rond, main dans la main. (Matisse a d'ailleurs réalisé deux versions de "La Danse", l'une est aux Etats-Unis, au Musée d'Art Moderne de New-York (MoMA) et l'autre est en Russie, au Musée de L'Ermitage de Saint-Pétersbourg. William FENECH, peintre contemporain installé à Céret, tout près de Collioure, par son œuvre intitulée "La Cobla" - ensemble instrumental catalan dédié à l'interprétation essentiellement de la fameuse Sardane - est bien à son tour, dans un objectif d'expression majeure sémantique, avec sa peinture d'une Sardane traditionnelle dans le second plan de référence de son tableau, qui représente  "La Cobla" au premier plan. ( 12 - "Culture Catalane - La Cobla", Hst. 100X81cm. Œuvre du peintre William FENECH, retenue par ailleurs, pour être reproduite sous forme de timbres-poste de collection). Céret est tout à coté de Collioure, à une trentaine de kilomètres.



William FENECH, un expressionnisme figuratif du mouvement au début XXIème siècle.


Le style de William FENECH, nous offre dans chaque toile, un morceau de vie, de divertissement. Ses tableaux comportent un dynamisme pictural, un optimisme, lorsqu'il représente ses cafés-concerts, ses cabarets, comme des espaces de liberté dans notre société, où l'on vient oublier durant la nuit ses soucis du jour, mais aussi pour aller à la rencontre de l'autre, des autres, par la danse, la danse en couple, par la convivialité d'un verre pris au comptoir ou en un moment partagé, à une table, en écoutant une chanteuse, la musique d'un orchestre. Le plaisir de la danse rejoint aussi celui de la chanson, de l'écoute des fameuses chanteuses de cabaret qui animent la vie nocturne, (10 - "Le Privé" Hst. (50x65cm) Huile sur toile, 16 - "Le Bar à Champagne" (Hst 89x116cm) une oeuvre-d'art signée William FENECH, des orchestres de jazz ou des pianos-bars, (6 - "L'Uba Club" Hst. 89x116cm) parfois en échos de ginguette ou bal musette avec l'accordéon, qui saura donner encore plus de vie, encore plus de danses, (2 - "Le Grand Café", Huile sur toile Hst. (89x116cm). 20 - "Irish Pub" (Hst. 89x116cm) Peintures de William FENECH). Dans la composition des ses œuvres, le peintre crée une animation, par des personnages en mouvement, par la nature festive et rythmée des gestes, des pauses. Peintre d'ambiance, ses œuvres atteignent une force intimiste dans le contexte du cabaret, du piano-bar moderne. Les personnages sont toujours bien répartis sur le tableau, lequel reste toujours dès lors bien équilibré, en volumes, en contenus narratifs. Une peinture figurative, qui reflète la réalité tout en conservant une poétique sobre du vrai, d'un goût de vivre irréductible, qui ne cèdera jamais à la fatalité de l'existence. Un expressionnisme qui s'impose par cette authenticité des personnages fixés dans leur vérité. Ils expriment de plus, tout ce que ressent d'eux le peintre. L'artiste peint ses personnages non seulement tels qu'ils les voit, les ressent, mais il sait fait transparaître un peu de leur âme, dans leurs regards, leurs mimiques. Des aspects de l'histoire de leur vie, que William FENECH, intuitivement nous fait découvrir sur leurs visages, ou dans leurs attitudes, leurs gestes. Le maître exprime dans son style autre chose que leur apparence première, il va chercher à traduire plus fortement leur personnalité, cela par leurs regards, leurs airs, leurs vêtements. A qui sait regarder il dévoile dans ses œuvres, ce qui se cache derrière des visions premières. Des tableaux qui sont des univers artistiques dont on ne pourra jamais se lasser. William FENECH sait admirablement bien traiter picturalement tous les sujets, du portait aux paysages, ainsi que les personnages, les scènes de genre... "Le Magicien à la Colombe" (Hst. 55 x 38cm), "Les Compères" (Hst. 80X80cm), "Les Marchands de Bonheur "(Hst.55x46cm). Il arrive à interpréter en peinture toute la poésie qu'il peut y avoir dans un sujet, jusqu'aux sentiments les plus subtils. William FENECH a réussi à atteindre une figuration puissante, expressionniste, par une vision audacieuse, parfois provocante. Son pinceau montre la vie telle qu'elle est, derrière les apparences du quotidien. Un style abouti, en un langage pictural direct, étayé par la force narrative du dessin, de l'idée, de la touche du pinceau, par une palette qui sait rester sobre et sans concessions. Les ambiances de ce Maître catalan s'imposent désormais dans l'art, matérialisées avec l'extrême minutie de touches justes et bien à propos.

 

Le peintre à créé des atmosphères très personnelles, qui semblent vouloir sortir de ses toiles, qui font rayonner la vie dans l’œuvre et tout autour du tableau. Un jeu esthétique exceptionnel dans l'expression de son sujet, avec des personnages très vivants, qui s'appellent, dansent, chantent, jouent de la musique, se parlent en échos, se répondent. Le mouvement est partout, dans l'expression du signifié, dans l'expression par la ligne et le trait, par les couleurs, les clartés, la lumière. Cet expressionnisme du mouvement que le peintre génère ne ressemble à aucun autre, c'est l'expressionnisme de la vie même. C'est la valeur intrinsèque du style même de William FENECH. Un style qui fait aujourd'hui du peintre William FENECH, dans la perpétuation de l'art des grands maîtres, un des artistes les plus doués de sa génération.

 

                                                                                                                                         Texte, Antoine Antolini

            

 

© Texte Antoine Antolini, Editions EDMC, Janvier 2018

"William FENECH, un Maître catalan."

    © Peintures William FENECH,(Tous droits réservés) - Texte et reportage, Antoine Antolini – Janvier 2018

© Editions des musées et de la culture EDMC 2018

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■ Editions EDMC


2017 ▼


Reportages ▼

■ "Madrid" 2017 de Gérard SUISSIA. La nouvelle toile du maître innove en paysage abstrait, une forme de peinture-archéologique en vue-d'en-haut, il ponte présent et "traces-signes" du passé.


"Madrid" (2017) paysagisme abstrait urbain de Gérard SUISSIA

Extrait de l'oeuvre

Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

Extrait de l'oeuvre

Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

Extrait de l'oeuvre

Extrait de l'oeuvre "Madrid" (2017) du peintre abstrait Gérard SUISSIA

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"Madrid" 2017 Une peinture archéologique  "vue d'en haut" pour nous dire la mixité de la trace et du signe du présent et du passé... La toile "Madrid"(2017) dernière née dans la Série "Les Capitales" peintures contemporaines du peintre Gérard SUISSIA. "Madrid" est une toile très réussie, esthétiquement et dans une démarche novatrice de retranscription des "signes-traces" de l'urbain, passé, présent et à venir, la ville et son évolution, l'urbain et les moyens de son évocation en art abstrait.

 

Dans "Madrid" le peintre développe une abstraction tout d'abord, dans la composition et la répartition des volumes et des couleurs aménagées, ensuite, sur un ensemble sémiotique et sémantique bien construit, équilibré dans les interdépendances des grammaires, des signes et des pigments. Tel un plan, il peut y avoir un ressenti en vertical, certes de ces "espaces-quartiers" ou/et en vue de dessus, dans le contenu de signe et sens. On perçoit une impression géographique de 3D descriptive. L'artiste a optimisé une cité-agora qu'il sublime... il "transcende" l'urbain, par le pontage allégorique entre le présent et le passé. La palette, aux tonalités patinées, ocrées, est bien choisie avec une vision d'espaces bien dimensionnés. Il y a une poésie qui s'impose, une atmosphère qui respire l'Espagne. Gérard SUISSIA fait vibrer une ambiance assourdie, de vieilles pierres, de rues aux murs dépolis ou de jardins d'art. Il fait s'exhaler de "Madrid", au-delà du visible, du souvenir... beaucoup de sensations très justes... chaleur, soleil, presque de la nostalgie, mais aussi de la joie, de la gaîté, du romantisme, et de l'optimisme ... C'est vraiment une mise en échos des mixités des styles, des années, s'en remettant aux expressions des caractères, aux designs des lettres comme pour en faire autant de signaux, d'allusions des strates superposées du temps. Gérard SUISSIA continue d'avancer et d'innover avec ici "Madrid" sa nouvelle toile 2017. Une toile qui marque bien une vocation de recherche dans sa peinture. Il y exprime le paysage de la ville, mouvant, évolutif, fondé, historique, présent, comme par une vision archéologique aérienne de l'urbain: "Madrid" est un paysagisme urbain abstrait, qui ici nous dévoile clairement le talent de peintre-archéologue contemporain du maître. Un paysage émergent que l'on ne peut découvrir que par le chemin de l'abstrait . Antoine Antolini – Mai 2017 © Editions des musées et de la culture EDMC 2017.

la peinture de Gérard SUISSIA


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Reportages ▼

■ "L'Art et la Mer" 2016 Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur à Toulon. Exposition concours autour des diverses expressions d'art du monde maritime. Oeuvres-d'art en lien avec la mer dans tous les styles, du figuratif à l'abstrait.


Marine abstraite de la peintre Betty de RUS

Marine abstraite de la peintre Betty de RUS

La peintre Betty de RUS obtient le Trophée

La peintre Betty de RUS obtient le Trophée "ART ET MER 2016" Peinture de Marines, Catégorie Abstraction

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Marine figurative de la peintre Annie d'HERPIN

Marine figurative de la peintre Annie d'HERPIN

La peintre aquarelliste Annie d'HERPIN obient le Trophée

La peintre aquarelliste Annie d'HERPIN obient le Trophée "ART ET MER 2016" Peinture de Marines, en Catégorie Figuratif

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CLIQUER SUR CE LIEN IMAGE CI DESSUS POUR VOIR LE REPORTAGEDU CONCOURS "ART ET MER" 2015

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Oeuvre numérique abstraite de la peintre numérique Régine BAZIN

Oeuvre numérique abstraite de la peintre numérique Régine BAZIN

Régine BAZIN, peintre numérique obtient le Trophée Peinture de Marines

Régine BAZIN, peintre numérique obtient le Trophée Peinture de Marines "ART ET MER 2016", en Catégorie Art Numérique

Paysage abstrait maritime de la peintre Christiane BROUSSARD,

Paysage abstrait maritime de la peintre Christiane BROUSSARD, "Cri".

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La peintre impressionniste abstraite Christiane Broussard (Cri) obtient en 2016 Le Prix du Jury ART ET MER 2016 en catégorie abstraction marine

La peintre impressionniste abstraite Christiane Broussard (Cri) obtient en 2016 Le Prix du Jury ART ET MER 2016 en catégorie abstraction marine

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Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste style figuratif académique

Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste style figuratif académique

"La Vague" d'Annie d'HERPIN peintre aquarelliste

"La Vague" d'Annie d'HERPIN peintre aquarelliste (détail descriptif de l'oeuvre ici analyse du sommet de la vague)

Annie d'HERPIN

Annie d'HERPIN

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Betty de RUS

Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS (détail descriptif de l'oeuvre ici le rivage traité en abstraction)

Paysage littoral abstrait de Betty de RUS (détail descriptif de l'oeuvre ici le rivage traité en abstraction)

Betty de RUS, peintre de style abstrait, oeuvres de paysages abstraits

Betty de RUS, peintre de style abstrait, oeuvres de paysages abstraits

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PALMARES CONCOURS ARTISTIQUE "L'ART ET LA MER 2016" EXPOSITION CONCOURS A TOULON 29 Juillet-16 Août 2016  LAUREATS 2016.

Ont Obtenu: TROPHEE PEINTURE DE MARINES "ART ET MER" 2016  Catégorie Figuratif Aquarelle: Annie d'HERPIN  Catégorie Paysage Abstrait Marine : Betty de RUS  Catégorie Arts Numériques - Peinture Numérique: Régine BAZIN.

Ont Obtenu: PRIX DU JURY 2016 PEINTURE DE MARINES "ART ET MER" 2016 ■ Catégorie  Paysage, Abstrait Portuaire:

Christiane BROUSSARD "CRI". Fin du Palmarès

 

"L'Art et la Mer" 2016 à permis une nouvelle fois et ce depuis plusieurs années, de mettre en relief des artistes qui ont su consacrer leur œuvre ou certaines de leurs créations au thème de la mer. Cela dans dans tous les styles. Ainsi au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur à Toulon, grand port de la Méditerranée, ville balnéaire et commerciale aux portes de la Côte-d'Azur, c'est un florilège de tableaux sur la mer qui ont été présentés au public.

 

Catégorie Paysage Abstrait Marine : Betty de RUS. La peintre Betty de Rus a été primée pour ses marines abstraites. Son abstraction sur le thème des bords-de-mer à su marier un colorisme puissant et lumineux, avec une grammaire, par moment tout en nuances, qui entraîne le spectateur entre abstraction et surréalisme. Betty de Rus crée un nouvel entendement paysagiste abstrait, dans un espace harmonieux et intense, qui lui est propre, empli d'émotions. Le concept abstrait de Paul Klee, celui du "peintre avec des souvenirs" pourrait s'appliquer au plan théorique à Betty de Rus, une peintre abstraite emplie de souvenirs pour avoir parcouru le Globe. Des sensations gravées dans sa mémoire aux cours de ses nombreux voyages à travers les continents.  On comprend dès lors, les raisons qui font que son style convoque tour à tour rêve et imaginaire, pour les soumettre aux questionnements colorés et multiformes de l’abstraction. L'artiste à tant vu de paysages, l'abstraction lui permet de les exprimer, en synhèse de coeur, par les ressentis de formes, par les sensations de couleurs, qui résument par le pinceau, concentrent sur l'oeuvre, toutes ces beautés de paysages, qui défilèrent sous ses yeux d'artistes. L'abstraction est devenue un moyen expressif pour la peintre, pour dire toute cette émotion avec le plus de justesse, avec ses sentiments revenus à la surface sur le tableau, au dela du visible et des images fugaces passées. Un langage universaliste et intérieur de peintures de marines, symbiose de rivages, de littoraux.  En stylistique, sa démarche aux tonalités justes, son sens inné des contre-plans, savent donner un recul spatial en divers endroits de ses œuvres. Un talent qui a permis à cette Diplômée des Beaux-Arts de Toulouse, de décrocher le Trophée Peinture de Marines "Art et Mer" 2016,  en Catégorie Abstraction.

 

Catégorie Figuratif Aquarelle: Annie d'HERPIN. La peintre Annie d'Herpin, aquarelliste internationale (en exposition individuelle actuellement à PEKIN) à su se rendre maitresse au travers de l'aquarelle, des ressources lumineuses que ce médium sait rendre au contact des grains du papier.  Une discipline de haute pratique qui ne laisse aucune part à l'hésitation, aux repentirs, quand la peinture est posées elle se marie avec la lumière et l'on n'y revient point. C'est ainsi l'assurance du geste pictural, que peut seule donner l'expérience, qui fait les grands aquarelliste contemporains.  Ainsi Annie d'Herpin a su pousser dans les œuvres ici présentées, le figuratif vers les ultimes harmonies significatives du maritime, pour évoquer la force de la mer.  En peignant ces vagues fortes et pures de l’Hémisphère Sud à l’île de la Réunion elle dut avant tout comprendre cet Elément, afin d'insuffler dans l'oeuvre un certain esprit, un ressenti, au-delà de l'image en fidélité de l'existant. Notamment sa "Vague", montre une esthétique de recherche sur les couleurs, la luminosité et la nature, attentive et  narrative du mouvement, avec des échos délicatement académiques. Cette peintre aquarelliste a compris les secrets de la lumière et des pigments, les nuances, les contrastes, qui sous ses pinceaux interagissent pour donner des oeuvres pleines de vie. La "Vague" témoigne d'une énergie en rotondité contenue et dynamique, qui se déploye naturelle et sauvage. L'artiste a su saisir ces instants inouïs du monde maritime. Des embruns d'écumes de mer semblent vouloir sortir de l’œuvre, comme pour mieux atteindre le coeur du spectateur. la peintre aquarelliste Annie d'Heprin nous offre ce message de la mer, ces expressions de ces rouleaux impétueux de cette Île dans l'Océan Indien, comme autant de palpitations universelles. Ces expressions  authentiques du maritime lui ont permis d'obtenir le Trophée de Peinture de Marines "Art et Mer" 2016, en Catégorie Figuratif.

 

Catégorie Arts Numériques - Peinture Numérique: Régine BAZIN.  Avec l'Art numérique entré en compétition, c'est l'innovation 2016 dans l'exposition- concours "Art et Mer" portée par la peintre numérique Régine Bazin, brillante artiste de cette discipline qui est en pleine essor aujourd'hui. Les progrès des technologies de l'image ont créé de nouveaux térritoires créatifs, un nouvel univers, dans lequel les pixels, les palettes infinies et pinceaux numériques, les programmes, les écrans, ouvrent de nouvelles voies dans l'art contemporain. Si le progrès initie des évolutions dans tous les domaines il en produit une véritable "révolution" dans l'art à partir de nouveaux outils de graphismes, de colorisme et de visualisation en 2 et 3 D. L'oeuvre-d'art, peinture numérique, "Lune sur l'Eau", de Régine Bazin, propose au spectateur une version quasiment futuriste et abstraite et étonnamment audacieuse, en terme de composition picturale numérique. On y ressent un dépassement logique et technologique du présent dans notre siècle, on imagine ce que pu être en son temps "Impression Soleil Levant" quand Monet référença ainsi par son talent définitivement l'Impressionnisme déja avant-gardiste pour son époque. Dans notre modernité actuelle, Régine Bazin fondatrice de "l'Opto-Suggestivisme" nous apporte avec sa peinture numérique la démonstration d'un talent créatif, allié ç un savoir ingénieux, qui ont su intégrer les recherches logicielles de notre époque pour renouveler l'art, tout en s’efforçant d'en sauvegarder le poétique pictural. C'est ainsi que l'artiste à obtenu à Toulon le Trophée Peinture de Marines "Art et Mer" 2016,  Catégorie Peinture Numérique.

 

■ Catégorie  Paysage, Abstrait Portuaire, Prix du Jury, Christiane BROUSSARD "CRI": En catégorie de Paysagisme Abstrait Portuaire, avec ses expressions de Marines abstraites, Christiane Broussard, spécialiste confirmée abstraite du littoral et paysages côtiers, a transporté le public vers tous les ailleurs de la peinture impressionniste abstraite. Ses monochromes polysémiques révolutionnent le paysage abstrait, pour poser de nouveaux fondements dans le visuels, elle pousse l'art contemporain vers de nouveaux progrès conceptuels et esthétiques. Depuis le Sud, cette artiste depuis plusieurs années, a marqué d'une nouvelle empreinte l'abstraction. Elle a montré que la mer, le portuaire, le littoral, le paysage côtier pouvaient jouer un rôle pour faire avancer l'abstraction par de nouvelles grammaires spécifiques que l'artiste à fait surjaillir dans ses toiles. Si Collioure et les "Fauves" avait déjà mis en exergue le mimétisme géographique d'un lieu dans la vision d'art, qui était pour eux multicolore,  et le lien que cela généra pour le progrès esthétique. Christiane Broussard, peintre de marines  abstraites, quant à elle apporte bien ici, après Matisse et Les "Fauves", la confirmation que l'osmose du peintre et du paysage maritime, produit bien ces inspirations nouvelles aptes à bouleverser les visions artistiques, pour elle monochrome ou bi-chrome. Christiane Broussard, change les couleurs du voir pictural. Le Prix du Jury Peinture de Marines "Art et Mer" 2016, lui a été attribué. 

 

 

 

                                                                                                                         Editions EDMC "ART ET MER" 2016

 


* * * *  "L'ART ET LA MER" * * * * TEXTE * * * * "L'ART ET LA MER" * * * * TEXTE * * * *  "L'ART ET LA MER"


 

LIVRET DOCUMENTAIRE D'ACCOMPAGNEMENT D'EXPOSITION SUR L'ART ET LA MER

Concepts génériques d'une " ESTHETIQUE DES MERS "  - Mers, signes et civilisations -

(C) EDMC DEPARTEMENT RECHERCHE

 

[1] - Origines de l’ « Esthétique des mers et du maritime».

 

L’ « Esthétique des mers », depuis la nuit des temps, accompagne étroitement les progrès premiers hommes préhistoriques, qui vécurent sur les rivages d’abord pêcheurs, puis marins. L’art des premiers troncs d’arbres creusés sont la véritable protohistoire de nos navires les plus modernes. Dans leurs graphismes pariétaux, comme dans leurs colliers de coquillages, au néolithique, nous pouvons lire la naissance de ce que l’on peut appeler un « art des mers ». Nous percevons au travers des cultes magico-religieux et des manifestations artistiques symboliques qui s’y attachent, l’expression des liens du groupe autour des croyances mythiques en des forces surnaturelles ou divinités des mers...A travers l’analyse de l’art, des styles et tendances des représentations, des motifs et sujets marins à travers les siècles, c’est en fait l’âme profonde des civilisations maritimes qui transparaît.

 

[2] -« Esthétique des mers » et principaux courants d’arts.

 

Cette Esthétique marine s’exprime tour à tour, certes par des poissons très figuratifs et réalistes, mais aussi les aspects plus surréalistes de divinités, allant de Vénus et Neptune, jusqu’aux représentations de divinités sur les rivages d’Orient et d’Occident, de la Chine à la Grèce. Par cette démarche, on peut dégager et comprendre mieux les ressorts de ce que j’appelle un « art mythologique » et voir apparaître nettement le rôle primordial joué par les artistes dans les premières civilisations. Mais la mer a souvent été représentée par les artistes de façon abstraite, et cela déjà parmi les civilisations les plus anciennes. Ainsi par exemple, chez les minoens ou les hellènes, à travers leurs frises et leurs nombreuses décorations de temples ou palais, on peut voir représenté le mouvement de la mer ou des vagues. Une esthétique propre s’est en fait de tous temps imposée comme décisive, nécessaire, pour renforcer le lien étroit de l’homme avec la mer, manifester une identité sociétale maritime. Cette mer, que l’on a longtemps cru plate, avec un abîme au bout de l’horizon, à généré des croyances chamaniques, ou fabuleuses. D’innombrables légendes ont alimenté peu à peu une importante imagerie populaire, poétique, romantique, surréaliste... permettant de nombreuses inspirations de sujets aux artistes. Cette « Esthétique des mers » permet d’assimiler clairement la relation essentielle qui existe entre « art » et « culture ».

 

[3] - « Esthétique des mers » et évolution des sociétés.

 

L’« Esthétique des mers » est une « Esthétique de la communication ». Communication à l’intérieur du groupe social pour la définition de son appartenance commune maritime, mais aussi face aux autres zones intra-continentales. Cette esthétique se traduira par une thématique profondément culturelle d’une grande parties des sociétés riveraines, insulaires ou péninsulaires, qui ont voulu exprimer la mer artistiquement. On peut retrouver ceci au travers du développement des sociétés anciennes et contemporaines. Le développement au fil des siècles d’une économie d’échanges commerciaux par voie maritime, nous révèle que cette « Esthétique des mers » est dépositaire du contenu d’une communication « visuelle » spécifique majeure, ancienne et contemporaine. Cette communication, depuis les galets de plages recouverts de signes peints par des hommes préhistoriques, jusqu’aux effigies de pièces de monnaies antiques frappées de motifs marins, n’a cessé de se développer. Avec la modernité des sociétés du XV ème siècle, la Renaissance, les Grandes Découvertes, une nouvelle imagerie des mers s’installe dans la conscience populaire en Europe. Des images différentes apparaîtront dans la société et seront conditionnées par le développement d’une économie provenant d’au delà des mers. Les Grandes Découvertes sont aussi de Grandes Explorations des mers et des océans. Par ailleurs, l’importation de concepts technologiques de constructions de navires, de conceptions esthétiques différentes, de techniques d’art plus élaborées, ont produit certes des évolutions et changements dans la façon de voir, mais autant des harmonies et des enrichissements esthétiques entre continents lointains. Par exemple ce fut le cas avec les porcelaines blanc-bleu et le kaolin de Chine, qui ont crée un style en Europe. On assiste souvent à la transmission à la fois d’un goût et d’ une technique nouvelle. Ceci illustre aussi les interpénétrations des concepts, qui vont de pair avec les nombreux échanges de savoir-faire artistique ou artisanal - plus tard industriels - qui se poursuivront en continu jusqu’ à nos jours. Même dans les domaines les plus « pointus » de l’Esthétique, les modalités d’expression s’influencent entre continents au-delà des mers et océans. L’arrivée de concepts artistiques de l’école de New-York, ont influencé l’abstraction picturale en France ou en Italie dans la seconde moitié du XX ème siècle. Quant à nous, nous avons su tout autant exporter le surréalisme...

 

 

[4] - L’« Art significatif » des mers : expressions signalétiques des sciences marines anciennes et modernes.

 

De l’étoile polaire pour indiquer le Nord, du phare au téléphone portable, la mer restera toujours cette vaste étendue d’eau que le besoin de communication directionnelle domine. Une logique communicante appartient à l’art du visuel depuis la préhistoire . Par des recherches précédentes, j’ ai pu constituer les fondements de l’ art significatif (cf définition § 1) , qui est l’association du signe, du sens, et de l’Esthétique. Cet art se retrouve comme une composante élémentaire et « infra-structurante » des civilisations anciennes ou contemporaines. Cet art est un médium de toute transmission-réception d’arts ou cultures. La connaissance de l’art significatif est essentielle dans l’approche des sciences marines anciennes ou modernes. De la navigation grâce à l’ astrolabe, de l’infographie à la cartographie modernes, la signalétique à guidé les plus grands navigateurs. On comprend ainsi comment la création de toute signalétique maritime efficace passe par l’ étude approfondie de son « esthétique » qui sera garante de sa meilleure utilisation. Netteté, clarté, rapidité de compréhension, de lecture, sens et signes doivent s’exprimer par des graphismes issus de l’étude de l’Esthétique. Souvent en association avec les technologies modernes de l’image, le sens et le signe entrent dans une interdépendance expressive, une dualité, parfois une pluralité de « significations », une polyvalence « significative ». L’« Esthétique des mers » et « du maritime » s’attache à l’étude de l’ ensemble des représentations visuelles artistiques ou fonctionnelles et utilitaires en relation avec la mer. L’  Esthétique moderne et l’ « art significatif » sont indissociables et inscrivent le progrès des sciences de l’art dans celui de la société, pour l’optimiser.

 

[5] - « Esthétique des mers », marketing et publicité.

 

Cette «Esthétique des mers » se retrouve largement utilisée dans la mode vestimentaire, les sports, les loisirs, jusqu’aux aux affiches de croisières, voyages, et vidéo-clips exotiques. Cette esthétique constitue aujourd’hui la meilleure thématique permettant de sublimer les désirs et promouvoir ainsi les offres de produits et services par la publicité. Par la communication et les médias, l’« Esthétique des mers » est devenue essentielle et constitue actuellement la partie la plus importante du marketing et de la publicité. La mer, le rivage, la plage, les paysages exotiques marins, sont associés au rêve, à la conquête du bien-être et de la réussite sociale, aux vacances, à la récompense. Illustration de tous types de marques et enseignes, la mer devient objet et processus pour des ventes de tout un ensemble de biens et services situés dans son contexte. En termes ciblés, une bonne compréhension de l’ « esthétique des mers » va promouvoir de façon exponentielle la vente de produits et services liés à la mer. L’esthétique des mers et du maritime conditionne pertinence et performance de la communication de l’industrie du tourisme et des loisirs. L’ « Esthétique des mers » et du « maritime » est le vecteur le plus porteur dans le monde de la publicité et du marketing. On ne peut échapper aujourd’hui à cette esthétique spécifique. Mes travaux de recherche en art, m’ont permis de l’identifier, de la construire et la fonder en tant que telle, afin de faire déboucher cette « Esthétique des mers » sur un enseignement. Celui-ci devra permettre d’optimiser le potentiel de cette esthétique et mettre au service d’étudiants motivés de nouveaux atouts, selon leurs divers projets professionnels. Nous avons à présent le recul nécessaire et cerné le premier cadre interdisciplinaire et transdisciplinaire de cette esthétique spécifique. Un programme complet pour son enseignement théorique et pratique est conçu et a débuté en 2005.

 

[6] - « Esthétique des mers » et Design.  

 

Des compétences et une formation nouvelle sont nées avec le « Design des esthétiques des mers »... Design naval - Design urbain et conception-paysage maritimes - Design d’architectures intérieures et du mobilier marin. - Le Design naval : L’esthétique des mers analyse le design naval qui est étroitement lié au développement des technologies industrielles des mers depuis l’histoire des constructions de caravelles, de Colomb et Magellan, jusqu’aux paquebots géants des mers. La conception-paysage maritime : Il existe une « esthétique des architectures maritimes », avec un besoin de « concept-design » et de concepteurs-paysagistes marins. Le besoin existe au-delà des créations-aménagements des ports et marinas, ou de pôles de plates-formes offshore. Les toutes récentes créations expérimentales d’habitats marins et sous-marins, demain les « villes flottantes » appellent une nouvelle compétence en design qui doit intégrer de nouveaux paramètres. De micro-territoires flottants bâtis de résidences de vacances seront capables de voguer dans les prochaines années. La voie d’un progrès irréversible et ouverte dans la relation mer - habitat. Le Design maritime d’architecture d’intérieure et de mobilier marin : ce que j’appelle, le « Design meublant marin, ou maritime » a un véritable statut dans l’ « Esthétique des mers » et du « maritime », avec des débouchés professionnels en perspective. Créer du mobilier marin adapté à la navigation, c’est mieux comprendre le design ergonomique marin et répondre à de nouveaux besoins. Ce design de mobilier doit aussi se nourrir des connaissances esthétiques approfondies, anciennes et contemporaines. Cette « Esthétique des mers » et du « maritime » , bien assimilée pourra faire la différence « qualité » dans la concurrence. La connaissance des logiques riveraines, anciennes et modernes de création de mobiliers sur les littoraux d’Orient ou d’Occident est indispensable. C’est le moyen primordial pour le concepteur afin de savoir comment innover.

D.R. pour tous pays -  Copyright "L'ART ET LA MER" Livret documentaire d'Exposition EDITIONS EDMC 2015

 

 

 

 

■ La peintre Laurence SOIGNON, incarne la charnière entre les XXème et XXIème siècles: Sa peinture met en osmose l'art et la science, annonçant l'esthétique des prochaines décennies. Ses toiles relient l'universel.


"Emotion" peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

"L'Inconnu", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 70x50cm)

"Destinée", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 60x60cm)

La peintre abstraite Laurence SOIGNON, crée une nouvelle esthétique métaphysique

La peintre abstraite Laurence SOIGNON, crée une nouvelle esthétique métaphysique

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"Etat de Conscience", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 80x80cm)

L'abstraction de Laurence SOIGNON, passerelle entre l'esprit humain et l'univers. Une autre forme de spiritualité dans l'art contemporain.

L'abstraction de Laurence SOIGNON, passerelle entre l'esprit humain et l'univers. Une autre forme de spiritualité dans l'art contemporain.

"Suractivité", motif central, peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

"Mutation", motif central, peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 40x40cm)

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Ici la peintre abstraite Laurence SOIGNON explique la relativité de nos conceptions et des images de la matière. Son coeur et sa peinture approchent l'intériorité de l'Homme dans l'univers.

Ici la peintre abstraite Laurence SOIGNON explique la relativité de nos conceptions et des images de la matière. Son coeur et sa peinture approchent l'intériorité de l'Homme dans l'univers.

"Plans Parallèles", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 50x60cm)

"Technologie", peinture de Laurence SOIGNON (acrylique sur toile 50x60cm)

Laurence SOIGNON. Sa peinture, son style, portés par une esthétique abstraite de haut niveau international, reconnus par l'attribution de la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2015.

Laurence SOIGNON. Sa peinture, son style, portés par une esthétique abstraite de haut niveau international, reconnus par l'attribution de la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui 2015.

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La peintre Laurence SOIGNON est issue des générations artistiques, qui, dans les années 80-90 ont vécu un "risorgimento" de la science, un regain d’intérêt pour les sciences dans la société. L'artiste s'est ouverte à l'art contemporain à la fin de cette décennie, dans ces "Eighties" qui produisaient une évolution en accéléré, dans tous les domaines. Au cœur d'une prise de conscience que le développement des nouvelles technologies apportait, chacun d'entre-nous pouvait voir ce progrès qui proliférait et peu à peu, envahissait notre quotidien, notre environnement. De l'informatique à l’opto-électronique, de la robotique aux  industries de pointe, les limites à l’ingénierie humaine semblaient définitivement abolies. L'espace, l'univers, les investigations cosmos-planétaires, les programmes spatiaux de la NASA, ou de l'Europe, avec les années CNES, ces années qui ont vu avec les astronautes français Jean-Loup Chrétien et Patrick Baudry, s'ouvrir de nouvelles voies au progrès de l'humanité. Ceci créait de nouvelles perspectives d'avenir. L'on entrevoit alors en Europe, dans le monde industriel, un futur, désormais indissociable de l'exploration interplanétaire, des avancées de la cosmologie, ainsi que des Sciences fondamentales. C'est dans cette effervescence que Laurence SOIGNON, allait débuter quant à elle, sa carrière de peintre en 1987.

 

A cette époque, ces nouveaux horizons des sciences et des technologies, au-delà du monde scientifique, sont en fait entrain de dynamiser le monde littéraire, la culture, relayés par le cinéma, avec des films dans les années 90, tels "Abyss" ou "Retour vers le Futur". La science irriguait tous les possibles, Laurence SOIGNON allait à son tour, avec sa peinture, en donner de nouvelles images, construire une nouvelle esthétique.... L’œuvre de l'artiste porte ainsi l'empreinte de ces progrès de la fin du XXème siècle. Son tableau "Technologie", (peinture acrylique sur toile 50x60cm), nous le rappelle. Cela fut une chance culturelle pour la peintre d'être en charnière de deux siècles, elle a réussi par ses toiles, par sa démarche artistique novatrice, à faire aujourd'hui le pontage admirable avec notre nouveau millénaire naissant. Avec son œuvre "L'Inconnu", (peinture acrylique sur toile 70x50cm), elle nous montre la logique première de sa démarche; une superbe réalisation antologique, qui propose une conception générique du monde autour d'un savoir caché de l'ultime, qu'il reste encore à découvrir pour la science. "L'Inconnu" renvoie l'Homme à son échelle, devant la nature immense, insondable, mystérieuse, magnifique. On peut voir toutefois dans ce tableau l'espoir d'un entendement possible au final, une compréhension accessible de notre Univers qui est à conquérir par les scientifiques. Ceci apparaît au travers de la lumière éblouissante concentrée, éclatante, mais distante, que l'artiste représente dans le haut de sa toile. Une espérance, un but, pour l'Homme comme pour l'Humanité. L'abstraction pionnière de l'artiste questionne par ses représentations picturales, les limites des sciences exactes, face à cet Univers. Une démarche artistique qui manifeste une interprétation de la cosmologie, avec les ressentis de l'intériorité de la peintre, en gestualité étudiée, efficiente. La peinture de Laurence SOIGNON, est une expression intuitive de la raison. Le raisonnement à besoin d'aller plus loin que le résultat des sciences. C'est une peinture qui veut participer a déchiffrer l'inconnu. Le style de l'artiste reste éloigné d'une "Action painting" déconditionnée de l'environnement comme celle que parfois produisit l'exceptionnel Pollock, chez Laurence SOIGNON, on ressent une abstraction au geste chargé de sens humain, intuitif puis intentionnel, en quête du cosmique, du cosmologique, en recherche d'un universel positif. Une émotion plasticienne sur la toile, faite de sensibilité issue de la méditation intérieure. La perception du Soi pour mieux sentir l'infini. Un acte de peindre qui pourrait être perçu comme une expression asiatique du Qi (ou Ki). Le souffle, la vie, que la peintre transmet ici à sa peinture répand un énergie originelle qui enveloppe la toile et le spectateur. Une amplitude de créativité qui transparaît dans la beauté cohérente, équilibrée, dans la majesté des couleurs. Une grammaire qui devient parfois quasiment cinétique. Laurence SOIGNON, fait le vide en elle, pour envoyer en la guidant, une émotion abstraite sur la toile. Elle identifie et peint en synchronie, à la fois une part d'elle-même et de cette incommensurable physique. Elle a intériorisé son regard pour aller à la dimension expressive extérieure de l'émoi. Concentration et spontanéité se mettent en ambivalences dans ses réalisations. ("Plans Parallèles", peinture acrylique sur toile 50x60cm. "Emotion" peinture de acrylique sur toile 40x40cm). Le pinceau de Laurence SOIGNON est, au bout de sa main, le  lien entre son monde intérieur et un monde externe, galactique, sidéral, affranchi de toutes limites. La particularité de l'approche artistique de Laurence SOIGNON est qu'elle a compris comment mobiliser toute sa puissance intérieure pour la communiquer sur la toile. Pour la peintre, l'introspection, la méditation, préparent sa gestualité, laquelle produira ensuite sur la toile, dès lors avec plus de fidélité, ses intuitions profondes. "Etat de Conscience", peinture acrylique sur toile 80x80cm, met en émergence ce phénomène: Une œuvre peut refléter en miroir les sensations du peintre dans l'univers. Pour Laurence SOIGNON, la conscience est un espace d'émotion et d’intelligence ouvert, c'est le moyen de se "connecter" à l'universel. Ses toiles sont devenues de véritables visions-passerelles entre l'être et l'infini. La peinture est chez cette artiste une démarche esthétique utile, qui positive l'acceptation de notre devenir dans la course du temps, de l'espace, des cycles planétaires. "Destinée" (peinture acrylique sur toile 60x60cm). Laurence SOIGNON en ce début de notre siècle est la première artiste qui fonde et grave dans l'art, l'esthétique d'une exobiologie. Avec l'interdépendance entre la force de l'univers et la fragilité de l'humain, de la vie. "Suractivité"(peinture acrylique sur toile 40x40cm) nous confronte à tout ce qui nous dépasse et nous en donne une idée esthétisée que le tableau ancre dans notre réalité. Ses représentations picturales investiguent des champs nouveaux hors de la cognition dans notre présent. On en mesure une vertigineuse appréhension dans sa toile "Mutation", (peinture acrylique sur toile 40x40cm). Son message est bien cette symbiose entre matérialité et immatérialité, entre l'être et l'existant inconnu. Elle a  extrait les images  d'une intuition des sciences , developpant ainsi la mission sociétale du peintre, sentinelle des futurs, pour en construire une œuvre de référence pour la science et les mathématiques, dont les théories ne peuvent aller encore jusqu'à ces territoires physico-visuels inaccessibles, qui ne peuvent être évoqués, "imagés", que par l'art, la peinture... L' « Universfield Painting » est le mouvement pictural créé par la peintre Laurence SOIGNON. Chacune de ses toiles est un véritable "insight" qui vient combler le manque que peut ressentir le chercheur, le scientifique, devant la complexité de sa tâche. Ses peintures poussent et supportent la science, pour l'aider par l'art, à aller vers l' "Eurêka" intemporel, générique et ultime. Lors de l'interview qu'elle a accordée aux Editions des musées et de la culture EDMC, Laurence SOIGNON a précisé : ..."L’expression esthétique de mon monde intérieur est infinie et variée... ma démarche avant d’être spirituelle, est scientifique, avec pour centre d’intérêt la cosmologie physique et quantique; la physique classique et la physique quantique et la recherche de leur unification; de la mise en équation d’un univers connecté: une unification de la physique de l’infiniment grand et de l’infiniment petit. Cette approche m’a conduite vers la connaissance de Soi".... L'artiste Laurence SOIGNON, pose ainsi la peinture comme moyen complémentaire d'investigation des sciences de l'Univers dans les dimensions de la recherche plurielle et transdisciplinaire entre les Beaux-Arts et la science. Dans l'harmonie de leur conjugaison, les arts et les sciences nous permettront peut-être de dévoiler un jour, les secrets de l'avenir, par les croisements et les superpositions des savoirs. La peinture de Laurence SOIGNON y contribue et représente aujourd'hui en Europe une tête-de-pont des Beaux-Arts dans les sciences. L'artiste a fondé un nouveau concept esthético-scientifique. Ses toiles appartiennent déjà au futur, il reste à présent à la civilisation à faire sienne un telle créativité contemporaine, non seulement pour les générations actuelles, mais aussi pour celles à venir.

 

 

Antoine Antolini, Octobre 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"La peintre Laurence SOIGNON, incarne la charnière entre les XXème et XXIème siècles: Sa peinture met en osmose l'art et la science, annonçant l'esthétique des prochaines décennies. Ses toiles relient l'universel".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Ocotbre 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant: titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 



 

 

■ PEKIN, capitale de la Chine. Reportage EDMC. Images de Chine 2015: Pékin. Une ville en pleine évolution dans la modernité la plus contemporaine. Aujourd'hui ..."Ce qui se passe à Pékin se passe dans le monde"...


PEKIN

PEKIN

PEKIN (BEIJING), CAPITALE DE LA CHINE.

PEKIN (BEIJING), CAPITALE DE LA CHINE.

LE MUSEE DES BEAUX-ARTS DE PEKIN

LE MUSEE DES BEAUX-ARTS DE PEKIN

PEKIN. Vue du centre-ville

PEKIN. Vue du centre-ville

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PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. L'art de la calligraphie en enseignes.

PEKIN. L'art de la calligraphie en enseignes.

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

PEKIN. Vue du centre-ville 2015

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PEKIN au printemps. 2015

PEKIN au printemps. 2015

PEKIN. Ici, un haut lieu du thé en centre-ville.

PEKIN. Ici, un haut lieu du thé en centre-ville.

PEKIN. Novotel Beijing Peace, Styles et Tendances dans l'art international PEKIN DECEMBRE 2015 EDMC

PEKIN. Novotel Beijing Peace, Styles et Tendances dans l'art international PEKIN DECEMBRE 2015 EDMC

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REPORTAGE "IMAGES DE CHINE: PEKIN" © EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE EDMC 2015

 

 

 

■ MABRIS. Sa peinture nous emmène aux confins de l'abstraction. Au-delà de l'Action painting américain, des calligraphies de l'Asie, ou de tout "art informel", MABRIS fonde aujourd'hui une esthétique européenne novatrice.


la peintre MABRIS

la peintre MABRIS

"Ardente Exaltation", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 92x73cm)

"Audace", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 30x30cm)

la peintre MABRIS dans son atelier

la peintre MABRIS dans son atelier

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"Empreinte Cosmique", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 50x61cm)

"Accolade", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 116 x 89cm)

"Fulgurance", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 65x54cm)

"Rayon d'Or", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 54x65cm)

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Ici la peintre MABRIS en compagnie de Marina PICASSO

Ici la peintre MABRIS en compagnie de Marina PICASSO

"L'Abîme de Soi" peinture de MABRIS (acrylique sur toile 100x81cm)

"Bourrasque", peinture de MABRIS (acrylique sur toile 81x100cm)

La peintre MABRIS, une certaine idée de l'abstraction qui, aujourd'hui, innove une nouvelle esthétique picturale dans l'art contemporain européen

La peintre MABRIS, une certaine idée de l'abstraction qui, aujourd'hui, innove une nouvelle esthétique picturale dans l'art contemporain européen

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La peintre abstraite Mabris. D'expositions en salons, en France et à l'étranger, cette artiste a fait remarquer  son travail, puis a su imposer l'originalité de son style parmi les recherches artistiques contemporaines. Au milieu de la variété foisonnante des langages picturaux son œuvre s'est nettement détachée. Au cœur de propositions culturelles multiformes,  son style permet de cerner une avancée dans le domaine de l'art abstrait, en innovant une nouvelle grammaire du signe et de la peinture dite "gestuelle" dans l'art contemporain européen.


L' "Action painting" américain voulait faire progresser l'approche de l'abstraction, remodeler son sens profond, notament avec Jackson Pollock, ensuite Willem de Kooning. En complet déconditionnement devant la toile, le geste devait alors retrouver un espace autonome, devenir absolu. Ce "risorgimento" de l'abstrait aux Etats-Unis devait être relayé en Europe avec "l'Informel", le "Tachisme", le mouvement "Cobra" (initiales de Copenhague, Bruxelles, Amsterdam) et l'abstraction lyrique ou peinture gestuelle, avec des peintres tels Georges Mathieu, Hans Hartung, Gérard Schneider, qui tentèrent de créer une identité esthétique européenne, une approche picturale plus française, plus européenne, se voulant encore plus avant-gardiste que celle d'Outre-Atlantique. Ils y réussirent d'ailleurs. Ce fut la période étonnante d'une création artistique abstraite qui se cherchait, se trouva, et fut la référence contemporaine jusque dans les années 70-80. C'est dans cet environnement que Mabris a vécu sa jeunesse, dans ces temps-forts de l'abstraction gestuelle, dans cette mode où les médias résonnaient d'échos de performances ou d' happenings célébres, dans un nouvel art contemporain européen en construction. Aujourd'hui, toutes influences estompées, Mabris a su composer avec sa peinture, son édifice personnel, avec une vision fraîche, neuve. En 2015, ses toiles constituent naturellement et intrinsèquement un dépassement de cet existant des  "années Georges Mathieu". Ses tableaux sont à la fois totalement innovants par un signe libre, mais aussi par un sens issu de sa propre génération, actuelle. Mabris, en fait, a réussi à créer des peintures en "prise directe", "phasées", avec son siècle naissant. Originaire de Nantes, elle fut artiste-photographe à ses débuts, puis perfectionna ensuite ses connaissances picturales, durant quatre années à l'Ecole des Beaux-Arts. Un parcours de talent, de passion, mais aussi de patience. Mabris s'est consacrée en un labeur incessant à sa peinture dans son atelier. Au fil des années, avec sérieux, elle est arrivée a mettre progressivement au point, à murir, son style. Elle a pu confier dans une interview "la solitude de l'atelier est une nécessité car elle permet de se concentrer, de se recentrer pendant que le monde tourne autour de soi, de prendre du recul. Pour moi, c'est maintenant devenu une nécessité , c'est aussi vital que respirer !". Mabris, dès ses premières grandes expositions, par la perfection et l'originalité de son travail, s'annonçait comme une signature qui allait marquer la peinture. Si à présent on peut parler à son sujet d'une référence dans l' art abstrait européen, c'est grâce à un chemin d'efforts avec une conviction tendue vers un but : vouloir peindre au-delà du peindre! On peut parler avec Mabris d'une "nouvelle peinture gestuelle" européenne, ouverte sur le monde, la société. Mabris est issue de cette France profonde de l'art, de ce monde d'artistes qui peint au quotidien. Depuis son atelier, elle s'est toujours sentie en osmose avec la conscience artistique du monde. Un tableau d'ici mais tout autant un tableau du monde. C'est imprégnée de cet universalisme, que la peinture de Mabris s'est mise réellement à palpiter au rythme de son temps. Elle est une des rares peintres actuelles qui représente aussi bien notre époque, par sa gestualité, contrôlée et spontanée en simultané, un acte peint, ouvert, large, accompli, fulgurant et signifiant. Sa peinture à épousé notre temps, reflète et met en image l'accélération de notre société, la vitesse sous toutes ses formes, le changement de nos normes "spatio-temporelles" que chacun ressent profondément tous les jours avec les nouvelles communications, la dématérialisation de la distance, du lieu, la mondialisation... Cette identité picturale de civilisation, Mabris, la pose sous nos yeux, avec une évidence inédite dans notre histoire contemporaine de l'art : Elle a donné une autre signification à la peinture du mouvement, au geste, à l'esthétique du mouvement sur la toile, l'a actualisé, traduisant une unité symbiotique de signe et d'évocation. Tout naturellement sur la toile "Fulgurance" (acrylique sur toile 65x54cm), elle trace ce temps ultra-rapide, interprète cette danse sociétale du déplacement, de l'aller-retour, d'un besoin du "toujours plus vite", qui ne laisse qu'une sensation fugace et floutée de l'image, du réel, des sentiments. Le génie de Mabris est d'avoir ressenti intuitivement ce choc de la modernité, d'avoir su emmagasiner l'impact frontal de cette révolution de notre vie quotidienne, du progrès, de l'être et de ses incertitudes face à ce nouveau monde a l'allure vertigineuse et en créer une grammaire inouïe de vérité, tel avec son œuvre titrée "l'Abîme de soi" (acrylique sur toile 100x81cm). Ses toiles, plus qu'une réflexion-miroir abstraite de l'hyper-avancée de notre société, sont de véritables tableaux-témoins, autant de signaux clignotants d'un monde frénétique. Lorsqu'elle réalisa sa toile "Ardente Exaltation" (acrylique sur toile 92x73cm) , probablement que Mabris, ne se doutait point combien cette œuvre en exposition, allait représenter d'émotions auprès du public dans le Sud de la France. Cette œuvre, avec ces entrecroisements paroxystiques, cette dynamique jaillissante d'entrelacs, véritable étonnement sous tous les regards. L'exposition d' "Ardente Exaltation" fut un événement et généra des ressentis les plus divers, d'évocations du monde, inter-culturelles, esthétiques ou encore calligraphiques... Le motif central, concentré en dynamique, se détachant sur un fond plan, voire spatial, terrestre, selon les différentes visions des spectateurs, détouré d'un bleu lointain, céleste ou maritime... La gestualité de Mabris, dans cette toile qui a été exposée plusieurs semaines sur la Côte-d'Azur n'a cessé de questionner, de susciter des interprétations émotionnelles des plus variées. Une peinture bien dans le style de l'artiste, aux harmonies contrastées, une expression dans laquelle la vigueur a remplacé la violence, la force picturale a su découvrir une palette de tonalités atténuées, douces au regard, pour faire passer un message d’énergie en graphismes gestuels. Les œuvres de cette artiste sont devenues puissantes, vibrantes, exceptionnellement criantes, parfois cinglantes telle par exemple "Bourrasque" (acrylique sur toile 81x100cm). Mabris sait toujours parler au cœur par une esthétique subtile, animée, re-créative. C'est en fait ce sens supérieur, que seul les artistes les plus doués peuvent intégrer puis émettre dans le tableau. Mabris, par ses titrages prend soin de ne jamais bloquer la projection du spectateur, pour lui laisser sa marge d'imaginaire, afin que celui-ci puisse vivre le tableau, y ajouter sa propre sensibilité, y convoquer son monde intérieur ou extérieur, ou les deux. C'est là aussi le secret de cette réussite; ce rapprochement avec le public. Le geste de l'artiste dans la rapidité, dans la spontanéité a appris à gérer la couleur et ses effets avec justesse, l'utiliser pour parfaire et prolonger une trajectoire de son intériorité directement sur la toile, poser l' éblouissement de non-dits, qui vont à la rencontre de l'esprit, vers l'âme de l'autre. Mabris a tout de suite su qu'elle ne devait pas peindre pour plaire, ni pour convenir à la presse, ni aller dans le sens des conseils prodigués par tel ou tel critique d'art, elle a compris qu'elle devait être avant tout elle-même, sans concession, mais peindre jusqu'au bout ses intuitions picturales. C'est ce qu'elle a fait. Aujourd'hui c'est gagné. Ce pari sur l'avenir, cette attitude à été sa force. Sa peinture à présent fait le tour du monde, des Etats-Unis à l'Inde, de Paris jusqu'à Dubaï. Partout on peut regarder et ressentir dans la soudaineté du visuel, cette expression immédiate et incomparable de l'esprit fusant sur la toile, sans aucune barrière entre expression et sensation et qui vient nous dire le monde, notre société, notre siècle. Un style, une signature, une actualité de l'art contemporain; les toiles de Mabris parlent du rythme de la vie, du rythme de la Terre qui tourne inexorablement et qui marque à tout jamais le début et la fin, sans arrêt, telle une "Empreinte Cosmique" (acrylique sur toile 50x61cm). Mabris, dans sa démarche a créé un nouvel entendement de l'évolution des stylistiques. Elle nous démontre que le vrai peintre abstrait est celui qui sait être dans une dimension d'excellence, transcender les sens et transmettre beaucoup plus encore, par les signes et les couleurs. En redéfinissant le rythme, le mouvement, la vitesse du geste et son objet, elle a posé le contenu sémiologique d'une autre abstraction, Mabris a réorganisé une grammaire essentielle de l'abstrait, en une acception actuelle pour notre XXIème siècle naissant. Dans la tradition immémoriale du peintre depuis la nuit des temps, des grottes d'Altamira au Musée d'Art Contemporain de New-York, certains artistes dans nos civilisations ont parfois ce rôle unique et privilégié de médium-médiateur de nos sociétés, pour traduire par l'art, en peinture, l'inconscient collectif d'une époque, d'une société a un moment donné de son évolution... Mabris est l'une de ces artistes. Il faut regarder son œuvre, se pencher sur son style et l'on s'y reconnaîtra, l'on y verra le monde. Mabris est une authentique révélation de l'art abstrait européen d'aujourd'hui. 

 

Antoine Antolini, Août 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"Mabris, peintre abstraite" sous-titre : "Sa peinture nous emmène aux confins de l'abstraction. Au-delà de l'Action painting américain, des calligraphies de l'Asie, ou de tout "art informel", MABRIS fonde aujourd'hui une esthétique européenne novatrice".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Août 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

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titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


 

 

■ Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Une oeuvre de haut niveau qui témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles.Une nouvelle dynamique créative.


Georges CASTILLE, un maître dans l'art contemporain. Son style, à travers les supports, les matériaux et les pigments réussit une synthèse de haut niveau des disciplines complexes de l'esthétique et des arts plastiques.

Georges CASTILLE, un maître dans l'art contemporain. Son style, à travers les supports, les matériaux et les pigments réussit une synthèse de haut niveau des disciplines complexes de l'esthétique et des arts plastiques.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr. "Promenade Nocturne", "Aimons-nous", "Lily".

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr.

Georges CASTILLE Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) De g. à dr. "Nous les Amoureux", "Charleston N° 3", "Starlette N°2"

Le maître Georges CASTILLE, peintre,  sculpteur, plasticien. Recoit le Diplôme d'authentification de sa Médaille

Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Recoit le Diplôme d'authentification de sa Médaille

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Le maître Georges CASTILLE, peintre sculpteur plasticien, obtient en 2015 pour l'ensemble de son oeuvre la Médaille

Le maître Georges CASTILLE, peintre sculpteur plasticien, obtient en 2015 pour l'ensemble de son oeuvre la Médaille "d'Artiste d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui ". Une consécration méritée pour cet artiste hors du commun.

"Carnaval de Venise", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Le Grand Bleu", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Poissons Exotiques", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

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"Clin d'oeil", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm)

"Clin d'oeil", oeuvre de Georges CASTILLE - Bois sculpté 3D (60x60cm) plan rapproché

Ici le maître Georges CASTILLE expliquant sa démarche artistique au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

Ici le maître Georges CASTILLE expliquant sa démarche artistique au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur.

"Poissons Exotiques N°1", oeuvre de Georges CASTILLE - Tableau Bois sculpté 3D (60x60cm)

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Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. Une oeuvre de haut niveau qui fait la synthèse culturelle entre art décoratif et Beaux-arts. Son talent  témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles. Une nouvelle dynamique de création.


Une rencontre avec le maître Georges CASTILLE ne peut laisser indifférent. C'est un moment inoubliable. C'est entendre un artiste de haut niveau, et comprendre au fur et à mesure que l'on discute avec lui, qu'il vous explique sa démarche, que l'on se trouve en face d'un grand créateur, d'une authenticité absolue. Tout respire dans son travail un sens inné de l'art et de l'esthétique. Ses œuvres sont en fait l'aboutissement d'une recherche de plusieurs années, tant sur les supports, les matériaux, les pigments, que tout autant sur la puissance intense de la couleur. Il a étudié, observé, expérimenté, utilisé, comparé, de multiples peintures et matériaux pour en arriver à ses choix. Il utilise avec bonheur dans ses réalisations, les résultats pratiques de ses recherches pour le plus grand plaisir et l'étonnement des spectateurs, des amateurs d'art, des collectionneurs. Après avoir maîtrisé toutes les contraintes techniques, c'est aujourd'hui, des oeuvres-d'art d'une exceptionnelle qualité plasticienne que le maître Georges Castille nous donne à voir. Son style souvent léger et aérien, aux finitions d'excellence, survole toutes les lourdeurs de la matérialité de l'art. Il aime exprimer ses sujets dans une symphonie bien réglée de couleurs vives, en éclatantes harmonies. Le style de Georges CASTILLE peut être une démarche en interprétation du figuratif ou plus proche parfois de l'abstraction dans certaines œuvres. Son figuratif aime mettre en évidence l'élégance du sujet, des lignes de fuites appuyées, élaborées, des personnages aux allures épurées de formalismes morphiques superflus. Il réussit ainsi a conduire le sujet au plus proche de l'idée qu'il en a, de son idéalisation, de conceptions modernistes souvent avant-gardistes. (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm) "Promenade Nocturne", "Aimons-nous", "Lily"). La vision d'un univers de la vie, du quotidien, font de la logique qu'il déploie dans le tableau, une réponse artistique, au goût du public pour un art abouti. Une réponse autant à une attente, voire à un besoin de notre société d'aujourd'hui. Au delà d'un retour à la référence dans sa rencontre avec le grand public, l’œuvre de Georges CASTILLE, se veut résolument porteuse d'un optimisme, avec un colorisme et des sujets qui nous entraînent loin de la morosité, (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. (120x40cm). "Nous les Amoureux", "Charleston N° 3", "Starlette N°2" ). Une générosité factuelle, une intelligence du sensible, pour apporter au spectateur un tableau spectacle, une œuvre d'art complète. Des ajouts caractéristiques, audacieux et bien à-propos fixés sur ses personnages, leurs donnent des suppléments de prestances. Accueils de collages signifiants, évocateurs des vérités des sujets. Tout tend dans la composition à atteindre une plénitude expressive. L'artiste sait faire entrer ainsi sa réalisation dans l'intemporel, dans la légende du thème qu'il a choisi de traiter. ("Charleston N° 3", "Starlette N°2" ). Le style du maître Georges CASTILLE est le fruit de l'intervention picturale, d'un travail plasticien, synthèse de bois et sculpture. Des dessins préparatoires, l'agencement, des architectures d'éléments, rien n'est laissé au hasard dans la construction de la composition qui aura vocation, à chaque fois, à devenir chef-d’œuvre du maître. Un exercice inouï de patience et de savoir-faire s'applique pour créer chaque tableau comme une véritable pièce d'art de collection. Un talent, pour un positionnement en verticalité ; un tableau fini qui rayonne de reliefs colorés, qui vibre dans l'espace plan. La luminosité et la perfection de l'ensemble produisent une reconquête du ressenti d'un art décoratif prestigieux, que l'artiste réussit à capter, recentrer et renvoyer au cœur du culturel en pleine puissance d'oeuvre-d'art originale, à part entière, novatrice, telles les icônes d'un territoire visuel atypique dans un art reformulé. Le style et les techniques méticuleuses de l'artiste peuvent couvrir tout autant les registres de l'abstrait, en de sublimes compositions non-figuratives, aux accents d'abstractions lyriques et poétiques, (Tableaux Bois sculpté 3D "Le Grand Bleu","Poissons Exotiques", "Poissons Exotiques N°1", œuvres 60x60cm). Avec parfois une intuition grandiose, la modélisation d'interprétations surprenantes qui bouleversent tous les déjà vus de l'art, ainsi "Carnaval de Venise", ou encore "Clin d’œil" marquent une avancée prononcée dans la représentation moderne du portrait (Tableaux Bois sculptés 3D 60x60cm). Un vaste univers esthétique, empli de vie et d'énergie, peuplé de représentations de la femme, de couples, de sujets figuratifs, d'abstractions, mais qui s'étend aussi à des œuvres statuaires. C'est un florilège de formes élégantes, de couleurs flamboyantes ou édulcorées, qui naissent sous les doigts de l'artiste. Des temps-forts d'art, rares, qui s'offrent aux regards éblouis du public. On peut voir pendant l'exposition l'émerveillement continu du spectateur devant des tableaux si parfaitement construits, devant ces sculptures polychromes étonnantes d'équilibres, rayonnantes de tons colorés, en matériaux contemporains. Une ampleur de talent qui englobe également l'art du bas-relief et l'art mural. Peintre, sculpteur, plasticien, le maître Georges CASTILLE a dû faire siennes, avec rigueur, tour à tour, les disciplines fondamentales des Beaux-arts, mais de plus, y ajouter ses propres recherches pour en arriver à un existant esthétique d'exception. Par son travail constant, il a obtenu dans cette décennie de ce début de siècle le dépassement de l'habituel visuel, produisant la synthèse et la réconciliation entre art décoratif et beaux-arts, culture esthétique contemporaine et goût du grand public. Il y est parvenu comme au but d'une destinée. L’œuvre du maître Georges CASTILLE s'impose désormais par la conquête d'une forme artistique autre, particulière, unique. On y trouve la volonté d'une nouvelle modalité stylistique et technique afin de créer l'oeuvre-d'art pour la société dans son ensemble, toutes générations confondues. Le maître a redéfini les fonctionnalités et le champ du décoratif en termes d'un statut d'art, parfaitement actuel, sachant en développer une nouvelle approche dans notre modernité. Le style de Georges CASTILLE revisite le concept "art" en recherche de l'ultime frontière du beau. (Tableaux Bois Sculptés 3D Polychromes. "Charleston N° 3", "Starlette N°2" 120x40cm). L'artiste dépasse la peinture, entre dans le décor de l'homme et de la société pour leur restituer l'embellissement du vivant, l'espoir dans l'existence. Georges CASTILLE redonne du bonheur, enchante le spectateur, l' exposition de ses oeuvres est un véritable spectacle de couleurs et de textures, de perfection et d'amour de l'art. Un talent à voir, à découvrir comme un voyage re-créatif, des œuvres comme autant de liens intemporels, de passerelles, entre les rêves, notre mémoire, la réalité. Un artiste unique en Europe par sa vision de l'esthétique et ses créations qui témoignent aujourd'hui que le bel ouvrage et art contemporain pourront toujours rester compatibles.

 

Antoine Antolini, Mai 2015

 

 

SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2015 -

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

titre:"Le maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien. " sous-titre : "Une oeuvre de haut niveau qui témoigne en Europe que bel ouvrage et avant-gardisme dans l'art contemporain sont compatibles. Une nouvelle dynamique créative".

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Mai 2015

© Editions des musées et de la culture EDMC 2015

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant:

titre, auteur, sources, date de publication

 

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 


■ La peintre Ann-Isabelle GUYOMARD, elle danse la peinture comme elle danse la vie. L'artiste expose ses oeuvres récentes à La Réunion. Un moment très attendu pour faire le point sur sa peinture, sur son style: Interview


"Sans titre I" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard - Acrylique sur toile, or 24c. ( 2,15m x 1,50m)

" Ilulissat " Peinture d'Ann-Isabelle Guyomard Acrylique sur toile, or 24c (1,90mx1,10m)

"Constellation" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard Acrylique sur toile (1,55m x 74cm)

Ann-Isabelle Guyomard, une artiste

Ann-Isabelle Guyomard, une artiste "Médaille Talents des Arts d'Aujourd'hui" expose ses oeuvres à La Réunion

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"Amant I" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et métal sur toile (55cmx46cm)

"Amant II" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et métal sur toile (70cmx50cm)

"Baïkal" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique et encres sur toile (1,50mx73cm)

"Iku" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique sur toile (1,60mx80cm)

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"Sans titre II" peinture d'Ann-Isabelle Guyomard, Acrylique sur toile, or 24c (2mx1,50m)

Exposition à La Réunion

Exposition à La Réunion "ESKIF" de la peintre Ann-Isabelle Guyomard

Vue de La Réunion, Mafate

Vue de La Réunion, Mafate

Vue de La Réunion, Ti Sable

Vue de La Réunion, Ti Sable

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ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE
EXPOSITION ESKIF

INTERVIEW DES EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE
PAR ANTOINE ANTOLINI

 

AA - Ann-Isabelle Guyomard, bonjour, vous présentez vos oeuvres dans le cadre de votre exposition ESKIF. Ayant suivi avec interêt votre travail artistique ces dernières années, on s'aperçoit que votre démarche a bien évolué et je pense que votre création va à présent bien plus loin que "l'action painting" d'un Pollock ou la "peinture gestuelle"  d'un Georges Mathieu... qui on marqué en leur temps la culture picturale abstraite; On vous sent bien dans la mouvance de notre époque actuelle où la danse à pris une importance très grande, c'est un phénomène sociologique (hyper night club aux alentours des villes ) et esthétique (rituels de mouvements, mode et vestimentaires ) qu'il serait intéressant d'analyser plus profondément...Pour vous qui êtes à La Réunion dans un univers paradisiaque, où la Nature est omniprésente, comment en êtes vous arrivée à introduire la danse dans votre peinture.....?  Avez vous été influencée, inspirée par cette atmosphère de beauté qui y règne ?

 

AIG : Si la danse est un phénomène sociologique et esthétique, je la conçois avant tout comme un moyen d’expression intime, dans lequel l’esthétisme est secondaire, et l’influence sociologique empreinte de cultures multiples. La danse est à la fois un état d’être et un lien avec l’environnement. L’exubérance de la nature à La Réunion nourrit ce lien, donne de la force au mouvement et une sensibilité accrue à ce que l’humain peut percevoir.

 

AA- Quels sentiments vous inspire la généralisation de la danse et quel est le rapport entre votre peinture et cette époque de danse dans notre siècle développée par tant de supports multimédias ?

 

AIG : La généralisation de la danse n’a de sens que si le mouvement est vécu. Se regarder danser n’est pas danser. Ma peinture est dépourvue de jugement sur le mouvement. Elle représente ce qui est, de façon non transformée, à l’état d’intention dans le corps.

 

AA- Y-a-t-il une actualité sociologique dans votre peinture ?

 

AIG : S’il y en a une, elle résulte de la rencontre entre les perceptions des mondes polaires, tropicaux, terrestres et marins ; mais ce n’est pas là son objet.


AA- Une volonté de modernité stylistique ou plutôt l'expression d'un besoin intérieur ?

 

AIG : Sans aucun doute l’expression d’un désir intérieur plus que d’un besoin, d’une confrontation avec ce qui existe d’invisible, d’une curiosité bienveillante dans la découverte. Ma peinture est avant tout organique.


AA- Connaissant votre travail est-ce une étape profonde de votre évolution d'artiste ou une recherche plus ponctuelle ou expérimentale ?....pourquoi?

 

AIG: C’est une étape profonde et toujours expérimentale. J’en suis au stade de la représentation des racines, de la base, du fondement de ce qui pourra devenir un arbre. La légèreté et la fraicheur des recherches ponctuelles interviendront à la saison des bourgeons et des fleurs.


AA- Avez vous fait évoluer votre palette, changé des couleurs, introduit des éléments plus matiéristes ?


AIG : Ma palette est composée de couleurs primaires : bleu abysses, rouge sang, noir, blanc, et or. La Réunion y a ajouté le vert tropical et le rose indien. La matière naturelle, le sable volcanique, les écorces, l’eau d’un endroit précis, font toujours partie de l’histoire.

 

AA- Pourrait-on savoir quel type de danse, de mouvements, vous réalisez ?

 

AIG : Il s’agit de danse dite «  contemporaine ». Elle implique le corps tout entier, dans son unité et ses infinies possibilités.

 

AA- De quelle manière vous mettez-vous en harmonie avec la toile pour la finaliser ?

 

AIG : Je dors avec son souvenir et l’intention qui l’a motivée, souvent en rêve ou en vision. Au matin, si la vision que j’en ai correspond à ce que je vois, la toile est terminée.


AA- Avez-vous des intentions esthétiques, graphiques, avant de commencer ?


AIG : Définitivement. Ces intentions sont concentrées et absorbées par celle de réaliser ce que je vois.

 

AA- Est-ce qu'il y a dans votre démarche esthétique une part de spiritualité, quelque chose de cosmique, universaliste, ou bien est-ce plus matériel, technique, tel la recherche du déconditionnement du geste ?

 

AIG : Ma démarche, si s’en est une, est celle de l’entonnoir : les éléments et les intentions s’organisent inconsciemment. Un jour, cette conjonction me force à l’écoute. L’équation est résolue ; la sensation est claire et prend la forme d’une image ou d’un mouvement dansé. Alors je peins.

 

AA- Enfin, Ann-Isabelle Guyomard, pourriez vous nous dire quelles sont dans vos créations les caractéristiques nouvelles de votre style ?

 

AIG : Un peu moins d’hameçons, un peu plus de dimension.


AA- Que souhaitez-vous apporter dans l'art ou faire entrer dans la peinture abstraite par la danse aujourd'hui ?

 

AIG : La sensation d’être.

Ann-Isabelle Guyomard , je vous remercie,

 

Antoine Antolini EDMC

Novembre 2014 

 

 

 

 

■ Alain DELIC, un peintre contemporain qui participe activement à la construction de l'art international et à l'évolution de l'abstraction.


Alain Délic, peintre,

Alain Délic, peintre, "Elohim" huile sur double support papier de soie plissé froissé (116x89cm)

Alain Délic, peintre abstrait

Alain Délic, peintre abstrait "Aréthuse" huile sur double support papier de soie plissé froissé (180x170cm)

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Fulgurance transcendentale" huile sur double support papier de soie plissé froissé (130x120cm)

 Alain Délic, peintre abstrait, ici il commente sa toile

Alain Délic, peintre abstrait, ici il commente sa toile "Aréthuse"

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Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les racines du ciel" huile sur papier de soie froisé (64x49cm)

Alain Délic, peintre contemporain abstrait.

Alain Délic, peintre contemporain abstrait.

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "l'Elan vital", pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les Forces de la vie", pastel à l'huile (64x49cm)

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Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Les Ondes telluriques" pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre abstrait, médaille

Alain Délic, peintre abstrait, médaille "Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'hui 2013"

Alain Délic, peintre abstrait,

Alain Délic, peintre abstrait, "Océanonox", pastel à l'huile (64x49cm)

Alain Délic, peintre contemporain abstrait. Médaille

Alain Délic, peintre contemporain abstrait. Médaille "Peintre d'Excellence Talent des Arts d'Aujourd'hui 2013", France.

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Le peintre contemporain abstrait Alain Délic vit sur la Côte-d'Azur, à Villefranche-sur-mer, son atelier-galerie est situé à Nice. Ce peintre abstrait de haut niveau, a créé le concept de la « Diachromie énergétique » (exposition 1989). Ses œuvres sont des pontages qui transcendent le réel pour connecter d'autres entendements, d'autres forces, d'autres formes d'intelligences, qui échappent à nos états de conscience quotidiens. Pour lui on peut remplacer le mot inspiration par intuition. Il est le premier peintre abstrait qui a su utiliser, transformer ses intuitions du monde, pour rechercher l'énergie que le geste pictural peut capturer et retransmettre au travers des couleurs, du style, de l'application par une manière particulière de touches successives. Il peut utiliser également un support spécifique pour recevoir les pigments. Fréquemment, il applique des huiles sur double support papier de soie plissé froissé. Ses intuitions maitrisent des énergies colorisées à destination intrinsèque de l'œuvre et pour le regard du spectateur. Alain Délic réussit à interpréter ses intuitions avec sa peinture, proposant avec la création de l'oeuvre-d'art, une nouvelle forme d'abstraction esthético-spirituelle.

 

Peintre abstrait, il a construit sa logique picturale, au tout début, dans les atmosphères australiennes, et introduit dans son esthétique des peintures sur papier froissé qui sont un reflet homothétique des sols craquelés australiens qui apparaissent sous le soleil après les grandes pluies. Sols immenses comme un épiderme, un aspect de peau argileuse et naturelle recouvrant la Terre, la planète, un contenant de forces vitales et telluriques. Il met en oeuvre son concept de « Diachromie énergétique ». Il l'exprime celui-ci soit de façon matiériste sur double support papier de soie plissé froissé dont il a fait son style, soit de façon encore plus immatérielle avec des abstractions aux pastels à l'huile, qui décrivent ses sensations profondes comme avec « Les Ondes telluriques » pastel à huile (64x49cm). Son itinéraire se tient à l'écart des mouvements américains d'action painting, tout autant distant de l'art informel, de la peinture non figurative en France ou en Europe. Son concept de la « Diachromie énergétique », intègre un jeu des couleurs qui se complètent ou s'opposent en résonances, s'harmonisent, et canalisent une énergie métaphysique, vitale et cosmique, que le peintre fait circuler dans l'œuvre. Il en résulte un rayonnement continu d'intensités tonales, une sensation vibratoire constante. Cela peut provenir aussi bien du support pour les huiles, des couleurs, tout comme de la composition des touches sur les œuvres sur papier. « Elohim » huile sur double support papier de soie plissé froissé ( 116x89cm), « L'Élan Vital », pastel à l'huile (64x49cm). La « Diachromie énergétique » marque dans l'art contemporain l'osmose d'une science du visuel tendue vers une spiritualité, une conjugaison entre sensibilité physique et sensibilité métaphysique. Alain Délic à travaillé sur l'effet transcendantal des couleurs. Il met en exergue et utilise dans son abstraction, le lien physique du minéral pour aller vers le spirituel, des pigments comme autant de moyens de reconstituer l'image du monde. Il utilise intuitivement la force vibratoire que ces pigments émetteurs de couleurs, peuvent produire, pour les optimiser par ses touches. La couleur véhicule de l'énergie, matière en mouvement, énergie vitale et cosmique créatrice de vie. Ces effets énergétiques sont ainsi recherchés dans la palette, peuvent surgir dans l'esprit de l'artiste ou du spectateur selon comment le regard se posera sur l'œuvre. Le concept d'Alain Délic s'apparenterait à une recherche sur l'effet esthético-sensible énergétique (dynamique au sens large ) que peut produire l'œuvre sur le spectateur, mais sans rapport avec « l'Optic'Art ». Mark Rothko, lui aussi, dans un autre registre spirituel plus méditatif, recherchait l'effet de la couleur sur l'intériorité du spectateur, l'apaisement, avec ses grandes toiles monochromes oranges, véhicules d'introspection et de recueillement. Toutefois, depuis ces recherches d'Alain Délic dans les années 90, qui méritent d'être enseignées et largement diffusées sur les cinq continents, ce peintre n'a pas cessé d'élargir ses appréhensions du monde sur la toile ou sur les oeuvres sur papier, continuant à faire progresser l'art contemporain. Sa démarche artistique originale scientifico-spirituelle à évolué bien sûr, s'est enrichie au fil des ans par une pratique encore plus poussée de l'abstraction. Il réalise à présent des toiles et des œuvres sur papier, d'une délicatesse extrême, qui sont un condensé de force vivante et tout autant de fragilité vibrante. Il a voulu que le papier de soie froissé, deviennent parfois comme une peau de l'esprit, le réceptacle ultime de ses ressentis, des signes, des couleurs les plus subtiles. Son talent s'est affirmé en une énergie vibratoire et évolue vers plus de spiritualité, de cosmicité. « Les Forces de la vie » pastel à l'huile (64x49cm). Alain Délic nous montre par la couleur et sa grammaire picturale l'interface spirituelle de l'humanité. Vie et mort, terre et ciel, passé, présent et futur ne font plus qu'un. Son travail marque cette première décennie du XXI siècle, d'un style constant mais renouvelé, revivifiant pour l'abstraction. D'intemporalité, en temps synchrone, l'œuvre du peintre Alain Délic dépasse tous les à-priori, toutes les sémantiques, pour capturer, matérialiser sous ses pinceaux les indices d'une systémique métaphysique et métapsychique, dans laquelle baignerait l'esthétique universaliste. Il actualise par ses toiles les mythes de l'humanité, ses peurs, « Arethuse » huile sur double support papier de soie plissé froissé (180x170cm). Plus qu'une réussite exemplaire ou un progrès esthétique novateur, la peinture d'Alain Délic est devenue un dépassement polysémique, qui questionne la réalité objective du monde et répond avec une autre vérité sensible, par l'art. De « Fulgurance transcendantale », huile sur double support papier de soie plissé froissé (130x120cm) à « Océanonox » pastel à l'huile (64x49cm) son concept s'est de plus en plus matérialisé, inscrit dans une interprétation abstraite du monde.Comme un perpétuel état de grâce, qui fait que ce qu'il sent est peint. Le peintre sait être relais de ces flux colorés qu'il ressent, interprète. Si dans un passé ancestral, l'Ecole de Shanghaï à pu chercher, la première, un geste pictural libre de toute contrainte, c'est dans la modernité que l'École de New-York voudra aussi le déconditionnement consumériste et un retour aux sources de la pureté gestuelle libérée, tel avec Jakson Pollock, Willem De Kooning, ou Franz Kline; Pour Alain Délic, son abstraction reste un travail en continu de l'autre coté de la matière, derrière le miroir. Il est en interdépendance, en limites d'un ici et d'un au-delà, un pied dans le réel et un pied dans l'irréel, pour nous proposer des toiles-messages, des oeuvres-passerelles entre l'humanité et tous les ailleurs plausibles. Alain Délic est actuellement le peintre qui se rapprocherait le plus de la mission anthologique de l'artiste, depuis la nuit des temps. A l'aube d'un nouveau millénaire, ce maître incarne l'artiste dans son rôle générique, il maintient ce fil rouge qui se déroule au travers de l'évolution des civilisations. Alain Délic fait survivre ce qui relie notre présent artistique aux premiers peintres paléolithiques. Il est emblématique de la mission sociétale de l'artiste, celui qui dressait au-dehors des grottes le totem sculptural au milieu de la horde apeurée, souvenir de l'artiste initial qui trace les décors aux ressentis mystiques à Lascaux ou Altamira. Alain Délic est le successeur de ces artistes qui ouvrirent l'Homme à l'art. Il en est le relais naturel, pour dire l'art dans ses fonctionnalités essentielles, spirituelles et collectives. « Les Racines du ciel », huile sur papier de soie froissé (64x49cm). Il capte et peint notre modernité, nos entendements nouveaux. Il traduit avec ses pinceaux les échos humanistes qui découlent des découvertes d'autres planètes, au-delà du système solaire, des galaxies. Alain Délic sait les prouesses de l'astronomie, les convictions d'autres mondes habités. Peintre-médiateur, il crée son œuvre entre l'inconscient des hommes et les visions d'un ailleurs inconnu. Alain Délic a réussi a devenir un peintre au summum de la fonction immémoriale assignée aux artistes, à l'aube de l'Art; Lorsque les meilleurs artistes étaient les plus doués pour les arts dans le groupe humain. Alain Délic est à la fois ce peintre intemporel transmetteur des ressentis archétypes les plus profonds et cet artiste avant-gardiste exceptionnel dans notre société d'aujourd'hui. Par son talent il participe activement à la construction de l'art international.

 

 

Antoine Antolini, Novembre 2013

 

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - 2013 - titre « Alain Délic un peintre contemporain qui participe activement à la construction de l'art international

et à l'évolution de l'abstraction. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Novembre 2013

© Editions des musées et de la culture EDMC 2013

 

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant: titre,auteur,sources et date de publication

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ A la suite de la disparition survenue le 9 Avril 2013 du grand peintre Zao Wou-Ki, Denise Jensen, peintre abstraite française, a rendu un hommage pictural au chef de file international du paysagisme abstrait.


DENISE JENSEN, PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE, A RENDU UN HOMMAGE PICTURAL A ZAO WOU-KI

DENISE JENSEN, PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE, A RENDU UN HOMMAGE PICTURAL A ZAO WOU-KI

 APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013

APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 "HOMMAGE A ZAO WOU-KI" (huile sur toile 150x100 cm) PEINT PAR DENISE JENSEN

 APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 DENISE JENSEN A PEINT

APRES LA MORT DU MAITRE LE 9 AVRIL 2013 DENISE JENSEN A PEINT "HOMMAGE A ZAO WOU-KI" (huile sur toile 150x100 cm)

ABSTRACTION ET PAYSAGE, C'EST LA VIE DE DENISE JENSEN, MEDAILLE PEINTRE D'EXCELLENCE TALENTS DES ARTS D'AUJOURDH'UI 2013

ABSTRACTION ET PAYSAGE, C'EST LA VIE DE DENISE JENSEN, MEDAILLE PEINTRE D'EXCELLENCE TALENTS DES ARTS D'AUJOURDH'UI 2013

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"JUSTE DE PASSAGE" (80 x 40 cm Acrylique sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE DE DENISE JENSEN

"SUR LA BANQUISE" (100 x 81 cm Huile sur toile ) PAYSAGE ABSTRAIT DE DENISE JENSEN

"JUSQU'A LA RIVE" (100x73 cm Huile sur toile) PEINTURE DE DENISE JENSEN. ABSTRACTION PAYSAGISTE

PEINTURE

PEINTURE "REFLETS D'ARGENT" (100x50cm Huile sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE DE DENISE JENSEN

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LA PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE DENISE JENSEN

LA PEINTRE PAYSAGISTE ABSTRAITE DENISE JENSEN

"NUAGES EFFILOCHES" (100x73 cm Huile sur toile) ABSTRACTION PAYSAGISTE SIGNEE DENISE JENSEN

"RIVIERE SAUVAGE" (92 x 73 cm Huile sur toile) PAYSAGISME ABSTRAIT DE LA PEINTRE DENISE JENSEN

LA PEINTRE DENISE JENSEN. SES PAYSAGES ABSTRAITS VONT AU-DELA DU VISIBLE, AVEC UN LANGAGE PICTURAL DIFFEREND

LA PEINTRE DENISE JENSEN. SES PAYSAGES ABSTRAITS VONT AU-DELA DU VISIBLE, AVEC UN LANGAGE PICTURAL DIFFEREND

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Une page de l'Histoire de l'art est tournée, une étape est franchie dans l'art contemporain avec la mort du peintre franco-chinois Zao Wou-Ki le 9 avril dernier. Il laisse la signature d'un talent exceptionnel dans la culture mondiale. L'art abstrait et tout particulièrement le paysage abstrait garderont à jamais la mémoire de celui qui fut un bâtisseur à sa façon, d'un pont artistique entre la Chine et la France, l'Asie et l'Occident. C'est la peintre abstraite Denise Jensen qui aussitôt à rendu un hommage pictural au maître français du paysage abstrait.


La nouvelle est tombée brutalement sur les bureaux de presse des capitales tout autour du monde. Nul ne pouvait ressentir aussi profondément l'impact de cette disparition que notamment Denise Jensen, cette artiste-peintre du paysage abstrait, non seulement admiratrice inconditionnelle du Maître pour qui « la mort de Zao Wou-Ki est une perte immense pour l'art contemporain », mais également peintre paysagiste abstraite. Au-delà de son chagrin, c'est au travers de l'hommage pictural qu'elle a rendu aussitôt, qu'elle à su surmonter sa peine. Essayons de mieux faire connaissance avec cette artiste qui nous démontre, qu' en art un peintre ne meurt pas, car après lui le flambeau reste allumé et la route se poursuit sur le chemin ouvert... Malgré les difficultés, encore aujourd'hui, dans les cultures sociétales, pour la compréhension de ces artistes qui interprètent la Nature abstraitement, avec leur cœur, leur âme, leur talent, où que ce soit, ils n'abandonnent rien de leur vocation esthétique. Paysagistes abstraits, ils continuent leur engagement de vie: l'amour de la peinture, l'amour de l'abstraction et du paysage dans une autre dimension picturale. Denise Jensen, peintre abstraite à décodé tous les secrets profonds de l'expression de la Nature, dont elle exprime un « essentiel de ressentis ». Comme Zao Wou-Ki, elle a tout de suite admis que la peinture était avant tout langage, un moyen d'expression non-verbal, qui va plus loin que les mots. Il se dégage de la peinture de Denise Jensen, une atmosphère de silence et de couleurs, avec une omniprésence du mouvement traité dans une diversité de formes et avec amplitude. Ambiance, d'où émane une sagesse du temps qui passe, que l'artiste fixe... Elle place l'esprit au premier plan de l'œuvre, on y retrouve le « souffle », le « Ki », qui en émergent, dans un concept d' universalité. Denise Jensen pose touche après touche, geste après geste, sa peinture sur la toile, qui devient peu a peu, une autre partie d'elle-même. Ses émotions les plus intérieures viennent livrer la traduction abstraite de la Nature et du paysage, en symbiose avec son être profond. Son conscient, son inconscient, se conjuguent. Denise Jensen, avance dans l'abstraction paysagiste, avec la nouveauté de sa propre génération. Son hommage à Zao Wou-Ki, dans son style personnel, nous délivre un message d'une intensité picturale et spirituelle, qui transcendent l'image du visible. Chez Zao Wou-Ki, le paysage interprété, les jeux de lueurs, les enchevêtrements d'éléments significatifs, gestuels, savaient être allusifs de la Nature, souvent y transparaissent des ressentis visuels, naturels, végétaliens. Une force d'expression qui n'en demeure pas moins à la fois physique (le paysage y est subjascent) et métaphysique (sensations spirituelles et cosmiques). Pour Denise Jensen, l'image, le lien à la Nature, se fait dans un plan de ressentis plus immatériels, avec dans sa peinture le choix de sujets, de visions, d'expressions paysagistes abstraites, plus intégrales, voire plus minérales, éloignée d'éléments végétaliens. Denise Jensen est tournée vers l'idée d'un paysage insolite, qu'elle traite en miroir sobrement coloré et très nuancé de ses sentiments intérieurs, les contrastes les plus forts y soulignent le mouvement. La notion d'espace y devient le moyens d'un territoire, d'un autre sens d'expression. Son œuvre « Sur la Banquise » est étrange et vraie, ces tourments qui s'exhalent de la « Rivière Sauvage », ou bien de « Jusqu'à la Rive », associent à la fois le paradoxe du mouvement et de l'immanence de la Nature. L'artiste fait passer une notion de vie dans ses paysages, qui à leur tour lui permettent de transmettre en allégories son propre monde intérieur. Magnifiques et majestueux messages qui sont autant ceux de nos mondes intérieurs inconnus. Denise Jensen, sait la "cosmicité", entend l'universalité de l'abstraction paysagiste qu'elle réussit à créer comme un lien artefact, de tous les paysages. Denise Jensen transpose son atmosphère, comme un signe de modernité, dans sa génération du paysage abstrait. Le spectateur est mené par la peintre, par le titre de la toile, vers un "insight", une illumination intérieure... Pour comprendre et apprécier en lui même cette peinture du sublime. Avant tout culturellement européen, le style de la peintre va derrière les apparences du visible pour en extraire les émotions enfouies. Si le paysage abstrait a pu encore rester actuellement une orientation de première importance dans l'art, c'est grâce à des peintres qui ont l'amour de la Nature, le sens inné de l'abstraction, tel Zao Wou-Ki, grâce aussi à ces nouveaux artistes contemporains en France et à travers le monde. Denise Jensen montre avec ses approches que paysage reste le substrat de l'évolution, voire de l'élévation, du figuratif vers l'abstraction. Denise Jensen aujourd'hui, au moment de la mort de Zao Wou-Ki, rend ainsi de cette façon, l'authentique hommage de cet esprit interprétatif du paysage, tel un message posthume au Maître défunt. Personne ne saura jamais les secrets de cette profondeur de sensibilité du grand peintre que fut le regretté Zao Wou-Ki, car il emporte avec lui les cultures esthétiques de deux continents, l'Asie et l'Europe, qui sous ses pinceaux ont été en osmose de coeur et d'esprit. Denise Jensen évolue dans la peinture du présent et deja dans celle de demain. Elle traduit cette relation humaine face à la Nature. On peut dire que la peinture de Denise Jensen est par son contenu, son essence, définitivement intemporelle. Comme peut l'être pareillement son hommage au Maître Zao Wou-Ki. Il s'agit de cette peinture des ressentis, la représentation d'une conscience immémoriale. Propositions d'autres visions, d' autres possibles qui nous rassurent de savoir que tout n'est pas encore découvert, peint. Le 9 Avril 2013 Le chef de file français du paysage abstrait Zao-Wou-Ki, nous quitte, après une vie consacrée à l'art, à la peinture, après avoir produit un nombre immense de merveilleux chefs-d'œuvre. Qui peut le remplacer ? Seul l'avenir nous le dira... Denise Jensen est déjà aujourd'hui une référence dans l'après Zao Wou-Ki, avec une esthétique paysagiste française, européenne, vivante et épurée, intuitive et spontanée. Denise Jensen sait accueillir le paysage dans une abstraction maitrisée, mystérieuse, allégorique et hypersensible. Son style remarquable et abouti, questionne l'actualité du geste artistique. En ce début de XXI ème siècle la signature de Denise Jensen s'inscrit comme majeure dans l'art contemporain.

 

A noter que l'artiste paysagiste abstraite Denise JENSEN à reçu en 2013 la Médaille de Peintre d'Excellence Talents des Arts d'Aujourd'hui.

                                                                                                 Antoine Antolini, Octobre 2013

 

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur SELECTION PEINTRES D'EXCELLENCE « TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » - titre « Hommage de la peintre abstraite française Denise Jensen, lors de la disparition de  Zao Wou-Ki. »

 

© Texte et reportage, Antoine Antolini – Octobre 2013

 © Editions des musées et de la culture EDMC 2013

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ L'Esthétique du virtuel chez Régine BAZIN. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs. Ses oeuvres associent technologie et art contemporain pour bâtir l'univers visuel du XXIème siècle.


REGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

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 Volutes Voluptueuses

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Tableau abstrait issu d'un Fractal

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Esthétisme Pictural

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Voyage de Nuit

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Crystal Dream

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RÉGINE BAZIN, ARTISTE PEINTRE NUMERIQUE

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La Bête du Gévaudan Mythe ou Réalité

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Électronique

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Quelque Part

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Régine BAZIN, artiste peintre numérique


REGINE BAZIN, ARTISTE DU NUMERIQUE

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Tempête Stellaire

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Globules Rouges

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Grâce et Beauté Ornithologique

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Beauté Singulière 2

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Abyssal

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 Infernalement

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Apocalypse

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" L'Esthétique du virtuel chez Régine Bazin. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs. Art numérique et création plasticienne." Interview de Régine Bazin par Antoine Antolini.


Régine BAZIN propose sa modernité numérique comme un défi à tous les a-priori des arts. Son esthétique, issue de son imaginaire, revèle autant ses intuitions profondes du monde, des mondes, qui nous entourent... Un art conjugué au temps futur, en de belles compositions vives et colorées, pleines de subtiles intensités. Régine BAZIN veut échapper à toute étiquette de genres, ou de styles, déja connus, pour nous dire simplement qu'elle se sent, qu'elle se veut, cette artiste numérique éprise de liberté de création. Il est vrai que son univers est sans limite, que ses moyens d'évolution plasticienne sont infinis, aussi, c'est bien dans son adéquation à ce potentiel nouveau si large, qu'elle ne veut épouser aucune école, ni aucun courant. Son objectif étant de créer toujours plus, de laisser son nouveau langage numérique s'exprimer avec spontanéité. Qu'il s'agisse des abstractions les plus ultimes, ou des pontages qu'elle peut faire avec influence du réel, Régine BAZIN, veut donner un signal humain, dans ce monde d'immatérialité. L'Art numérique est encore, aujourd'hui, en pleine recherche de ses références et en évolution continue. l'Art numérique, on pourra dire aussi Digital art si on en retient l'acception issue de l'anglophonie, mettant plus l'accent sur le fonctionnement technique interne et mathématique des données informatiques; Nous utiliserons ici, une acception plus francophone, en parlant des oeuvres numériques, de l'Art numérique de Régine BAZIN. (A.A.)

 

Antoine Antolini (AA) Interview Régine Bazin (RB)

 

AA: Régine BAZIN, pouvez-vous nous donner votre définition de l'art numérique ? -RB : L’Art numérique est un Art complexe et très varié, je suis peu habilitée en tant que peintre numérique, à définir les autres formes de Computer Art. Cependant je sais qu’il existe beaucoup de logiciels reliés à la photo d’art et il ne m’appartient pas de m’immiscer dans ce domaine très particulier...

 

AA: Selon vous faut-il les mêmes qualités pour un peintre, un sculpteur, un artiste du numérique ? Ou bien d'autres types de qualités spécifiques ? -RB: Chaque secteur de l’Art connaît son propre cloisonnement et ses règles. En peinture numérique la liberté d’expression est immense, comme dans bien des formes d’Art contemporain. On peut qualifier comme artistes du numérique, des musiciens, des photographes, et le cinéma, par exemple...

 

AA: Régine BAZIN, pensez-vous que l'art numérique soit l'art du XXI ème siècle ? Et si oui pourquoi ?-RB: L’Art numérique est certainement l’Art du XXI ème siècle, pour la simple raison qu’internet est mondial et en pleine expansion. L’utilisation des technologies numériques ouvre la porte à un Art innovant, par sa complexité et son immense palette de possibilités nouvelles.

 

AA: Comment voyez-vous s'inscrire l'art numérique en général dans le contexte des nouvelles générations actuelles, dans le contexte de l'audio-visuel, du cinéma et des productions des grands studios cinématographiques, des clip musicaux ?... -RB: Cinéma ( effets spéciaux et animations ); Musique ( synthétiseurs…. ); Publicités médiatiques ( audio-visuel ); Photos d’Art et Peinture Numérique, sont des disciplines en plein essor.

 

AA: Parlons en particulier de votre travail, Régine Bazin. Vous considérez-vous figurative, abstraite ou souhaitez vous définir une autre expression esthétique par vos créations numériques ? -RB: Je ne me considère dans aucun cloisonnement particulier étant donné que je ne cesse d’évoluer en permanence. Il appartient à chacun d’apprécier ou non, mes créations.

 

AA: Lorsque vous réalisez une œuvre, quels sont les sujets ou thèmes que vous affectionnez particulièrement ? -RB: Les thèmes que j’affectionne, tout particulièrement, sont souvent métaphysiques, philosophiques, poétiques et beaucoup de tableaux sont des hymnes à la Vie et à la Nature.

 

AA: Dans vos compositions recherchez vous principalement l'esthétique ou bien vous investissez-vous en sensibilité,ressenti profond,en message,en philosophie ? -RB: Dans mes compositions, je recherche l’esthétique par définition, mais aussi un sens profond souvent spirituel, métaphysique, que je laisse à chacun la liberté d’interpréter. Sans oublier parfois une pointe d’humour.

 

AA: Dans vos oeuvres que recherchez-vous ou créez-vous d' innovant, de spécifique, par rapport aux autres artistes du numérique?...Est-ce du domaine technique ou du domaine de la démarche intellectuelle? Ou les deux ? -RB: Essayons de définir ce qu’est l’ "Inspiration Artistique" : Est-ce seulement de l’imaginaire?, de l’intuition, un pan de son âme, un goût pour ce qui est Beau, un ressenti de ce qui fait vibrer autrui, enfin un talent qui réunit tout cela en même temps.

 

AA: Merci Régine BAZIN.

Le public pourra retrouver de nombreuses autres oeuvres de l'artiste sur internet en indiquant son nom dans les moteurs de recherche et notamment avec Google...

 

 

Interview réalisée par Antoine Antolini, Décembre 2012

 

 

TITRE: " L'Esthétique du virtuel chez Régine Bazin. Une artiste peintre numérique au coeur de la nouvelle génération des créateurs.Art numérique et création plasticienne.

Interview de Régine Bazin par Antoine Antolini. "

© Antoine Antolini – © Editions des musées et de la culture EDMC

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

■ La peintre Sylvie GUTERMANN. Elle abolit un paradoxe en rendant compatibles Nature et Abstraction. Ses "Sans-titre" bousculent de nombreux à priori dans l'art abstrait.


SYLVIE GUTERMANN PEINTRE, A MIS EN RELIEF, AU CENTRE DU TABLEAU, UN ELEMENT DE BRANCHE.

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE, A MIS EN RELIEF, AU CENTRE DU TABLEAU, UN ELEMENT DE BRANCHE.

"SANS TITRE" PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN. FLAMBOYANTS ORANGES, LA FORET Y DEPOSE UNE BRANCHE.

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE A RECU LA MEDAILLE D'HONNEUR DE

SYLVIE GUTERMANN PEINTRE A RECU LA MEDAILLE D'HONNEUR DE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI " 2012

SYLVIE GUTERMANN SAIT AUSSI PRIVILEGIER AVEC AUTANT DE TALENT UN AXE ABSTRAIT JOUANT SUR LES CONTRASTES DE FORMES ET D' INTENSITES  LUMINEUSES

SYLVIE GUTERMANN SAIT AUSSI PRIVILEGIER AVEC AUTANT DE TALENT UN AXE ABSTRAIT JOUANT SUR LES CONTRASTES DE FORMES ET D' INTENSITES LUMINEUSES

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PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN - ABSTRACTION ET NATURE SONT AU RENDEZ-VOUS.

PEINTURE DE SYLVIE GUTERMANN - ABSTRACTION ET NATURE SONT AU RENDEZ-VOUS.

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN A PRESENTE SES PEINTURES, ICI, AU POLE EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN A PRESENTE SES PEINTURES, ICI, AU POLE EXPOSITION SUD COTE-D'AZUR

"SANS TITRE" - SYLVIE GUTERMANN - ELEMENT D'UNE BRANCHE D'ARBRE INCLUS DANS LA PEINTURE (DETAIL CENTRAL)

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN VA PLUS LOIN DANS LES TERRITOIRES DE L'ABSTRAIT.

LA PEINTRE SYLVIE GUTERMANN VA PLUS LOIN DANS LES TERRITOIRES DE L'ABSTRAIT.

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Sylvie GUTERMANN intègre la Nature dans l'abstraction, cela de la manière la plus prononcée. Elle peint au-delà de toutes les conventions quant à une abstraction qui pour certains peintres, se doit d'être hors du figuratif donc totalement dissociée de la Nature. Sylvie GUTERMANN échappe également à toutes considérations de paysagisme abstrait, pour poser une pierre nouvelle sur l'édification d'un nouveau concept dans lequel Abstraction et Nature se conjuguent, se complètent... La peintre crée une audacieuse compatibilité, défiant les à priori pour produire une esthétique nouvelle. A sa façon très personnelle et avec talent, Sylvie GUTERMANN, fait entrer matériellement, physiquement, la Nature figurative en statut d'Abstraction dans la réalisation de ses toiles. L'artiste sait également, avec autant de réussite, privilégier dans son abstraction un axe pictural, dans lequel elle excelle en expressions de contrastes de formes et de matières, sachant jouer avec les clartés et poussant avec maitrise les intensités lumineuses à leur paroxysme. 

 

Au-delà de ses recherches sur les formes, la lumière, l'obscur pour mieux crier le clair, le sombre pour mieux faire briller l'or, la peintre sait en même temps rester en étroit contact avec la Nature... Pour l'artiste, les morceaux de branchages, sont des extraits de notre environnement. Elle en fait signe et sens; Signe esthétique dans la construction de sa toile; Sens évocateur par l'émanation signifiante qui s'en dégage... L'artiste produit ainsi un nouveau langage personnel dans le pictural. Une façon d'innover avec aisance et simplicité. Ce sont bien ces forêts qui entourent son atelier, qui lui en ont donné l'idée, qui ont guidé son geste. Sylvie Gutermann en est devenue de fait, leur médiatrice dans l'interface artistique. De la même manière, elle démontre bien que le milieu ambiant du peintre, joue dans sa peinture un rôle fondamental, l'influence concrètement dans son résultat. Ce fut le cas avec la lumière pour Matisse, ou Van Gogh, avec la montagne Sainte-Victoire pour Cézanne... Qu'il s'agisse de calanques, de bords de mers ou de champs de blé à perte de vue, comme de grandes forêts, le peintre devient un transmetteur d'une sensibilité. Un relai visuel émotionnel de ce qui peut émaner d'un lieu... Les toiles de Sylvie GUTERMANN, qui peint au cœur des forêts, nous apportent, en exposition dans le contexte des villes trépidantes, dans les galeries, face au public, mais aussi pour l'art contemporain, cette émanation authentique d'un lieu, la séquence d'une atmosphère qu'elle à su saisir, intégrer à son œuvre, pour nous faire don d'une sensibilité autre... L'artiste a su capturer en peignant dans son environnement de sérénité boisée, le message immatériel et éthéré de la Nature, qu'elle parvient à poser sur ses toiles pour le plus grand plaisir des spectateurs, l'étonnement des amateurs d'innovations artistiques... Comment exprimer mieux la Nature dans un tableau si ce n'est en l'incluant telle quelle, en posant un extrait vivant de cette immensité forestière, un simple bout de branche d'arbre...mais qui nous dit tout... Sensibilité, poésie, beauté, message... Un acte d'art, qui va plus loin qu'une inclusion matiériste, pour sublimer la forêt, lui donner un nouveau potentiel au cœur de l'œuvre-d'art. Sylvie GUTERMANN, peintre abstraite, s'est ainsi laissée guider par ses ressentis profonds, son intuition. Elle a su mettre en osmose plasticienne, en symbiose de logique dans l'art contemporain,  Nature et Abstraction, pour les rendre définitivement et irréversiblement compatibles. La peintre, au moyen de ses toiles exprime deux messages, tout d'abord un message esthétique, par une interprétation novatrice de l'expression abstraite, mais ensuite un message qui exprime clairement qu'aujourd'hui, dans la modernité l'on ne peut se déshumaniser, se désolidariser hors réalité, de la Nature même, qui nous porte, dont on dépend étroitement... Certes, l'abstraction peut être une interprétation avancée de la sensibilité humaine, par le langage des couleurs, par une expression éloignée de l'image réaliste, être autant un moyen subtil d'exprimer l'intériorité de l'être humain dans notre siècle, toutefois Sylvie GUTERMANN, dans sa peinture, en faisant le pontage de l'univers abstrait et de la matérialité brute de la nature, à posé un nouveau langage. Sa grammaire de sens, de couleurs et de signes, comme un fruit attendu, vient aujourd'hui, nous réconcilier avec tout ce que l'on risquait de perdre de vue dans le progrès des créations numériques, des visuels du non-figuratif technologique. Au cœur d'un monde qui tend vers le virtuel, la démarche abstraite de Sylvie GUTERMANN, avec la puissance du langage intemporel de la peinture, sauvegarde l'essentiel: notre relation à la Nature.

 

Au titre de ses recherches innovantes dans l'art pictural marquant une synthèse originale de la nature et de l'abstraction, la peintre Sylvie GUTERMANN est devenue en 2012 MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI".

 

 

Antoine Antolini, Mai 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur «  TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » – Avril 2012 titre «  La peintre Sylvie GUTERMANN. Elle abolit un paradoxe en rendant compatibles Nature et Abstraction. Ses "sans-titre" bousculent de nombreux à priori dans l'art abstrait. »  © Texte, Antoine Antolini – Mai 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ La peintre Caroline MERCIER : Une nouvelle tendance esthétique dans l'art contemporain. L'artiste dépasse les limitations du tableau unique pour conquérir d'autres espaces picturaux.


UNE NOUVELLE VISION QUI SORT L'OEUVRE PICTURALE DE LA REFERENCE DU TABLEAU UNIQUE

UNE NOUVELLE VISION QUI SORT L'OEUVRE PICTURALE DE LA REFERENCE DU TABLEAU UNIQUE

CAROLINE MERCIER PEINTRE

CAROLINE MERCIER PEINTRE

TRYPTIQUE SIGNÉ CAROLINE MERCIER

TRYPTIQUE SIGNÉ CAROLINE MERCIER

AFFICHE D'EXPOSITION DE CAROLINE MERCIER

AFFICHE D'EXPOSITION DE CAROLINE MERCIER

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LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2012

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER VEUT DEPASSER LA NOTION DU TABLEAU UNIQUE PAR LA RECONQUETE DE L'ESPACE POUR L'ART

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER VEUT DEPASSER LA NOTION DU TABLEAU UNIQUE PAR LA RECONQUETE DE L'ESPACE POUR L'ART

AVEC LES POLYPTYQUES SIGNÉS CAROLINE MERCIER, LA PEINTRE ASSEMBLE PLUSIEURS TABLEAUX ORIGINAUX POUR CRÉER UNE OEUVRE UNIQUE

AVEC LES POLYPTYQUES SIGNÉS CAROLINE MERCIER, LA PEINTRE ASSEMBLE PLUSIEURS TABLEAUX ORIGINAUX POUR CRÉER UNE OEUVRE UNIQUE

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, AU COEUR D'UNE NOUVELLE GÉNÉRATION QUI DÉFINIT DE NOUVELLES FONCTIONNALITÉS POUR  L'ART

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, AU COEUR D'UNE NOUVELLE GÉNÉRATION QUI DÉFINIT DE NOUVELLES FONCTIONNALITÉS POUR L'ART

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La démarche artistique de Caroline Mercier, peintre contemporain, est à la fois une démarche esthétique et tout autant sociologique. L'artiste propose, en effet, une nouvelle approche de la peinture et plus particulièrement, de la manière d'exprimer celle-ci en polyptyques, dans un style qui lui est propre, positionnant également une perspective bien spécifique quant à la fonctionnalité de ses tableaux dans le design mobilier et l'environnement quotidien. Une démarche picturale abstraite, un style très actuel, qui associent des gestualités subtiles de « drippings » très mesurés; Sa façon porte également sur une structuration nouvelle de l'œuvre d'art elle-même, qui dépasse le principe du tableau unique, pour peindre sur plusieurs toiles en lien étroit les unes avec les autres. Caroline Mercier à voulu dépasser le format unique du tableau que l'on rencontre habituellement, pour rompre avec les tabous d'un certain conformisme de l'oeuvre-d'art. L'artiste sort des chemins traditionnels pour générer un autre état d'esprit en peinture et des oeuvres novatrices.

 

Ses réalisations d'un même sujet abstrait, sur plusieurs surfaces avec plusieurs toiles de différentes dimensions, donnent un autre caractère, une personnalité plaisante, animée, vivante, à ses créations. Il s'en dégage un impact artistique très pertinent que le public perçoit très bien, reçoit très favorablement durant l'exposition des œuvres. Son style conjugue une « inventivité », une « instinctivité », dans les champs d'une expression dynamique, avec des tracés vifs, toniques. La peintre sait y apporter une complémentarité harmonieuse, avec des éléments de grammaire plus géométriques, carrés, ou rectangulaires.... Une belle structuration interne de l'œuvre, qui accueille ainsi parfois un certain lyrisme, un mystère, un ressenti plus poétique... C'est une recherche esthétique, qui ne laisse jamais insensible le spectateur... Des titrages évocateurs, tels « Profondeur bleue », ou « Turquoise », viennent mettre l'accent sur des choix de palette, comme « Terre d'Or », donnant une très douce orientation, s'il en était besoin, à celui qui regarde. Parfois un sens plus fort avec « Durga Devi », plus de mouvement avec « Dansez » ... La peintre déploie ses œuvres en plusieurs tableaux, avec des diptyques, ou des quadriptyques... Elle maitrise des modalités originales, des moyens pratiques et techniques, encore plus forts pour servir son expression plasticienne ; On comprend l'émergence d'une nouvelle façon de dire les ressentis aux spectateurs, afin de faire partager ainsi au public des sensations plus intérieures, plus intenses... Avec son choix de polyptyques, la peintre Caroline Mercier est partie à la conquête de nouveaux espaces artistiques et architecturaux... Elle nous propose une autre façon d'occuper les murs et positionne l'art au mieux dans l'environnement. ... «Je souhaite occuper l'espace par l'art »... Nous dit-elle. Avec toute la passion, mais aussi toute la raison d'une artiste qui produit des créations qu'elle veut à la fois, qualitatives, tout en étant avant-gardistes, différentes et référentes des modernités de notre siècle naisssant. Pour la peintre, l'art peut encore plus évoluer, progresser, des innovations sont encore possibles, même si beaucoup à pu déjà être dit, peint, en termes d'avancées théoriques, de bonds en avant esthétiques, de Picasso avec le cubisme, juqu'aux étonnants monochromes de l'école américaine de Rothko ou de Barnett Newman... Mais avec la peintre Caroline Mercier, de la nouvelle génération contemporaine française et européenne, il faut aujourd'hui se poser la question de l'œuvre-d'art elle-même, en tant que telle, avec cette artiste peut-être s'interroger sur la remise en question de l'idée basique du tableau unique dans l'espace, par rapport aux finalités de l'art, aux attentes, aux besoins de la société actuelle, par rapport aux fonctions de l'art et aux fonctionnalités de l'esthétique aujourd'hui... Caroline Mercier nous apporte sa réponse, ses réponses par ses tableaux... Cette artiste à compris que l'organisation de l'espace n'est plus la même qu'au siècle passé, que les goût du publics attendent que le créateur vienne donner un autre appétit artistique, en phase avec la rapidité, l'universalité du monde... Tout est accéléré, tout est vie et animation, dans un rythme trépident. « Je cherche à donner la notion de continuité et de mouvement au travers de mes œuvres, avec plusieurs tableaux qui se répartissent dans l'espace en une seule oeuvre. Avec mes assemblages de toiles, de différentes tailles, j'arrive à donner encore plus de mouvement et sortir du territoire, pour moi trop éxigu, du sempiternel tableau unique »... Son message est bien reçu... C'est alors que les œuvres diptyques, triptyques ou polyptyques de Caroline Mercier, prennent tout leur sens, nous apparaissent nouveautés, régénérantes et créations « oxygènatoires » pour un art contemporain qui veut vivre pleinement adapté à son siècle. Ses œuvres comportent deux expressions artistiques en une : On y perçoit d'une part, le contenu sémantique et sémiotique, fait de sens et de signes, en fait les traductions, les interprétations abstraites de ses sentiments, de ses sensations... D'autre part, simultanément, l'œuvre s'inscrit dans l'espace en termes de formes, d'empreinte signalétique et organisationnelle sur le plan visuel, au moment où l'accrochage de son tableau polyptyque se répartit, peut s'aménager, pour « former » une autre œuvre spatiale... Parfois selon le goût, la liberté de l'amateur d'art, qui pourra, s'il le souhaite, répartir comme il préfère les éléments pour faire ainsi totalement sienne l'oeuvre-d'art... Se l'approprier pleinement... La distribution des diverses toiles-éléments sur les cimaises de la galerie, l' agencement esthétique des diverses pièces sur le mur de l'appartement, proposent un art complet, absolu, individualisé, personnalisé... Au-delà de toutes conceptions formelles, ou des célèbres approches du groupe Support-Surface, Caroline Meunier nous parle un langage d'artiste mais aussi de sociologue, de créatrice originale, mais aussi celui d'une architecte d'intérieur dans la redéfinition du décor par rapport à l'espace d'habitation. Elle nous pose les questions essentielles des fonctions effectives, opérationnelles, de l'œuvre-d'art dans la société de maintenant. Caroline Mercier conforte les lettres de noblesse d'un art pour le public, de la création, lorsqu'elle nous parle de tableaux qu'elle fait pour décorer un lieu, ce qu'elle rend parfaitement compatible avec un art de haut niveau, qui ne peut être réservé essentiellement que pour des amateurs voire des investisseurs, mais doit rendre heureux chacune et chacun qui le veut ... La fonction d'un polyptyque peut être indispensable pour décorer un appartement, un hall de lieu public ou privé... Cela pour la peintre  est un vrai aboutissement pour son œuvre d'art, pour partager un moment de regard, de rencontres de consciences avec un particulier spectateur (dans un salon ou une salle-à-manger) ou pour le plus grand nombre dans des lieux publics (les gares ou aéroports, les halls d'hôtels)... Pour Caroline Mercier, le décoratif c'est du culturel et même une forme de culture qui peut être individualisée ou plus grand public. Le décoratif peut témoigner de l'identité d'un lieu, d'une société, d'une civilisation... En effet, combien de grandes civilisations anciennes, nous ont délivré leurs messages culturels au travers des âges, grâce aux décors de leurs objets les plus usuels... par leurs fresques peintes surles murs dans des lieux de vie quotidienne... Caroline Mercier, souhaite que sa peinture, ses toiles, puissent être, de la même façon, dans la modernité, des éléments d'embellissement de la vie des gens au quotidien, un art de haut-niveau accessible pourtant, pour chaque individu, dans chaque maison, chaque appartement... Un signature pour créer du bonheur... des peintures pour un public, toutes classes d'âge confondues, car l'art pour elle est un message de convivialité pour tous, jeunes ou séniors. Et bien sûr, pour la jeunesse, plus tôt le contact sera pris avec le beau, avec l'esthétique, avec le plaisir de regarder une peinture, et mieux ce sera pour leur construction culturelle et artistique future. Aussi l'installation d'une œuvre d'art, dite « décorative », dans un appartement, un centre culturel, peut remplir aussi en ces sens, une mission éducative. A partir de ces considérations, la peintre travaille sur des tableaux originaux, qui remplissent les vrais critères de l'art, qui sont issus du plus profond de ses ressentis, et qui sont créés pour les spectateurs, comme des moments uniques émanants de l'esprit et du cœur de l'artiste, pour aller vers l'autre. Art grand public certes, mais par-dessus tout art qualitatif, qui a vocation à participer à part entière à la construction plus générale de l'art contemporain adapté aux besoins de notre époque. Ainsi la peintre travaille sur une abstraction fondée, pondérée... Chaque œuvre restant une recherche élégante, raffinée... « Je ne suis pas dans une démarche de performance... Je veux faire un ensemble harmonieux, bien fini »... Un art pour le progrès culturel par la fonction du décoratif au plus près du public, c'est ainsi que Caroline Mercier, aime concevoir ses œuvres en imaginant leur possible contexte environnant, leur connexion aux autres sensibilités. Ses résultats sont probants; En effet, ses créations abstraites témoignent d'une réussite esthétique indéniable, en contenu de couleurs, en formulation de structures, qui en font des œuvres à vivre, des œuvres intemporelles, internationales. Caroline Mercier, dans nos nouvelles générations d'artistes, par ses réflexions et choix artistiques, ses recherches et son talent, incarne bien cette prise de conscience des nouveaux territoires de l'art, à présent aux cotés du design mobilier, faisant corps avec, aux premierx planx dans l'architecture intérieure, en immersion dans les ameublements les plus stylés du goût contemporain. La démarche de Caroline Mercier se pose la question préalable du contexte dans lequel son style va prendre place, son abstraction tient paradoxalement compte d'un autre temps réel, celui de la vie, de la vie quotidienne... du vu et du vécu... La peintre à réussi à maitriser un concept, pour rapprocher concrètement l'art du public, pour atténuer le fossé qui peut séparer le public de l'art et de l'abstrait en particulier. Elle veut redéployer une nouvelle image de l'artiste et de l'utilité de l'oeuvre-d'art, du rôle de l'art dans le mieux-être, de l'utilisation de la création contemporaine pour agrémenter, mettre en valeur le patrimoine. Caroline Mercier manifeste cette prise de conscience de nouveaux objectifs fonctionnels avec ses polyptyques, pour relancer l'appétit de l'art dans le public; Sa conviction pour donner un sens à son acte de peindre, avec de nouvelles définitions esthétiques, sociologiques, plasticiennes, font de Caroline Mercier, une artiste référente d'un véritable leadership dans ces nouvelles tendances du polyptyque, des assemblages abstraits, de l'occupation intelligente et construite de l'espace plan. Caroline Mercier, en prise directe avec l'art dans sa génération, est aux toutes premières places dans la reconquête structurelle et organisationnelle par la peinture de l'espace architectural. Artiste novatrice, sa recherche pour la refonte de l'idée de tableau et ses créations d'oeuvres-d'art plurielles, en style contemporain, lui ouvrent les voies de l'international.

 

LA PEINTRE CAROLINE MERCIER A OBTENU LA MÉDAILLE D'HONNEUR  « TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI » 2012

 

 

Antoine Antolini, Mars 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur " TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI – Mars 2012 titre «  LA PEINTRE CAROLINE MERCIER, UNE NOUVELLE TENDANCE ESTHETIQUE DANS L'ART CONTEMPORAIN »  © Texte, Antoine Antolini – Mars 2012

© Editions des musées et de la culture EDMC 2012

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TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -

 

 

 

 

■ Chez Allynée style pictural et stylisme deviennent un pontage esthétique réussi. Pour cette créatrice peinture et couture ne sont qu'un. Par ses modèles le spectateur voyage de haute-couture en "haute-peinture"...


LA PEINTRE ALLYNEE (RENEE BALLY) DEVANT SA COLLECTION PEINTE DE VETEMENTS DE MODE

LA PEINTRE ALLYNEE (RENEE BALLY) DEVANT SA COLLECTION PEINTE DE VETEMENTS DE MODE

MODELE

MODELE "PAOLA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

MODELE

MODELE "QUINTIA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

MODELE

MODELE "SOFIA" © PEINTURE-COUTURE SIGNÉE ALLYNÉE

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"QUNTIA" MODELE © DÉTAIL COUTURE TRICOT EN COLLAGE SUR TOILE

ALLYNEE RECOIT LA MEDAILLE D'HONNEUR TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI JANVIER 2012, UNE BELLE OUVERTURE D'ANNÉE ART ET MODE

ALLYNEE RECOIT LA MEDAILLE D'HONNEUR TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI JANVIER 2012, UNE BELLE OUVERTURE D'ANNÉE ART ET MODE

PÔLE EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR AFFICHE D'EXPOSITION DE LA PEINTRE ALLYNÉE

PÔLE EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR AFFICHE D'EXPOSITION DE LA PEINTRE ALLYNÉE

LA CREATRICE PEINTRE ALLYNÉE  MODE ET MODERNITE, ELLE EXPOSE SES MODELES PEINTS AUX CIMAISES DE L'ART CONTEMPORAIN

LA CREATRICE PEINTRE ALLYNÉE MODE ET MODERNITE, ELLE EXPOSE SES MODELES PEINTS AUX CIMAISES DE L'ART CONTEMPORAIN

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LA PEINTRE ALLYNEE, UNE SYNTHESE ESTHETIQUE DE LA PEINTURE ET DE LA MODE : CREATRICE D'UNE COLLECTION COMPLETE DE TABLEAUX SUR LA MODE ET LE MANNEQUINAT. Allynée est une artiste complète, qui peint depuis de nombreuses années, avec un talent qui sait explorer avec succès diverses thématiques, allant des paysages aux personnages, et qui pratique également la sculpture. Les travaux de sa période actuelle semblent avoir jeté les bases les plus abouties de son évolution et de sa recherche en art. En effet, l'artiste témoigne dans ses plus récents travaux picturaux, d'une volonté de dépasser les canons traditionnels de l'art, figuratifs, impressionnistes ou abstraits, pour réaliser un acte de peindre innovant avec de nouvelles logiques contemporaines, en effectuant le pontage entre deux grands domaines de notre époque, la peinture, bien sûr, et la couture, à savoir la mode, dont en particulier le mannequinat, sans quoi rien n'est possible en couture, prêt-à porter ou haute-couture...


Allynée, dans sa démarche, réussit en utilisant toute la modernité visuelle de notre siècle, à faire transmigrer des valeurs esthétiques, d'un domaine à l'autre. Ceci elle le peint, dans une inter-dépendance stylistique, une inter-subjectivité pour le spectateur, qui voit et vit la mode, au travers des œuvres peintures-coutures d'Allynée. Ses modèles de vêtements, sont des contenus et supports du message, permettent à la peintre de lancer en avant toute la thématique du mannequinat et de la rénovation de l'image du corps et de ses postures, en nouvelle esthétique contemporaine. Mannequins, top-models, sont devenus particulièrement en vogue aujourd'hui, avec des critères propres de la présence du corps dans l'espace... Devenant pour Allynée à la fois mannequins et nouveaux modèles vivants d'une autre nature dans la culture moderne de nos sociétés du multimédia. La peinture d'Allynée, vient ouvrir un nouveau discours entre le mannequin et le vêtement, l'idée de beauté du corps, radiographiant le canon esthétique actuel. De ce que peut en constater la peintre en produisant ses œuvres d'art, elle en répertorie une traçabilité, en temps réel, de ce qui est, de ce qu'elle voit et veut... Allynée optimise la mode, la scénarise, pour en faire mémoire artistique, mémoire de société. L'artiste, le peintre, le sculpteur, apparaissent généralement quand il est besoin de définir, de dire, de confronter, les canons de l'esthétique, en identifier au mieux les règles, pour créer un repérage dans le temps de cette capacité de la société à produire du beau à sa façon, selon la communication ou l'évolution du progrès, les goûts du moment... Ici, Allynée, avec sa série sur les mannequins et la mode, fait à la fois le constat d'un état d'être, d'un état de voir dans notre relation à la mode et pour le spectateur, le public, en fixe en peinture quelques paramètres incontournables, qui pourraient être qualifiés de « fondamentaux »... Allynée, est parvenue toutefois, à aller plus loin que le rôle du peintre, qui impulse, ou encore valide une image de la mode dans la société. Sa série de peintures produit une création dans la création. L'artiste réalise ses propres modèles, à chaque fois, avec un apport supplémentaire, puisqu'elle peint, elle assemble et présente, à l'échelle du tableau, une idée originale avec des tissus qu'elle fabrique en fin tricot. Ils viennent épouser en un collage parfait, la trame de la toile peinte, dans un assemblage heureux, un matiérisme de plus raffinés. Allynée transporte aujourd'hui, avec réussite l'image de la mode, de l'élégance, du style et du stylisme, de la mode et du modèle dans l'espace filtré et exigeant de l'art contemporain. Sa démarche, doublement créatrice, est à la fois esthétique et plastique ; C'est une construction ingénieuse et artistique, qui sait unir sur la toile peinte, en une logique interdisciplinaire, les valeurs de beauté et de fonctionnalités, que peinture et /ou mode, véhiculent dans notre vie quotidienne... Des modèles comme Emma , Paola ou Quintia, sont emblématiques de la capacité d'Allynée à avoir saisi les meilleures poses, les meilleures attitudes, non seulement du mannequin en présentation de collection; Mais ce sont aussi ces temps-forts de mises en valeurs du vêtement par le mouvement du corps, que l'artiste a capté, capturé, pour les peindre en statut d'art dans ses œuvres... Une vingtaine de tableaux nous disent, tour à tour, les postures les plus représentatives, tels que la peintre peut les saisir dans le souci de transmettre une vérité. La diversité de chacune des expressions corporelles, leurs originalités, font de cette collection de peintures une forme nouvelle de collection de mode et d'un nouvel académisme dans la perception du corps humain. La peintre à inventé une nouvelle manière de créer un modèle dans un autre atelier... Allynée crée une collection en utilisant l'art...pour l'art. L'art du pinceau au service du corps dans l'espace. L'artiste à partir de ce corps dans l'espace, lui fait porter un vêtement et va l'inscrire, l'écrire en une grammaire nouvelle du « porté » et du « vu ». Nouveau modèle vivant... Allynée par la peinture, nous parle aussi de la personnalité et du rôle primordial du mannequin... La coiffure joue un rôle et devient à son tour un signal du mannequin dans l'espace… Ici, les noms des modèles entrent en osmose avec le mannequin, pour ne faire plus qu'une seule œuvre d'art peinte, à rendre, à restituer, au regard du public. Le spectateur comprend et ressent cette révélation nouvelle de la peinture, qui s'échappe vers de nouveaux horizons à conquérir, évolue sur de nouveaux chemins, pour dépasser encore plus de tabous et dire qu'il peut y avoir un art avec un grand A... A comme Allynée ? et que cet Art ne connaît pas de limites, de frontières entre les disciplines, les secteurs artistiques. Les démarches de créations ont bien les mêmes ressorts, comme en témoigne la peintre. En synthèse et en harmonie, l'artiste fait progresser l'art contemporain, au travers de l'acception et de la « mise en oeuvre-d'art » de nouvelles dimensions transversales, de symbioses esthétiques, pour nous dire que l'osmose de talents créatifs est aussi vérité dans l'acte de création.

 

La peintre Allynée à obtenu la Médaille « Talents des Arts d'Aujourd'hui » en 2012.

 

 

Antoine Antolini, Février 2012

 

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI – FEVRIER 2012."LA PEINTRE ALLYNEE,UNE SYNTHESE ESTHETIQUE DE LA PEINTURE ET DE LA MODE"  © Texte, Antoine Antolini – FEVRIER 2012  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Le texte (en dehors des photos des peintures des modèles sous copyright) peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication.


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■ Bettina SCHOPPHOFF. Son style pictural redéploie un nouveau figuratif dans l'art contemporain par de nouvelles logiques esthétiques innovantes de l'espace et des plans dans la représentation du sujet.


LES TROIS ENFANTS,  BETTINA SCHOPPHOFF RENOUVELLE L'APPROCHE ET LE SENS  DU SUJET FIGURATIF

LES TROIS ENFANTS, BETTINA SCHOPPHOFF RENOUVELLE L'APPROCHE ET LE SENS DU SUJET FIGURATIF

LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF, SON STYLE PICTURAL INTRODUIT DANS L'ART EUROPEEN UNE TOUTE AUTRE FACON DE REVELER  LE SUJET

LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF, SON STYLE PICTURAL INTRODUIT DANS L'ART EUROPEEN UNE TOUTE AUTRE FACON DE REVELER LE SUJET

"FILS DE LA VIE" DE BETTINA SCHOPPHOFF UNE ARIANE QUI PEINT LA DESTINEE... LA VIE EN EQUILIBRE

"CROISEMENT" BETTINA SCHOPPHOFF A SU SAISIR L'ARCHITECTURE DU SUJET AVEC UNE AUTRE LOGIQUE

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BETTINA SCHOPPHOFF RECADRE LA PUISSANCE DE L'EVOCATOIRE POUR ELARGIR LES FRONTIERES DE L'ART ET DU TABLEAU

BETTINA SCHOPPHOFF RECADRE LA PUISSANCE DE L'EVOCATOIRE POUR ELARGIR LES FRONTIERES DE L'ART ET DU TABLEAU

"RAPPROCHEMENT" DE BETTINA SCHOPPHOFF PROPOSE LE GROS PLAN COMME NOUVELLE ESTHETIQUE PICTURALE CONTEMPORAINE

"LES ADOS"; LA PEINTURE DE BETTINA SCHOPPHOFF SAISIT UNE PARTIE DE LA SCENE POUR MIEUX EN DIRE L'ENSEMBLE

AVEC

AVEC "JOURNAL DU DIMANCHE" LA PEINTRE BETTINA SCHOPPHOFF REDEFINIT LA NOTION D'ESPACE

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Bettina Schopphoff, une artiste contemporaine qui vivifie l'art contemporain par un talent rafraîchissant. On attendait du neuf, du renouveau dans les expressions contemporaines, et notamment au niveau du figuratif... Voilà une artiste qui vient apporter une réponse. Ses recherches novatrices comme, par exemple, dans ses œuvres « Journal du dimanche, » ou « Croisement » ré-explorent incessamment la réalité en d'autres configurations de modernité, en d'autres recompositions du sujet dans l'espace, en vues du-dessus comme si l'image devait échapper au tableau, comme si l'individu ne devait pas être cantonné, ni contenu dans l'œuvre-d'art... Une peinture dense, emplie de pensées sur le monde, la vie, le passé, le présent, le futur, qui est aussi un questionnement humain tel qu'avec « Fils de la vie », une émotion du devenir, qui emmène les sujets vers leurs destinées, que nul ne connait vraiment, mais que l'on pourrait entrevoir à partir du réel. Une artiste qui fait progresser aujourd'hui l'art contemporain.

 

Avec ses « Trois Enfants » ou « Les Ados », Bettina Schopphoff a su prouver que tout n'était pas encore dit dans l'expression du pictural. En potentialisant l'évocatoire figuratif, par une expression partielle du sujet sur la toile, elle a su inventer et produire l'idée d'ensemble plus forte qu'une représentation traditionnelle de la totalité pourrait le faire... Ses « Trois Enfants » ont posé définitivement une nouvelle pierre dans la construction de l'art d'aujourd'hui. A présent, Bettina Schopphoff est une signature incontournable pour tout amateur d'art averti. Ses créations originales et innovantes démontrent qu'en art figuratif, le détail, le gros-plan, le « zoom », peuvent traduire parfois plus efficacement la globalité du sujet. Comment Bettina Schopphoff à pu arriver à bousculer toutes les idées reçues, dépasser les formatages acquis, les architectures basiques du tableau, aller plus loin que les écoles picturales, de New-York, Paris ou Berlin ?... Tout d'abord par son travail assidu, mais aussi par son inspiration en constant éveil et cette conviction que lui a donné son talent, afin de poursuivre sur la voie de l'innovation. Sa démarche qui modifie tous les à-priori est riche pour l'Europe, face aux Etats-Unis ou à l'Asie, parce qu'elle vient proposer de nouvelles façons du "voir" en peinture; Cela avec maîtrise, élégance et surtout une grande pertinence stylistique, qui fait trouver sa pleine place à cette artiste, sur le niveau international. Après Cézanne, Monet et les Impressionnistes, Picasso et les Cubistes , Bettina Schopphoff, vient nous dire par son pinceau que les ressentis intérieurs peuvent être exprimés absolument différemment dans le figuratif, de ce que l'on pouvait penser et pourtant en être non moins puissants. Au-delà de l'évanescence des distances, des vibrations du soleil et de la lumière, de la déconstruction analytique du sujet, on comprend dans la peinture de Bettina Schopphoff, comment le visuel peut être désormais ressenti et pensé, exprimé, proposé en une autre esthétique, en un pontage soujascent de la "partie" vers le "tout", avec une autre sensibilité plasticienne "fractionnée" pour être mieux "optimisée". A contre-pieds des académismes, des mouvances avant-gardistes, des époques modélisantes certes, mais révolues, l'artiste peut être considérée comme une novatrice en ce début du XXI ème siècle. Avec une grammaire évocatrice qui n'est pas simplement stigmatisante, la peintre "recadre" le point-de-vue du réel, hors de tous contextes de nouvelle figuration, ou de filiations des figurations narratives, hors du champ de tout néo-réalisme... Avec « Les Ados », l'artiste repense complètement par elle-même la portée scénographique du tableau, et refonde, à sa façon, sa propre approche picturale du sujet. Sa stylistique originale, en prenant un élément interne du sujet sait en créer le plan principal. Bettina Schopphoff, arrive à nous renvoyer vers toute une interface psychosociale autour du sujet traité. L'artiste en centralisant les logiques de la partie d'une scène, en sait faire acte d'art, extrait visuel unique, comme avec « les Ados ». De la même manière, avec son tableau « Rapprochement » elle saisit le plan essentiel et redynamise le pouvoir évocatoire du thème, redéployant le suggestif qui se cache derrière le figuratif premier. La peintre transmet par l'essence succincte de l'image, un ensemble profond, fort, émouvant, sensible... Nous laissant reconstituer par notre imaginaire l'évidente totalité environnante. Le talent si nouveau, si différent, de cette artiste, permet aux spectateurs de revisiter l'idée même du « non-dit » en art contemporain, au travers d'une représentation reciblée, du réel. Une peinture anecdotique en interrogations, en « indéfinitude », une expression narrative en suggestivité, qui laissent en mystère ouvert toute la fin du récit, de l'intention... Bettina Schopphoff possède un langage de touches justes et vives, d'applications aux intenses couleurs, pleines de vérité. Elles sait transporter le public sur les chemins de l'art, en lui laissant toutefois une totale liberté  projective, lorsque chacun peut envisager devant ses toiles, comme il le ressent, le sujet total, l'image finale. L'originalité sociologique exceptionnelle de cet un univers pictural issu du réel, conjugue une part de figuratif et celle d'un imaginaire non-peint. Il appartient alors à celui qui regarde l'oeuvre, de créer à son tour sa propre scène, en une sublime interactivité, comme un moment d'art magique...une fascination... Bettina Schopphoff donne au spectateur une conscience d'être et d'exister face à l'oeuvre-d'art. Puissance d'un talent qui à eu la science et l'audace picturale « d'intrapôler » le sujet autour de ce qui le définit le mieux, de la façon la plus intrinsèque. Bettina Schopphoff par son style, sa palette, sa technique de positionnement du sujet sur la toile laisse envisager une autre vision possible pour toutes les figurations, préfigurant de nouveaux modèles d'expression. En phase avec notre modernité. la peintre par son travail artistique apporte de nouvelles notions sémantiques et sémiotiques à l'art contemporain.

 

Pour son talent et ses créations originales la peintre Bettina Schopphoff à obtenu en 2011 la  Médaille d'Honneur « Talents des Arts d'Aujourd'hui ».


Antoine Antolini

Direction Rédactionnelle EDMC 

 

 

Exposition Bettina SCHOPPHOFF - PÔLE D'EXPOSITION SUD CÔTE-D'AZUR - Décembre 2011

Reportage: titre: " Bettina Schopphoff. Son style pictural redéploie un nouveau figuratif dans l'art contemporain par de nouvelles logiques esthétiques innovantes ".  © texte Antoine Antolini - Direction rédactionnelle EDMC - Tel: 06 10 99 90 98  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

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■ CHRONIQUE DES MOUVEMENTS ARTISTIQUES


■ MOUVEMENTS ARTISTIQUES : Ann-Isabelle GUYOMARD, artiste et chercheur, fondatrice du mouvement GoldLight et conceptrice du Droit Emotionnel, lance une passerelle exceptionnelle entre l'Art et la Science.


ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE CHERCHEUR, CREATRICE DE LAND'ART

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE CHERCHEUR, CREATRICE DE LAND'ART

"RAVAGES" DE ANN-ISABELLE GUYOMARD, PEINTURE ABSTRAITE FEUILLE D'OR ET INCLUSIONS FIGURATIVES © 2011

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE ET ARTISTE LAND' ART CONSACRÉE

ANN-ISABELLE GUYOMARD PEINTRE ET ARTISTE LAND' ART CONSACRÉE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI 2011"

ANN-ISABELLE GUYOMARD A PEINT

ANN-ISABELLE GUYOMARD A PEINT "SOUS LA SURFACE"

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LAND'ART

LAND'ART "ROCHE MARINE" ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART ROCHE MARINE 2  CREATION ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART ROCHE MARINE 2 CREATION ANN-ISABELLE GUYOMARD

LAND'ART

LAND'ART "VIGIE" OEUVRE DE ANN-ISABELLE GUYOMARD RENCONTRE DE L'OR ET DE LA ROCHE COTIIERE, DEVENANT UN ECLAT DE LUMIERE AU SOLEIL, VISIBLE DE TRES LOIN

LAND'ART PROJET

LAND'ART PROJET "CONSTELLATION SAINTE VICTOIRE", ANN-ISABELLE GUYOMARD A CRÉÉ UN PROJET INNOVANT ET... LUMINEUX SUR LA FAMEUSE MONTAGNE DE CEZANNE © A-I GUYOMARD 2011

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Au cœur de la génération actuelle, Ann-Isabelle Guyomard fait converger les savoirs esthétiques et artistiques pour une mise en relief des problématiques environnementales et humaines. Conjuguant émotion et réalité, impact de la Nature et sensibilité profonde, l'artiste réussit par ses œuvres et ses intentions plasticiennes, à réaliser un progrès très appréciable et une innovation intellectuelle dans l'approche de l'art, par le développement du rôle que celui-ci peut jouer dans les sciences. Dans la lignée de Léonard de Vinci, peintre et savant, tout comme après Mondrian et sa recherche d'un nouveau langage universel, ou encore de Calder et ses mobiles aux équilibres esthétiques et mathématiques, les travaux d’Ann-Isabelle Guyomard ouvrent et proposent de nouvelles voies dans le contemporain, comme autant de questionnements profonds pour chacun d'entre nous. L'artiste a su conjuguer les paramètres de notre modernité, pour leur donner une lisibilité et mettre ainsi le spectateur en état d'art...  

 

Un parcours particulièrement dense en Recherche Fondamentale permet aujourd'hui à Ann-Isabelle Guyomard, de croiser les disciplines des beaux-arts avec les démarches cognitives appliquées à l'environnement. Comme ses œuvres de Land'Art, ses peintures actuellement exposées au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur apportent une contribution novatrice au rôle de l’art. Comme un nouveau territoire à explorer, l'artiste propose une nouvelle interface de ressentis (GoldLight et Droit Emotionnel), afin de mettre en lumière les éléments les plus caractéristiques d'un lieu et nous dire la Nature en histoire d'art. (voir le projet de Land'Art "Constellation Sainte Victoire"). L'artiste redéploye ainsi les notions fondamentales de l'art comme support de la culture dans nos sociétés, en redynamisant le potentiel de l'acte créatif esthétique, en lien avec la Recherche. Elle re-positionne dans sa démarche les objectifs classiques du Land'Art, pour les orienter vers un acte utile pour la nature, le paysage, l'environnement, l'écosystème... Pour Ann-Isabelle Guyomard, produire une œuvre de Land'Art sur la Nature doit profiter avant tout à celle-ci comme entité première. Qu'il s'agisse des problèmes de déforestation massive, tout comme de la sauvegarde du patrimoine marin, ce sont de précieuses démarches de promotion et de protection, de mises en évidence ultimes et essentielles de la beauté de la planète que propose le Land'Art très spécifique d'Ann-Isabelle Guyomard. Dans sa grammaire esthétique, l’artiste assume une finalité de sensibilité intime, mais sait aussi et surtout, créer une prise de conscience pour le spectateur, le public, la société en général.... Les certitudes d'Ann-Isabelle Guyomard sont enracinées dans son être profond. L'impact du Land'Art de l'artiste est pour elle un art indissociable de la photographie et du film, du court-métrage ou de la vidéo. Les expositions, les conférences ou encore les ouvrages d'art et les encyclopédies pour la jeunesse, doivent porter témoignage de l'acte créatif sur l'espace et la Nature vierge. Par sa création, l'artiste en arrive à produire un véritable fait culturel ici et maintenant. Par le caractère indispensable du retour de l'esthétique de la planète à la société par la photographie, le Land'Art d'Ann-Isabelle Guyomard rejoint les préoccupations des grands photographes de la Nature comme Yann Arthus-Bertrand. Toutefois, Ann-Isabelle Guyomard intervient directement sur la Nature pour la mettre en situation, en statut d'œuvre d'art, au-delà des découvertes mêmes de géomorphismes artistiques. Entre les mains de cette artiste, le Land'Art vit ainsi une autre dimension, peut-être en définitive sa vraie dimension, par l'adéquation qu'elle a su en faire; à savoir  mettre cette discipline de l'Art appliquée au Paysage, à la terre et à la Terre, aux pays et au Pays, d'Art sur le Paysage, au service de l’espace, de notre planète et de son environnement. Il s’agit d’un Land'Art comme un territoire artistique initialement immatériel auquel Ann-Isabelle Guyomard à su donner une raison d'être. Dans son style esthétique, l'artiste a souvent recours au matériau noble qu’est l'or. Allégorie de la rareté des environnements vierges, symbole de pureté et de lumière, elle l’utilise sous forme de feuilles ou de pigments, qu’elle marie, imbrique, applique pour restituer à la Nature l'idée du beau et du précieux en magnifiques visuels.  Dans son Land’Art, elle veut réaliser et poser toujours le plus concrètement possible le sens cyclique d'osmose entre l'Homme, son rapport étroit à l'environnement et l'idée de pureté originelle. Par son intuition du monde et son intelligence de l'humanité, cette conceptrice-chercheur apporte une reconnaissance originale au Land'Art. Elle a su en définir un nouveau regard, de nouvelles fonctionnalités et une puissante signification, auxquels on ne peut qu'adhérer. Pour Ann-Isabelle Guyomard, l’important est de restituer une émotion directe. Aussi, la traduction des sensations et des émotions humaines les plus profondes, se fait par l’emploi de matériaux bruts tels que l’or, le sable, la roche, l’indigo en poudre… Il existe dans son langage une véritable symbiose des perceptions, où le visuel peut évoquer un son premier, un toucher, un goût... Dans son acte créatif, le corps humain devient membrane de perception et de réception du monde, pour un voyage entre l’intimité et l’immensité. Pour cette artiste, l’acte créatif est aussi une expression corporelle où la danse et la musique expérimentale sont partie intégrante de l’œuvre finale, l’Art passe dans le corps, l’unité apparaît, visible. Ses œuvres s’apparentent ainsi à une plongée, une expérience intense, une synthèse, véritable exploration des plus complètes des paysages émotionnels. Ann-Isabelle Guyomard nous fait voyager entre les abysses et l’espace interstellaire, créant une symbiose et révélant la connexion intime et invisible entre les éléments. Aussi, ses œuvres apparaissent comme une célébration de la beauté des sciences pures et de l’esprit humain dans ce qu’il a de plus universel. L’Art est une exploration du lien entre sensations et émotions, entre l’intérieur et l’extérieur. A travers ce prisme, l’artiste nous invite à la découverte entre sensations premières et questionnements existentiels.
Egalement peintre sur toile, son travail pictural reste le reflet de cet engagement humain, artistique et scientifique. En tant que peintre, Ann-Isabelle Guyomard donne à voir une abstraction originale, qu'elle sait là encore faire progresser, par l'inclusion d'éléments figuratifs symbolisant les différents liens avec le monde marin comme interface de son monde intérieur. Ann-Isabelle Guyomard est ici encore, médiatrice de cette interaction entre Art, Nature et Sciences. Sa peinture est révélatrice d'une nouvelle synthèse, d'une nouvelle symbiose entre protection de l'environnement et rôle de l'artiste face aux dilemmes des sociétés contemporaines. Pour Ann-Isabelle Guyomard, l'art est messager, et l'œuvre d'art une preuve d’amour pour la vie, l’espace, et un moyen de rendre l’Homme positif face à la Nature. Afin d'atteindre cet idéal, Ann-Isabelle Guyomard fait le « pari du beau »; on sauvegardera et on protègera mieux la Nature si on l'aime. Et pour l'aimer il faut en saisir toute la beauté, la ressentir jusqu’à faire corps avec… l'art est pour elle une passerelle pour cela, pour aller de la sensibilité à la spiritualité. Aussi, c'est cette prise de conscience d'une nouvelle esthétique de l'environnement que propose cette éminente et talentueuse artiste. 

 

Ann-Isabelle Guyomard a obtenu pour l'ensemble de son œuvre et ses recherches artistiques la Médaille d'Honneur "Talents des Arts d'Aujourd'hui" 2011.   


                                                                            Antoine Antolini, septembre 2011

                                                                            Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

 

Le GoldLight. « C’est un art inspiré par la lumière. Je vois de l’or. En toute chose, en toute personne, dans les paysages, l’infiniment petit et l’infiniment grand, je vois de la beauté. Le GoldLight est ma façon de rendre cette beauté tangible, passer de l’invisible au visible. C’est pour moi l’expression directe d’une sensation et d’une émotion pures. Comme le haïku, il illumine l’instant, ici et maintenant. Il s’intègre dans la représentation abstraite de l’art pictural et dans ma conception du Land Art ».   

 

Du Droit Emotionnel - Emotional Law. « Le Droit Emotionnel est un droit inspiré par l’émotion profonde ressentie par l’homme face à la nature vierge - le stade zéro. Il est l’expression directe de cette perception intime et universelle, l’outil permettant de protéger ce que l’homme considère comme ayant une valeur intrinsèque importante. Comme pour Jean-Louis Etienne, je crois que l’« Antarctique a cette capacité de confronter l’homme à son intimité ». Aussi, l’idée du Droit Emotionnel m’est apparue en 2003 dès le début de mes recherches doctorales sur cette région, avec l’intuition que cette émotion humaine initiale trouvait écho dans toutes les zones de nature vierge du monde, permettant d’utiliser le Droit Emotionnel comme un moyen d’en défendre les valeurs » (lire Guyomard A-I.: « La protection de l’environnement en Antarctique - Droit international et Droit comparé ».   

 

Extrait - Ann-Isabelle Guyomard nous dit aussi : « La Recherche m’a permis de percevoir la grande perméabilité qui existe entre l’Art et la Science. J’apprécie la beauté des liens qui relient ces différentes facettes de la conscience humaine et je suis heureuse de trouver mon équilibre entre rigueur scientifique et créativité ».

 

Remerciements de Ann-Isabelle Guyomard: « Je présente tous mes remerciements au Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine CRACP-Europe, ainsi qu'aux Editions des musées et de la culture, pour l'attribution de cette importante distinction artistique, qui symbolise pour moi une passerelle entre les sphères scientifiques et artistiques. » Cérémonie de remise du 15 juillet 2011 Toulon. 

 

Land'Art 

« Roche marine », Plage des Bouchons, Carry-le-Rouet. Land'Art

« Vigie », Cap Rousset, Carry-le-Rouet. Land'Art

 

Projet sur la montagne cézanienne: « Constellation Sainte Victoire » © Land'Art 2011 A-I Guyomard : « La nuit, les panneaux photovoltaïques restituent l’énergie solaire sous forme de lumière. En pleine obscurité, ils donnent alors à la montagne une nouvelle ligne entre terre et ciel grâce à l'installation d’un réseau de lampes à éclats de différentes puissances. La Constellation Sainte Victoire apparaît.» 

 

Ce projet particulièrement intéressant en terme de promotion du patrimoine, d'image valorisante pour les lieux et les hommes, intitulé "Constellation Saint Victoire" à été présenté et expliqué publiquement par sa conceptrice Ann-Isabelle Guyomard, le 15 juillet 2011 au Centre de Recherche en Art et Conservation du Patrimoine CRACP-Europe Unité privée de recherche – 36 boulevard de Strasbourg à Toulon – en présence notamment de M. André Rossi, président de l'Association Méditerranéenne des Inventeurs AMI (dont le bureau est à l'INPI à Marseille), de M. Eugène German, ancien cadre du Ministère de la Culture aux services départementaux des Monuments historiques, ainsi qu'en présence des Editions des musées et de la culture EDMC. Ce projet est sous copyright selon les dispositions de la loi du du 11 mars 1957 et les conventions internationales sur la Propriété Intellectuelle OMPI Genève .

 

Reportage: titre: "Ann-Isabelle GUYOMARD, artiste et chercheur, fondatrice du mouvement GoldLight et conceptrice du Droit Emotionnel, lance une passerelle exceptionnelle entre l'Art et la Science". texte Antoine Antolini - Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine C.R.A.C.P. 2011 - e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr  Tel: 06 10 99 90 98  © Editions des musées et de la culture EDMC multimédias 2011 - Ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

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■ MOUVEMENTS ARTISTIQUES : David PONS, peintre, initiateur d'un nouveau courant pictural, le "Restructuralisme", s'attache à exprimer une synthèse contemporaine d'impressionnisme, de fauvisme et de cubisme ...


DAVID PONS CRÉATEUR DU

DAVID PONS CRÉATEUR DU "RESTRUCTURALISME" MÉDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" 2011

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PEINTURE DAVID PONS RESTRUCTURALISME PAYSAGE PORTUAIRE

PAYSAGE, PEINTURE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PAYSAGE, PEINTURE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

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PAYSAGE MARITIME DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PAYSAGE MARITIME DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PEINTURE PORTUAIRE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

PEINTURE PORTUAIRE DE DAVID PONS RESTRUCTURALISME

MARINE DE DAVID PONS PEINTRE RESTRUCTURALISME

MARINE DE DAVID PONS PEINTRE RESTRUCTURALISME

PEINTURE PAYSAGISTE RESTRUCTURALISME DAVID PONS, PEINTRE

PEINTURE PAYSAGISTE RESTRUCTURALISME DAVID PONS, PEINTRE

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UNE AMBITION QUE L'ARTISTE CONFORTE PAR DES PEINTURES DANS CE STYLE  ET SES REFLEXIONS THEORIQUES. DAVID PONS EST MEDAILLE "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" PROMOTION AOUT 2011.

 

David Pons, après plusieurs années de recherche sur les diverses stylistiques picturales, propose aujourd'hui une intéressante synthèse entre trois grandes mouvances de notre art moderne; l'impressionnisme que l'on doit notamment à Camille Pissarro, Claude Monet, Edouard Manet, n'oublions pas ici le rôle important des visions cézanniennes; le fauvisme, qui comme on le sait naquit à partir de 1905, à l'instar d' Henri Matisse; le cubisme, par lequel en particulier, Pablo Picasso, marqua définitivement l'histoire de l'art. Aujourd'hui, c'est à Beaumont, tout à côté de Clermont-Ferrand, en Auvergne, que David Pons à su mettre au point une nouvelle grammaire restructuraliste au travers de laquelle il fait poindre et rayonner notre berceau artistique français et européen. Peintre paysagiste, l'artiste excelle aussi bien dans l'expression de paysages maritimes, portuaires, littoraux, de marines; que dans les paysages intérieurs, de montagnes, forestiers, lacustres.


Aucune représentation de la nature n'a de secret pour David Pons. Il produit ainsi des toiles qui offrent au regard du spectateur une richesse de ressentis, de sensations intérieures, car pour lui cette symbiose esthétique qu'il fonde avec le restructuralisme n'est pas le fruit du hasard. Pour David Pons, son style, lui permet une gamme de langage diversifié pour dire sa relation au paysage, donner de la force, de l'intensité à ce qui apparaît sous ses yeux. L'exceptionnel talent de ce peintre réside dans le fait qu'il sait nous apporter et marier dans sa peinture plusieurs niveaux de sensibilités, d'expressions, de l'insight intérieur impressionniste, à la vigueur colorique fauve, cela avec un rapport dimensionnel autre dans la construction de l'image en échos aux cubistes. David Pons insiste lors de son interview sur le mot « évoquer »; pour lui sa peinture veut représenter la nature, le paysage, et cela plus fortement avec ces évocations des courants de l'art moderne, que l'on retrouve en condensé dans le restructuralisme. Ce sont les moyens d'atteindre d'autres paliers, un niveau plus élevé dans l'art de la représentation picturale paysagiste. Cette intégration de ces grands courants dont il sait manier, inscrire et doser les nuances, dans ses œuvres restructuralistes, donnent à ses tableaux un foisonnement de perspectives, de coloris, de profondeurs et d'intensités lumineuses hors du commun. David Pons à appris par sa pratique, l'art de guider la lumière dans l'ensemble du tableau, d'amener l'intensité extrême là où il le veut, dans une lointaine perspective ou alors au tout premier plan de l'œuvre. Il parvient à marquer un art dans l'art... Ses tonalités roses pâles, ses bleus pastels vifs ou froids, ses touches et à-plats, hors de toutes conventions de couleurs, ses jaunes, ses ocres, nous disent des atmosphères venues d'ailleurs, comme échappées de son âme, de sa passion de voir, de son aptitude a ressentir, de sa capacité a traduire... Depuis de nombreuses années, ce jeune peintre, à su produire une œuvre abondante en style restructuraliste. Ce sont, à présent, plusieurs dizaines de toiles qui fondent cette mouvance sous sa signature. Une révélation originale qui procède d'un besoin incontournable, sociétal, du progrès des arts dans notre époque. David Pons à montré qu'il sait faire avancer le figuratif dans une modernité quand tout s'extrapole, en restant lui-même en lien direct avec la réalité du paysage, pour en donner un nouvel aspect. Avec ses huiles sur toiles il stabilise des stylistiques les plus délicates par des techniques abouties, usant tour à tour de spatules ou de pinceaux. Son concept du restructuralisme prolonge les travaux des grands maîtres de la peinture. Il élabore ses toiles en les faisant fusionner, en les rassemblant, les unissant, redonnant dans le présent un nouveau souffle à leurs puissances innovantes. David Pons nous montre ainsi qu' une nouvelle génération peut savoir ne rien perdre du passé, et que l'art peut aussi inlassablement avancer par l'évolution des notions existantes, des visions premières, en travaillant l'édification de nouvelles constructions esthétiques. Le restructuralisme à comme objet de restructurer le paysage sur la toile, en mettant en pratique, en résonances, en confrontation ou en harmonies, en juxtapositions, les plus belles démarches artistiques, les plus belles avancées de l'histoire de l'art... Dès lors l'idée de cette synthèse de David Pons, vient se signaler différemment dans un siècle ou l'avant-gardisme cherche de nouveaux défis, de nouveaux langages, de nouvelles techniques, de nouveaux matériaux...  Le restructuralisme nait à partir du paysage authentique, du figuratif le plus explicite, pour en donner un autre sens, un autre discours, une autre portée... David Pons échappe à la représentation littérale du visible sans faire basculer le tableau dans l'abstrait. Le restructuralisme brise pourtant les chaînes du lien à l'image, pour en redire une autre vérité, une autre liberté... Pour le fondateur du restructuralisme, ces courants tels que l'impressionnisme, le fauvisme ou le cubisme, sont autant d'hypothèses dont il faut faire aujourd'hui la synthèse, au-delà de tous clivages de styles, avec les moyens de notre recul, que permettent aujourd'hui les décennies écoulées. David Pons veut mettre en osmose, capitaliser en mémoire d'art, redéployer en symbiose dans le présent, ces savoirs-faire paysagistes d'hier. Il donne ainsi clairement, nettement, par ses tableaux, un potentiel nouveau à notre culture picturale, en validant dans notre XXI ème siècle naissant l'héritage de nos meilleures visions artistiques; il maintient et renouvelle, notre identité esthétique dans l'actualité contemporaine des arts. Au cœur de la concurrence pour la conquête de nouvelles images esthétiques, de la recherche pour de nouveaux styles internationaux, notamment face aux nouveautés des États-Unis, de l'Asie ou de l'Afrique, le restructuralisme a sa pleine place, et témoigne d'une peinture de qualité et de grand talent.

 

Antoine Antolini, Août 2011

Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur


© Texte, Antoine Antolini Centre de recherche Art C.R.A.C.P. 2011 e-mail : centre.cracp@ yahoo.fr Tel: 06 10 99 90 98 ce texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants, journalistes, galeries, audio-visuel, en citant titre, auteur, sources de publication

 

 

 

■ Le peintre Jean-Louis GAILLARD, au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur à expliqué son concept : le "Rondisme"

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La toile "Victoire" du peintre GAILLARD, illustre son concept le "Rondisme", à la fois style et mouvement d'art contemporain

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Le peintre Jean-Louis GAILLARD au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

Le peintre Jean-Louis GAILLARD au Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur

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Jean-Louis GAILLARD, peintre - Exposition "TALENTS DES ARTS D'AUJOURD'HUI" AOUT 2010 -

Autant un style qu'un mouvement pictural à l'instar du peintre Jean-Louis GAILLARD, son fondateur, le "Rondisme" veut s'inscrire, entre-autres, dans une logique de post-cubisme, au-delà des apports des formes circulaires d'un Delaunay, ou tubulaires de Fernand Léger. L'artiste s'efforce, avec succès, de développer une nouvelle esthétique européenne, positionnant les graphismes et les couleurs comme autant d'éléments essentiels. Avec une modernité ayant su intégrer les démarches de l'abstraction lyrique, c'est à partir de courbes et de plans convergents vers l'expression du motif, que GAILLARD accompagne le spectateur, dans une autre dynamique du Beau, d' équilibres de formes en tonalités vives... Comme à pu l' évoquer Cézanne, si tout tend à la rotondité dans la Nature - de la pomme... à tous les cosmo-morphismes - Jean-Louis GAILLARD propose, quant à lui, une formulation qui libère le sujet du plan de la toile, par l'élaboration d'architectures atypiques; Il a su exprimer la tendance naturelle des éléments du sujet à leur propre auto-reconstruction en image. Jean-Louis GAILLARD révèle ainsi comment maîtriser la mémoire de forme des composants objectifs du figuratif après les avoir rendus abstraits. Jeux de tri-dimensionnalités, synoptisme, insight, Jean-Louis GAILLARD, tout en sauvegardant l'existant de notre berceau culturel artistique,  innove avec pertinence aujourd'hui un travail totalement différencié internationalement, de la production picturale américaine et asiatique. Antoine Antolini - Pôle d'Exposition Sud Côte-d'Azur (Août 2010)

 

 


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