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Les éditions EDMC, association socio-cullturelle, loi 1901 à but non lucratif pour
la promotion et le développement international de l'art et de la muséologie.

Promotion du patrimoine culturel européen
Expositions d'art, textes, reportages. Média d'actualité artistique

Artistes, musées, autres...

* * * * * * "Grands Pinceaux de France" national competition of artistic styles * * * * * * Event * * * * * * * "Grands Pinceaux de France" national competition of artistic styles* * * * News of the arts * * * "GRANDS PINCEAUX DE FRANCE" * * * April * * * Spring 2018 * * * * * *

The major events of current arts COMING SOON "CURRENT EVENTS OF STYLES AND TRENDS IN ART"


 - FRENCH RIVIERA MEETINGS 2013 in CANNES - 2013 - presentation of WORKS AND STYLES -  

FOR REGISTRATION SHEETS, dossiers d'inscriptions CONTACT: Mr. Anthony Antolini

TEL +336 1099 9098 - BY MAIL editions_edmc@yahoo.fr - Sélections candidaturesmanifestation artistique

"ACTUALITES STYLES ET TENDANCES 2013" 7 Décembre 2013  REGISTRATION OPEN > INSCRIPTIONS OUVERTES POUR SELECTION

 

 



■ Art contemporain international
Editions des musées et de la culture EDMC- Europe PEKIN PRINTEMPS 2018 - "ACTUALITE des STYLES & TENDANCES dans L'ART INTERNATIONAL" - BEIJING PRINTEMPS 2018


PEKIN- BEIJING (Chine)

PEKIN- BEIJING (Chine)

PEKIN- BEIJING (Chine)

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PEKIN- BEIJING (Chine)

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PEKIN- BEIJING (Chine)

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CHINE

CHINE

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NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

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Alain DELIC Trophéee d'Honneur Lors du Styles et Tendances 2018 au NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Alain DELIC Trophéee d'Honneur Lors du Styles et Tendances 2018 au NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

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Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

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Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 BEIJING PEKIN
Présentations Internationales des Styles Artistiques de Printemps 2018
Salons du NOVOTEL BEIJING PEACE ★★★★
PEKIN. CHINE - 29 Mai 2018 -


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Editions des musées et de la culture EDMC-Europe

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL PEKIN 2018

PALMARES INTERNATIONAL CHINE PEKIN PRINTEMPS 2018

 

Trophée Européen d'Honneur

YILIUYI (Liu Yi) peintre contemporain chinois abstrait

 

Trophée d'Honneur Franco-Chinois pour sa recherche en Esthétique et la création d'une grammaire picturale de l'Energie.

Alain DELIC , peintre abstrait

 

Trophée Etoilé de Chine - Beijing 2018 - Art Figuratif :

William FENECH, peintre figuratif expressionniste du mouvement, de la danse et de la Fête.

Fédéric STEINLAENDER, Maître Pastelliste français figuratif, Oiseaux et Paysages.

 

Trophée Etoilé de Chine - Beijing 2018 - Art Abstrait :

Roger CAZORLA CAZO, peintre abstrait, Art Tellurique, Abstraction Archétype et Universaliste sur le thème de la Planète.

Gérard SUISSIA, peintre abstrait, Recherche sur l'Ecriture au titre d'Abstraction pour un Nouveau paysagisme abstrait urbain.

 

Médaille d'Honneur Européenne - Peinture - EDMC-Europe:

Fang MIN, peintre chinois contemporain académique, oeuvres figuratives en nouveau surréalisme

 

Médaille d'Honneur - Peinture - EDMC-Europe:

Qiao MIN, peintre contemporaine chinoise figurative, paysages, sensibilité impressionniste.  

 

Diplome International d'Honneur Artiste Présenté - EDMC-Europe, avec félicitiations du Jury.

Chan XING ZHOU , peintre contemporain chinois, stylistique de la Couleur Rose

 

 

■ YILIUYI (Liu Yi), peintre contemporain abstrait chinois, Pékin. Stylisitique évocatrice de l'eau. Présentation Pékin 2018


Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

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Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Peinture abstraite de YILIUYI, peintre contemporain

Art contemporain international

Art contemporain international

Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

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Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

Styles et Tendances à PEKIN. Le peintre YILIUYI présentant son style

YILIUYI PEINTRE CONTEMPORAIN ABSTRAIT

YILIUYI PEINTRE CONTEMPORAIN ABSTRAIT

YILIUYI, (Liu Yi) peintre contemporain abstrait

YILIUYI, (Liu Yi) peintre contemporain abstrait

le peintre contemorain YILIUYI, (Liu Yi)  a obtenu le Trophée Européen d'Honneur 2018 lors du Styles et Tendances dans l'Art International  PEKIN MAI 2018

le peintre contemorain YILIUYI, (Liu Yi) a obtenu le Trophée Européen d'Honneur 2018 lors du Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN MAI 2018

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YILIUYI, (Liu Yi), peintre contemporain

 

Des toiles comme des sources de vie...

 

YILIUYI, (Liu Yi) est un peintre chinois de grand talent qui travaille en abstraction. On pourrait dire qu'il est le « peintre de l'eau » lorsque l'on voit la sensibilité, le raffinement et la perfection, avec lesquels il a réalisé ses toiles sur ce thème. Sa peinture pourrait s'inscrire dans une forme particulière du paysage puisqu'elle traite de l'eau. Ce qui nous laisserait entrevoir un style de paysagisme abstrait de l'eau et de la Nature. Les peintres ont toujours pris soin de parler différemment et de distinguer une poétique de l'eau à l'intérieur des terres, tels les lacs et les rivières et par ailleurs la spécificité de la mer. YILIUYI se situe dans une approche initiale générique, intemporelle et de synthèse. Dans sa démarche artistique, il considère, dans son œuvre, l'eau au titre d'un élément "originel", essentiel et fondamental de la vie et du monde qui nous entoure. Il intègre toute la dimension spirituelle, métaphysique, allant du conscient, de l’inconscient collectif jusqu'au sacré. Le concept esthétique de YILIUYI aborde l'eau, aussi bien dans son aspect le plus matériel physique et immédiat, que dans son aspect symbolique, voir transcendantal de l'existant et du présent. Une peinture qui rappelle une genèse de l'eau, mais aussi la proximité charnelle au quotidien de cet élément liquide. YILIUYI, au-delà d'une démarche polysémique, plurielle de sens, a bâti un style très personnel, sur la base de la couleur verte et de l'eau qui est peinte sur ce fond vert. YILIUYI noue dans ses toiles le mariage exceptionnel entre deux forces antagonistes dans l'art contemporain, d'une part, le vert figuratif représentatif de la Nature et d'autre part, l'abstraction avec sa vocation à l'immatérialité, qui se situe au-delà du réel. Toutefois le peintre a su créer par son interprétation abstraite de l'eau, une rencontre simultanée entre sens et signe. Son geste de peintre fait du signe et produit du sens en m^me temps, en une étonnante symbolique de l'eau. Une peinture comme une poétique de l'eau qui danse, de l'eau qui va et revient, tourne et s'envole. Mais son signe est ultime et son sens est intime. Ultime, de grâce, d'élégance, de savoir. Intîme, d' intériorité, d' intuition, d'émotions. Il crée sur ses toiles des élans de vie, propose une passerelle nouvelle entre l'homme et la Nature. L'artiste nous offre à voir l'évanescence fugace de l'eau, qu'il a pu rendre éternelle, fixée dans l'amour de l'art. La vie qui nous a lié à l'eau, l'eau qui nous relie parfois à une mythologie mystérieuse des divinités des forêts, des sources, des lacs, des rivières, des montagnes. Le talent de YILIUYI est fait d'une merveilleuse audace, qui a poussé ce peintre à vouloir retenir pour toujours sur la toile, cet insaisissable élément. Il a su s'imprégner de « l'esprit de l'eau », donner forme et traces aux rayonnements des gouttes translucides porteuses de lumière. Avec une minutie quasi-magique, son pinceau peint en osmose avec son esprit. La peinture de YILIUYI participe ainsi à la grande tradition de la peinture chinoise de haut niveau, lorsque l'esprit, le "souffle" guide le pinceau. YILIUYI a su conjuguer, associer étroitement, académisme et avant-gardisme contemporain. Ses toiles sont une forme d'excellence picturale internationale. Son travail exprime une grande maîtrise picturale, un style abouti. Son style évoque l'eau avec une beauté subtile, emplie de délicatesse et d'intelligence. Il peint la symbiose de l'éphémère et de l'éternel, superpose la turbulence de l'eau et l'immanence de la Nature. L'eau qui ne peut vivre qu'en liberté sauvage en pleine Nature, qui disparaît en s'évaporant quand ont la capture. YILIUYI à su l'apprivoiser, la concquérir et nous faire apparaître dans ses tableaux, l'âme de l'eau. Il en trace et fige la fluidité. Il en colore la beauté diaphane pour le bonheur du spectateur. L'eau jaillit des toiles de YILIUYI, ses peintures rayonnent de fraîcheur et de vie. Des tableaux a admirer, qui font du bien au cœur et à l'esprit. Des peintures qui permettent de se ressourcer. YILIUYI est un artiste confirmé de haut niveau international.

 

                                                                                                                     Antoine Antolini

                                                                                             Editions des musées et de la culture EDMC Juin 2018

 

 

 

 

■ Alain DELIC, peintre abstrait, créateur de la Grammaire esthétique de l'Energie et des Flux magnétiques, AD2018-1, "Abstraction visuelle des Sciences et des Technologies", AD2018-2 Présentation Chine PEKIN 2018


"Implosion Originelle" Peinture Alain DELIC

Peinture Alain DELIC

Peinture Alain DELIC "Embrasement Solaire"

"Incandescence Solaire" Peinture Alain DELIC

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Peinture abstraite d'Alain DELIC sur l'interprétation de l'énergie

Peinture abstraite d'Alain DELIC sur l'interprétation de l'énergie

"Ondes Gravitationnelles" Peinture Alain DELIC

"Champs Magnétiques (intensité Mégatesla) " Peinture abstraite Alain DELIC

"Divine Infinity - Trou Noir coloré " Peinture Alain DELIC

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le peintre Alain DELIC donne a ses oeuvres divers degré d'intensité, sur une échelle virtuelle qu'il a créée allant du

le peintre Alain DELIC donne a ses oeuvres divers degré d'intensité, sur une échelle virtuelle qu'il a créée allant du "Mégatesla" au "Yiottatesla"...

 Le peintre Alain DELIC peint l'énergie en paroxysmes d'intensités de couleurs qu'il interprète en

Le peintre Alain DELIC peint l'énergie en paroxysmes d'intensités de couleurs qu'il interprète en "mega-tesla" ou "yiotta-tesla" sur ses toiles

le peintre Alain DELIC ajoute l'invisible à la beauté de l'univers, il peint l'énergie, colore, donne forme et vie aux ondes et aux flux magnétiques qui peuplent l'univers

le peintre Alain DELIC ajoute l'invisible à la beauté de l'univers, il peint l'énergie, colore, donne forme et vie aux ondes et aux flux magnétiques qui peuplent l'univers

le peintre abstrait  Alain DELIC traduit dans sa peinture ce que l'oeil ne voit pas: la force de l'énergie, l'éléctricité, les éclairs, les flux magnétiques...

le peintre abstrait Alain DELIC traduit dans sa peinture ce que l'oeil ne voit pas: la force de l'énergie, l'éléctricité, les éclairs, les flux magnétiques...

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Styles et Tendances dans l'Art International - Printemps, PEKIN - 2018 Chine

Styles et Tendances dans l'Art International - Printemps, PEKIN - 2018 Chine

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018

Chine - Palmarès Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN Printemps 2018 - Editions EDMC-Europe 2018

Chine - Palmarès Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN Printemps 2018 - Editions EDMC-Europe 2018

Le peintre Alain DELIC à reçu le préstigieux Trophée en Chine lors des présentations artistiques qui ont eu lieu dans les salons du Novotel Beijing Peace**** de Pekin le 29 Mai 2018.

Le peintre Alain DELIC à reçu le préstigieux Trophée en Chine lors des présentations artistiques qui ont eu lieu dans les salons du Novotel Beijing Peace**** de Pekin le 29 Mai 2018.

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Alain DELIC, est connu en Chine où il a déjà exposé et présenté ses peintures à Pékin. Il a été surnommé le « Peintre des Étoiles ». Il a obtenu un grand trophée pendant les rencontres franco-chinoises Styles et Tendances dans l'Art Contemporain à Pékin en 2015. il peint sur le thème de l'énergie. Énergie qui fait tourner les planètes. Énergie cosmique. Mais aussi sur l'énergie et les rayonnements qui proviennent des planètes. Ses peintures montrent par l'art abstrait les idées et les sensations de cette énergie. Énergie du soleil, des éclairs dans le ciel, des ondes qui traversent le cosmos pour venir jusqu'à nous. Il peint et utilise du papier de soie froissé, plissé, sculpté, puis collé sur la toile. Il pense que les couleurs possèdent une force et une énergie très importantes. il utilise aussi des pigments d'or. Il crée une expression dans la peinture qui correspond aux recherches de la physique, de l'astronomie, des technologies. Son art est une réflexion sur la physique, et il essaie de croiser dans sa peinture l'art et les sciences. Il a réalisé dernièrement en Europe un hommage par sa peinture à un grand savant physicien appelé Tesla, en exposant douze grandes toiles, qui ont marié la peinture abstraite à la physique.

 

 

Alain DELIC, is known in China where he has already exhibited and presented his paintings in Beijing. He has been nicknamed the "Painter of Stars". He obtained a big trophy during the Franco-Chinese meetings Styles and Trends in Contemporary Art in Beijing in 2015. He paints on the theme of energy. Energy that turns the planets. Cosmic energy. But also on energy and radiation from planets. His paintings show through abstract art the ideas and sensations of this energy. Energy of the sun, lightning in the sky, waves that cross the cosmos to come to us. He paints and uses crumpled, wrinkled, carved tissue paper, silk paper, then glued to the canvas. He thinks the colors have a lot of strength and energy. he also uses gold pigments. He creates an expression in painting that corresponds to the researches of physics, astronomy, technologies. His art is a reflection on physics, and he tries to cross in his painting art and science. He has recently performed in Europe a tribute by his painting to a great scientist named Tesla, exposing twelve large paintings, which married abstract painting to physics.

 

阿兰·德里克在中国有较高的知名度,多次在北京展出其绘画作品,被誉为“星际画家”。他曾在“2015年北京国际当代艺术潮流和风格”研讨会中获奖。他以能量为其绘画主题,能量驱动地球的旋转。宇宙的能量、地球的能量和地球的光芒,他的画作正是通过抽象艺术来展示他对能量的观点和情感,还有太阳的能量、天空中变幻的闪电以及穿越宇宙直达我们的瑰丽光波。他的绘画主要运用各式褶皱的薄纱纸并将其粘贴在画布之上,他认为色彩具有极强的感染力和表现力,同样,他还使用大量的金色颜料,创造了一种融合了物理、天文和工艺技术研究的独特表达方式。他的艺术创作是对物理学的思考,汇聚了绘画艺术和科学。近期,他在欧洲实现了一场向著名物理学家尼古拉·特斯拉致敬的展览,展出了十二幅结合抽象画与物理学的巨幅画作。

 

 

 

 

■ Roger CAZORLA CAZO, peintre abstrait, "Art Tellurique", Oeuvre "Abstraction archétype de l'Universel et de la Terre" R.C.C. 2018 Présentation Chine PEKIN 2018


CAZORLA-CAZO Peintre contemporain abstrait

CAZORLA-CAZO Peintre contemporain abstrait "Art Tellurique" et "Abstraction Archétype de la Terre"

Oeuvres du peintre abstrait CAZORLA-CAZO présentées en Chine à PEKIN lors du Styles et Tendances dans l'Art International 2018

Oeuvres du peintre abstrait CAZORLA-CAZO présentées en Chine à PEKIN lors du Styles et Tendances dans l'Art International 2018

"Corde Terrae" CAZORLA-CAZO Peintre abstrait. Huile, matières / toile diam 90cm ép. peint. 3Cm 2018

CAZORLA-CAZO, peintre abstrait

CAZORLA-CAZO, peintre abstrait "Tellurico" Triptyque - Huile et matières sur châssis entoilé 120 x 60 cm.70cm. Epaisseur couche picturale 4,5 cm.  (2012)

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CAZORLA-CAZO, peintre abstrait

CAZORLA-CAZO, peintre abstrait " Profondeur 1" Huile, matières /bois 83x83cm. ép. Peint 3,5cm 2012

CAZORLA-CAZO, peintre abstrait

CAZORLA-CAZO, peintre abstrait "Ilôt" Huile et matières sur toile 30 x 30cm Epaisseur couche picturale 2,5 cm. (2016)

 Le style du peintre abstrait Cazorla-Cazo a suscité un vif intérêt par ses aspects universalites et intemporels. Ici

Le style du peintre abstrait Cazorla-Cazo a suscité un vif intérêt par ses aspects universalites et intemporels. Ici "Songe" de Cazorla-Cazo présenté par le délégué des Editions EDMC, Antoine Antolini

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"Europa in Terrarum Orbis" CAZORLA-CAZO Peintre abstrait Huile, matières /toile diam 70cm ép. peint 3cm 2018

CAZORLA-CAZO, en Chine, au Palmarès du préstigieux Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2018

CAZORLA-CAZO, en Chine, au Palmarès du préstigieux Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2018

CAZORLA-CAZO, hors de l'espace et du temps, son abstraction générique de tous les paysagismes a étonné en Chine.

CAZORLA-CAZO, hors de l'espace et du temps, son abstraction générique de tous les paysagismes a étonné en Chine.

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CAZORLA-CAZO est un peintre abstrait français. il travaille sur une vision de la planète Terre, au travers des mers, des Océans, des continents. Il interprète par la peinture les paysages comme des vues aériennes abstraites. Ses œuvres interprètent des images, traduisent des sensations. il nous donne ses propres ressentis intérieurs du monde extérieur. Il nous fait rencontrer des volcans, la lave en fusion, comme on ne pourrait jamais la voir de près. La profondeur des mers, comme on ne pourrait jamais y aller, mais que l'on ressent. C'est un amour de la Terre de la Planète que l'on peut lire dans ses peintures. Il donne souvent des titres en langue latine. Sa peinture est une recherche artistique universelle, hors du temps, hors de la peinture classique, c'est une "abstraction universelle".

 

CAZORLA-CAZO is a French abstract painter. he works on a vision of planet Earth, through seas, oceans, continents. He interprets landscapes as abstract aerial views through painting. His works interpret images, translate sensations. he gives us his own inner feelings of the outside world. It makes us meet volcanoes, lava molten, as we could never see it up close. The depth of the seas, as one could never go, but that one feels. It is a love of the Earth of the Planet that can be read in his paintings. He often gives titles in Latin language. His painting is a universal artistic research, out of time, out of classical painting, it is a "universal abstraction".

 

罗杰·卡佐拉,法国抽象派画家,他的画作通过描绘海洋和陆地来呈现全球视野,以抽象的空间视角诠释景象,传递情感。罗杰·卡佐拉以描绘外部世界来展示自己的内心情感,他的画作让我们看到从未如此近距离接触过的火山,感受从未达到过的深海,我们能在画作中感受到他对地球的爱。卡佐拉的作品通常以拉丁文命名,是包罗万象的艺术探索,超越了时空,超越了传统的绘画艺术,更是“包罗万象的抽象派艺术”。

 

 

 

■ William FENECH, peintre figuratif, Expressionnisme du Mouvement Figuratif, de la Fête Nocturne, des Cafés-Concerts et de la Danse de Société. Présentation Chine PEKIN 2018


le peintre William FENECH présenté en Chine à Pékin lors du Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018

le peintre William FENECH présenté en Chine à Pékin lors du Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018

"La Sardane" (Huile sur Toile 50x65 cm) du peintre William FENECH présentée en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018

"Champagne à Gogo" (Huile sur toile 89x116cm 2018) du peintre William FENECH présentée en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018

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"Le Tango" (Huile sur toile lin 100x100cm 2017) du peintre William FENECH présentée en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018

Le style du peintre expressionniste William FENECH  a été présenté dans les salons du NOVOTEL BEIJING PEACE**** en Chine à Pékin par Antoine Antolini délégué des Editions EDMC

Le style du peintre expressionniste William FENECH a été présenté dans les salons du NOVOTEL BEIJING PEACE**** en Chine à Pékin par Antoine Antolini délégué des Editions EDMC

"Le Madison" (Huile sur toile lin 146x114cm 2017) du peintre William FENECH présentée en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018

Le style et la thématique du  peintre William FENECH ont été présentés en Chine à Pékin lors du

Le style et la thématique du peintre William FENECH ont été présentés en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018. " Le Grand Café" Huile sur Toile de Lin (89x116cm) 2017

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Le style et la thématique du  peintre William FENECH présentés en Chine à Pékin lors du

Le style et la thématique du peintre William FENECH présentés en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018.

Le style et la thématique du  peintre William FENECH présentés en Chine à Pékin lors du

Le style et la thématique du peintre William FENECH présentés en Chine à Pékin lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" Mai 2018. "Le Pub des Artistes " Huile sur Toile de Lin (114x146cm) 2018 rend un discret hommage à Toulouse-Lautrec

En Chine à Pékin, le style et la thématique du  peintre William FENECH sont entrés au Palmarès lors du

En Chine à Pékin, le style et la thématique du peintre William FENECH sont entrés au Palmarès lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" de Printemps en Mai 2018.

Le peintre William FENECH reconnu à l'international pour son style et sa thématique lors du Palmarès des

Le peintre William FENECH reconnu à l'international pour son style et sa thématique lors du Palmarès des "Styles et Tendances dans l'Art International" de Printemps en Mai 2018 en Chine à Pékin,

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William FENECH, est un peintre français figuratif. Son travail artistique se situe dans le prolongement de la tradition française de la danse et de la fête. Il peint les cabarets dansants, les pianos-bars, les cafés-concerts, les chanteuses de cabaret,. Il peint les gens qui s'amusent et dansent la nuit, en buvant du champagne. Il se situe dans la tradition des bals populaires de Renoir ou Toulouse Lautrec, qui peignaient les bals au « Moulin Rouge », ou au  « Moulin de la Galette » à Paris ainsique les fêtes dans les grands cabarets parisiens. La vie et la fête la nuit sont importantes dans la tradition de la société française et de Paris. Le spectacle, la chanson, les orchestres dans les cabarets, jouent du jazz, mais aussi jouent des danses de société comme le tango. C'est cet univers de la nuit et de la fête que peint avec talent William FENECH.

 

William FENECH, is a figurative French painter. His artistic work is an extension of the French tradition of dance and festivity. He paints dance cabarets, piano bars, café-concerts, cabaret singers. He paints people who have fun and dance at night, drinking champagne. In the modernity of our time, with a personnal contemporary style, the paintings of William FENECH are in the tradition of the popular dances and social dances of Renoir or Toulouse Lautrec, who painted the dance at the "Moulin Rouge", or the "Moulin de la Galette" in Paris and the feasts in the big Parisian cabarets. Life and feast at night are important in the tradition of French society and in Paris. The show, the song, the orchestras in the cabarets, play jazz, but also play social dances like tango. It is this world of the night and the feast that paints with talent William FENECH.

 

威廉·费内奇,法国形象艺术画家,他的艺术创作主题以法国传统的舞会和派对为主。绘画对象为夜总会、钢琴酒吧、音乐咖啡馆等场所,同时勾画出这些场所里的人,他们唱歌、跳舞、喝香槟,自娱自乐到午夜。威廉还研究了雷诺阿和图卢兹·罗特列克这两位画家,以及他们的法国传统大众舞会作品,这两位画家曾大量描绘了红磨坊或煎饼磨坊举办的舞会以及巴黎其他地方的夜总会。总之,派对生活在巴黎乃至整个法国的传统社会里是占据重要地位的,人们在那里表演和唱歌,演奏爵士乐,跳探戈之类的社交舞。威廉·费内奇创作了大量的刻画午夜舞会的画作。

 

 

 

 

■Frédéric STEINLAENDER, peintre, maître pastelliste figuratif, style pastels académiques "Oiseaux". Paysages en formulations poétiques et impressionnistes aux pastels. Présentation Chine PEKIN 2018


Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Frédéric STEINLAENDER artiste pastelliste sélectionné pour Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Frédéric STEINLAENDER artiste pastelliste sélectionné pour Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

"Martin pêcheur"_(42x54cm Pastel) oeuvre de Frédéric STEINLAENDER

"Mésange-Geai" (60x53cm)_Pastel, oeuvre de Frédéric STEINLAENDER

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vue du public

vue du public

Présentation en Chine des oeuvres et du Style du Maître Pastelliste Frédéric STEINLAENDER, à PEKIN. Un succès mérité face au public et au jury franco-chinois qui ont reconnu ce talent figuratif qui a compris comment intégrer la poésie dans l'oeuvre d'art.

Présentation en Chine des oeuvres et du Style du Maître Pastelliste Frédéric STEINLAENDER, à PEKIN. Un succès mérité face au public et au jury franco-chinois qui ont reconnu ce talent figuratif qui a compris comment intégrer la poésie dans l'oeuvre d'art.

Frédéric STEINLAENDER. Présentation du style paysager de l'artiste à PEKIN

Frédéric STEINLAENDER. Présentation du style paysager de l'artiste à PEKIN "Plan d'eau Reichshoffen II" (90x30cm) Pastel sur bois

Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste

Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste "Schwarzbach" (Pastel, 40x60cm) Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

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Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste

Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste "Mésanges" (73x58cm) Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste  Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Frédéric STEINLAENDER, artiste pastelliste Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Le Maître Pastelliste Frédéric STEINLAENDER, lauréat à PEKIN du

Le Maître Pastelliste Frédéric STEINLAENDER, lauréat à PEKIN du "Styles et Tendances dans l'Art International" Printemps 2018. Après l'Europe où sont talent a été remarqué par les Editions EDMC, c'est à présent en Chine qu'il est reconnu.

L'oeuvre du Maître Pastelliste français Frédéric STEINLAENDER hautement primée à PEKIN lors du Styles et Tendances dans l'Art International de Printemps qui a eu lieu en CHINE en Mai 2018

L'oeuvre du Maître Pastelliste français Frédéric STEINLAENDER hautement primée à PEKIN lors du Styles et Tendances dans l'Art International de Printemps qui a eu lieu en CHINE en Mai 2018

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Frédéric STEINLAENDER est un peintre "pastelliste" français. Les pastels sont des bâtonnets de pigments de diverses couleurs. Les pastels permettent de réaliser des œuvres d'une extrême délicatesse avec des nuances très variées et subtiles. Frédéric Steinlaender est un maître français des pastels. Il crée des œuvres d'art d'une grande beauté, aussi bien dans un style académique, très fidèle à la réalité. Des oiseaux magnifiques qui semblent plein de vie. Il a parfois une sensibilité impressionniste, surtout dans ses œuvres de paysages. Il aime la nature, ses pastels créent l'expression de son langage intérieur. C'est un artiste qui fait passer beaucoup de poésie et de vérité dans ses tableaux. Il sait jouer avec la lumière dans ses paysages, d'une manière incomparable.

 

Frédéric STEINLAENDER is a French "pastellist" painter. Pastels are rods of pigments of various colors. Pastels are used to create works of extreme delicacy with very varied and subtle nuances. Frédéric Steinlaender is a French master of pastels. He creates works of art of great beauty, both in an academic style, very faithful to reality. Beautiful birds that seem full of life. He sometimes has an impressionistic sensibility, especially in his landscape works. He loves nature, his pastels create the expression of his inner language. He is an artist who puts a lot of poetry and truth in his paintings. He knows how to play with the light in his landscapes, in an incomparable way.

 

弗雷德里克•斯坦兰德,法国色粉画家,色粉笔为颜色各异的彩色粉笔,能令画作呈现柔和的色彩,以及丰富且微妙的颜色变化。弗雷德里克•斯坦兰德作为一名色粉画大师,创作了多幅艺术佳作,他也具有学院派风格,忠于写实,笔下的鸟栩栩如生。偶尔,他又具有印象派画家的敏锐,这点尤其体现在他的风景画中,他热爱大自然,色粉笔正是他内心语言的媒介。这位艺术家将诗歌和真实融入他的画作,以一种无与伦比的方式变幻着景物中的光影。

 

 

 

 

 

 

■ CHEN Xingzhou, peintre contemporain chinois. Démarche artistique, stylistique de la Couleur Rose. Présentation Chine PEKIN 2018


Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

L'artiste CHEN Xingzhou sélectionné au Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE a expliqué sa démarche esthétique autour de la couleur rose

L'artiste CHEN Xingzhou sélectionné au Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE a expliqué sa démarche esthétique autour de la couleur rose

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

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Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

L'artiste CHEN Xingzhou, félicité par le président du Jury Franco-Chinois Antoine Antolini à Pékin, lors du Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

L'artiste CHEN Xingzhou, félicité par le président du Jury Franco-Chinois Antoine Antolini à Pékin, lors du Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

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Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

Presse Chinoise. Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

Presse Chinoise. Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018

Vue du public. Actualité des.Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Vue du public. Actualité des.Styles et Tendances dans l'Art International Printemps 2018 - à PEKIN en CHINE

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

Oeuvre de l'artiste CHEN Xingzhou

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■ Fang MIN, peintre contemporain chinois, style académique. Personnages et Portraits. Présentation Chine PEKIN 2018


"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 le peintre chinois Fang MIN interviewé par Antoine Antolini EDMC avec le concours de l'Université de l'Hebei pour l'interprétariat

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 le peintre chinois Fang MIN interviewé par Antoine Antolini EDMC avec le concours de l'Université de l'Hebei pour l'interprétariat

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 - une vue de l'assistance

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Peinture de Fang MIN

Peinture de Fang MIN "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018

Peinture de Fang MIN

Peinture de Fang MIN "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018

Fang MIN lauréat européen lors des Rencontres

Fang MIN lauréat européen lors des Rencontres "Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 Il a obtenu la Médaille d'honneur européenne attribuée par le Jury Franco-Chinois.

Fang MIN lauréat européen lors des Rencontres

Fang MIN lauréat européen lors des Rencontres "Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 Le lauréat du Palmarès a obtenu la Médaille d'honneur européenne remise à PEKIN par Antoine Antolini président du Jury Franco-Chinois.

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■ Qiao MIN, peintre contemporaine chinoise figurative, style de sensibilité impressionniste. Présentation Chine PEKIN 2018


Rencontres Artistiques

Rencontres Artistiques "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS 2018 PEKIN Chine

Rencontres Artistiques

Rencontres Artistiques "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS 2018 PEKIN Chine

La peintre Qiao MIN interviewée par Antoine Antolini en collaboration avec l'Université de l'Hebei pour l'interprétation sur place lors

La peintre Qiao MIN interviewée par Antoine Antolini en collaboration avec l'Université de l'Hebei pour l'interprétation sur place lors "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS 2018 PEKIN Chine

La peintre Qiao MIN présentant son style pictural lors du

La peintre Qiao MIN présentant son style pictural lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN Chine 2018 devant l'assistance et le Jury Franco-Chinois.

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Oeuvres figuratives de paysages aux sensibilités impressionnistes présentées par Qiao MIN lors du

Oeuvres figuratives de paysages aux sensibilités impressionnistes présentées par Qiao MIN lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS - PEKIN Chine 2018

la peintre Qiao MIN durant sa présentation et Antoine Antolini lors du

la peintre Qiao MIN durant sa présentation et Antoine Antolini lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS - PEKIN Chine 2018

"Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS - PEKIN Chine 2018

La peintre Qiao MIN obtient la Médaille d'Honneur - Peinture de Paysages - lors du

La peintre Qiao MIN obtient la Médaille d'Honneur - Peinture de Paysages - lors du "Styles et Tendances dans l'Art International" PRINTEMPS - PEKIN Chine 2018

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■ Gérard SUISSIA, peintre abstrait. Paysagisme abstrait urbain, stylistique de " l'Ecriture-Abstraction" en Nouvelle Esthétique Paysagiste Abstraite.(Série "Les Capitales"). Présentation CHINE Pékin 2018


Gérard SUISSIA peintre sélectionné Styles et Tendances dans l'Art International Printemps PEKIN Mai 2018

Gérard SUISSIA peintre sélectionné Styles et Tendances dans l'Art International Printemps PEKIN Mai 2018

Gérard SUISSIA peintre abstrait sélectionné Styles et Tendances dans l'Art International Printemps PEKIN Mai 2018

Gérard SUISSIA peintre abstrait sélectionné Styles et Tendances dans l'Art International Printemps PEKIN Mai 2018

"75008 " Huile sur toile 100x100cm. Série "Capitales" PARIS de Gérard SUISSIA (gros-plan sur l'oeuvre)

"BRUXELLES" Huile sur toile 100x100cm. Série "Capitales" de Gérard SUISSIA

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"LONDRES" Huile sur toile 100x100cm. Série "Capitales" de Gérard SUISSIA (gros-plan sur l'oeuvre)

Vue du public - Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Vue du public - Styles et Tendances dans l'Art International Mai 2018 Salons NOVOTEL BEIJING PEACE * * * * PEKIN

Style de Gérard SUISSIA ici la toile

Style de Gérard SUISSIA ici la toile "MADRID" lors du Styles et Tendances dans l'Art International 2018 présentation Antoine Antolini Salons NOVOTEL BEIJING PEACE ****

Style de Gérard SUISSIA gros-plan sur l'oeuvre

Style de Gérard SUISSIA gros-plan sur l'oeuvre "WASHINGTON" Huile sur toile 100x100cm. Série "Capitales"

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Le peintre abstrait Gérard SUISSIA a créé une nouvelle forme de paysagisme abstrait. Sa démarche esthétique a été sélectionnée pour être présenté en Chine

Le peintre abstrait Gérard SUISSIA a créé une nouvelle forme de paysagisme abstrait. Sa démarche esthétique a été sélectionnée pour être présenté en Chine

Style de Gérard SUISSIA

Style de Gérard SUISSIA "ROME" Huile sur toile 100x100cm. Série "Capitales"

Forme nouvelle de paysagisme abstrait urbain, le style de Gérard SUISSIA, écriture et esthétique en un tout abstrait, honoré lors du Styles et Tendances dans l'Art International 2018 à PEKIN en Chine

Forme nouvelle de paysagisme abstrait urbain, le style de Gérard SUISSIA, écriture et esthétique en un tout abstrait, honoré lors du Styles et Tendances dans l'Art International 2018 à PEKIN en Chine

Le peintre Gérard SUISSIA, déjà bien connu en Chine au travers de nombreuses présentations de son travail a vu son style récompensé pour le progrès esthétique qu'il apporte dans l'art contemporain international.

Le peintre Gérard SUISSIA, déjà bien connu en Chine au travers de nombreuses présentations de son travail a vu son style récompensé pour le progrès esthétique qu'il apporte dans l'art contemporain international.

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Gérard SUISSIA est un peintre abstrait qui crée une forme nouvelle du paysage. Il utilise l'écriture dans ses tableaux pour créer une géographie abstraite de la ville. Sa peinture est très contemporaine et novatrice. Il peint actuellement une série de tableaux sur « les capitales » dans le monde : PARIS, BRUXELLES, MADRID, LONDRES, ROME, WASHINGTON. En 2015 , il a présenté dans son style un tableau représentant PEKIN et avait obtenu un trophée. Il considère que l'écriture est abstraite. En écrivant des noms de rues sur ses tableaux, c'est pour lui une façon de faire de l'art abstrait. Il est très apprécié des grands connaisseurs de l'art, car il fait progresser l'art contemporain.

 

Gérard SUISSIA is an abstract painter who creates a new form of landscape. He uses writing in his paintings to create an abstract geography of the city. His painting is very contemporary and innovative. He is currently painting a series of paintings on "capitals" in the world: PARIS, BRUSSELS, MADRID, LONDON, ROME, WASHINGTON. In 2015, he presented in his style a painting representing PEKIN and had obtained a trophy. He considers that writing is abstract. By writing street names on his paintings, it is for him a way to make abstract art. He is very appreciated by the great connoisseurs of art because he advances contemporary art.

 

 

杰拉德•叙斯亚,抽象派画家,他创建了新型的风景画形式。他在画作中使用文字来呈现抽象的城市景观。他的画很现代化,并且极具创造力。目前,他创作了一系列关于世界各国首都的作品:巴黎、布鲁塞尔、马德里、伦敦、罗马和华盛顿。2015年,他完成了一幅极具其个人特点,展现北京风貌的画,该画作还获得了奖项。他认为,文字是抽象的,把街道的名字写在画上就是一种实现抽象艺术的方式。杰拉德对当代艺术进行了新的诠释,他本人也因此获得许多艺术鉴赏家的赞誉。

 

 

 

 

■ EDMC


 

EDMC Président du Jury Euro-Chinois Antoine ANTOLINI, Comité Jury Chinois Jade BAO, Déléguée Médias Chine, Jury Français Annie d'HERPIN, Peintre aquarelliste, Chercheuse en Art Contemporain (France)

 


Pékin Printemps Styles et Tendances Art Contemporain 2018


■ Reportage Synthèse en image


■ ACTUALITE des STYLES & TENDANCES L'ART INTERNATIONAL


Art contemporain


DOCUMENTAIRES

DOCUMENTAIRES "ARCHIVES DES

ARTS CONTEMPORAINS

ARTS CONTEMPORAINS" (c) EDMC

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VIDEO PALMARES NATIONAL DES STYLES ARTISTIQUES 2017

VIDEO PALMARES NATIONAL DES STYLES ARTISTIQUES 2017

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"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART CONTEMPORAIN 2017"


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* * * * * * ACTUELLEMENT EN COURS A LA REDACTION REPORTAGES TEXTES SUR LES ARTISTES DU PALMARES 2017, en diffusion  prochainement sur www.artisticmuseography.com * * * * * *

 

 

PALMARES NATIONAL DES STYLES ARTISTIQUES 2017 - ARTISTES D'HONNEUR ANNEE 2017 -


■ GRANDS PRIX 2017. GRANDS TROPHEES DES STYLES


■ Dany WATTIER, peintre. GRAND PRIX 2017, Grand Trophée du Style 2017


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■ WATTIER Dany, peintre, continuation, développement, évolution de l'impressionnisme français.


Le peintre Dany WATTIER développe un nouvel impressionnisme en premier lieu parce que c'est son ressenti et son style de peinture, mais aussi l'artiste a conscience de défendre un patrimoine pictural national exceptionnel, il a cette belle fierté de notre passé impressionniste. Ses oeuvres reflettent également sa volonté de ne point laisser se déperdre tout ce magnifique actif culturel qui est aussi pour lui le fleuron de notre culture picturale européenne à préserver. Avec l'absolue maîtrise de tous les paramètres techniques et esthétiques qui ont bâti l'impressionnisme des MONET, MANET ou PISSARO, Dany WATTIER apparaît comme un continuateur chevronné de l'impressionnisme français. Une mouvance qu'il connaît bien jusque dans les frontières plus larges qu'en tracèrent les VAN GOGH, GAUGUIN ou bien encore CEZANNE,  mais WATTIER quant à lui aujourd'hui veut imprimer sa propre marque sur cette tendance picturale qui a traversé le temps jusqu'à nous. Il procède donc par une relation intimiste au sujet, paysages, personnages et portraits, autres représentations figuratives, tout en tenant compte de la force de l'environnement, des interférences "sensibles" qui peuvent se glisser entre l'existant visuel et l'interprétation que lui-même pourra en faire sur la toile, en provenance de son intériorité profonde. Cela consiste pour lui a traduire une perception qui intègre un figuratif objectif, mais qui additionne à celui-ci des sensibilités intérieures et extérieures, son émotion, le réel qui va se mettre à vibrer sous les couleurs, le trait, les touches. Une peinture aboutie, un impressionnisme revisité et rénové avec une maestria peu commune. Dès lors le spectateur, l'amateur d'art, français ou étranger, se retrouvera en miroir de l'évolution naturelle d'un des plus grands mouvements mondiaux de la peinture : l'impressionnisme, mais encore, avec cet artiste, face à l'impressionnisme dans le XXI ème siècle. Dany WATTIER a su au fil des années mûrir chacune de ses touches pour apporter un peu plus d'authenticité. Son parcours de l'académisme à l’impressionnisme moderne est un itinéraire sans faute, qui place Dany WATTIER aujourd'hui, comme une véritable valeur refuge pour tous ceux qui ont compris l'impressionnisme français, dans et hors de l'Hexagone, pour en faire leur référence d'excellence. ( Je pense ici en premier lieu au Louvre bien sûr, mais aussi Outre-Atlantique notamment à nos amis américains et à leur passion pour l'impressionnisme français qu'ils honorent si bien au Metropolitan Museum of Art à New-York ) et qui recherchent aujourd'hui le vrai talent, la souche originelle encore vivante dans cette mouvance. Oui le peintre Dany WATTIER dans cette tendance est bien le nouveau fer de lance de l'évolution impressionniste actuelle. Les Editions des musées et de la culture et le Comité du Jury 2017 ont voulu marquer leur estime et leur soutien à ce grand artiste, à son regard et à son pinceau aujourd'hui dans notre siècle, en lui attribuant le Grand Prix, Grand Trophée du Style, à l'issue de la compétition artistique du Palmarès national des Styles 2017, qui s'est tenue sur la Côte-d'Azur, à Hyères-les-Palmiers le 09 décembre 2017. (c) Editions EDMC. Décembre 2017.

 

 


■ Roger CAZORLA "CAZO", peintre. GRAND PRIX 2017, Grand Trophée du Style 2017


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■  CAZORLA "CAZO" Roger, peintre, abstraction (Art Tellurique), recherches matiéristes. 

 

 

La compétition artistique du Palmarès national des Styles qui s'est tenue sur la Côte-d'Azur, à Hyères-les-Palmiers le 09 décembre 2017, a accueilli la présence remarquée du peintre abstrait Roger CAZORLA, CAZO, (voir reportage image ci-dessus). Celui-ci a présenté ses oeuvres et son style avec une grande clarté explicative. Ses tableaux ont eu un impact considérable, ( comme en témoignent les résultats du Palmarès ), par leur rayonnement esthétique, présentés en vidéoprojection sur grand écran, dans les Salons de l'Hôtel Mercure****. Le peintre a su parler de son oeuvre, mettant en relief les principaux aspects de son style. Des peintures qui ont retenu non seulement l'attention de l'auditoire, qui a abondamment applaudi l'artiste, mais aussi du Comité du Jury, qui en a retenu toute la portée dans le progrès de l'art actuel. Le peintre Roger CAZORLA, CAZO, a présenté les composantes de sa démarche artistique et de son style au travers de "Minéralis 1", huile et matières sur toiles (100x100cm), "Fusion", huile et matières sur toiles (100x100cm), "Chocolat", huile et matières sur toiles (100x100cm). Un style abstrait très abouti, jouant d' effets tridimensionnels par des épaisseurs et reliefs matiéristes, posés en interprétations abstraites sur ses toiles. Au travers de ces toiles, c'est l'ensemble du style et de l'oeuvre qui a été expliqué. Le style du peintre apporte une architecture plasticienne en inclusions matiéristes de plusieurs centimètres d'épaisseur sur ses toiles, en osmose de l'expression abstraite. Lors de ce Palmarès national 2017, à Hyères-les-Palmiers, l'approche picturale théorique et le style, ont été bien compris par le Comité du Jury, qui d'ailleurs a hautement honoré l'artiste. CAZO redeploie l'abstraction dans son vrai territoire de formes et de couleurs, le peintre dégage par ses visions la matérialité de ses contraintes, pour entraîner ainsi le spectateur dans une interprétation qui dépasse les déja-vus, vers de nouveaux ressentis hors du temps, passé ou présent, dans une toute nouvelle approche spatiale de l'existant. Initiateur d'un Art Tellurique, maitre d'une nouvelle esthétique, le peintre Roger CAZORLA, CAZO, dans son oeuvre d'ensemble est arrivé à concrétiser le paradoxe de la trace physique et du sens abstrait. CAZO dénoue dans ses expressions peintes, les liens qui figent et fixent le minéral terrestre, pour le hisser dans une relation pluridimensionnelle de visions et sensations cosmiques. Cet artiste bouleverse les références de l'abstraction avec sa façon de "dé-matérialisation" du terrestre, pour la basculer dans son expression sur ses toiles en transcendences vers l'absolu. Plus loin encore, que nos paysagismes "abstractisés". Nous avons mieux compris à Hyères-les-Palmiers, comment le peintre CAZORLA, CAZO , ce maître contemporain de l'art abstrait a réussi par sa démarche esthétique, affinée depuis de nombreuses années, à atteindre et nous donner aujourd'hui sur ses toiles une image, théorique et physique, de ce que peut être l'universel dans l'art. (dont "Minéralis 1"). Une oeuvre d'ensemble qui mérite d'être encore plus connue. Comme le dit Roger CAZORLA, CAZO, il réalise ses toiles "...en lien avec des ressentis et visions intérieures, en lien avec l'imaginaire et l'attrait de l'espace, des profondeurs inconnues..." Le Comité du Jury a voulu marquer son appréciation le plus forte face à la présentation de ce style. Le peintre CAZO sur l'espace scénique, face à l'auditoire et au  Comité du Jury, nous a fait vivre lors de ce Palmarès des moments intenses d'authenticité et montré les nouveaux champs esthétiques qu'il a su concquérir. Roger CAZORLA, CAZO, a décroché avec aisance, le Grand Prix 2017, Grand Trophée du Style 2017, dans ce Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure****  de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Reportage (c) Editions EDMC Janv. 2018

 

 

 

■ William FENECH, peintre. GRAND PRIX 2017, Grand Trophée du Style 2017


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■ FENECH William, peintre, expressionnisme du mouvement.


 

Le peintre William FENECH propose une peinture hors des sentiers battus de l'art contemporain. Son expression révèle aujourd'hui un nouveau style et marque un progrès profond dans le figuratif. De nombreuses années de recherche picturales ont permis à cet artiste d'arriver à créer dans ses toiles des atmosphères plurielles incomparables. Lors du Palmarès national des Styles artistiques 2017, qui s'est tenu à Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur, le Comité du Jury a hautement apprécié le travail de cet artiste dans le cadre de la compétition stylistique organisée par les Editions des musées et de la culture (Les Editions EDMC). Lauréat du Palmarès, William FENECH s'est vu attribuer le Grand Prix, Grand Trophée du Style 2017. Le peintre William FENECH, comme cela a été souligné au moment de la présentation de ses peintures, met en relief une recherche d'ambiance humaine, une atmosphère réaliste, le climat sociétal d'un lieu, grâce aux détails de vie, aux regards, aux objets, et surtout aux attitudes de chaque personnage en action. L'auditoire tout comme le Jury ont pu apprécier cela dans "Le Bar à Champagne" Huile sur toile 116x89cm ou "Le Clapotis" Huile sur toile 116x89cm. "Culture Catalane-La Cobla" Huile sur toile 100x81cm. Rythme et dynamisme dans cette œuvre, ayant déjà par ailleurs obtenu un statut philatélique en illustration de timbre de collection. William FENECH séduit par son aptitude à produire une scénographie dynamique, par une intelligence innée dans la répartition des personnages, agrandissant par là, l'espace même de la toile (cf plus haut reportage images). Il en ressort une force de vie, de mouvement et de gaîté, qui conduisent à considérer non plus le tableau comme un ensemble unique, mais à se plonger dans plusieurs moments, plusieurs attitudes de vie, agencés avec bonheur sur la toile. On apprécie une convergence harmonieuse vers l'équilibre d'un tout animé. "L'Orchestre Philharmonique" Huile sur toile 100x100cm, donne toujours plus le reflet de la vie et l'idée du vivant, ici en un contexte ordonné et sobrement coloré dans une palette contrastée en valeurs tonales. Les regards, les yeux, les mains, les visages des musiciens, créent un lien fascinant avec le spectateur. Comme cela a pu être remarqué lors du Palmarès national des Styles 2017, le mouvement reste le liant dans chacune des œuvres. Le mouvement dans l'élaboration du sujet est devenu ainsi une véritable grammaire picturale chez ce Maître de grande classe. Il signe son expressionnisme au graphisme puissant, en intégrant vie et mouvement en une véritable symbiose esthétique, comme une anthologie du réel, un principe originel indissociable de l'existant. Une nouvelle donnée à prendre désormais en considération dans l'art contemporain, avec William FENECH , c'est celle de l'expressionnisme en mouvement, l'expressionnisme du mouvement. Le Comité du Jury du Palmarès national des Styles à pour sa part retenu au plan national cette esthétique picturale du peintre William FENECH, en lui attribuant le Grand Prix 2017 Grand Trophée du Style 2017. (c) Editions EDMC Janvier 2018.

 

 

 

■ Alain CADENEL, peintre. GRAND PRIX 2017, Grand Trophée du Style 2017


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■  CADENEL Alain, peintre, abstraction intuitive, résine et pigments.


 

Le Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers , le 09 décembre 2017, nous a permis d'apprécier le style d'Alain CADENEL et de mieux comprendre sa démarche, qu'il a expliqué devant le Comité du Jury. Le peintre a pu répondre également à la curiosité de l'auditoire, qui n'a pas manqué de lui poser des questions auxquelles il a très aimablement répondu. Le peintre Alain CADENEL, a mis au service de l'art contemporain et plus particulièrement de l'art abstrait, une formulation technique, notamment à partir de résines et de pigments, dont il a le secret. Ses techniques artistiques, lui permettent de réaliser des œuvres d'une incomparable force esthétique. Son style intuitif, est déconditionné de la matérialité. Ceci lui permet d'investiguer par l'abstraction des territoires picturaux autres. Il évolue dans un monde abstrait original, où s'entrecroisent sa sensibilité artistique et sa spiritualité. Lors du Palmarès national des Styles, l'artiste a présenté avec talent son œuvre "Archange MICHAËL", une réalisation à la résine teintée sur bois 80x80cm. Les projections du tableau en grand écran par vidéo HD, ont bien mis en évidence un ensemble de nuances de bleus, associant des teintes diaphanes exceptionnelles, à une grammaire picturale très subtile. Les peintures de l'artiste Alain CADENEL, reflètent une intuition spontanée, la révélation d'une inspiration immatérielle, qui puise sa source aux frontières du monde sensible. L'oeuvre "Archange RAPHAËL", (une autre résine teintée sur bois 80x80cm), procède de la même démarche. Cette œuvre est construite dans des tonalités différentes autour de verts, obtenus par le talent de l'artiste, tout en valeurs fugaces et translucides. Des tableaux et un style qui soulèvent un questionnement. Une émotion authentique du spectateur, mais également le peintre lui-même, s'interroge sur cette sensation de créer des œuvres qui le dépassent, semblent surgir inattendues sur la toile, comme appartenant à une autre dimension hors de l'espace du temps. Alain CADENEL, a séduit dans cette logique, d'une part, par sa personnalité artistique , sa recherche avant-gardiste tant au niveau théorique que de l'expression abstraite elle-même, mais aussi d'autre part, du fait de tous les aspects techniques très élaborés quant au maniement de résines et pigments. Le Comité du Jury a hautement apprécié ce style puissant. Une peinture qui est le résultat d'un paradoxe d'un travail très réussi dans la mise au point pratique et méticuleuse de nouveaux médiums, pour permettre ensuite de libérer un envol esthétique tout à fait spontané vers de nouveaux horizons inconnus dans l'art abstrait. Très remarqué au Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers le 09 décembre 2017 l'artiste Alain CADENEL à obtenu à l'unanimité du Comité du Jury, sous une salve d'applaudissements , le Grand Prix 2017, Grand Trophée du Style 2017. Reportage sur place (c) Editions EDMC Janv. 2018  


 

 

■ THEVENOT Michel "PICH", peintre. GRAND PRIX 2017, Grand Trophée du Style 2017


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■ THEVENOT Michel, PICH, peintre, art maritime, peinture de marines.

 

Le peintre Michel THEVENOT, PICH, spécialiste de marines, a su mettre en compétition au Palmarès national des Styles 2017, qui s'est tenu à Hyères-les-Palmiers, des œuvres qui témoignent de toute l'importance de la peinture de marines dans l'art contemporain d'aujourd'hui. Installé sur l’Île de Ré, au cœur des motifs marins, une chance pour l'art, PICH nous raconte la mer en pictural, inlassablement, capturant les atmosphères fugaces et capricieuses de cet élément originel de la vie, comme une sentinelle sensorielle unique, de l'Océan, des mers et des vents. Depuis son premier rang géographiquement avancé sur la mer, PICH a su conquérir peu à peu, par son art et son discernement, un tout premier rang dans ce domaine mythique des peintures de marines. Grand Prix, Grand Trophée du Style, au Palmarès national des Styles artistiques en 2017. Le Comité du Jury à été séduit par l'intelligence de l'approche du maritime, réalisée par cet artiste, dont le talent couvre toute une sémantique de l'espace marin traduite dans l'artistique. Ainsi pour exemples, son œuvre « Régates en Solitaire » nous montre la dimension marine sportive et de compétition, avec toutes les qualités humaines de force et de courage que PICH met bien en relief dans ces courses, sous le vent. Cette huile sur toile (116x89cm), présente, de plus, une logique tactique de la course pour sa saisie des vents et traite avec une esthétique colorée et plaisante tout l'aspect attractif de ces voiles dont il fait apparaître la géométrie de leurs signes colorés. A nouveau, on remarque la pertinence du pinceau de l'artiste sur le volet artistique de l'économie maritime. Ici avec un « Thonier dundee à la Pêche au Thon blanc », huile sur toile (81x60cm) avec lequel il évoque parfaitement le rôle majeur de la marine de pêche, son aspect imposant. Par son thonier, PICH a su faire une démonstration magistrale de déploiement d'architecture d'un sujet marin sur une toile. PICH réussit aussi bien dans l'expression peinte du sens que dans celle du signe. Un thonier, devenu prétexte pour l'artiste à traiter une marine dans l'excellence absolue. On y voit une configuration la plus juste de superpositions, l'aspect construit du sujet et son objectif dynamique et fonctionnel. « Thonier dundee à la Pêche au Thon blanc » restera dans les mémoires. Il marque l'esthétique de l'art en un style d'une immense force évocatrice en milieu marin, illustrant un segment essentiel , celui des ressources des mers. Son choix d'aménagement des formes et de répartition des graphismes, l'angle de vue subtil du navire sur la toile, font de PICH un véritable maître de la peinture marine, dans une nouvelle acception moderne, polyvalente et culturelle. L'expression plasticienne de ce peintre modélise une sensibilité marine très complète dans le domaine complexe du pictural. PICH avec « Le Bélem et l'Asgard II dans le Pertuis d'Antioche » huile sur toile (116x81cm), vient nous confirmer ici l'ampleur de son talent, son amour des navires et des mers, sa créativité imaginative. En effet, PICH ému par l'avarie survenue à l'Asgard II,  entraînant le navire par le fond; le peintre dès lors, à voulu reconstituer sur la toile, le parcours qui se serait produit normalement, s'il n'y avait pas eu la perte de l'Asgard II. On aurait ainsi vu à un moment le Bélem faire route avec l'Asgard II. Les marins, en particulier, connaissent bien cet épisode qui fait partie de l'histoire contemporaine de la marine. Ces magnifiques et majestueux bâtiments surgissent sur la toile comme sortis d'un rêve, sous les pinceaux de PICH, ils conjurent la destinée de l'Asgard II. Une œuvre qui libère la conscience collective maritime en posant, grâce à l'art, la beauté de ce qui aurait pu être. PICH a eu ainsi l'idée inouïe de fixer, figer, sur la toile cette réalité qui nous a échappé. Un tableau emblématique. On comprend dès lors que le Jury ait voulu couronner ce grand artiste, non seulement pour son talent, mais aussi pour sa démarche esthétique si largement ouverte à la vie maritime, aussi bien sportive, qu'économique, ou historique. Un sens du peindre, authentique et direct, qui fait de chacun des tableaux de PICH un véritable acte sociétal. L’île de Ré a produit ainsi avec PICH, un peintre de marines exceptionnel dans l’Hexagone. Lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, Michel THEVENOT, PICH, a obtenu, à l'unanimité du Comité du Jury, le Grand Prix 2017, Grand Trophée du Style 2017. Reportage sur place (c) Editions EDMC Janv. 2018 

 

 

 

 

■ TROPHEES DES STYLES 2017:


■ Régine BAZIN , peintre numérique. TROPHEE DU STYLE 2017


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■ BAZIN Régine, peintre numérique, nouvelle composition du visuel.

 

 

A l'occasion du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers le 09 décembre 2017 , la présentation des œuvres de Régine Bazin a suscité le plus grand intérêt auprès du Comité du Jury, tout comme de l'auditoire. Les œuvres de l'artiste numérique ont été présentées en videoprojection HD sur grand écran, notamment, "Fantasmagorie", dans laquelle Régine Bazin apporte une vision nouvelle et différente de la nature, en coexistence avec l'abstraction. C'est une œuvre particulièrement novatrice dans la mesure où la représentation qui est faite de la nature elle-même, procède d'un jeu visuel, à partir d'une partie d'arbre enfouie sous l'eau, au bord d'une rivière, photographiée dans son plus entier mystère anectotique, dans une authenticité plasticienne ...."Une osmose entre l'artiste et la magie de la Nature"... selon Régine BAZIN. C'est donc ici une recherche intrinsèque à la représentation de la nature. Cette branche brisée, immergée, étrange, est à quelques mètres au pied d'un arbre centenaire. Une approche qui va produire une puissante allégorie polysémique, dont il appartiendra à chacun d'en trouver ou ressentir le sens. On comprendra d'autant mieux les oeuvres présentées dans ce Styles et Tendances, à Hyères-les-Palmiers, lorsque l'on saura que l'artiste - comme cela a été précisé lors de ce Palmarès national des Styles - est dans une logique de défense de la nature, pour la protection de la planète et de l'environnement. La peintre numérique Régine Bazin, s'attache tout autant à la protection de la faune sauvage tout comme à la défense des animaux. En continuité signifiante, c'est avec "L'esprit du Loup", que Régine Bazin exprime une image porteuse d'une sémantique ouverte, de sens pluriels, qui correspondent bien à sa démarche esthétique et théorique large, globale. Pour l'artiste, le loup, qui vit en osmose avec la nature, reste toujours sensible aux liens avec son environnement y compris cosmiques, conserve des intuitions perdues par l'homme, une extrême proximité de la nature, l'instinct. Le loup manifeste une omniprésence très ancienne, dans l'inconscient collectif, la représentation mythologique. "L'Esprit du Loup" pour l'artiste, est bien un esprit en lien étroit avec la nature sauvage. L'abstraction que Régine BAZIN crée autour du sujet donne une ampleur cosmique, méta-physique à la réalité qu'elle traite. L'oeuvre "Brave Animal" pose le questionnement de la vie de l'animal dans notre société, du jeu de l'homme avec l'animal et le manque d' harmonie dans certains cas entre l'homme et l'animal. L'artiste précise ..."c'est une oeuvre inondée d'énergie et de soleil, ce sont là des animaux qui vivent dehors"... On peut remarquer la volonté de porter un autre regard face à l'animal domestiqué, qui n'a rien de méchant, ni d'agressif par essence. Le Palmarès national à accueilli "Pensées Animales". C'est une oeuvre numérique qui pourrait devenir emblématique et anthologique d'une nouvelle prise en considération des animaux. Pour Régine BAZIN ..."ils peuplent la Nature, il y a une ambiance qu'ils génèrent"... Fidèles amis des hommes, qui ont participé efficacement à leur progrès et évolution. Ces deux beaux équidés ont été entourés par Régine BAZIN, de leurs pensées, matérialisées par une composition abstraite, en complémentarité de la photographie initiale figurative retravaillée en numérique. Ce titre : "Pensées Animales", est à lui seul un acte d'art poético-philosophique, une oeuvre dans l'oeuvre. Une peinture numérique qui marque toute la vérité de la recherche de cette artiste numérique, hors du commun. Le Comité du Jury à compris la portée socio-culturelle de cette oeuvre, de ce travail présenté au Palmarès national des Styles 2017. Régine BAZIN à trouvé une voie, après tant d'années de recherche et d'oeuvres de talent, afin d' arriver à concrétiser la conjonction du figuratif et de l'abstrait, par l'art numérique, le moyen de fixer l'irréel. Régine BAZIN aujourd'hui, est une des rares artistes en Europe qui, par le numérique – art du XXIème siècle – a su atteindre un summum poétique et esthétique, pour défendre les valeurs essentielles de la défense de la planète et de l'environnement au sens large ainsi qu' innover par le numérique dans l' art, pour la défense des animaux. Régine BAZIN invente une nouvelle mixité entre physique et métaphysique, apparence et psychologie, créant des pontages et des symbioses entre deux types d'expressions artistiques, la figuration hyperréaliste d'une part - retravaillée au moyen de logiciels – et d'autre part la création abstraite, bien adaptée, en complémentarité du figuratif, en termes de sens et de signes. Par ses oeuvres Régine BAZIN a fait à ce Palmarès démonstration éblouissante de ses capacités de recherche et d'investigation, dans le difficile domaine de l'art contemporain, positionnant définitivement des œuvres de référence pour cette année 2017 dans ce cadre des "Styles et Tendances" de l'année écoulée. Cette artiste a réussi a repousser tous les blocages et les clivages, entre figuration et abstraction. Elle nous montre comment ses œuvres sont capables d'abolir toutes les frontières internes à l'art et particulièrement les plus importantes, celles entre hyperréalisme photographique et abstraction numérique. Le Comité du Jury a compris cette démarche, qui participe à la progression de l'art actuel. Le titre prestigieux de Trophée du Style 2017, attribué à Régine BAZIN , lors de ce Palmarès national, montre bien la place de premier plan de l'art numérique et de certaines de ses fonctionnalités plasticiennes. Régine BAZIN, avec son style très personnel d'art numérique, en ce tout début de siècle, ouvre une époque, celle d'une nouvelle tendance dans les compositions esthétiques abstracto-figuratives, celle d'une sémantique qui croise désormais l'hyperréalisme, le message poétique et environnemental, ainsi que la maîtrise de nouveaux moyens artistiques numériques. Régine BAZIN apparaît pionnière, mais autant chef de file avant-gardiste de cette tendance en Europe. Palmarès national des Styles à Hyères-les-Palmiers le 09 décembre 2017 - Reportage sur place (c) Editions EDMC Janv. 2018

 


 

■ Bob CHATELAIN, peintre aquarelliste. TROPHEE DU STYLE 2017


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■  CHATELAIN Bob, peintre aquarelliste, paysagisme

 

Lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, Bob CHATELAIN, a mis ses œuvres en compétition de style et les a présenté sur place, avec beaucoup d'aisance et d'amour de l'art. Ses œuvres ont rayonné sur cet espace scénique réservé aux présentations de tableaux sur chevalets et chacun a pu en apprécier leur délicatesse et leur beauté. Bob CHATELAIN, nous a mieux fait comprendre sa démarche esthétique, grâce aux descriptions de ses œuvres et de son style et sa parfaite connaissance de l'art en général. Il a très aimablement su répondre aux nombreuses questions qui lui ont été posées, aussi bien par l'auditoire, que par le Comité du Jury. Peu à peu, en expliquant sa démarche figurative devant l'assistance très intéressée, il a su conquérir le cœur du public et le Comité du Jury. Lequel a grandement apprécié ce travail d'excellence. En compétition des styles, Bob CHATELAIN avait fait concourir "Les Vignes du Fenouillet", aquarelle (90x80cm), une œuvre très réussie, qui déploie une architecture de composition exceptionnelle. L'artiste a su saisir les meilleures particularités sur le motif, pour servir sa grammaire picturale de haut niveau. Ici un chemin, tel un sillon, sépare deux rangées de vignes et se lance directement au pied de la colline surplombante du Fenouillet. Un relief aux pentes douces et régulières, des couleurs diaphanes, mais pourtant si présentes. Contrastes de lignes et de couleurs, de droites et de courbes, entre cyprès fauves et verdure bleutée, le soleil inonde un paysage d'une intense poésie. Une maestria d'ensemble, qui aurait certainement plu à Cézanne. Bob CHATELAIN, à livré quelques techniques de son style, tout en conservant les secrets de ses réussites picturales paysagistes. Ce qui est tout à fait légitime. Une vivacité et un rythme dans le trait lui ont fait marquer des points car le Comité du Jury a aimé cette souplesse, la justesse et la pertinence de son pinceau pour dire le paysage. Avec "Port au Couchant à Tamaris", aquarelle (87x75cm) . Bob CHATELAIN, fait la démonstration à nouveau ici, de son excellence et de ses aptitudes aux marines portuaires. Son style, sait toujours faire apparaître le plus bel équilibre qui est inscrit dans le paysage et il parvient à le discerner pour ravir nos yeux. Le rythme qu'il donne à l'oeuvre par ses touches, produisent une impression d'eau qui bouge, berçant doucement quelques pointus. Croisant fauvisme et un impressionnisme exotique, ajoutant quelques touches expressionnistes pour dynamiser son paysage, on se promène volontiers avec CHATELAIN, entre Gauguin et Matisse, en admirant ce Maître contemporain de l'aquarelle. Un Maître qui sait comme personne, toucher le fond de notre cœur du bout de son pinceau. A l'unanimité du Comité du Jury, le Trophée du Style 2017 a été attribué au Maître Bob CHATELAIN Lauréat 2017 du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers,le 09 décembre 2017.Reportage sur place (c)Éditions EDMC Janv. 2018.

 

 

 

 

■ Isabelle GELI, peintre. TROPHEE DU STYLE 2017


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■ GELI Isabelle, peintre, surréalisme abstrait littoral et portuaire.

 

La peintre Isabelle GELI à participé à la compétition du Palmarès national des Styles, qui s'est tenue dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Cette artiste a mis en compétition son style de surréalisme abstrait avec un choix de paysages portuaires et littoraux. Le Comité du Jury a retenu ce style. Isabelle GELI est entrée au Palmarès et a été lauréate primée du Trophée du Style 2017. La peintre a su faire preuve d'imagination certes, puisque le propre du surréalisme reste le rêve et l'imaginaire, mais c'est aussi par une audace novatrice que l'artiste a su conquérir un tel niveau. A bon escient elle a osé sortir des sentiers battus d'un art contemporain de consensus, pour aller explorer un chemin plus complexe, celui du surréalisme abstrait. Une démarche qui fait avancer l'art et la culture en défendant une stylistique française et européenne -après Miro ou Tanguy - esthétique de plus en plus concurrencée par les Etats-Unis, où le surréalisme abstrait continue à se développer inlassablement. Les prémices de ces marines en surréalisme abstrait d'Isabelle GELI avaient déjà impacté l'art abstrait en 2016, avec une abstraction de marines géométrisées, puis plus récemment sur la Côte-d'Azur, notamment à Cannes, au début 2017, avec des marines au seuil de l'impressionnisme-abstrait. On a pu constater comment se révélait aujourd'hui au Palmarès national des Styles en décembre 2017, l'évolution de la peinture chez cette artiste. Son style s'est épanoui naturellement en surréalisme abstrait littoral et portuaire, après que la peintre ait acquis l'expérience de l'impressionnisme puis de l'impressionnisme-abstrait. On peut dès lors admirer sa troisième période, à laquelle appartient cette œuvre,"Couleurs d'Automne", acrylique sur toile -réalisation à la spatule (73 x 50cm). Apport nouveau à la peinture de marine portuaire. Le surréalisme abstrait d'Isabelle GELI franchit le stade de la figuration, pénètre dans l'abstraction, pour dire de nouveaux ressentis inédits entre rêves et réalité. Son esthétique d'ensemble, véhicule une poétique, mais aussi une grande originalité de conception. Sa recherche est située ici, au niveau de l'espace géographique, une manière de traiter l'intemporalité, avec des marines placées hors du temps, hors de l'espace continental, pour une cinquième dimension... Des ilôts bâtis, des marinas fantomatiques posées entre ciel et mer... qui savent rester attractives par leur esthétique et leur beauté étrange, comme autant de paradis perdus, de nouvelles Atlantides ressurgies des flots. Isabelle GELI avec "Horizon Infini" Acrylique sur toile - réalisation à la spatule (100 x 50 cm) a su enlever tous les freins à l'imaginaire, pour nous procurer de véritables rêves éveillés. Elle inscrit l'imaginaire dans le réel. Pas de convention formelle, comme Matisse et les Fauves, en leur temps brisèrent les règles de la couleur, Isabelle GELI sacrifie les formes au rêve. Elle a inventé des marines portuaires d'un nouveau lyrisme, d'une poétique pour toutes générations confondues. Entre contes et légendes, mythes et mystères, Isabelle GELI a trouvé la clé d'un nouveau langage pictural. Le Comité du Jury a apprécié cette artiste exceptionnelle et de tout premier plan. Lauréate 2017 du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, Isabelle GELI a remporté le 09 décembre 2017 le Trophée du Style et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017.Reportage sur place (c)Éditions EDMC Janv. 2018.

 

 

 

 

■ Georges FOURNIER, peintre aquarelliste. TROPHEE DU STYLE 2017


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FOURNIER, Georges, peintre aquarelliste, paysagisme 

 

 

Georges FOURNIER,peintre aquarelliste, à mis en compétition une sélection de ses œuvres, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** à Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017.Ses œuvres rayonnent d'une grande puissance évocatrice, qui a tout de suite fait comprendre qu'il s'agissait d'un peintre mais aussi d'un aquarelliste au summum de son art. Celui-ci a su approfondir, au fil du temps, par son expérience, toute l'alchimie de la peinture aquarelle, pour lui en faire donner aujourd'hui le meilleur résultat. Une dimension supérieure frappante, des œuvres qui passent tous les paliers figuratifs du paysage pour basculer et faire basculer, en même temps, le spectateur dans l'atmosphère intrinsèque de la nature, pour y découvrir sa spiritualité prégnante, tant recherchée par les plus grands artistes. Georges FOURNIER a compris le paysage et l'aquarelle dans une équation la plus essentielle. Sa démarche et son style le situent à présent aux côtés des meilleurs. Il aborde la nature avec une conception symboliste du paysage, mais avec en plus la modernité de notre siècle. Comme le dit l'artiste lui même ..."Je travaille sur des sujets en lien avec la nature"  et précise aussitôt ..."je tente de traiter l'esprit d'une communauté végétale, l'esprit du lieu que je trouve beau, qui me procure une émotion poétique, des lieux où je capte, selon le cas, certains messages de vie, d'équilibre, de paix intérieure, de solidarité. Avec l'idée secrète, indéfinie, sous-jacente, de tenter de faire partager par mon témoignage peint cette complexe beauté"... Ses propos pour rappeler sa démarche et présenter "Méditations", aquarelle (Arches 300mg 78x48cm). Le Comité du Jury, dès lors était alerté sur le haut niveau de ce travail. "Méditations", par ses lueurs diaphanes, par les superpositions de feuilles et de branches pourrait s'annoncer comme une œuvre paysagiste et sylvestre, emblématique d'un renouveau du symbolisme que l'on attend aujourd'hui. Un style et une tendance, que l'on ressent profondément dans la démarche artistique de Georges FOURNIER. En fait, cet artiste, détient une capacité audacieuse - qu'il semble avoir d'une manière innée - à faire émerger et partager au spectateur, par la force et la puissance du figuratif, tout le mystère de beauté de la nature. Il donne comme clé pour nous dévoiler  ce mystère, la paix intérieure qui s'en dégage, qu'il faut comprendre et retrouver à la fois dans la nature et en soi, qui se communiquera du paysage au spectateur, mais après que le spectateur aura su pénétrer la complexité du paysage, la dépasser, pour apprécier la Nature encore plus intimement. Toujours dans le contexte du paysage, avec l’œuvre "Lumière de Loire" aquarelle (Arches 300mg 88x50cm), mise également en compétition des styles, Georges FOURNIER  a achevé de convaincre le Comité du Jury de ce Palmarès national du Style. L'artiste précise ... "J'utilise quelques couleurs significatives de la nature, et les propriétés physiques des pigments"... Georges FOURNIER a pleinement maîtrisé l'aquarelle pour exprimer le paysage. Il poursuit  ... "la nature est porteuse de lumière, il s'agit de faire émerger cette lumière, grâce au blanc du papier, en posant des ombres colorées. Et le mystère sera obtenu dans la mesure où la trace du peintre et de ses outils est la moins visible possible". Le pinceau de Georges FOURNIER exprime des sensations, laisse la place aux seuls sentiments intérieurs. Une esthétique majeure, qui fera de lui le lauréat de ce Palmarès. Cette œuvre "Lumière sur Loire", possède une finesse ultime, produite par le médium aquarelle sur support de papier, qui depuis cette Loire et la France, serait capable de concurrencer les plus belles peintures chinoises du paysage, produites elles-aussi par la finesse des médiums, en lavis d'encre et d'eau sur papier. Des visions surprenantes et inconnues de paysages. Georges FOURNIER à réussi à surprendre cette lumière, qui naît sur la Loire, il a saisi picturalement toute l'immatérialité qui peut exister dans notre monde, dont seuls les grands artistes peuvent rendre témoignage et évocation pour la postérité. Cela a été fait en Chine avec la délicate peinture Sie-i. En Europe  Georges FOURNIER par son œuvre "Lumière de Loire", résolument intemporelle, cosmique, emplie de spiritualité est arrivé, lui aussi, a appréhender l'impalpable. Nous avons très bien appris dans notre culture occidentale, en particulier depuis Claude Monet et son célèbre tableau "Impression, soleil levant", (que l'on peut admirer au Musée Marmottan Monet à Paris, don de l'écrivain, historien, critique d'art, Paul Marmottan), combien une œuvre picturale lorsqu'elle est vraiment exceptionnelle, peut, à elle seule, devenir référente dans la traduction émotionnelle d'un paysage et modéliser ensuite dans l'art et dans le monde, à jamais. Georges FOURNIER est un artiste qui mérite d'être encore plus connu et mieux apprécié en France, car il se dégage de la plupart de ses oeuvres une "intelligence du peindre", par le choix subtil de ses sujets, mais également dans la qualité de sa démarche paysagiste qui transparaît dans ses peintures.  Lauréat du Palmarès, le talentueux Georges FOURNIER, peintre aquarelliste, à été honoré par le Comité du Jury qui a  primé ses œuvres mises en compétition, remarquant et mettant en relief son style, afin qu'il continue à faire rayonner l'art aujourd'hui, dans et hors de nos frontières. Le Comité du Jury a attribué au maître Georges FOURNIER, peintre aquarelliste, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, le Trophée du Style 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018. 

 

 

 

■ Danielle VASA, peintre. TROPHEE DU STYLE 2017


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VASA Danielle, peintre figuration poétique imaginaire et narrative

 

 

La peintre Danielle VASA avait choisi de mettre en compétition des styles une sélection d"œuvres, couvrant le domaine de la figuration, de l'interprétation symbolique et de l'imaginaire, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Des œuvres poétiques et des thèmes appelant un questionnement, qui ont particulièrement attiré l'attention et éveillé l'intérêt sur son style et sa démarche artistique. Cela aussi bien de la part du Comité du Jury que de l'auditoire. Ainsi l'artiste Danielle VASA a présenté ses tableaux sur place, avec beaucoup de compétence, sur l'espace scénique dédié. Sous les puissants projecteurs l'artiste a très bien su répondre aux questions et expliquer ses toiles. Ses peintures suggèrent un certain mystère comme notamment "Minéral et Végétal" Huile sur toile (92x73cm) ou encore son œuvre "Pistis Sophia" (100x70cm.) qui lui permit d'illustrer et aborder des questions plus spirituelles et de recherches historiques. Les peintures de Danielle VASA, sont des œuvres minutieusement exécutées au pinceau, réfléchies, qui savent exprimer une dimension psychologique parfois métaphysique, permettant au spectateur de s'élever, au-delà de la matérialité du quotidien. Parfois ces oeuvres qui sont le fruit de ses recherches peuvent également contribuer, par leurs contenus très élaborés, à parfaire la culture de ceux qui regardent. Un style abouti et maîtrisé, issu d'une pratique de nombreuses années de peinture sur chevalet dans le champ de l'art figuratif. Danielle VASA, sait toujours introduire dans ses œuvres un aspect interprétatif et culturel, qui apportera un plus au sujet, un aspect imaginaire qui donnera  une vision plus ample et originale à la représentation. Ses titres sont également importants. Ils montrent la voie de lecture que propose l'artiste au spectateur. Toutefois le niveau artistique de grande qualité, l'intelligence narrative déployée sur la toile, permettent une esthétique ouverte et celui qui regarde conserve néanmoins une certaine liberté, pour se projeter en définitive comme il le veut dans la compréhension de l'œuvre. Des tableaux qui peuvent être appréciés particulièremnt pour leur force plasticienne et purement artistique ou plus profondément pour le sens qui s'y trouve. Il y a une signification certes, mais qui reste tout autant une expression peinte pour le plaisir des yeux, avec plusieurs degrès de lecture. L'artiste à démontré dans ce Palmarès qu'elle sait manier picturalement toute les ressorts de la poésie, non seulement par la délicatesse du sujet peint, mais également par des nuances et des effets de couleurs et de graphismes comme un véritable langage de ressentis. La poétique rejoignant la recherche d'une beauté artistique essentielle sur la toile. Un art dans l'art. Des œuvres qui ont surpris par l'effort de composition, mais aussi par l'apport culturel que s'efforce de produit cette peintre, pour créer des toiles pleines de sens. Ses présentations orales très réussies ont permis à Danielle VASA de décrocher une importante récompense consacrant son travail. Le Comité du Jury lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, a attribué à la peintre Danielle VASA le Trophée du Style 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018.

 

 

 

■ GRAND PRIX DU JURY 2017


 

 

■ Frédéric STEINLAENDER, peintre pastelliste. GRAND PRIX DU JURY 2017


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■  STEINLAENDER Frédéric, peintre pastelliste, paysagisme aux pastels.

 

Frédéric STEINLAENDER, peintre pastelliste, à mis en compétition une sélection de ses œuvres de paysages lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Frédéric STEINLAENDER, peintre pastelliste, a choisi de mettre en compétition "Hiver dans les Vosges du Nord" Pastel (50x70cm) et également "Tourbière dans les Vosges du Nord" Pastel (50x70cm.). L'oeuvre "Hiver dans les Vosges du Nord", présente le traitement particulièrement intéressant des nuances subtiles qu'il peut y avoir dans un paysage enneigé, des délicates couleurs d'ombres légèrement bleutées, des lueurs parfois très lumineuses et éclatantes, dans les blancs en particulier. L'architecture du tableau, en verticalité, permet de donner une notion d'éloignement, rythmé par les sinuosités progressives de la rivière. Le fond de l'œuvre accueille une convergence de lignes de fuite, qui sont très bien amenées à partir des arbres qui bordent les rives du cours d'eau. Le Comité du Jury du Palmarès a été très sensible à la puissante poésie qui se dégage du tableau "Hiver dans les Vosges du Nord". Le peintre pastelliste Frédéric STEINLAENDER, témoigne d'une grande intelligence de répartition du motif dans l'espace, gérant à merveille la perspective d'éloignement, ce qui a été un atout dans cette compétition stylistique. L'artiste a réussi à fixer une certaine sensation d' immanence dans le tableau, par l'ambiance de cette neige accentuant l'aspect d'un paysage immobile. Il capture une atmosphère d'authenticité et de vérité de la nature, saisie sur le vif,  sur le motif. Une rivière dans une délicate ambiguïté, entre givre infime et douces ondulations. L'artiste jouant de deux sensations contrastées, d'une part cette rivière, qui arrive jusqu'au bord du tableau, en serpentant depuis le lointain comme pour se déverser, là devant le spectateur et d'autre part ont voit  les futaies et cimes des arbres, les rivages, qui créent quant à eux des lignes de fuite, qui attirent le regard du spectateur vers l'horizon au bout de la perspective. Ces deux mouvements directionnels opposés sont soutenus et renforcés par les méandres de la rivière  qui contrastent eux aussi  avec les droites des cimes d'arbres. Le tout créant un cinétisme dans l'œuvre, un mélange de vie et de paix. Le peintre a choisi avec un grand savoir visuel son motif a peindre. Frédéric STEINLAENDER, avec "Tourbière dans les Vosges du Nord" a étonné à nouveau durant ce Palmarès 2017, par l'aspect poétique de la froidure qu'il représente et les nuances tonales qui poussent l’œuvre vers une formulation impressionniste. Ce paysage, très calme et serein, confirme la capacité de l'artiste à jouer avec l'architecture du tableau, comme par un sens esthétique inné de la création perspective. Il parvient dans cette œuvre en mettant à profit une pittoresque barrière de bois opportunément là, à véritablement « baliser », prendre les distances, efficacement, mais toujours très poétiquement, dans le paysage, et donner la juste sensation d'éloignement. Une sorte de métrique en ligne de fuite graduée. Un exercice parfaitement réussi. Le regard se perd peu à peu et plonge dans le lointain. Les tonalités sont très étudiées, avec une gamme de couleurs légères, parfois édulcorées dans des douceurs ultimes, en mauve, jaune, ou rose, dans des nuances diaphanes. Les œuvres du peintre pastelliste Frédéric STEINLAENDER, lors des présentations de styles, se sont imposées et ont applaudies, comme de véritables travaux de références. Ses techniques picturales et plasticiennes ont fait l'unanimité dans l'approche du paysage, en particulier dans la tendance des peintures des paysages enneigés. Un Maître pastelliste français, à l'avenir prometteur, capable de rivaliser avec le savoir faire asiatique et japonais fort développé dans ce domaine esthétique. On entendra certainement parler dans le futur de Frédéric STEINLAENDER sur l'international. Le Comité du Jury à voulu mettre en évidence le grand talent de cet artiste lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, en attribuant à Frédéric STEINLAENDER le GRAND PRIX DU JURY 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018.

 

 

 

■ PRIX DU JURY 2017


 

 

■ Betty DE RUS, peintre abstraite. PRIX DU JURY 2017


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■ DE RUS Betty, peintre abstraite

 

L'artiste à mis en compétition une sélection de ses œuvres, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Betty de RUS, peintre abstraite, a mis notament en compétition de styles, le tableau "Au Coeur de l'Abstrait" Acrylique sur toile (80x80cm.) Il s'agit d'une œuvre récente de l'artiste - appartenant à sa dernière période - comportant une recherche sur la couleur et l'informel. Betty de RUS effleure par de grands espaces colorés la mouvance tachiste sans y succomber, s'en démarquant par l'animation qu'elle produit à sa manière,dans son style. L'artiste poursuit une recherche sur la couleur et le mouvement, absoluement distincte du groupe CoBrA , (COpenhague, BRuxelles et Amsterdam). En effet il ne s'agit pas pour l'artiste de rester spécifiquement ou essentiellement dans cette logique de mouvement et d'abstraction, mais plutôt de produire une forte animation, par des moyens conjugués antinomiques, utilisant d'une part oppositions et contrastes de couleurs ( en particulier dans le centre du tableau) et d'autre part des sensations d'harmonies tout autour du centre, cela par le jeu des couleurs. C'est donc une alternance de ces rythmes de couleurs, qui produiront un aspect à la fois cinétique en circularité et en profondeur. C'est un style libéré, maîtrisé, qui révèle l'art abstrait, par l'intuition et par sa force intérieure de l'artiste, son aspiration naturelle à aller vers le Beau. Ainsi la peintre Betty de RUS, avec son œuvre "Au Coeur de l'Abstrait", - titre qui cible sa démarche - fait ici une démonstration magistrale d'équilibres sans aucune ligne droite, ni traits droits, par le simple jeu des répartitions de volumes, des répartitions de valeurs tonales, mises en contrastes ou en échos pouvant se répondre sur la toile selon leurs intensités et complémentarités. Le Comité du Jury a apprécié, à juste titre, la qualité de cette recherche et de cette réalisation pleine de spontanéité et de maîtrise. A noter que le titrage très ouvert de l'œuvre permet au spectateur de se projeter dans le tableau avec sa propre conscience personnelle, ses ressentis. L'artiste de RUS à ensuite confirmé sa position picturale innovante dans ce Palmarès, avec la mise en compétition de son oeuvre intitulée "Grotta", une encre sur papier (46x27cm). Betty de RUS a une nouvelle fois surpris par l'originalité de cette approche de la grotte, sujet dont elle est spécialiste, pour avoir abondamment traité les représentations picturales et les significations de ce sujet au travers de ses nombreuses œuvres sur "la grotte". Des travaux qui questionnent non seulement le paysagisme abstrait, mais également d'une autre manière aussi, l'inconscient collectif sociétal. (voir sur ce site le reportage à ce sujet – aller au menu latéral : page " Textes de Recherche"). Avec cette "Grotta", c'est une version "abstractisée", qui sort des limites du paysagisme abstrait,  pour investiguer avec ce sujet phare le territoire de l'abstrait en tant que tel. Le Comité du Jury a apprécié cette démarche audacieuse, voire inédite, consistant à traiter un sujet majeur appartenant au paysagisme terrestre abstrait, en version essentiellement immatérielle abstraite absolue. Un large pas en avant stylistique et théorique de la part de Betty de RUS,  qui a su transgresser ainsi dans son Œuvre, les frontières entre paysagisme abstrait et abstraction pure, mais également « dé-mythifier » - au sens propre et littéral du terme - une appartenance par destination de ce sujet au champ du paysage abstrait. Un bel exercice de recherche esthétique chez Betty de RUS, qui a poinçonné désormais l'art abstrait en tant que tel d'un sujet de référence du paysagisme abstrait : la grotte. Le Comité du Jury a souhaité valider tout particulièrement cette démarche de haut niveau esthétique de l'artiste ayant consisté dans l' abolition de la mince frontière entre abstraction et paysagisme abstrait. Un résultat pictural fruit d'un expérience acquise au cours d'un long itinéraire. Ainsi lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le Comité du Jury a attribué à la peintre Betty de RUS, le 09 décembre 2017, le PRIX DU JURY 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018.

 

 

 

■ Marie-Noëlle CHAUTARD, peintre abstraite. PRIX DU JURY


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■ CHAUTARD Marie-Noëlle, peintre abstraite

 

La peintre contemporaine abstraite Marie-Noëlle CHAUTARD à mis en compétition une sélection de ses œuvres, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. L'artiste a présenté avec beaucoup d'efficacité et de pertinence ses œuvres sous les projecteurs sur l'espace scénique dédié du Palmarès. Le Comité du Jury ainsi que l'auditoire ont suivi avec attention toutes les explications de la peintre concernant sa démarche artistique et chacun a pu lui poser différentes questions, auxquelles l'artiste a répondu très aimablement. Celle-ci est poussée par une passion et un amour de peindre que l'on pouvait bien ressentir durant ses explications, très claires, théoriques ou plus techniques. Ainsi "Manège Enchanté " Acrylique, collage, sur toile 65x 92cm est un sujet de vie et de loisir, par lui-même intéressant, bien choisi, puisqu'il permet de mettre en scène dans la composition, de façon abstraite, aussi bien de l'animation que du mouvement. Une légère allusion cubiste dans la grammaire venait nous rappeler combien le mouvement a pu être exploré par la circularité et le cercle, chez Delaunay en son temps. Cela était un plaisir de voir comment Marie-Noëlle CHAUTARD, avait exprimé, avec ce manège, bien au-delà de toute influences, une logique qui soulignait,  que le mouvement restait indissociablement lié à la circularité. "Manège Enchanté " portait témoignage de cet aspect d'équilibrage dans le cinétique. L'aspect festif dans la ville par les  jeux, les loisirs, un tableau qui dit tout l'optimisme de la fête au travers cette œuvre  résolument positive, jeune. Une toile évoquant aussi les objectifs - ce que peut être la mission du peintre - de vouloir décrire et transmettre du bonheur, par la peinture, de la joie dans la société, dans la ville. Une œuvre de concours et de fête, au colorisme fort et doux à la fois, qui devait bien classer Marie-Noëlle CHAUTARD dans le Palmarès national des styles à Hyères-les-Palmiers. La peintre continua d'étonner en parlant de sa "Vision Citadine",  une très belle œuvre, acrylique, collage, sur toile (50x70cm). Son amour de l'art, de la société, transparaît également dans ce tableau. Si des allusions cubistes modernisées pouvaient apparaître, le but de la composition était bien dans une recherche expressionniste et dans les harmonies, dans les forces de traits pour interpréter l'urbanité, l'univers de la ville. Le Comité jury a apprécié le lien et la complémentarité stylistique qui se dégageaient entre ces deux œuvres, l'une proposant une recherche artistique sur un mouvement en rotondité tel le "Manège Enchanté" et l'autre œuvre proposant une recherche artistique plus axée sur une géométrique de traits droits. Le tableau "Vision Citadine" venait interpréter en abstraction, la ville moderne, celle des immeubles, des blocs, des rues droites. Dans l'œuvre "Vision Citadine" le spectateur reste, toutefois, toujours dans une version optimiste de la ville, qui au-delà de la représentation de grands ensembles ou de grands volumes, nous laisse entrevoir un aspect attractif, par la palette claire et lumineuse qui domine l'ensemble de la composition picturale. Un tableau bien aéré, entre densité des volumes, il y a des espaces de repos, permettant une circulation du regard en palier, jusqu'aux aux lignes de fuite obliques dans le haut. Celles-ci allègent la représentation et l'équilibrent. Le Comité du Jury a apprécié la présentation par l'artiste de chacun des tableaux, détaillant tour à tour, la manière qu'elle avait de s'y prendre pour en arriver à la réalisation finale de ses compositions; en s'efforçant dans sa démarche artistique d'ensemble d'introduire, lorsque cela était possible,  des sensations intérieures, si possible aussi parfois de la spiritualité. L'artiste appréciant le peintre Kandinsky et tout particulièrement son ouvrage "Du spirituel dans l'art" en a fait une de ses principales références en art et en peinture. Marie-Noëlle CHAUTARD, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, s'est vue attribuer par le Comité du Jury, le PRIX DU JURY 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018. 

 

 

 

 

■ Georges FRANK DE CUZEY, peintre, artiste numérique. PRIX DU JURY 2017


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■ FRANK DE CUZEY Georges, peintre, artiste numérique,

 

L'artiste numérique Georges FRANK DE CUZEY à mis en compétition stylistique une sélection de ses œuvres, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est tenu dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017. Cet artiste numérique effectue des recherches approfondies depuis de nombreuses années dans le domaine du numérique. Il a créé plusieurs concepts numériques et fait partie des artistes de référence de l'art numérique contemporain d'aujourd'hui. Ses œuvres numériques atteignent un degré inégalable de perfectionnisme et de finesse. Il travaille sur des aspects fondamentaux de l'esthétique numérique, en recherchant plusieurs dimensions dans l'œuvre,  qui se retrouve posséder plusieurs lectures abstraites possibles. Des dimensions 2 ou 3 D qui rejoignent les différentes aptitudes du spectateur à se projeter dans l'œuvre, les aptitudes de perception qu'il peut avoir en face d'une réalisation de Georges FRANK DE CUZEY . Ainsi lors du Palmarès  "Origine du Cosmos"  Œuvre numérique a été présentée et a été grandement appréciée. Ceci du fait de la conjugaison effectuée entre l'artistique et le technologique que l'artiste a su maîtriser dans cette exceptionnelle réalisation. L'artiste est parvenu à imaginer une configuration en spirale, avec un point de départ initial, quasiment immatériel, pour exprimer, interpréter avec sa sensibilité et ses moyens numériques, l'origine du cosmos. Dès lors, on pénètre dans une étonnante sensation, en regardant cette œuvre numérique sur toile, qui nous entraîne dans un espace vertigineux qui abolit la gravitation et toutes les lois de la physique, pour nous fasciner par un point lumineux, infime, qui représente le début de l'Univers, l'« Origine du Cosmos » tel que ressenti par Georges FRANK DE CUZEY. Un intérêt esthétique de premier ordre, pour cette expression sur toile, véritable modèle de finesse et de délicatesse extrême, dans les tracés spiralés, mais également au-delà, avec ce message que nous donne le titre, on comprend comment l'art numérique loin d'être impersonnel ou essentiellement technologique, au contraire, peut transmettre des sensations profondes ou exprimer des questionnements métaphysiques. Une œuvre qui indique comment cet artiste numérique peut parvenir à proposer des visualisations intéressantes et originales, avec de grands atouts esthétiques, permettant de faire se rejoindre avec cette toile numérique, l'art et la science. La présentation de l’œuvre numérique « Plénitude Australe » de Georges FRANK DE CUZEY, allait achever de convaincre le Comité du Jury sur le  haut niveau du style de cette artiste, qui maîtrise à la perfection les technologies de pointe de cette discipline du numérique. A nuveau une vision en plusieurs dimensions, dans une finesse qui effleure la vue elle-même, une véritable désacralisation du diaphane, pour dire l'avant-gardisme de notre 21ème siècle. Georges FRANK DE CUZEY à  ouvert la voie des nouveaux grands artistes du numérique contemporain. Il a fait la synthèse de la recherche fondamentale, expérimentale et appliquée, la symbiose entre art,sciences et technologies de pointe. Georges FRANK DE CUZEY fonde l'ère des « ingénieurs de l'esthétique » du 21ème siècle. Le Comité du Jury a validé et récompensé cette compétence hors-du-commun, en remettant à cet ingénieur de l'esthétique, Georges FRANK DE CUZEY, peintre, artiste numérique, lors du Palmarès national des Styles, qui s'est déroulé dans les Salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers, le 09 décembre 2017, le PRIX DU JURY 2017 et le titre prestigieux d'Artiste d'Honneur de l'Année 2017. Reportage sur place (c) Éditions EDMC Janv. 2018. 

 

 

 

■ COLLEGE DE REFERENCE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART: Admissions 2017


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COLLEGE DE REFERENCE DES STYLES ET DES TENDANCES DANS L'ART 2017 *

sur délibération du Jury ont été admis :

 

WATTIER Dany, peintre, développement de l'impressionnisme. CAZORLA "CAZO" Roger, peintre, abstraction (Art téllurique) matiériste. FENECH William, peintre, expressionnisme du mouvement. CADENEL Alain, peintre, abstraction intuitive, résine et pigments. THEVENOT Michel "PICH", peintre, art maritime, peinture de marines. BAZIN Régine, peintre numérique, nouvelle composition du visuel. STEINLAENDER Frédéric, pastelliste, paysagisme aux pastels. GELI Isabelle, peintre, surréalisme abstrait littoral et portuaire. 

 

 Le "Collège de Référence des Styles et Tendances dans l'Art"  consacre un niveau d'excellence pour des artistes qui creusent un sillon suffisamment profond dans l'art contemporain actuel, pour représenter, incarner ou véhiculer de nouvelles grammaires esthétiques, de nouvelles réflexions sur l'art, exprimer des tendances artistiques  durables. Ceci dans un contexte de créativité persistante ou de maîtrise de techniques. Admission: Le "Collège de Référence des Styles et Tendances dans l'Art" intègre chaque année des artistes issus du Palmarès.

 


■ Synthèse Palmarès national des Styles artistiques 2017. ARTISTES LAUREATS : TEXTES


A partir de la pré-sélection d'un groupe d'artistes en France, issu d'un panel aléatoire de cinq cents artistes français répartis sur l'ensemble du territoire, le groupe retenu représentant différents styles et mouvances contemporaines, de l'impressionnisme, à l'expressionnisme en passant par le surréalisme et l'abstrait. La sélection artistique a ensuite retenu des styles artistiques déjà confirmés par des parcours éloquents, des titres et reconnaissances sociales avérées, œuvres et artistes à partir desquels les Éditions se sont efforcées de dégager différentes tendances esthétiques, allant d'un nouvel impressionnisme  (Dany Wattier ) un expressionnisme du mouvement (William FENECH) jusqu'à une ligne forte d'abstraction des plus avant-gardistes, (Roger Cazorla CAZO), en passant par des travaux de recherches spécifiques sur les supports , les médiums ou les pigments (Alain CADENEL) également sur l'art numérique (avec Régine BAZIN ou Georges FRANK de CUZEY). Les puissantes thématiques marines de Michel THEVENOT PICH depuis l'Ile de Ré. Représentativité et pluralité esthétiques avec l'objectif de mettre en relief le talent créatif mais aussi en vue de l'étude et analyse réalisée chaque année par les Editions pour mettre en relief les styles et tendances dans l'art au travers des artistes sélectionnés. C'est ainsi à partir des artistes sélectionnés nationaux qu'un ensemble d'une cinquantaine d'oeuvres au final aura été retenue et présentée, au travers des lauréats issus de la sélection nationale à savoir:  BAZIN Régine, peintre numérique, CADENEL Alain, peintre, CAZORLA "CAZO" Roger, peintre, CHATELAIN Bob, peintre aquarelliste, DE RUS Betty, peintre, FENECH William, peintre, FOURNIER, Georges, peintre aquarelliste, GELI Isabelle, peintre, THEVENOT Michel "PICH", peintre,  STEINLAENDER Frédéric, peintre pastelliste, CHAUTARD Marie-Noëlle, peintre FRANK DE CUZEY Georges, peintre, artiste numérique, VASA Danielle, peintre,  WATTIER Dany, peintre.  Différents styles retenus pour leurs particularités (Abstraction et recherches matiéristes, création sur supports de résines, nouvelles compositions numériquse du visuel, travaux sur le traitement de la lumière dans l'oeuvre, expressionnisme du mouvement, surréalisme abstrait littoral et portuaire, avances des techniques aux médiums aquarelles et pastels...) Une sélection afin de donner différents aspects d'un "panorama" créatif sur cette année 2017, pouvant participer avec d'autres études à une vision plus complète de la création contemporaine, permettant de dégager par les Editions EDMC utilement comme elle le font depuis près d'une quinzaine d'années maintenant, des tendances esthétiques intéressant l'évolution de l'art contemporain dans la société. 

Voir reportages sur les artistes Luréats 2017 plus haut sur la page

 

 

 

■ Palmarès


Styles et Tendances 2017


■ "ACTUALITE des STYLES & TENDANCES dans l'ART - ARTISTES D'HONNEUR ANNEE 2017". "Palmarès national des Styles artistiques 2017" du 9 Décembre 2017 à Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur.


"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART ANNEE 2017"

 Hyères-Les-Palmiers, Salons de l'Hôtel Mercure * * * *  Samedi 9 Décembre 2017

 

PALMARES NATIONAL DES STYLES ARTISTIQUES 2017

Les artistes lauréats du Palmarès ont été retenus comme ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2017

 

Après délibérations du Comité du Jury ont obtenu:

 

GRANDS PRIX 2017 (GRANDS TROPHEES) :


CADENEL Alain, peintre

CAZORLA "CAZO" Roger, peintre

FENECH William, peintre

THEVENOT Michel "PICH", peintre

WATTIER Dany, peintre

 


TROPHEES DES STYLES 2017:


BAZIN Régine, peintre numérique

CHATELAIN Bob, peintre aquarelliste

FOURNIER, Georges, peintre aquarelliste

GELI Isabelle, peintre

VASA Danielle, peintre

 

 

GRAND PRIX DU JURY :

STEINLAENDER Frédéric, peintre pastelliste

 

 

PRIX DU JURY :

CHAUTARD Marie-Noëlle, peintre

DE RUS Betty, peintre

FRANK DE CUZEY Georges, peintre, artiste numérique

 

 

Le Comité du Jury 2017 : présidé par Alain DELIC, peintre contemporain, disposant d'une expérience antérieure de plusieurs présidences et vice-présidences de jury artistiques. 

Secrétariat du Jury: Antoine ANTOLINI, Délégué des Editions EDMC

 

 

 

COLLEGE DE REFERENCE DES STYLES ET DES TENDANCES DANS L'ART 2017  *

sur délibération du Jury ont été admis :

 

WATTIER Dany, peintre, développement de l'impressionnisme.

FENECH William, peintre, expressionnisme du mouvement.

GELI Isabelle, peintre, surréalisme abstrait littoral et portuaire.

BAZIN Régine, peintre numérique, nouvelle composition du visuel.

STEINLAENDER Frédéric, pastelliste, paysagisme aux pastels.

CAZORLA "CAZO" Roger, peintre, abstraction (Art téllurique) matiériste.

CADENEL Alain, peintre, abstraction intuitive, résine et pigments. 

THEVENOT Michel "PICH", peintre, art maritime, peinture de marines.

 

 

Le "Collège de Référence des Styles et Tendances dans l'Art"  consacre un niveau d'excellence pour des artistes qui creusent un sillon suffisamment profond dans l'art contemporain actuel, pour représenter, incarner ou véhiculer de nouvelles grammaires esthétiques, de nouvelles réflexions sur l'art, exprimer des tendances artistiques  durables. Ceci dans un contexte de créativité persistante ou de maîtrise de techniques. Admission: Le "Collège de Référence des Styles et Tendances dans l'Art" intègre chaque année des artistes issus du Palmarès.

* * * * * * ACTUELLEMENT EN COURS A LA REDACTION REPORTAGES TEXTES-IMAGES SUR LES ARTISTES DU PALMARES 2017, en diffusion prochainement sur www.artisticmuseography.com * * * * * *

 

 

"ACTUALITE des STYLES & TENDANCES dans l'ART - ARTISTES D'HONNEUR  ANNEE 2017"

 

Pour voir la manifestation de l'an passé vous pouvez visiter plus bas cette page "STYLES ET TENDANCES" du site, vous y trouverez les différents Artistes d'Honneur 2016 sélectionnés l'année dernière, ainsi que l' ANALYSE SUR "LES ASPECTS DE L'EVOLUTION DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART CONTEMPORAIN EN 2016", par les Editions EDMC. Comme l'an passé (mais aussi comme depuis 14 ans maintenant) un tour d'horizon de la création contemporaine 2017 sera fait, au travers des différents sites, supports, salons et évènements artistiques de l'année écoulée. Afin de dégager les nouvelles tendances esthétiques, un panel d'artistes représentatifs de ces tendances est pré-sélectionné. Les artistes une fois admis sur sélection nationale, ont présenté leurs démarches artistiques à l'occasion de l'événementiel  "ACTUALITE des STYLES & TENDANCES dans l'ART - ARTISTES D'HONNEUR  ANNEE 2017", afin de parler de son style pour faire mieux connaitre celui-ci. Les artistes ne pouvant se déplacer ont eu la possibilité de se faire représenter dans cette rencontre. Ce temps fort artistique qui a su faire appel au moyens de communications actuels, vidéoprojection HD,  présentation numérique sur grand écran, tout comme maintenir le lien de proximité avec des artistes présentant leurs styles et démarche artistique sur place. Le 9 DECEMBRE 2017 ont eu lieu les Cérémonies du PALMARES 2017,  moment des remises par le Jury des GRANDS PRIX (GRANDS TROPHEES ANNUELS 2017 DES EDITIONS EDMC ) et différents Prix.( En cours) REPORTAGES TEXTES-IMAGES SUR LES ARTISTES sur www.artisticmuseography.com 

 

 

Artistes Sélectionnés au plan national présentant leurs œuvres sur place ou en projection numérique  "ACTUALITE des STYLES & TENDANCES dans l'ART - ARTISTES D'HONNEUR  ANNEE 2017" Samedi 9 DECEMBRE 2017 - Salons de l'Hôtel Mercure **** à HYERES-LES-PALMIERS.  

 

 

 

Panorama Actualités des Arts et des Styles durant l'Année 2017 reportage texte image en cours


Panorama Actualités des Arts et des Styles durant l'Année 2017 par les Éditions des musées et de la culture EDMC

PANORAMA 2017 Styles et Tendances dans l'Art 2017

Panorama 2017. Présentation numérique ou artiste présents, c'est une sélection d'artistes de toutes régions de France remarqués durant l'année lors de sélections nationales organisées par les Editions EDMC pour des expositions, concours nationaux ou des évènementiels artistiques sur la Côte-d'Azur, (voir en page "Vie des arts" ou page "Art Info News"), ou encore lors de l'établissement de la sélection de fin d'année pour la mise en relief des styles et tendances en France. Un reportage texte et image permettra ainsi de relever des aspects rémanents ou innovants de la création contemporaine, d'artistes qui créent au quotidien. Les Editions EDMC ont créé ce "Palmarès national des Styles artistiques" qui exprime la mise en évidence de cette synthèse de styles, avec des artistes dans diverses régions de France, qui revèle différentes facettes actuelles de l'évolution de l'art, cela en temps réel. Rédactionnel en français puis traduit en anglais, ce reportage "Aspects de l'Art Contemporain 2017" pourra être consultable et utilisable en extraits, par tous; exposants, collectionneurs, galeries et musées, presse générale ou spécialisée,  audiovisuel, enseignement, ainsi que par tous autres acteurs du  marché de l'art francophone et anglophone.

 

Art contemporain - Etude "Aspects des styles et tendances dans l'art 2017".


 

L'année 2017 - Styles et Tendances dans l'art contemporain 2017.

 

1° Les styles et tendances se subdivisent en deux secteurs bien distincts. Les styles restent le résultat des recherches individuelles et de la reconnaissance de ces recherches par le public le plus large. Styles nouveaux ou confirmés. On relève que les styles existants du figuratif à l'abstrait restent stables dans leurs logiques avec l'accent mis comme en 2016 sur une recherche de communication encore plus forte, notamment au travers de la nouvelle communication par internet. C'est dès lors plus un développement de l'ordre du technologique pour beaucoup d'artistes qui prime sur le développement de leurs grammaires picturales. Cela apparaît relativement évident et la prolifération de sites, avec les nouveaux mécanismes d'auto-administration y sont pour beaucoup, également la possibilité de sites pré-construits en pleine expansion ont créé une mutation plus communicante que en terme de développement stylistique.

 

2° On ressent bien depuis quelques années cet aspect charnière de la nouvelle évolution artistique au travers de nouveaux médias et moyens de communication. Cela se développe beaucoup dans les villes , mais aussi très fortement dans les zones rurales. Pour conclure sur cet aspect, l'on peut dire en résumé que les préoccupation dans l'évolution de l'art contemporain, pour les artistes , individuellement ont pu être une orientation privilégiée vers le nouveau monde d'internet qui s'ouvre, passant devant une recherche plus fondamentale en atelier. La tentation de l'expérience communicante au travers des nouveaux websites semble vouloir primer sur le progrès d'un art novateur , dans le grand courant évolutif de notre histoire contemporaine aujourd'hui. Est-ce à dire que la création à l'état pur dans la société profonde se serait essoufflée en 2017 au bénéfice d'un faire-savoir artistique sacrifiant les étapes laborieuses, lentes et peu gratifiantes de la recherche d'un savoir-faire stylistique innovant? On peut le penser. Tendances pour les artistes confirmés qui sont bien dans cette orientation, alors que les artistes nouveaux, plus récents, ont en germe une dynamique plus inventive, n'étant pas encore dans des circuits de commercialisation, ou préoccupés par les ventes d’œuvres. 

 

 3° Parallèlement à ce progrès de l'art privilégiant le technologique, significatif dans cette année 2017, année bien connotée de cette nouvelle décennie de progrès dans la communication des réseaux sociaux, Instagram, Facebook, Twitter, etc... on remarque le rétrécissement du marché de l'art, les constantes difficultés des galeries, la faiblesse des initiatives de création, et la progression continue des ateliers-galeries. Le marché de l'art a semblé comme les années précédentes se renforcer au niveau de signatures connues, comme autant de valeur refuges, avec la continuelle prudence voire frilosité, face à l'innovation dans la société profonde qui crée au quotidien et pour des artistes nouveaux ou émergents.  Les tendances esthétiques de 2017 restent tributaires de ce qui précède, à savoir elles sont l'interface du dynamisme de la création personnelle, de l'innovation, afin qu'elles puissent évoluer. Si de nouveaux styles n'émergent pas et ne s'imposent pas, les tendances restent dans la même logique que sur 2015 ou 2016, toutefois si certains avaient ressentis en 2016 une remontée du figuratif dans les galeries et les ventes, on ne peut en 2017 identifier un tel phénomène en évolution, l'art reste ouvert.

 

4° Si l'on aborde les tendances sous les angles du figuratif et de l'abstrait, il faut alors se poser la question des parts de marchés que l'on trouve dans chaque tendances. Par exemple le nu qui a longtemps tenu la vedette en terme de ventes dans l'art figuratif international, est aujourd'hui concurrencé, voire dépassé dans la pratique par le paysage et le portrait. Non seulement dans l'appréciation artistique, mais aussi en terme de commercialisation. Dans le figuratif, le paysage se taille la plus grande part, en incluant les marines et les paysages littoraux, les natures-mortes viennent après. Pour le secteur de l'art abstrait, l'abstrait géométrique et l'abstraction lyrique restent en traditionnelle concurrence et se partagent le marché de l'art abstrait, avec une troisième partie pour les nouvelles formes de figuration non conventionnelles. (figuration à messages, impressionnismes abstraits, expressionnismes abstraits). A noter une  certaine stagnation voire régression de tendances dans les nouvelles modalités de l'art contemporain, en particulier des installations, qui ont du mal à passer le stade expérimental, après un grand boum des années 2000, marquent une forte régression, malgré l'appui du secteur public pour l'exposition de ces formes d'art qui ont du mal à entrer dans les galeries et dont les finalités sont souvent vécues comme un art éphémère ou elle rencontrent certaines problématiques similaires au land-art ou du packaging monumental dont on a peu entendu parler.

 

5° Les tendances les plus marquées, d'un point de vue méthodologique, restent la peinture de chevalet, la statuaire moyenne, une tendance stable dans les deux formes stylistiques les plus importantes, autant en tendances de figuration que d' abstraction. Les peintures murales, fresques, statuaires monumentale semblent avoir marqué en 2017 un ralentissement à moins que la communication sur ces domaines aie été peu pertinente. Cette analyse est volontairement brève, elle ne recours pas volontairement aux données statistiques, qui nous entraîneraient dans un trop volumineux document. Il s'agit ici d'un effort de synthèse documenté par les nombreux échanges, visites sur le terrain, discussions et entretiens avec des artistes, des structures artistiques, des visites de salons et d'expositions, le suivi général de l'actualité artistique.

 

Cette étude reste en dehors de toute ambition de « dire l'art » elle est le fruit d'un regard sur un environnement donné, à un moment donné, et n'engage que son auteur.



                                                                                                     Antoine ANTOLINI, Conférencier des arts (Février 2018)

 

 

Styles et Tendances ____________ Actualités images sur quatre colonnes ▼______________


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Actualité des Styles et Tendances dans l'Art 2016 - Editions des musées et de la culture EDMC - Images ▼ Texte ▼

PALMARES 2016


PANORAMA 2016 Styles et Tendances dans l'Art 2016

Panorama Actualités des Arts et des Styles durant l'Année 2016 par les Éditions des musées et de la culture EDMC

 

A partir de la sélection d'un groupe d'artistes en France, issu d'un panel de deux cents artistes, le groupe retenu représentant différents styles, des styles artistiques déjà confirmés par des parcours éloquents, des titres et reconnaissances sociales avérées, œuvres et artistes à partir desquels les Éditions se sont efforcées de dégager différentes tendances esthétiques, allant de la figuration académique (Annie d'Herpin) jusqu'à l'abstraction la plus avant-gardiste, (Gérard Suissia), en passant par des travaux de recherches spécifiques (Émile Van Long ou Cyre de Toggenburg). La représentativité de l'échantillon d'étude et d'analyse a été exposé au public à partir de la pertinence d'une trentaine d'oeuvres incluant la statuaire contemporaine (représentée par Iga Gielniewski), cela au travers d'une quinzaine d'artistes confirmés en exposition; Lesquels artistes soit ayant été primés en France tels Alain Sirabella, Émile Van Long, Jo Mermet, soit primés et reconnus ayant exposé sur l'international, tels Régine Bazin, Betty de Rus, la peintre Achalezay,Iga Gielniewski, Annie d'Herpin, Cyre de Toggenburg, Toshio Asaki, Gérard Suissia, Christiane Broussard, Isabelle Géli, Alain Délic, Georges Castille. Différents styles ont été retenus afin de donner différents aspects d'un "panorama" créatif sur cette année 2016 pouvant participer avec d'autres études à une vision plus complète de la création contemporaine, toutefois permettant de dégager utilement certaines tendances sur l'année 2016.

 

Panorama 2016. Exposition d'une sélection d'artistes de toutes régions de France remarqués durant l'année lors de sélections nationales organisées par les Editions EDMC pour des expositions ou des évènementiels artistiques sur la Côte-d'Azur (voir en page "Vie des arts"). Exposition de quelques uns de ces artistes, à partir du 7 Décembre, au Pôle Exposition Sud Côte-d'Azur avec un texte de synthèse sur les aspects de ces différents styles exposés sur place en Décembre. Un reportage texte et image permettra ainsi une mise en relief d'aspects de la création contemporaine par les Editions EDMC. Cette synthèse de styles d'artistes créant dans diverses régions de France revèlera différentes facettes actuelles de l'évolution de l'art, cela en temps réel. Rédactionnel en français puis traduit en anglais, ce reportage "Aspects de l'Art Contemporain 2016" pourra être consultable et utilisable en extraits, par tous; exposants, collectionneurs, galeries et musées, presse générale ou spécialisée,  audiovisuel, enseignement, ainsi que par tous autres acteurs du  marché de l'art francophone et anglophone.

 

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART ANNEE 2016  "ART ET STYLES 2016"

 

ONT OBTENUS LES TROPHEES ART ET STYLES DE L'ANNEE 2016

LES ARTISTES D'HONNEUR 2016 DONT  LES NOMS SUIVENT:

 

TOSHIO ASAKI

CYRE DE TOGGENBURG

ACHALEZAY

JO MERMET

REGINE BAZIN

 

ONT ETE SELECTIONNES ARTISTES D'HONNEUR DE L'ANNEE 2016

LES ARTISTES DONT LES NOMS SUIVENT :

 

ALAIN DELIC

ANNIE D'HERPIN

EMILE VAN LONG

ALAIN SIRABELLA

CHRISTIANE BROUSSARD

BETTY DE RUS

GEORGES CASTILLE

IGA GIELNIEWSKI

ISABELLE GELI

GERARD SUISSIA

 

 

Le Comité du Jury des Editions des musées et de la culture EDMC pour cette Année 2016 était présidé par M. Eugène German, Diplômé des Beaux-Arts et de l'Institut des Arts Décoratif, Délégué au Protocole des Editions EDMC.  

 


Actualité des Styles et Tendances dans l'Art 2016 - Editions des musées et de la culture
■ PANORAMA 2016 - Editions des musées et de la culture EDMC

Artistes d'Honneur de l'Année 2016


Cyre de Toggenburg, peintre

Cyre de Toggenburg, peintre

La peintre Cyre de Toggenburg et Antoine Antolini, conférencier des arts

La peintre Cyre de Toggenburg et Antoine Antolini, conférencier des arts

La peintre Cyre de Toggenburg récompensée pour sa recherche fondamentale sur l'abstraction.

La peintre Cyre de Toggenburg récompensée pour sa recherche fondamentale sur l'abstraction.

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Cyre de Toggenburg a obtenu le Trophée Art et Styles 2016, Artiste d'Honneur de l'Année 2016 pour sa recherche fondamentale sur la peinture abstraite. Sa démarche intemporelle, reste au delà des modes et sa grammaire est indifférente au temps qui passe. Cet "avant-gardisme perpétuel" vient s'inscrire dans l'expression aboutie d'une spiritualité dans l'art que Kandinsky avait déja rencontrée et signalée comme essentielle dans l'abstraction. Après que Malévitch ait posé les premières pierres de l'art abstrait à l'aube du XXème siècle, aujourd'hui le chemin parcouru nous montre que l'abstraction est bien sans limites et le restera grâce à la sauvegarde de son sens profond,  tel que Cyre de Toggenburg, nous le démontre. En 2016 son talent à été tout particulièrement mis en relief par les Editions des musées et de la culture, EDMC, qui ont voulu l'honorer du Trophée d'Artiste de l'Année. A travers cette peintre et ses recherches sur la "peinture spirituelle" c'est en fait l'art abstrait dans son ensemble, dans ses expressions supérieures, qui est une nouvelle fois reconnu ici.

 

Artistes d'Honneur de l'Année 2016


Achalezay, peintre (voir texte en page

Achalezay, peintre (voir texte en page "Vie des Arts")

Achalezay,

Achalezay, "Nu de Coquelicot", peinture

Achalezay,

Achalezay, "Comètes", peinture

la peintre Achalezay, ses oeuvres sont exposées à la Galerie du Musée des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg Санкт-Петербу́рг, seconde plus grande ville de Russie.

la peintre Achalezay, ses oeuvres sont exposées à la Galerie du Musée des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg Санкт-Петербу́рг, seconde plus grande ville de Russie.

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la peintre Achalezay a reçu le Trophée Art et Styles 2016

la peintre Achalezay a reçu le Trophée Art et Styles 2016

Ici la peintre Achalezay, lors de la cérémonie de remise du Diplôme d'Authentification du Trophée 2016

Ici la peintre Achalezay, lors de la cérémonie de remise du Diplôme d'Authentification du Trophée 2016

Lors de sa cérémonie protocolaire Achalezay ici, au côté d'Alain Délic, artiste international appelé le

Lors de sa cérémonie protocolaire Achalezay ici, au côté d'Alain Délic, artiste international appelé le "peintre des étoiles" en Chine

Achalezay, une artiste qui incarne la rencontre sur la toile du talent et de l'imaginaire, son style entre le  réel et l'irréel peint un surréalisme contemporain.

Achalezay, une artiste qui incarne la rencontre sur la toile du talent et de l'imaginaire, son style entre le réel et l'irréel peint un surréalisme contemporain.

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____________________________________________________________ Pictures ▼ Text ▼ PANORAMA 2016 - "Contemporary Art and Styles" - "Aspects of Contemporary Art 2016" See translations in English in this pages of the website


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-1- Régine BAZIN,

-1- Régine BAZIN, "Mystères du Monde" (style "Optosuggestivisme" abstraction, peinture numérique)

-2- Régine BAZIN,

-2- Régine BAZIN, "Nuit Secrète" (style "optosuggestivisme" figuration interprétative, peinture numérique)

-3- Betty de RUS, peintre,

-3- Betty de RUS, peintre, "Carnaval" (Style abstrait lyrique)

-4- Betty de RUS, peintre, Marine abstraite, (Style paysagisme abstrait)

-4- Betty de RUS, peintre, Marine abstraite, (Style paysagisme abstrait)

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-5- ACHALEZAY, peintre,

-5- ACHALEZAY, peintre, "Nu de Coquelicot", (Style figuration interprétative poétique)

-6- ACHALEZAY, peintre,

-6- ACHALEZAY, peintre, "Comètes" (Style figuration interprétative)

-7- Iga GIELNIEWSKI, sculptrice, céramiste,

-7- Iga GIELNIEWSKI, sculptrice, céramiste, "La Mort ouvre sur la Vie", (Style figuration lyrique narrative et allégorique)

-8- Iga GIELNIEWSKI, sculptrice, céramiste,

-8- Iga GIELNIEWSKI, sculptrice, céramiste, "Le Partage" (Style figuration lyrique narrative et allégorique)

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-9- Emile VAN LONG, peintre, chercheur,

-9- Emile VAN LONG, peintre, chercheur, "Léonard de Vinci et la Joconde - Hommage" (Style "peinture en cloisonné" ) Oeuvre de recherche tactile incluant du braille

 -10- Emile VAN LONG, peintre, chercheur, Hommage à Leonard de Vinci

-10- Emile VAN LONG, peintre, chercheur, Hommage à Leonard de Vinci "La Joconde en peinture en cloisonné "

-11- Jo MERMET, peintre,

-11- Jo MERMET, peintre, "Le Printemps", (Style abstrait)

-12- Jo MERMET, peintre,

-12- Jo MERMET, peintre, "Compote de Fruits", (Style figuratif)

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-13- Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste,

-13- Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste, "Vague" 1 (style figuratif académique)

-14- Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste,

-14- Annie d'HERPIN, peintre aquarelliste, "Vague" 2 (style figuratif académique)

-15- Cyre de TOGGENBURG, peintre,

-15- Cyre de TOGGENBURG, peintre, "Hommage à Rothko" (Style de l'artiste "Peinture Spirituelle") Abstraction.

-16- Cyre de TOGGENBURG, peintre,

-16- Cyre de TOGGENBURG, peintre, "Free-Minded Liberty" (Style de l'artiste "Peinture Spirituelle") Abstraction.

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-17- Toshio ASAKI, peintre

-17- Toshio ASAKI, peintre "Paysage au Japon", (Style figuratif, apparentable en France à une forme d'impressionnisme)

-18- Toshio ASAKI, peintre

-18- Toshio ASAKI, peintre "Jardin Japonais à Kyoto, Japon", (Style figuratif, oeuvre apparentable en France à une forme d'impressionnisme-abstrait)

-19- Alain SIRABELLA, peintre,

-19- Alain SIRABELLA, peintre, "Mode" 1 (Style art significatif, affichiste, découpages et collage, lacérations, parfois ajouts de peinture) Esthétique du signe.

-20- Alain SIRABELLA, peintre,

-20- Alain SIRABELLA, peintre, "Mode" 2 (Style art significatif, affichiste, découpages et collage, lacérations, parfois ajouts de peinture) Esthétique du signe.

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-21- Gérard SUISSIA, peintre,

-21- Gérard SUISSIA, peintre, "Paysage abstrait urbain", (Style nouveau paysagisme abstrait), esthétique du signe, art significatif

-22- Gérard SUISSIA, peintre,

-22- Gérard SUISSIA, peintre, "Paysage abstrait urbain", (Style nouveau paysagisme abstrait), esthétique du signe, art significatif

-23- Christiane BROUSSARD, peintre,

-23- Christiane BROUSSARD, peintre, "Abstraction Marine" 1 "Style Paysagisme abstrait portuaire en chromatisme restreint"

-24- Christiane BROUSSARD, peintre,

-24- Christiane BROUSSARD, peintre, "Abstraction Marine" 2 "Style Paysagisme abstrait portuaire en chromatisme restreint"

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-25- Isabelle GELI, peintre,

-25- Isabelle GELI, peintre, "Marine abstraite" 1 (Style abstrait géométrique)

-26- Isabelle GELI, peintre,

-26- Isabelle GELI, peintre, "Marine abstraite" 2 (Style abstrait géométrique)

-27- Alain DELIC, peintre,

-27- Alain DELIC, peintre, "Eruption Chromosphérique" (Style abstrait)

-28- Alain DELIC, peintre,

-28- Alain DELIC, peintre, "Eruption Chromosphérique XI" (Style abstrait)

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-29- Georges CASTILLE, peintre, plasticien, sculpteur,

-29- Georges CASTILLE, peintre, plasticien, sculpteur, "Charleston" (Style contemporain matiériste)

-30- Georges CASTILLE, peintre, plasticien, sculpteur,

-30- Georges CASTILLE, peintre, plasticien, sculpteur, "Vendée Globe" (Style contemporain matiériste)

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The styles and trends evolve this year, around an ever-increasing increase in enthusiasm for the arts. There is a strengthening of the exhibition activity on the national level with exhibitions and artistic fairs always in greater number and the phenomenon of digital communication in full development participates to strongly mediate these events. On Europe and in particular on the international extra-community the approaches of artists remain more cautious to export. The organization of international exhibitions requiring a lot of preparation and therefore more time. On the whole, there is an intensification of artistic practice in quantitative terms, in pictorial or sculpture, in the various disciplines of Fine Arts, such as appears clearly on the Internet, new media or social networks. More and more artists sites are present on the web with the evolution in recent years towards the self-administration of art sites and pre-built websites facilitating the aesthetic competition of artists. There is a proliferation of artists in all areas of the arts. Creators of all levels, often relying on the enhancement of their work by technology, digital. It is a good for the practice of art in general, it remains more ambiguous for the collectors, the gallery owners or the art market which tends to a certain restraint, to see to close more and more on him Even in the face of the present multiplication of contemporary works of art and of which they do not have sufficient references of evaluation despite the efforts made by the experts.

 

For several reasons, Éditions EDMC has set up several selective events such as "Artists of Excellence Talents of the Arts of Today", "Arts Vivants on the Côte-d'Azur" "Grands Pinceaux de France" As well as various exhibitions and contests of Contemporary Art, in order to reveal talents and help decision-making in the world of art and culture, for exhibition structures, decision makers, galleries or Curators of museums, but also auctioneers and experts, companies, as well as for the great collectors who ultimately make art. Let us not forget the public and private art schools that still need to update their documentary resources to train youth in the arts. Editions EDMC strives to accomplish in France, and on the International, a number of events for the emergence of new talents or more confirmed talents capable of conveying a certain modernity, an avant-garde, to propose Innovative and well-founded approaches, and even for certain artists, through their styles and themes to maintain the survival of an artistic heritage (academic figuration, impressionism, surrealism, abstract landscaping ...).

 

Régine Bazin shows with digital art, (1) and (2) - The numbers correspond to the works above - the digital painting, that the questions related to the styles and the choice of the subjects remain the same Digital art or painting on canvas or paper, the aesthetic approach is essential and the stylistic orientations determining. Or Régine Bazin shows an approach that lies beyond the divisions figuration -abstraction. A tendency is spreading for many artists not to be confined in a figurative or abstract expression, but who consider that they must remain free from their creative intentions. An "out-of-style" trend that aims to "debunk" creativity. In abstraction the non-figurative will shares this interpretive territory with the abstract expressions of the landscape. The digital painter Régine Bazin invented "Optosuggestivism", a style and a concept. It is the immediate or more delayed impact that the work can "suggest" to the viewer, from its first approach, or as it contemplates the work.

 

If Alain Delic (27), (28), for his part evolves in a "chromospheric" abstraction that lets his energy express itself through his canvases, his abstract expressions translate a "cosmic" feel, whereas in a very different way Betty de Rus, will express the landscape in a sensitivity which nevertheless remains in connection with Nature, at the level of felt by the visuals, in painted interpretations putting in osmosis its feelings and corresponding "geomorphic" sensations (4). The painter Christiane Broussard, in her landscape abstraction, will like to remain in connection with Nature, in her abstract landscapes (23), (24) going into feelings, between abstract impressionism and abstraction, highlighting certain graphic characteristics of the landscape Especially port or marine, to create referent sensations, proposing meaning, based on clues extrapolated from the real. Notably with its "marine abstractions". Isabelle Géli comes, to give us an abstract version of the port where the legibility is accentuated in her contemporary "abstractised" landscapes interpreted, appealing to an imaginative impressionism abstract and geometric. It develops in 2016 a painting with a style of a personal abstraction, accessible and open to the general public. One observes in trend a figuration freed from the constraints of the fidelity to the nature to be deployed years after years with constancy. This does not hinder the figurative movements in keeping with the landscape, marines, artists who have chosen to stay closer to Nature as evidenced by the academic figuration of the watercolor painter Annie d 'Herpin and her paintings of waves (13), (14). Here the interpretation of Nature is expressed by the feeling before the real and the artist tries to make the atmosphere closer to the visible. Truth of the landscape, but moreover the technicity comes to take the relay to say the emotion, in terms of representation in identity of the real. Impetuous waves, crests of blades crashing on the reefs ... poetics has its place too.

 

The painter Toshio Asaki, works more on the visual accentuations of the landscapes with an impressionist grammar, which makes a filtering of the motif by the inner sensitivity which will restore it amplified, exalting the intrinsic poetry. An approach to give meaning to the essential characteristics of colors under the light, i(17) or to construct with nuance or contrasts the image-idea of ​​this “Japanese Garden”. Here Toshio Asaki, sublimates his emotional preferences, to make us share the immanent essential that only his artist's eyes can see and then he can show us that thanks to the tools of language of the artist that are his brushes. The abstract painting of Cyre de Toggenburg (15), (16) remains an abstraction of the sensible, she goes beyond the codes of expression by the sign to go towards sensations felt both by the painter and produced by his painting, In a dynamic homothety that creates her universe. (15), (16) An artist who advances art on the paths of fundamentals.The "spiritual" painting of Cyre de Toggenburg is a form of fundamental research on art, on timeless art.  painting does not sacrifice anything to the fashions, from Malevich, Kandinsky and his "From the Spiritual in Art", through Rothko and his meditative monochromes, we note today with this painter  Cyre de Toggenburg, an obvious progress in the furrow of research Fundamental in the art and aesthetics; What is painting ? What is art ? This since the dawn of times ... This painter and researcher in art, through her contemporary canvases brings to those who wants well,  other possibilities to understand art, with  objective and authentic answers. A progress that we were able to identify in 2016.

 

Gérard Suissia maintains and continues to develop osmosis writing with abstract art in painting, (21) (22), his interpretation of writing in the sense of abstraction creates a new style of urban abstract landscaping. His perseverance in this style now puts him at the forefront of the international Significant Art movement. Through his painting, he has given a constructive and educational debate on contemporary art in China. His style is known in major art universities of North (Hebei, Tianjin) and in the Chinese capital Beijing. Great Chinese art teachers have studied his style. We can conclude in 2016 that there is in this painting a progress of aesthetics. Another artist, the painter Alain Sirabella (19), (20), practices an abstract theme, with works around fashion, art and the sign, with recourse to the cutting of collage, some connotations of lacerations, superpositions, harmonies of colors, added sometimes with touches of paint. He manages to create a dynamic animation in the work-of-art. : A type of painting intelligent, with interactivity, a visual artist who seduces the viewer, the public always reserves the best welcome to this artistic expression.

 

The approach of the painter Achalezay (5), (6) carries a synthesis which appears with his canvases "Nu de Coquelicot" (5) and "Cometes" (6). The painting "Nu de Coquelicot" presents the marriage of the floral and a figurative representation of a bare body, when a petal becomes the anthropomorphism of an elegant female body... Nature remains the place of predilection for suggestive and sensitive projections of forms. The artist Achalezay has succeeded in bringing with infinite delicacy this "appearance" of a body in a petal, seeing a petal in the form of a body ... It is a new magnificence of Nature that brings this work of art of Achalezay, which radiates an attenuated surrealism with a superb poetry. With "Comets" the artist proposes an originality of stylistic symbiosis. In "Comètes" the painter takes us between a fantastic Impressionism and a figurative expression open on Surrealism. The inclusions of brilliants, representing the comets, give a real and unreal visual connotation at the same time. Talent and imagination in art, reveal the painter Achalezay in this year 2016, as an artist at the heart of creative contemporary pictorial innovation.

 

Iga Gielniewski (7), (8) brings us a lyrical, poetic work with a style of sculpture that marks a new form of statuary expression. A colorful ceramic palette that high auriferous decorate with light, serving also a mysterious symbol, between signs, allegories of ancient Egypt and updated representations that can come from the depths of the unconscious. A strange ideographic repertoire in support of an anecdotal narrative, in the hidden sense, makes his works rebuses, stories to understand, finding keys of entry, in a universe of chance and divination. Iga Gielniewski gives us a whole culture such as an immense understatement, which she explains in her own way, in her work to be decoded, when the evidence is not what it appears, but rather The fruit of causality, when the future is fruit of the lessons of the present. A major work, which has no current equivalent to our knowledge, as much by the aesthetic contribution in terms of scenography, meaning and sign. The various visual points of his sculptures, différents faces, are so many episodes of the history that the work-of-art contains... Far from all influences of Niki de Saint Phalle, the painter and sculptor Iga Gielniewski, however, also expresses the importance of the role of women, at each stage of women's lives, the role of women in society.


The painter Jo Mermet, painted in a register of meticulousness and "beautiful work". It is a very particular stylistic variety and the work of art of the artist Jo Mermet, (12), poses an aesthetic questioning while being remarkable for the delicacy of the work. Realizing a real "tiling" with the brush, in fact an infinity of small checkerboards. The artist expresses his subjects in the heart of transparencies with overlays of painting images, a work luminous and complex. Going as well on the register of the figurative with "Compote de Fruits" (11), as of the abstract, "Le Printemps" (12), Jo Mermet confirms the duality of styles, in coexistence, in the works of artists of today, as we were able to evoke this, previously, with Régine Bazin. Jo Mermet manages to combine "geometric" and "lyrical", square and line in an expressive synergy.It is ultimately a basic grammar, well posed as a fundamental support, allowing this artist to keep a strong personality,  "his personal touch" while going from a figurative style to another abstract style. Jo Mermet shows that the force of a pictorial grammar can then "transcend" different figurative (11) or abstract (12) styles, to produce a global style, evoking what might be the power of a cultural imprint, touching the dialectic of the decorative and the cultural.

 

The painter Van Long (9), (10) marks this year by the quality of his work. Painter, creator of the so-called "cloisonné" painting, he turned with this painting in cloisonne, painting of the touch, of tactile works, towards a step to help the visually impaired. Indeed it is possible to follow the smallest details of his works by touching the painting, caressing the canvas one follows the lines in relief of the subject that is painted. This work remains for all audiences, and will allow in the future that his works can be touched by the public in museums. It is by a great inovation at a time when the works are very protected from the contact with the public in the museums. The painter Van Long is the creator of a new form of works-of-art for museums. Palpable works with hands and so, by all categories of audience, all spectators. It is by this means that the researcher in art Van Long, thinks build bridges in society between all persons including the visually-impaired art lovers who may have a reason to go to a museum too. From then in museums this painting will be not only for the vision but also for touching, feeling by hands by everybody, in fact a new painting for all people, Van Long fund of a new "Tactile Art" and wants to show that there can be a "Tactile Art" that can be universal for all individuals in the same society. A new way of art, including the visually-impaired in a social global logic for the discovery of art. Van Long wants to opening also a new way strengthening the links between all individuals in society and give by his work a new sense at the universality of painting. It should be noted that Emile Van Long, in his researcher's approach, also wanted to learn braille language, in order to complete some of his tactile paintings, using handwriting and describing them, thus better feeling, better understand the world of the visually-impaired. A thorough and complete approach, a research which today gives rise to high-level works.

 

The master Georges Castille (29), (30), painter, sculptor, visual artist, has mastered several techniques, drawings, painting, sculpture, wood, colors, brightness, varnish, to go on subjects that are in 3D formulation, In relief, with additions of elements, inclusions of tissues or textures, in relation to the subject. A work with perfect finishes that reflect at the same time the talent and the rigorous work that could lead to these works which are always the admiration of the spectators. A concern for continuous perfection at Georges Castille, give each of its creation a quality of masterpiece.  

 

                                                                                                               © EDITIONS EDMC 2016

 

 

Actualité des styles et tendances dans l'art international 2015
■ Evènement artistique EDMC exceptionnel à PEKIN "国际当代艺术潮流和风格" 介绍当代艺术家的作品及其风格 欧洲 - 文化和博物馆出版社EDMC 国际艺术机构 主办 STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL A PEKIN ▼


■VIDEO Cliquer sur l'image ci-dessus pour voir l'émission d'actualité de la TELEVISION CENTRALE CHINOISE C.C.TV. sur les artistes contemporains européens présentés en Chine par les Editions EDMC

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PEKIN:  PROCLAMATION DES RESULTATS 2015

PEKIN: PROCLAMATION DES RESULTATS 2015

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REPORTAGES SUR LES PRESENTATIONS D'ARTISTES A PEKIN EN 2015 

 

"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL" Chine, PEKIN DECEMBRE 2015

Organisé par les Editions des muséees et de la culture EDMC.

Rencontres artistiques annuelles pour la mise en relief de la création contemporaine et des stylistiques innovantes. Les Editions EDMC, proposent  une véritable "muséologie d'actualité" qui sait conjuguer à la fois d'une part la dimension humaine et sensible qui entoure l'oeuvre-d'art et d'autre part, le multimédia, les technologies de la communication, cela pour la plus grande diffusion des talents vivants des arts d'aujourd'hui, par une nouvelle forme de présentation "hors les murs", cela, dans ces conditions exceptionnelles que nous offre notre XXIème siècle naissant.

 

在绘画艺术、数码艺术、雕塑艺术领域,正如在广义上当代艺术创作领域一样,具有才华的艺术家越来越多。如今创作、风格、美学原理之间不再有界限。21世纪是一个新的世界性艺术馆学的世纪。图像在推广艺术知识方面起到前所未有的重要作用。文化和博物馆出版社(EDMC)由此应运而生...... “国际当代艺术潮流和风格”是一次国际性的多媒体艺术盛会,此次国际艺术盛会将通过美学艺术介绍和赏析,向您呈现出当代艺术潮流和新兴艺术风格。 Antoine ANTOLINI

 

 

PEKIN (Chine) 2015


Palmarès des Rencontres artistiques

Palmarès des Rencontres artistiques "Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN 2015. © Editions EDMC

Novotel Beijing Peace Chine 2015

Novotel Beijing Peace Chine 2015

Novotel Beijing Peace Chine 2015

Novotel Beijing Peace Chine 2015

Rencontres artistiques

Rencontres artistiques "Styles et Tendances dans l'Art International" PEKIN 2015.

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该盛会可称为“艺术报道”,它将艺术作品所传递的人文情感和新的数字成像、通信技术结合起来。21世纪初,新数字媒体技术的高速发展,使艺术作品得以摆脱艺术馆和画廊的地域限制,正是基于此,EDMC出版社提供了一种新的作品展现形式,以便最大程度上宣传当代艺术人才。

为凸显2015“国际当代艺术潮流和风格”主题,活动邀请了极具才华的艺术家,他们的创作各具特点。Antoine Antolini 2015

 

■ PALMARES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2015 Chine PEKIN 2015"


Ont obtenu: Le Grand Prix International des Arts, étoilé Tendances, PEKIN 2015 : Les artistes suivants:


■ Alain DELIC, peintre, style abstrait. Grand Prix International des Arts étoilé Tendance, PEKIN 2015. Peintre européen d'honneur à Pékin 2015


présentation du peintre Alain DELIC

présentation du peintre Alain DELIC

le peintre Alain DELIC expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre Alain DELIC expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

DECEMBRE 2015. Ici le peintre Alain DELIC, recevant à Pékin, le Grand Prix International des Arts, étoilé Tendance, PEKIN 2015.

DECEMBRE 2015. Ici le peintre Alain DELIC, recevant à Pékin, le Grand Prix International des Arts, étoilé Tendance, PEKIN 2015.

Grand Prix International des Arts étoilé Tendance PEKIN 2015

Grand Prix International des Arts étoilé Tendance PEKIN 2015

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Le peintre Alain DELIC a fait spécialement le déplacement depuis la France où il réside durant l'année, pour présenter ses œuvres dans la capitale chinoise. Après une carrière en Australie et en Europe, ce peintre international se positionne actuellement dans le contexte artistique chinois. Une exposition l'an dernier , en 2014, toujours en Chine a été un succès et a contribué à y faire connaître l'artiste sous les vocables de "peintre des étoiles". Le maître a décidé de revenir en 2015 à PEKIN pour être présent durant le "Styles et Tendances dans l'Art International" 2015 qu'il a illuminé de son grand talent, accueilli dans cette "Grande Rencontre des Styles" à PEKIN comme peintre d'honneur européen. Il a obtenu à l'unanimité du Jury international le Grand Prix International des Arts de PEKIN 2015 "Étoilé Tendances". Il s'agit d'une marque d'honneur suprême qui a pour objectif de consacrer une carrière internationale de haut niveau pour le peintre, mais aussi de témoigner un signal artistique lorsqu'il y a l'évaluation d'une émergence de tendance dans les arts, suffisamment explicite. Alain DELIC incarne sur l'international, la tendance d'une peinture abstraite de l' « énergie cosmologique ». Il a creusé une trace profonde, tel un sillon nouveau: sa peinture et son style sont désormais gravés dans l'art contemporain international de notre époque.

 

Tendances artistiques internationales 2015 : Alain Delic, pose la problématique de la représentation de l'infini cosmique et reflète la mouvance de courants picturaux qui donnent un nouveau sens à l'abstraction au XXI ème siècle. En complément des photos qui peuvent être prises par les satellites ou par les sondes spatiales, par les télescopes électroniques de notre siècle, une certaine abstraction prolonge au-delà, cette quête de l'image ultime de l'infini par l'impulsion créative. La science, montre les représentations de l'infini accessibles par des photographies du réel, et aborde ainsi une iconographie nouvelle. Ces photographies apparaissent parfois comme des œuvres abstraites au niveau du signe, de leur sémiotique au regard de la peinture abstraite. (Sujets narratifs évanescents, formes fugaces des nébuleuses voilées de couleurs diaphanes...) Par le concept du pictural, avec des supports et des couleurs, avec Alain Delic, la peinture abstraite contemporaine reprends la main, et recentre sur son territoire de l'abstrait, intuitif, imaginaire, ou interprétatif, tout ce que la science pourrait arracher à l'abstraction par la photographie astronomique. Alain Delic, incarne cette tendance qui renvoie l'imagerie astrale photographique dans ses propres critères hyperréalistes. Le peintre Alain Delic recentre le discours pictural abstrait métaphysique, il repositionne le rôle démonstratif majeur qui appartient au peintre abstrait face à l'infini invisible et à ses représentations. Ceci au moyen des sensations humaines et de l'interprétation évocatoire des possibles. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015.  

 

 

 

■ Régine BAZIN, peintre numérique. Grand Prix International des Arts étoilé Tendance, PEKIN 2015


Régine BAZIN, peintre numérique

Régine BAZIN, peintre numérique

Régine BAZIN, peintre numérique

Régine BAZIN, peintre numérique

Régine BAZIN, peintre numérique

Régine BAZIN, peintre numérique

Grand Prix International des Arts étoilé Tendance PEKIN 2015

Grand Prix International des Arts étoilé Tendance PEKIN 2015

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VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre numérique Régine BAZIN à PEKIN 2015

VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre numérique Régine BAZIN à PEKIN 2015

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PEKIN 2015. Régine BAZIN (France) est une artiste contemporaine des arts numériques. Régine BAZIN s'efforce de réconcilier pigments et pixels, lumière en clairs-obscurs et rétro-luminosité intense, créant ses peintures numériques au travers des cristaux liquides, au coeur des écrans. Elle réalise dans sa nouvelle génération de computer artist, des œuvres à partir de logiciels complexes, qui permettent de travailler autrement dans l'art, sur des formes, des graphismes, sur des éléments à maîtriser qui seront constitutifs d'une oeuvre-d'art avec des références visuelles absolument novatrices. La capacité créative de l'artiste dans ce domaine est très importante. A Pékin pour mieux faire connaître son style, trois œuvres caractéristiques sont présentées successivement, « Orion » , « New abstract painting III» , « Songe de Rose ». Les œuvres de Régine BAZIN se situent dans une nouvelle mouvance qu'elle impulse, une nouvelle tendance qu'elle initie dans le numérique, qu'elle nomme peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive Digital Painting".

 

Tendance 2015 : Régine Bazin défend avec talent une nouvelle dimension pour l'art numérique. Elle accentue avec sa créativité la reconnaissance du travail artistique accompli à partir de logiciels et affirme la pleine vérité esthétique de l'œuvre-d'art conçue grâce avec les moyens issus du technologique. Régine Bazin porte aux premiers rangs dans l'art non seulement, dans le numérique mais dans l'art contemporain en général, la nouvelle notion de l'image numérique oeuvre-d'art visuelle à part entière. L'artiste rend encore plus évidente au plan international, la prise en considération de composantes techniques qui ont vocation a être indissociables de la création et sont devenues outils de création. Régine Bazin démontre comment l'œuvre-d'art peut-être reçue différemment par les spectateurs. Régine Bazin avec la mouvance créative de sa peinture numérique "Optosuggestive" ou "Optosuggestive" Digital Painting qu'elle impulse, fait entrer plus globalement l'art contemporain en général dans de nouveaux horizons. Ceux qui se dessinent autour de la prise de conscience quant à la portée esthétique de l'art numérique dans nos sociétés. Une conception, une tendance nouvelle hors des sentiers battus, une recherche de plusieurs années sur l'art numérique, qui ont permis à la peintre numérique Régine Bazin d'obtenir à Pékin le Grand Prix International des Arts « étoilé Tendance » qui marquera définitivement la présence incontournable cette grande artiste dans l'art numérique. Ce Grand Prix International signale un progrès nouveau identifié par « Styles et Tendances dans l'Art International » PEKIN 2015 , pour la compréhension des nouvelles formes d'art contemporain. Régine Bazin artiste peintre numérique française se situe ainsi aujourd'hui, aux toutes premières places de la création numérique contemporaine internationale. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015. 

 

 

 

■ Gérard SUISSIA, peintre, style abstrait. Grand Prix International des Arts étoilé Tendance, PEKIN 2015


présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

présentation du peintre Gérad SUISSIA à Pékin 2015

Grand Prix International des Arts étoilé Tendances PEKIN 2015

Grand Prix International des Arts étoilé Tendances PEKIN 2015

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PEKIN 2015.  Gérard SUISSIA était déjà connu depuis plusieurs années en Chine, avant d'obtenir le Grand Prix International des Arts « étoilé Tendances » Pékin 2015. Son style et sa peinture ont été présentés à plusieurs reprises dans la capitale ainsi que dans des conférences artistiques. Chez Gérard SUISSIA le sens et le signe se rejoignent en un ensemble unique, pour produire une œuvre-d'art à part entière. Un style nouveau et différent sur l'international. Gérard SUISSIA innove une nouvelle forme de paysage abstrait, construit avec avec des mots, des lettres, qu'il désigne comme de «l'art significatif». Sa persévérance a été récompensée par la remise d'un Grand Prix International des Arts étoilant la tendance qu'il impulse, obtenu lors du «Styles et Tendances dans l'Art International, Pékin 2015». Son travail est une réflexion qui fait avancer l'art en général, mais également d'un point de vue esthétique, car l'artiste donne un autre sens au mot peindre, lorsque l'on parle d'abstraction. Ceci en utilisant l'écriture dans un autre système sémantique et sémiotique, celui de l'art abstrait contemporain et de l'esthétique. Lorsqu'il utilise l'écriture cet artiste crée avec les mots et les noms de rues une autre forme d'abstraction du paysage urbain, citadin.


Tendances artistiques internationale PEKIN 2015 : L'écriture dans la peinture reprend un autre statut. Gérard Suissia a toujours considéré l'abstraction comme une manière d'interpréter le réel, le visuel direct. Lorsqu'il utilise l'écriture et qu'il pose des noms de rues sur ses toiles, il ressent profondément le sentiment d'être toujours dans cette démarche abstraction, pour reporter sur la toile la sensation paysagiste. Une abstraction nouvelle, différente, l'expression du paysage est capturée par le sens et le signe, pour la mettre en forme picturale avec un nouvelle logique d'art abstrait. Un style fort, qui exprime une grande modernité de vision, des graphismes aux signifiants abstraits et pourtant lisible et intelligibles pour un concept qui décloisonne la linguistique et l'esthétique en un véritable progrès de l'art contemporain. Un style qui redéploie l'approche « in abstracto », questionne la non-figuration, l'art tout entier du siècle, il ouvre la voie à nos générations curieuses et en attente de nouveaux fondements du pictural pour évoluer encore plus. Gérard Suissia redonne son sens d'abstraction initial à l'écriture et lorsqu'il positionne l'écrit dans le tableau, dans la peinture sur la toile, le sens y est posé « in abstracto » dans une simultanéité avec les signes graphiques porteurs du sens et des couleurs, des formes. C'est un tout abstrait coloré qui s'épanouit sur le tableau.Avec ses toiles Gérard Suissia renouvelle l'approche paysagiste dans l'abstraction. le style de Gérard Suissia modélise sur le plan international une nouvelle génération d'artistes qui ont su faire usage des graphismes et des écritures au titre d'éléments plasticiens essentiels, incorporés à leur peinture pour donner une nouvelle dimension à l'art, dépasser les frontières d'un pictural « stricto-sensu ». Gérard Suissia maîtrise parfaitement les conditions picturales et linguistiques de cette nouvelle esthétique. Il a su faire entrer l'écriture en tant que telle dans l'abstraction,dans la composition d'une nouvelle forme d'abstraction. Avec l'écriture , la toile est support pour créer des sensations nouvelles au-delà de ce que peut produire « l'écrit message » au-delà de l'écriture poétique « illustrative » ou « sensible » au delà d' utilisations uniquement « sémiotiques » dans l'abstrait général; Ici nous sommes avec cette Tendances Suissia 2015 , dans le sens et le signe, un nouveau paysage abstrait de la ville. Une référence dans le cadre international, avec une nouvelle acception de l'écriture en nouvelle fonction d'abstraction dans la peinture contemporaine. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015.

 

 

Suite du Palmarès - Rencontres "Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015"


多媒体的创新艺术展现:

通过大屏幕高清投影进行艺术作品及其风格展示,由EDMC播放音视频资料,最后会以文字、图片和纪录片的形式通过网络和电视频道进行报道。

 

Ont obtenu: Trophées internationaux des arts:


■ Nadette TOURNIER , peintre, style surréalisme-abstrait. Trophée international des arts de Chine 2015.


présentation de la peintre Nadette TOURNIER

présentation de la peintre Nadette TOURNIER

présentation de la peintre Nadette TOURNIER

présentation de la peintre Nadette TOURNIER

présentation de la peintre Nadette TOURNIER

présentation de la peintre Nadette TOURNIER

Trophée InternatIonal des arts de Chine 2015

Trophée InternatIonal des arts de Chine 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre abstraite Nadette TOURNIER.

VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre abstraite Nadette TOURNIER.

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PEKIN 2015. Les œuvres de Nadette TOURNIER ont marqué les rencontres « Styles et Tendances dans l'Art International de PEKIN 2015 » il en émanait, en particulier, une grande maîtrise des nuances diaphanes, qui ont emporté l'enthousiasme et des appréciations élogieuses dans l'auditoire. Son travail à « l'huilerelle », qui est sa spécificité technique, produit des effets d'une grande douceur et une atmosphère originale, révélant une artiste internationale confirmée et parvenue aujourd'hui, au sommet de son art. Les œuvres de cette artiste européenne, française, ont été présentées devant le Jury international franço-chinois et l'on a pu assister à une mise en relief d'un style plein de nuances, de naturel, d'aisance de réalisation. Chacun dans le public, aussi bien français que chinois, a ressenti la maîtrise de cette peintre. L'artiste pratique l'art pictural avec délicatesse pour donner des effets raffinés, aboutissant à d'autres visions, à une autre faculté de faire voir les couleurs au regard du spectateur. Un travail esthétique qui révèle une sensibilité, un geste de peindre inné, mais aussi beaucoup de travail pour arriver à de telles harmonies de couleurs. Ainsi devant les œuvres de Nadette TOURNIER, le spectateur, est amené jusqu'aux limites d'un magnifique rêve, vrai de formes et de couleurs. A PEKIN, Nadette TOURNIER a obtenu à l'unanimité la suprême récompense au travers de l'attribution du Trophée International des Arts de Chine, qui vient couronner non seulement les efforts de nombreuses années de recherche dans l'art , mais également une aptitude à élever par la peinture la vision de l'art, en même temps le cœur et l'esprit du spectateur avec un style libéré de courants picturaux et qui inclus le poétique. Un style ouvert à l'art contemporain, à la beauté, à la poésie, au-delà de toutes frontières de genres picturaux, de stylistiques ou de pays.


Le style de Nadette Tournier a été présenté au travers de « Hommage à Turner »(30x40cm). « Mélodie Marine » (60x75cm), « La Lune» (40x32cm) Il s'agit de créations selon un procédé à « huilerelle » qui est une technique novatrice de peinture créée et pratiquée par l'artiste, qui permet notamment d'appliquer les pigments sur le support avec un très grande délicatesse, pour de multiples effets très nuancés, mais que seule la dextérité experte de la peintre peut permettre de mener à bien, pour en faire une oeuvre-d'art. L'« Hommage à Turner » présente un style, qui utilise la figuration, le paysage, comme prétextes à une élévation au-delà des ressentis visibles premiers, pour aller vers une interprétation en pontage, entre surréalisme, impressionnisme et parfois aux limites de l'abstraction. Avec cet « Hommage à Turner », c'est une œuvre d'art puissante d'évocation, d'histoire de l'art européenne, qui est proposée en Chine. Celle-ci montre, dans un prolongement personnel, à la façon de Nadette Tournier, l'extraordinaire sensibilité qu'il faut pour peindre, mais également, comment dans la lignée des grands Maîtres de l'art, il est possible de traiter cette frontière entre le visible et la sensibilité ultime, entre réalité et intuition du vrai. Cet « Hommage à Turner », par Nadette Tournier, à sans nul doute joué un rôle décisif dans l'attribution du Trophée International en Chine, lors de ce Styles et Tendances 2015 à PEKIN . On peut le penser pour deux raisons : tout d'abord le sujet que l'artiste avait souhaité peindre était audacieux, ensuite il faut dire que cette œuvre est très réussie au niveau esthétique, car elle possède, en elle-même, une évanescence, des nuances diaphanes très subtiles, surtout une finesse des aspects voluptueux de brume, qui se confondent à un sol, aux végétaux étranges entre visible et intuition. C'est bien sûr cette extraordinaire interprétation d'un paysage à la façon de Nadette Tournier, certes un hommage au grand Turner, mais l'artiste a su employer ses propres moyens avec un tel talent, ses propres techniques, sa grammaire. En fait cela à plu au Jury. Son œuvre « Mélodie Marine » (huilerelle, 60x75cm), a confirmé le style enlevé, maîtrisé sur un autre registre, où Nadette Tournier se plaît à jouer d'une double lecture, à savoir entre style impressionniste et abstraction, avec le dénominateur commun du monde subaquatique qu'elle affectionne et qu'elle connaît bien. Ici encore une œuvre majeure qui ne pouvait que balayer les moindres hésitations restantes de la part du jury pour aller à l'attribution de cette récompense suprême. Ici , des bleutés, des blancheurs immatérielles, l'artiste les a superposées et atteint un paroxysme de finesse et de délicatesse. Il n'en fallait pas plus pour conquérir l'auditoire, qui a pu admirer le contrôle de ces plus imperceptibles et délicates nuances, que l'artiste offre dans cette œuvre, telle une fenêtre ouverte sur un monde merveilleux, inaccessible. Une « Mélodie Marine » fabuleuse où les harmonies de tonalités picturales, semblent se répondre en couleurs, comme autant d' harmonies musicales. L'œuvre « La Lune » (Huilerelle, 40×32 cm) témoigne quant à elle d'une sensibilité en pontage avec l'Asie. Une esthétique-lien, guidée par le poétique. Le raffinement abouti de l'acte pictural y est extrême et tendu ver le Beau. Nadette Tournier, dépasse ici le concept d'un pictural européen, comme évoqué avec « l'Hommage à Turner », pour aller, avec l’œuvre « La Lune », vers une universalité de sensibilité, au-delà des apparences, comme peut l'offrir la Nature. Une œuvre belle et ambiguë, qui montre un style aux immenses capacités d'abstraction et également ce talent de créer avec exactitude une inclusion, plus figurative, tel cet oiseau sur la branche, sur fond de lune ronde.  L'artiste sait ainsi faire entrer la poétique picturale, dans la composition. C'est en fait cette maîtrise que possède Nadette Tournier, de savoir par son style  connoter une œuvre, par un élément, un seul, pour faire basculer le tableau de l'abstraction vers le figuratif poétique. Nadette Tournier à compris tout le questionnement que soulève la poétique dans l'œuvre-d'art. Elle sait comment un existant infime poétique, peut, dans le pictural, faire aboutir le tableau à l'ultime limite du sensible, voire du raffiné. Le cas de son tableau intitulé « La Lune », nous montre que l'interprétation sensible, poussée à l'ultime par la simplification vers la beauté, peut être un liant, entre acte de peindre en figuratif, abstrait, ou surréalisme. Cette artiste a su poser, par le poétique, une passerelle entre les différents registres du figuratif jusqu'à l'abstrait. Elle va au-delà des clivages de ces styles, produisant une nouvelle approche artistique dans laquelle le « sensible » le « poétique » peut devenir synthèse immatérielle de l'œuvre-d'art, au-delà de toute contrainte de genre pictural ou de manière de peindre.

 

Tendances artistiques internationales PEKIN 2015. Nadette Tournier apporte dans l'art international une approche de progrès dans les expressions techniques des nuances et des constitutions esthétiques des paysages, par ses méthodes de peindre à l'huilerelle. L' expression de l'artiste contribue à une évolution de synthèse, dans les conceptions générales de l'art contemporain. La peintre réalise des œuvres avec la maîtrise de différentes manières artistiques, du figuratif à l'abstrait, de l'impressionnisme au surréalisme. Elle sait très bien choisir, aménager selon son objectif à atteindre, chacune de ces expressions artistiques, pour les doser dans ses œuvres. Elle réussit a réaliser une nouvelle façon de peindre. La sensibilité devient le lien entre ces différentes modalités d'expression picturales ; Nadette Tournier a créé un style de synthèse, décloisonné vers la recherche du Beau et du poétique. Ceci donne à cette artiste internationale l'aptitude à des œuvres en symbiose entre le visible et l'invisible, le compréhensible et l'intuitif, le rêve et la réalité. Cette « Tendance Nadette Tournier 2015 » qui ressort de la présentation de sa démarche artistique dans la capitale chinoise, peut se résumer ainsi; Nadette Tournier modélise un moyen actuel d'approche ouvert et créatif, de l'art contemporain. La peintre, tout en restant dans le respect des grands Maîtres qui ont su faire avancer l'art, par le passé, tel Turner, nous montre qu'il est possible de trouver un prolongement, dans sa propre voie aujourd'hui. Elle représente ainsi en ce début de XXIe siècle, une vocation des artistes contemporains à tendre vers une plus grande universalité. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015.

 

 

■ LIU YI, peintre, style abstrait. Trophée international des arts de PEKIN 2015.


le peintre chinois LIU YI expliquant sa démarche artisitique et son style

le peintre chinois LIU YI expliquant sa démarche artisitique et son style

le peintre chinois LIU YI lors de la remise des prix Styles et Tendances dans l'Art International à PEKIN 2015

le peintre chinois LIU YI lors de la remise des prix Styles et Tendances dans l'Art International à PEKIN 2015

LIU YI peintre abstrait chinois

LIU YI peintre abstrait chinois

Trophée International des Arts de PEKIN 2015

Trophée International des Arts de PEKIN 2015

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LIU YI, est un peintre de la nouvelle génération artistique chinoise. LIU YI est attaché à la tradition et aux lieux de son enfance, qui ont construit sa personnalité, façonné sa vocation de peintre. Pour lui en tant qu'artiste, il s'efforce de toujours rester en lien d'esprit avec sa région qu'il aime et refléter dans sa peinture les souvenirs, qui ont entouré sa jeunesse. Comme peintre contemporain, il a su marier la tradition ancestrale de la Chine Ancienne et une approche originale de l'art abstrait d'aujourd'hui. Il illustre et intègre dans son esthétique des notions  de la culture chinoise ancienne et contemporaine. Peintre de haut niveau, LIU YI, pratique une abstraction que nous pourrions en Occident appeler "gestuelle", toutefois une distinction importante intervient  ici, car il s'agit d'une gestualité pensée, réfléchie, et qui puise ses racines dans le passé lointain chinois. Un geste à la spontaneité calligraphique, certes, mais emprunt de valeurs intrinsèques profondes. Du geste calligraphique, au geste des arts martiaux, en passant par la gestualité du bras armé d'épée ou de lance, l'intervention de YIU LI sur la toile intègre histoire et philosophie, sagesse et entendement. Cela est différent comme on le comprend d'une "Action painting" ou "Peinture gestuelle" Occidentale. Le geste pictural est chez LIU YI empli de sens, de spiritualité, de concentration intérieure, et porte dans le style de l'abstraction et en peinture, la marque d'une haute culture immémoriale. Un artiste de grand talent, qui nous a permis lors du "Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015" de mieux comprendre la grandeur ancestale et la profondeur de l'esprit chinois dans l'art contemporain de notre siècle. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Pékin 2015.


Style:  LIU YI, peintre, style abstrait. Chinese ancient art were related to the worship ceremony. I was attracted by the ancient art of painted pottery, bronze, jade and statues from Han Dynasty. I used lines and reconstructed as a new composition on my works.I am from Xiangxi, Hunan. My understanding and knowledge of art was influenced by the mystery of Nuo culture. They become my art language which can be revealed in my art works. My recent works were inspired by Chinese calligraphy. The form and component Chinese characters of different brush strokes and different presentation of dots, rightward stroke "Horizontal", downward stroke"Vertical", falling rightwards stroke "Press down", and falling leftwards (with slight curve)"Throw away". I define them as Chinese ancient weapons because the early principle type of strokes was developed from the shape of hammer, sword, knife, halberd and axe. Strokes direction is just like the knife craving and sword using method.Calligraphy presented through characters, knowledge of Kong Fu through martial arts. Both of them are reflected the same path which cannot be separated in the form of superior spiritual values. Calligraphy gave me an inspiration. It fulfills a city man’s dream in the martial arts world, so that I can return to the era of cold weapons era. The series of "Yi" is my personal understanding and expression of Chinese traditional culture. 刘 夷 Liu Yi

 

中国早期的古代艺术都跟祭祀有关。我对古代艺术中的彩陶、青铜器、玉器、汉代画像砖等中的形式加以吸收,通过线作为切入口进行画面结构的重组与再创作。我 来自湖南湘西,湘西神秘的巫傩文化潜移默化的影响着我对艺术的理解与认知,在具体的创作实践中形成了自己的艺术语言。我近期创作灵感主要来自于中国书法, 来自于中国书法的形式与结构。这里的形式说的是笔法与呈现样式,书法中的笔法与呈现样式在我眼中看到的是中国古代兵器,书法中的点、横、竖、撇、捺、厥相 对应的是古代兵器中的锤、剑、棍、刀、戟、斧,而且书法原理某种意义上与中国武学原理具有一定的相似性,笔法如刀法、剑法等。书法通过文字,武学通过武 功,两者都体现了道不离器,形式显现承载着上乘的精神价值。书法给予灵感,让我实现了一个都市人的武侠梦,使我回到遥远的冷兵器时代。《夷》系列作品是我 个人对中国传统文化的理解与表达。   刘 夷

 

Tendances art international PEKIN 2015:  Artist's language and creation must be directly attached from his grow up environment, region, religion and culture. I have special feeling to my hometown, Xianxi especailly its stream. When I was small, elders told me about different mistery stories and legends about the stream. They were so beautiful and  mystical.  There are many strange creatures living in the stream. Life endlessly happened in it.  Those memories grow up with me, and they were my inspiration for my artworks.  A Chinese Philosopher said, " Goodness should be peace like water. Moral person must be able to carry everything." This reveals the Chinese moral values. Water keeps circulating to nourish and give benefit of all. Chinese cultural spirit will just like water. It lives forever just like our generation keep passing on.  刘 夷 Liu Yi (2015)

 

艺 术家艺术语言及艺术面貌的形成一定会与他的生长环境、地域、宗教、风俗习惯有直接的联系。而我对家乡湘西的水,这里特指湘西小溪的水有种特殊的情感。儿 时,父辈们口口相传把 关于溪水里的各种神秘故事与传说告知我,它们是那么美丽而神奇。同时溪水里也孕育着多样奇异的生命体,生命往复,生生不息。这些记忆 都伴随着我的成长,同时也是我创作灵感的母体。中国古代哲人说:“上善若水,厚道载物"这句话体现了中国人的处世之道与价值取向。水滋养万物,造福万物, 循环往替。中国文化精神会同水的物理属性一样,长生不老,代代相传。

 

 

■ Dominique DAUVERT, peintre, style abstrait. Trophée international des arts de PEKIN 2015.


présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Dominique DAUVERT à PEKIN 2015

Trophée international des arts de PEKIN 2015

Trophée international des arts de PEKIN 2015

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PEKIN. Le style et la démarche artistique de Dominique DAUVERT ont été présentés lors du « Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015 », au travers d'une sélection d'œuvres abstraites de haute tenue esthétique. Dominique DAUVERT nous a habitué à une abstraction impulsive et raisonnée à la fois, qui semble surgir du plus profond de lui-même et qui surprend toujours par la convergence qu'il sait donner aux formes, aux couleurs qu'il pose et aux sentiments qui l'animent. Ce fut donc un temps fort de ces rencontres artistiques, qui a permis de prendre conscience de nouvelles avancées dans l'art abstrait en Europe, en expliquant son style avec des œuvres tout en force, en nuances. L'on a ressenti lors de la présentation de ce style , face à cette démarche artistique, un progrès visionnaire fixé sur la toile, qui donne et donnera dans notre époque contemporaine de nouvelles lettres de noblesse à l'art abstrait. C'est cette maestria de Dominique DAUVERT, qui dans son jeu d'applications à la spatule, dans ses coloris, nous conduit au-delà de sa peinture, au-delà de nous-mêmes. Cette atmosphère immatérielle aux allégories physiques de la Nature a séduit le Jury. C'est dans son style, cette aisance du geste, cette assurance dans le sens donné à l'application peinte, aux touches, aux graphismes, aux à-plats et aux couleurs qui captivent l'attention. L'artiste a créé une technique et une logique qui nous transportent hors des limites du réel vers un absolu pictural. Ces atouts majeurs ont permis à cet artiste d'obtenir le Trophée international des arts de PEKIN 2015.

 

Style : Lors de la présentation du style et de la démarche artistique de Dominique Dauvert, les deux étant étroitement liés, c'est la toile « Déflagration » huile sur toile (80x100cm) qui a témoigné d'un univers empli de sens pluriels, d'angles différents de ressentis, voire, d'un entendement subjacent. Le crescendo orangé du motif, qui emplit l'œuvre en son centre, exprime une force intrinsèque non seulement par la couleur, mais également par le mode d'application à la spatule. Le geste est ici large et assuré, précis et spontané, pour conduire à cette « déflagration », qui semble flotter au-dessus d'un monde terrestre abstractisé, dont l'imagerie du réel est effleurée avec un immense talent. Dominique Dauvert a réussi ce tour de force esthétique « de créer et de ne pas créer » le paysage, en jouant sur la double lecture du spectateur, qui se projettera ou ne se projettera pas, dans l'entendement de l'œuvre d'art elle-même, telle que l'a voulue le peintre. Une grande subtilité d'allusions visuelles, faite de sensibilité ultime, permet au peintre de véritables « non-dits » picturaux , qui vont conduire le regard mais aussi l'intelligence, en fonction du degré d'émotion et de concentration du spectateur qui contemple l'œuvre. Dominique Dauvert a su découvrir et révéler la voie médiane, maîtriser sa posture, entre le paysage abstrait et l'abstraction elle-même. Ce qui a produit ce questionnement autour du travail de Dominique Dauvert, sur cette nouvelle façon de voir et peindre le paysage abstrait, non point en partant de l'image objective du réel, mais en partant de son intuition interne pour aller vers le paysage, l'image d'un paysage extérieur allégorique et abstractisé issu des profondeurs de son âme. Dominique Dauvert prouve et justifie ici sa notion de « paysage » intérieur , évoquée souvent dans l'art contemporain, mais rarement mise aussi clairement en relief et appliquée sur la toile. Dominique Dauvert sait donner le vrai sens authentique à cette notion de paysage intérieur en corrélation avec la nature et une forme de paysagisme abstrait. Il a matérialisé cette notion, sa consistance, en lien avec l'intériorisation que le peintre peut en faire. Paysage intérieur avec le choc de l'émotion, gradués à la spatule par des formulations interprétatives d'escaliers qui mènent à cet éclat orange. Dominique Dauvert, comme nul autre, exprime avec cette œuvre majeure, l'allégorie picturale entre états intérieurs, paysage intérieur, et donne une autre reconnaissance du paysagisme abstrait. Il a créé le paysagisme abstrait qui vient de l'intérieur, qui part de la profondeur de l'être pour venir dire à la société que le visible, dans l'œuvre d'art, peut être la description sur la toile de l'invisible intériorité du peintre. La notion du paysagisme abstrait initiale est renouvelée, l'impressionnisme abstrait quant à lui cantonné aux limites des apparences, asservi au lien avec le réel n'est pas en concurrence de style sur la toile, car Dominique Dauvert propose avec « Déflagration », une renaissance de l'être intérieur, introduisant une façon très personnelle dans son style, un symbolisme, à la manière de Dauvert et de nul autre. Un style fait de subtilité comme au travers de ces escaliers qui nous dirigent vers cette ailleurs intérieur en mode de paysage, vers une transcendance, au final vers l'épanouissement du Soi. Le Jury international a bien ressenti cette émotion produite par ce véritable chef-d'œuvre, qui a ouvert grande la voie pour l'obtention du Trophée international des arts de Pékin attribué à l'artiste talentueux. Confirmation si besoin était, avec« Emergence » huile sur toile ( 80x116 cm) d'un style parfaitement abouti, qui annonce par l'assurance du geste, l'intelligence du peindre, la justesse du titrage, un grand maître de l'art contemporain. Cette toile, « Emergence », nous emmène vers l'abstraction allégorique voire symbolique, de ces crêtes de vagues qui frappent au rivage, l'écueil, et dont les embruns ultimes deviennent alors nuages. Une construction exceptionnelle pour cette œuvre qui pose en style, un contre-plan latéral pour mieux faire ressortir la force du mouvement central. Une œuvre emblématique d'un travail de haut niveau, qui extrapole les éléments, la terre, le ciel, la mer, la Nature pour nous en montrer la force et l'unité, la puissance endogène, en dehors de toute notion d'orientation humaine, de nord ou de sud ; une œuvre pleinement muséale qui démontre la rigueur et la confrontation des forces de la nature, avec un équilibre dans le mouvement lui-même. Avec cette vague battante, Dominique Dauvert, témoigne encore ici avec pertinence que la pluralité de sens de la peinture peut rejoindre la pluralité de sens de la nature. Une œuvre très appréciée par l'auditoire notamment aussi pour le colorisme bleuté très recherché, cosmique et les ocres délicats qui sont introduits d'une palette experte. L'œuvre « Saveur Oubliée », huile sur toile (50x100cm) a permis à Dominique Dauvert de se livrer ici à l'exercice le plus difficile qui soit pour le peintre abstrait, c'est-à-dire interpréter la notion de saveur, montrer aussi comment peindre des souvenirs qui peuvent avoir une présence, une survivance, colorée. Des souvenirs du peintre, la mémoire oubliée, le temps passé, les moments perdus, qui peuvent revenir au cœur et à l'esprit, au détour d'une saveur, d'une couleur, d'une sensation, d'un graphisme. C'est ce choix de sujet évanescent que les plus grands artistes ont souvent voulu traiter en peinture, tel un défi, mais aussi de grands écrivains abordèrent le thème en littérature. Dominique Dauvert a voulu à son tour explorer ces sensations tel un chercheur dans les arcanes de la mémoire et des sensations oubliées, pour les reporter sur sa toile.


Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Dominique Dauvert marque son territoire pictural par un style qui conjugue des formes du paysagisme abstrait, de l'abstraction, d'un « symbolisme  allégorique », pour aller vers des compositions picturales riches, la fois d'une esthétique complexe et de sens pluriels, à comprendre, en différentes lectures possibles. Dans le contexte international, Dominique Dauvert, a réussi à « inverser » le sens de construction du paysagisme abstrait, produisant une réalité interprétée peinte à partir de l'invisible intériorité, pour amener une image nouvelle dans le visible. On attendait depuis longtemps un artiste en capacité de créer, de matérialiser l'idée du « paysage intérieur ». L'ambiguïté de cette recherche de l'expression du paysage intérieur, en peinture, est désormais clairement levée grâce à Dominique Dauvert. En restant en lien avec la Nature, il a matérialisé, créé et produit le paysagisme abstrait qui vient de l'intérieur, expression picturale paysagiste du "deep inside". Il a su aller plus loin « qu'un peintre avec des souvenirs ». Ses allégories créent entre sentiments intérieurs et expression paysagiste abstraite une véritable homothétie sur ses toiles, ceci en restant dans l'ordre de la Nature, de ses évocations de formes, de ses éléments. Le style et l'oeuvre de cet artiste permettent, aujourd'hui, de différencier nettement deux formes d'abstraction, d'une part celle à partir de la volonté d'exprimer et d'interpréter, « d'abstractiser », un sujet réel, le motif ; Et d'autre part , l'abstraction paysagiste abstraite de Dominique Dauvert, qui provient de l'intériorité du peintre, et dont le support des sentiments, l'expression des sensations, se retrouvent homothétiquement dans l'expression d'un paysage abstrait. La « Tendance artistique internationale Dominique Dauvert, PEKIN 2015 » , permettra une meilleure lisibilité et compréhension en Europe, en Chine, comme sur l'international, de ces diverses acceptions abstraites du paysage dans l'art contemporain. © Ed. EDMC Antoine Antolini. Décembre 2015.

 

 

Suite du Palmarès - Rencontres "Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015"


活动将通过大屏幕高清投影展示作品,进行国际当代艺术潮流和风格介绍及赏析,并配有中法翻译。届时将邀请观众和评委参加该活动。

 

Ont obtenu: Médailles d'Or internationales des arts de Chine - PEKIN 2014. Les artistes suivants:


■ Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien, style contemporain. Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015.


présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

présentation à PEKIN des oeuvres du Maître français Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien

Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style du Maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien.

VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style du Maître Georges CASTILLE, peintre, sculpteur, plasticien.

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PEKIN 2015 . Lors des rencontres artistiques « Styles et Tendances dans l'Art International, Pékin 2015 », les œuvres sélectionnées, le style , la démarche esthétique, du maître Georges Castille, peintre, sculpteur, plasticien, ont été présentés dans la capitale chinoise. L'accent étant mis sur la qualité du travail d'un artiste qui a atteint aujourd'hui le niveau d'un haut savoir-faire plasticien, mûri au fil de nombreuses années de pratique. Georges Castille a su forger son style dans l'objectif d'un idéal a atteindre, celui du Beau dans l'oeuvre-d'art. Ce que l'on peut aussi ici appeler un esprit dans la tradition du « bel ouvrage », dans et par, la pratique de l'art. Au bout de plusieurs décennies de recherches  il est devenu ce maître de l'art qui fait à présent référence et nous inspire le plus grand respect. Nous pouvons admirer ses œuvres, qui sous les doigts de l'artiste sont à chaque fois de véritables chefs-d'œuvre. Ceci au sens de la perfection ultime, quand matière et supports succombent aux visions de l'artiste. Dans la capitale chinoise la présentation du style de Georges Castille en 2015, à illustré la beauté de l'idée esthétique quand elle devient art, transformée par le talent, certes, mais aussi par l'amour du geste artistique parfait, que le maître sait accomplir.  Georges Castille se situe dans la tradition des grandes pratiques plasticiennes, celles là mêmes qui de la Renaissance à nos jours jalonnent notre culture européenne.


Style : Le travail artistique de Georges Castille est tout autant une recherche sur les supports , les matériaux, qui entrent dans la composition de l'œuvre d'art, les peintures les pigments, une recherche esthétique et plasticienne également, sur les lignes et formes; la manière de représenter le sujet dans l'œuvre-d'art en synthèse de ces savoirs. Georges Castille n'a point voulu se cantonner à réaliser un sujet en plans plats, posés sur le support, il recherchait autre chose,  va vers une autre esthétique qui l'entraîne vers d'autres constructions de l'œuvre-d'art, afin de pousser en hauts-reliefs le sujet hors du tableau, plus près encore du regard du spectateur. Au-delà, de rénover la présentation de l'œuvre-d'art, ce maître la fait évoluer vers un tout construit plus complexe à réaliser certes, mais plus complet. L'objectif étant que le tableau dépasse son  premier stade, deviennent une esthétique plus globale, c'est à dire tout d'abord esquissée, puis sculptée, collée, peinte, vernie, qui  sous les mains du maître, va conquérir un nouveau territoire, celui du « tableau-objet-d'art ». Georges Castille a choisi l'acte d'art absolu et universel qui crée l'œuvre-d'art comme "peinture" et simultanément "sculpture", avec une nouvelle façon de faire se poser le regard sur l'oeuvre elle-même, en une vision en trois dimensions, l'une frontale et deux latérales. Georges Castille  a su analyser les éléments constitutifs de ce que peut être un chef-d'œuvre et propose maintenant des œuvres qui, à chaque fois, en contiennent tous les ingrédients. A ce jour on peut sans hésiter considérer que les œuvres-d'art produites par Georges Castille répondent à ces exigences de création de chef-d'œuvre. Son tableau «Clin d’œil », (bois sculpté 3D, 60x60cm), montre à quel point cet artiste peut arriver à simplifier des lignes et des formes comme un aboutissement d'une recherche ultime, pour livrer l'essentiel caractéristique final du portrait. Les lignes épurées en expression du sujet resteront enjeu de l'art.  Avec « Poissons Exotiques », (bois sculpté 3D, 60x60cm), l'artiste démontre un sens plasticien, qui sait laisser se côtoyer les différents styles de la figuration à l'abstraction, pour créer un florilège harmonieux de formes et de couleurs qui s'entrecroisent, une peinture-sculpture, un "tableau objet d'art". Le relief de ces poissons exotiques semble nous entraîner dans une ronde festive, dans un mouvement aux nouveaux entrelacs, prétextes au jeu des formes et des couleurs.  Dans sa série d'œuvres autour du sujet du féminin, la femme, le couple, l'amour, le bonheur, il dépeint la vie, la gaîté ; il jaillit de ces oeuvres un optimisme, qui nous dit un art plaisant à vivre. Des œuvres pour accompagner l'individu dans son quotidien, des œuvres pour la société. « Promenade Nocturne », « Aimons-nous », « Lily » , trois œuvres bois sculptés 3D polychromes. (120x40cm).


Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Le jury international Pékin 2015 à apprécié la démarche du maître Georges Castille et la manière dont celle-ci s'inscrit sur l'international. Son esthétique démontre comment aujourd'hui, l'œuvre-d'art peut s'ouvrir aux diverses disciplines qui l'environnent et peut les rassembler, en faire une synthèse plasticienne. Un style et une démarche maîtrisant plusieurs techniques artistiques qu'il a su faire se rejoindre, puis converger en oeuvre-d'art unique. Une tendance esthétique actuelle qui va vers la haute finition technique, voire technologique, des matériaux dédiés à la réalisation de l'oeuvre-d'art dans l'art contemporain. (Pékin 2015). Georges Castille illustre une nouvelle tendance stylistique de « figuration personnalisée », qui recherche la représentation du sujet sans toutefois sacrifier sa créativité innovante aux académismes pré-établis. Il incarne ce phénomène sociétal d'artistes contemporain, en quête d'une perfection perdue a appliquer aujourd'hui à l'oeuvre-d'art avec de nouveaux moyens. L'artiste Georges Castille a obtenu la Médaille d'Or Internationale des Arts de PEKIN 2015, décernée par le Jury, lors du « Styles et Tendances dans l'Art International » qui a eu lieu dans la capitale chinoise. © EDMC Janvier 2016. 

 

 

■ MABRIS, peintre, style abstrait. Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015.


présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre MABRIS à PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre abstraite MABRIS

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PEKIN 2015. La peinture et la démarche artistique de MABRIS ont été présentées  à Pékin  avec un grand succès, l'artiste ayant obtenu  la Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2015 , lors des rencontres  "Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015. Ce grand rendez-vous des arts et des styles a permis, sur l'international, de comparer des styles européens comportant diverses approches abstraites, des expressions picturales variées, en regard avec d'autres créations contemporaines chinoises. Lors de la présentation de MABRIS, peintre française abstraite, ce qui a tout de suite suscité un grand intérêt est la maîtrise et l'unité de style qui émanent de ses œuvres. Qu'il s'agisse de "Genèse" (acrylique sur toile 81x100cm), de "Rythme ", (acrylique sur toile 100x81cm), ou de la toile "Chemin Faisant" (acrylique sur toile 97x130cm), ce sont le mouvement, la gestualité, qui sont apparus comme parfaitement spontanés et contrôlés à la fois, laissant apparaître une grande maîtrise dans le style abstrait, laquelle a été très appréciée du Jury international. La démarche artistique de MABRIS, par son ampleur d'approche et la richesse de son contenu, marque un temps fort dans l'évolution de l'abstraction internationale.

 

Style . On peut retrouver dans l'oeuvre de l'artiste une image de l'accélération de notre temps. Aujourd'hui la société vit dans la rapidité, la vitesse, mais également dans une certaine précision, avec un stade d'avancement aussi bien dans la communication, que dans l'image et les savoirs. C'est en partie cela qui se dégage de manière allégorique de cette peinture à destination d'un public exigeant, mais aussi plus globalement offerte à la société de notre époque. On peut reconnaître dans le style de MABRIS l'omniprésence de la trace générique, de la ligne issue du geste initial, du trait inné. « Genèse » est là pour nous montrer cette vocation sous-jacente dans l'œuvre de l'artiste à atteindre une modalité archétype, une universalité, un lien entre le début et le présent. « Genèse » apporte un langage pictural de la même manière nouveau que dans « Rythme » ou encore, « Chemin Faisant ». Une grammaire picturale bien reconnaissable faite de lignes, de courbes douce, ou plus enlevées, avec des graphismes, accentués, ou allégés , des coloris qui pourront varier dans des nuances intenses ou évanescentes, une palette très bien réglée et constante. Cette grammaire, MABRIS la confronte non seulement à la société d'aujourd'hui, mais aussi à l'environnement essentiel du monde de la nature, et intègre dans sa logique des courbes paysagistes, en mode archétype, universaliste. En lien avec la rotondité inhérente à la nature, on retrouve sous son pinceau un jeu allégorique de formes non-linéaires telles qu'elles peuvent se dégager du monde paysager. C'est cette union entre un contenu sociétal contemporain lié à la vie trépidante de la société, avec l'allusion à la nature qui nous environne, ses formes. C'est ce tout que MABRIS met en symbiose esthétiquement avec un dénominateur commun plasticien archétype de son acte pictural. On y voit la trace, le geste immémorial, substrat de l'art, qui produit la ligne. Une magnifique intégration du geste initial,  du signe générique inné, qui a pu par la suite devenir avec le progrès de l'intelligence et des arts des civilisations, la peinture abstraite actuelle.  Le style de MABRIS aussi bien dans "Genèse" , "Rythme", que "Chemin Faisant", apporte une grande maîtrise dans la réalisation de l'œuvre elle-même, notamment en termes d'équilibres, avec des couleurs que l'artiste arrive à rendre parfois diaphanes, avec un ensemble gestuel construit en sujet central posé sur des nuances colorées, ce qui élève parfois l'oeuvre en une sensation quasi-cosmique. Son style et sa pratique témoignent d'une expérience aboutie. Dans chaque toile la spontanéité contrôlée apparaît, avec une ampleur de gestualité, qui va au-delà ce que l'on pourrait comparer à de "l'Action painting", car ici le geste est chargé de logiques et d'une prédétermination conceptuelle. On avoisine ainsi l'acte calligraphique, avec  le signe porté en son ultime puissance évocatrice et qui comporte un sens, une signification à partir de l'intériorité de l'artiste. Une introspection préalable, qui traduit par son émotion,  le message anthologique, archétype, sociétal, pictural, sur la toile. L'amour de l'art et de la peinture de MABRIS, son engagement entier et absolu dans la peinture contemporaine, nous montrent que pour arriver à un tel niveau d'exécution, seul l'artiste qui a une vocation profonde peut réussir pareilles harmonies et convergences. MABRIS montre comment la peinture  peut être aussi un engagement intellectuel, celui de présenter dans la société une illustration, un miroir du monde que nous vivons, en termes de vitesse, d'accélération, à une époque où les distances et le temps sont affranchis, dans d'autres acceptions que le progrès technologique nous a apportées. MABRIS a su intégrer de plus dans sa peinture un lien générique avec des fondamentaux de l'acte artistique.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. La peintre MABRIS témoigne dans l'art contemporain international d'une maîtrise du geste pictural investi des significations de sa génération. Les œuvres de MABRIS possèdent un style parfaitement abouti, non seulement œuvre par œuvre, mais également sur l'ensemble de sa muséologie. Une peinture mise au point après de nombreuses années de travail, mais également de réflexion sur l'art, sur l'histoire de l'art, sur le geste du peintre sur la toile. MABRIS  appartient à cette nouvelle école internationale d'artistes, qui prolongent et perfectionnent le geste pictural non figuratif en questionnant le concept constitutif de l'art abstrait. D'une époque genèse à un temps du présent, MABRIS couvre un espace historique et sa peinture montre toute l'évolution, la sémiologie plurielle que peut revêtir le signe en art. La peinture de l'artiste génère sur les aspects de son expression et de son contenu une tendance internationale. Le Jury a été séduit par cette universalité plasticienne, faite de références au progrès d'aujourd'hui, à la nature, ou à  l'anthologie de l'esthétique. © EDMC Janvier 2016. 

 

 

■ Betty de RUS, peintre, style abstrait. Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015.


présentation de la peintre Betty de RUS

présentation de la peintre Betty de RUS

présentation de la peintre Betty de RUS

présentation de la peintre Betty de RUS

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Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre abstraite Betty de RUS.

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PEKIN 2015. La peinture et la démarche artistique de Betty de RUS ont été présentées  à Pékin , l'artiste a obtenu  la Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2015 , lors des rencontres  "Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015. La peinture de Betty de RUS nous entraîne dans un univers où l'abstraction et le paysagisme abstrait se côtoient au coeur d' œuvres-d'art d'une exceptionnelle force esthétique, qui nous ouvrent les porte de la beauté du rêve à la fois. Un travail particulièrement remarqué par le jury international franco-chinois, qui a décerné à l'artiste une distinction artistique éminente.


Style. Betty de Rus, à une facilité naturelle, une propension innée à l'abstraction. Lorsqu'elle pose sur la toile ou sur un support papier une œuvre abstraite, c'est le résultat d'une intense concentration, mais en même temps le besoin d'extérioriser un monde intérieur de couleurs, de sensibilité, de sensations, mais aussi et surtout de visions fugaces de paysages, qui lui reviennent au coeur et à l'esprit. Betty de Rus a beaucoup voyagé et son talent est empli de souvenirs, de moments forts de rencontres avec des lieux, en communion avec la nature. Aussi sa peinture est pleine de vie, de regards posés sur les rivages et bords-de-mer, sur les monts et des vallées, sous tant de lattitudes, de continents. Betty de Rus a également une capacité à interpréter les ambiances festives, la société, comme avec son oeuvre « Carnaval », acrylique sur toile (90 x 90 cm). On découvre dans cette peinture tonique, comment l'artiste sait traduire une atmosphère, par les couleurs et les formes, ou bien la joie par des tonalités vives, des touches aux coloris aigus, qui semblent s'interpeller les uns les autres, se répondre comme dans une foule bigarrée, sur fond bleuté tel un azur céleste plein d'optimisme. "Carnaval" nous suggère tout cela, très aisément, par le mystère de l'interprétation picturale abstrait et le talent d'un titrage évocateur qui sait nous mettre dans la bonne direction. Avec son tableau « Rêve au Bord-de-l'eau » , acrylique sur toile (50 x 70 cm), l'artiste se projette et nous invite à partager son émotion, son intuition, l'appel d'une abstraction qui sait nous guider, vers une autre forme du regard, vers une autre notion du "voir", pour nous faire découvrir la non-limite de la sensation, nous faire progresser dans notre propre sensibilité. Un style pensé, une peinture appliquée avec la liberté que le talent permet en abstraction, pour aller montrer une autre interprétation du monde de la nature. Telle une sublime symphonie picturale , une œuvre de Betty de Rus s'inscrit dans la lumière et la couleur pour nous faire entrer dans le monde immatériel de la sensibilité et du poétique. Ses applications pures en à-plats, composées de tons lumineux, reviennent à l'essentiel du sens voulu du tableau. L'artiste sait toute la signification en sensibilité que peut prendre la couleur lorsqu'elle est posée sous les yeux du spectateur. Le tableau chez Betty de Rus, est avant tout une rencontre avec le paysage, puis ensuite avec le spectateur, parce qu'elle peint pour lui. Il doit se reconnaître, se retrouver avec émoi, dans cet univers « abstractisé » pour en retirer du bonheur. Il peut ainsi partager la joie de vivre de l'artiste. Les lignes douces du paysage, les couleurs caractéristiques du bord-de-l'eau sont bien évoquées, en un langage poétique propre à cette abstraction lyrique que maîtrise la peintre. Betty de Rus à travaillé l'œuvre tout en délicatesse, en subtilité, appliquant la peinture telle une partie même, de sa sensibilité profonde. Chez Betty de Rus les couleurs sont des sentiments, des émotions. L'artiste réalise ses œuvres avec beaucoup de naturel, d'aisance. Lorsqu'on regarde son travail, on réalise devant le tableau, que l'idée, le sujet, existent dans le cœur de l'artiste, mais aussi dans le notre soudainement. C'est un talent quasi-inné , du registre du don, qui vient renvoyer cette image de l'intérieur de la peintre, vers l'âme du spectateur , tel un souffle de douceur. « Transparence » acrylique sur toile ( 50x60cm) nous montre le degré d'élévation technique et qualitatif qu'a pu atteindre Betty de Rus, dans le domaine de l'application des pigments colorés. Un jeu de tonalités diaphanes, l'évanescence ultime de la couleur, offrent un ensemble d'entrelacs aux contrastes modulés, avec des espaces en à-plats, qui sont autant de jeux de perspectives, entraînant le regard vers le lointain, le canalisant vers une plus grande proximité dans le tableau, ou encore le laissant circuler en suivant différents liens qui se superposent. « Transparence » est une œuvre étrange, à la fois du registre du rêve et de celui de l'abstraction, qui laisse le spectateur se projeter avec sa propre intériorité, pour y voir une matérialisation de son propre imaginaire.Une œuvre majeure par sa pertinence et son efficience, mais aussi par son autre goût original dans le contemporain.

 

Tendances artistiques internationales. Betty de Rus poursuit un travail opiniâtre dans le champ de l'abstraction lyrique et poétique avec une réussite exemplaire. Elle a su aller au-delà de la tradition des grands maîtres de ce courant dont l'empreinte marque la culture européenne, pour proposer une nouvelle modalité audacieuse qui marie l'abstraction lyrique et le paysagisme abstrait. C'est son style au couplage abouti, constitué d' abstraction lyrique et de paysagisme abstrait, qui a convaincu le jury international de la puissance stylistique de l'expression picturale de Betty de Rus. La symbiose qu'elle réalise de ces deux grands courants artistiques européens, permet la mise en relief à travers le travail de cette artiste référente de grand talent, d'une tendance spécifique dans l'art contemporain d'aujourd'hui, le paysagisme abstrait lyrique, présentée lors de ce Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Laurence SOIGNON, peintre, style abstrait. Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015.


présentation de la peintre Laurence SOIGNON à PEKIN

présentation de la peintre Laurence SOIGNON à PEKIN

présentation de la peintre Laurence SOIGNON à PEKIN

présentation de la peintre Laurence SOIGNON à PEKIN

présentation de la peintre Laurence SOIGNON lors du

présentation de la peintre Laurence SOIGNON lors du "Styles et Tendances dans l'Art international" 2015 à PEKIN (Une vue de l'assistance)

Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de Chine 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre abstraite Laurence SOIGNON

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PEKIN 2015. Le style de Laurence SOIGNON, sa démarche artistique, ont été présentés  à Pékin , lors des Rencontres  "Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015". La peintre abstraite Laurence SOIGNON a obtenu  la Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2015, qui consacre une recherche esthétique aboutie, tout autant qu' une stylistique expressive de haut niveau international. Le talent de Laurence SOIGNON, surfe sur les expressions abstraites les plus complexes, dont elle maîtrise tous les impacts, toutes les grammaires. Une artiste qui a su aller plus loin que les apparences du sensible, pour nous offrir un univers cosmique allégorique de la vie. Elle témoigne que l'abstraction est un moyen de transmission de ressentis, au-delà de nous-mêmes, d'appréhender aussi une dimension exogène bien extérieure au monde sensible, d'interpréter l'Univers, hors du temps terrestre qui nous environne. Le jury international a retenu le degré élevé d'avancement de cette peinture abstraite et a su couronner à juste titre plusieurs décennies de talentueuses créations et d'amour de l'art.

 

Style: "Destinée" acrylique sur toile (60x60cm), nous subjugue entièrement, tant par le contenu plasticien esthétique, qui répartit les formes et des couleurs avec une pertinence d'équilibre dans l'architecture du tableau, mais également par la signification théorique, qui vient s'énoncer, en substrat de cette toile magnifique pour la situer dans une cosmicité intemporelle. « Destinée » témoigne de la préoccupation de l'artiste à retenir et fixer, par l'abstraction, une idée en image. Elle  arrive à condenser sur cette toile, tous les possibles, tous les sensibles, qui interrogent le présent et l'avenir en une lointaine clarté. "Destinée" questionne l'espace et le temps, la vie, les distances qui étirent le présent connu vers l'avenir caché. Tel un fil d'Ariane, la vie qui cherche encore et toujours à continuer la vie, ne peut aller que vers la lumière astrale. Cette toile intitulée "Destinée" est plurielle, polysémique, nous révèle l'aptitude de Laurence Soignon, à l'abstraction et à l'allégorie, son savoir à effleurer tour à tour le monde des sciences les plus avancées et les devenirs qui dépassent notre entendement. Eblouissante immensité lointaine, éclat stellaire, annonciateur d'une résultante incontournable, qui nous attend au détour du chemin de nos destinées. La puissance picturale est techniquement optimale sur la toile, dans les bleus, dans les mauves, les clartés sont intensément poussées aux paroxysmes des luminosités par les pinceaux et la spatule de l'artiste. L'application des pigments selon cette manière exceptionnelle que possède Laurence Soignon, est un moyen essentiel de son langage abstrait. "Plans Parallèles" acrylique sur toile, (50 x60cm) vient réguler cette grammaire picturale et cette approche cosmique, universelle. Un champ de la recherche de splendides allégories imagières. Ici par le double niveau externe et interne, on en arrive à qu'il en est de l'individu face à l'infini. La toile "Plans Parallèles", nous montre que c'est bien à partir de sa plus profonde intériorité, que Laurence Soignon va se positionner en corrélation avec l'univers, avant et pendant la réalisation de son œuvre. Avec "Plans Parallèles", c'est le motif primordial d'une lueur, stellaire et exogène, mais qui peut être aussi de l'ordre de l'illumination intérieure, évoquant le sens de l'introspection et de l'extraversion. L'Homme immergé en lui-même, se ressent intrinsèquement, spirituellement, il est en lien avec l'immensité sidérale insondable qui l'environne. Une interdépendance de ressentis. L'elliptique entraînement d'un Univers qui va vers un devenir , dans la course des planètes, au cœur des galaxies. L'individu vivant, qui ne connaît de son devenir, que les infimes indices que lui laisse entrevoir le présent. Ce tableau « Plans Parallèles » renvoie à l'universalité de cette dualité entre l'humain et l'astral, entre l'esprit et la matière. Le spectateur peut se projeter dans une voie qui lui est indiquée par le titrage explicite que l'artiste a su choisir, là encore avec talent. "L'inconnu" acrylique sur toile (70x50cm), fait une synthèse de la muséologie de cette artiste abstraite, qui familiarise l'art contemporain avec la dialectique de "l'être intérieur" et de l'infini. Elle a réussi à ouvrir toutes grandes les portes de l'art contemporain sur l'Univers, afin que le spectateur, mais aussi le scientifique, l'astronome, l'astronaute, le mathématicien, le philosophe et tous ceux qui s'intéressent aux sciences cosmologiques, puissent avoir avec ses œuvres, un support de réflexion. C'est une peintre avec des intuitions d'un autre existant. Dans son concept, l'abstraction lui donne le moyen d' investir son oeuvre d'interprétation immatérielles, spirituelles, intellectuelles. Ses œuvres sont des propositions pour tous, des questionnements, auxquels il appartient à chacun de répondre selon sa sensibilité. Une peinture comme une réflexion ouverte, l'application d'une recherche fondamentale sans équations, mais dont chacun dans son propre vécu intérieur, peut détenir une des clés.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Laurence Soignon, par son style abstrait, interprétatif dans la logique du cosmologique, relié avec l'expression délicate,  allégorique, de l'intériorité de l'individu abouti à un perfectionnementde l'expression picturale. Elle a été remarquée par le Jury international à Pékin, tout comme  sa volonté créative d'impulser sa thématique en une peinture qu'elle appelle "Universefield Painting", dans une démarche artistique ouverte aux autres. Un talent reconnu, confirmé, sur un itinéraire prometteur. Laurence Soignon incarne une tendance internationale nouvelle d'abstraction-fiction cosmologique, qui explore les liens picturaux entre l'humain et l'invisibilité cosmique, le futur. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Daniel AUBERT, peintre, style impressionnisme abstrait. Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015.


présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

présentation du peintre Daniel AUBERT à PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

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VIDEO Présentation des oeuvres et du style du peintre DANIEL AUBERT à PEKIN 2015

VIDEO Présentation des oeuvres et du style du peintre DANIEL AUBERT à PEKIN 2015

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PEKIN 2015. Le style de Daniel AUBERT, sa démarche et ses œuvres sélectionnées, ont été présentées dans le cadre des rencontres artistiques  "Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015". L'esthétique de cet artiste, en une formulation très personnelle de paysagisme impressionniste abstrait, à ému et intéressé tout particulièrement le Jury international, notamment par les ambiances, les atmosphères, qui ressortaient, qui s'exhalaient de ses œuvres. L'attribution à Daniel AUBERT de la Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2015, est venue confirmer un sentiment positif que l'on a pu avoir tout au long de la présentation de cet artiste éminent. Une récompense qui est venue remarquer une intelligence du peindre, une maîtrise pour capturer l'essentiel sensible émotionnel, au cœur du paysage, avec une  stylistique de haut niveau, à vocation internationale.


Style. Avec "Balade", une huile sur carton toilé (61x46 cm), Daniel Aubert nous fait la démonstration de sa capacité à aller vers les caractéristiques premières dans le paysage, élaguer de toute superficialité la vision de la nature, pour y ajuster des formes, des traits, des lignes, en un savant équilibrage. Un repérage du paysage, en tracés essentiels, donnent à cette œuvre à dominante plus impressionniste, des valeurs poétiques inattendues. Un acte de peindre entre spontanéité et gestualité experte. Des lignes, des traits, qui nous étonnent, tel un bouquet épars de branches, répartis en brèves lignes de forces dans la composition. Un paradoxe réussi de cet éclat de traits, optimiste et tonique, sur un fond coloré plus automnal. La végétation arborée atténuée, aux nuances douces, qui laisse entrevoir cette idée du paysage d'automne, viennent insister sur l'aspect de simplification esthétique, de minimalisme colorique, qui accentue l'émotion et l'impact sensible de l'ensemble. Une œuvre poétique, épurée, qui rentre dans un concept de "peindre l'essentiel pour mieux dire le tout", qui n'est pas pour déplaire à de nombreuses approches asiatiques, voire chinoises, particulièrement du paysage. À n'en pas douter, cette œuvre à grandement plu au Jury, qui ne l'oublions pas , était composé à parts égales de membres chinois et français. Avec cette présentation d'œuvre, un climat positif s'est facilement établi, qui allait permettre à Daniel Aubert de conserver toutes ses chances pour la Médaille d'Or. L'œuvre " Orage ", technique mixte acrylique et aquarelle sur toile,(42x35cm), allait arriver à bon escient pour montrer une progression dans la capacité d'appréhension du paysage, dans une forme ici, d'impressionnisme abstrait, où le visible et le lisible est mis en ambivalence avec l'image du réel. Une palette adoucie, aux gris et turquoises gradués et évanescents, posés en touches parfois épaisses, ont amplifié l'effet du tableau. Daniel Aubert n'a pas hésité à aller jusqu'aux limites de cet impressionnisme abstrait, jusqu'à effleurer le territoire des monochromes, pour insister sur la force de la représentation lorsqu'elle atteint les frontières ultimes du sens, de la perception consciente du paysage. Son titrage, "Orage" allait convaincre, par l'orientation sémantique de l'œuvre en plein impact du sensible paysager. Le regard, rassuré, reconstruit l'idée insufflée par le style du peintre. La peinture "Orage", de Daniel Aubert, marque toute la force de l'impressionnisme abstrait européen, de ce mouvement pictural dont Matisse fut l'un des principaux artisans, qui marque encore aujourd'hui, un sillon définitivement primordial dans l'art contemporain européen et international. "Paysage Enneigé", une très belle huile sur toile (92x74 cm), ne pouvait que balayer les moindres réticences qui auraient pu subsister pour l'obtention de la distinction de haut niveau. Avec "Paysage Enneigé", c'est une œuvre maîtresse, une composition majeure, qui allait représenter on ne peut mieux, le style de portée internationale de Daniel Aubert. En précisant, comme atout supplémentaire, qu'au au mois de décembre à Pékin, l'on est dans ce que l'on appelle "la saison des neiges". L'œuvre de Daniel Aubert marque une approche d'une forme stylistique ouverte, à la fois à un  paysagisme et un impressionnisme abstraits. Une expression subtile, ambivalente, en miroir d'une réalité fugace et d'une expression poétique, une esthétique exceptionnelle de qualité interprétative. Avec cette œuvre d'interêt esthétique international, Daniel Aubert, a su pousser le paysage aux confins de l'art de peindre, en style de paysagisme-impressionnisme abstraits. Le colorisme de l'œuvre, ingénieux et rationnel, original; l'application en épaisseurs de la peinture, avec un ensemble de nuances de touches, de micros-reliefs artefacts; la composition, en termes d'architecture, de sens et de signes, le choix du thème-motif à peindre, et le titrage, révèlent ici, la capacité vérifiée de Daniel Aubert à devenir un maître de la peinture contemporaine.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Les grands courants artistiques sont au coeur de l'histoire contemporaine de l'art, peu à peu, ils laissent la place à de nouvelles expressions, plus construites, qui savent faire se croiser différentes formes d'interprétations picturales, en particulier du paysage, notamment dans le contexte d'un art contemporain en pleine mutation en ce début de siècle. Daniel Aubert, maintient la construction d'une peinture « fondée », qui sait faire avancer l'art contemporain, dans une progression tenant compte des existants conceptuels et esthétiques d'un art de référence, qui a su nourrir une culture picturale européenne. On peut dégager lors de ce " Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015" le maintien et le développement de la tendance de l'impressionnisme abstrait, qui, de plus en plus, va en fusion vers l'abstraction, produisant l'évolution sur l'international d'une synthèse intéressante dans l'expression du paysage aujourd'hui; une nouvelle formulation interprétative d'  " impressionnisme-paysagisme abstraits ". © EDMC Janvier 2016. 

 

 

■ ELLHËA, peintre, style impressonniste. Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015.


présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

présentation de la peintre ELLHËA à PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

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VIDEO de Présentation en Chine des oeuvres et du style de la peintre ELLHËA.

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PEKIN 2015. La présentation de la peintre ELLHËA a connu un grand succès en Chine, lors des Rencontres artistiques « Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015 ». Le style , la démarche artistique, que déploie cette artiste ont pu être expliquées au travers d'œuvres sélectionnées. L'esthétique picturale aboutie d'ELLHËA a été mise en évidence, au travers d’œuvres marines, ainsi que d'une œuvre paysagiste. Unanimement un charme inouï a été ressenti, se dégageant du style de cette artiste, une sensibilité à fleur de palette, un pinceau qui tient au bout du coeur, la peinture d'ELLHËA reste un ravissement pour les yeux mais aussi pour l'esprit. Le Jury international n'a pas résisté au charme de cette peinture, qui a permis à la talentueuses peintre d'obtenir la Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2015.

 

Style. Une agréable étonnement lors de la présentation de « Course Marine », cette huile sur toile (80x60cm), qui a permis de positionner dès les premiers instants de la présentation, l'artiste française, dans le contexte de l'impressionnisme. Un stylistique qu'elle maîtrise très bien . L'impressionnisme d'Ellhëa reste particulier ; il conjugue sous ses doigts un travail sur la lumière, sur l'espace, sur la densité des pigments, sur l'épaisseur et la régularité des touches. Une œuvre dualiste qui sait proposer une expression assimilant pointillisme et un impressionnisme personnel. L'artiste avec « Course Marine » éveille chez le spectateur une plénitude de ressentis. La sensation de l'immensité marine sous un ciel infini, des nuages molletonnés, une mer en vagues souples, grâce à une technique de touches savamment posées, qui font de cette marine une réussite absolue dans la muséologie de l'artiste. La peintre ELLHËA, parcoure avec brio le chemin d'un post-impressionnisme, avec une conviction d'être sur une voie inachevée, dans un une démarche qui n'a pas encore tout dit. L'oeuvre « Course Marine », nous le démontre lorsqu' Ellhëa peint le mouvement de ces voiliers entre ciel et mer. Elle y apporte un traitement par des couleurs renforcées, sa modalité d'application de la peinture donne une sensation de volumétrie et de profondeur, un champ amplement ouvert dans l'espace, un aspect grandiose aux éléments. Avec sa toile « Ecumes et Embruns » acrylique sur toile 76 par 60 cm. La peintre Ellhëa, tout en conservant le sujet maritime, des régates, laisse apparaître l'autre limite de l'impressionnisme qui est une frontière de l'abstraction. Avec ses deux œuvres, « Course Marine » et « Ecumes et Embruns », Ellhëa a su baliser le territoire de l'impressionnisme entre ces deux piliers fondamentaux : D'un côté, « Course Marine » déploie une figuration en ressentis, avec un jeu sur le visible, des touches chargées, qui fractionnent la lumière des pigments, qui créent une dissociation en lueurs éclatées en petits à-plats. On y voit son pointillisme modernisé contemporain, qui prend prétexte de la diffraction de la lumière, pour créer une animation, sans hésiter à côtoyer une forme atténuée de fauvisme, puissant sinon violent, hors des conventions de couleurs. Ainsi cette « Course Marine » apparaît comme une œuvre majeure qui fusionne un ensemble de recherches impressionnistes en un seul tableau. D'un autre côté, à l'autre versant extrême de l'impressionnisme, avec « Ecumes et Embruns », Ellhëa vient nous dire la limite ultime du « voir » avant l'abstraction. Un sens aigu de l'œuvre-d'art bien composée, conduit Ellhëa à une géométrisation, lorsque les voiles deviennent éléments de figures triangulées, supports de tracé en obliques, de barre de jaune de la bande de sable sur le rivage. C'est ainsi que l'on a pu apprécier cette présentation qui a illustrer les limites de de l'impressionnisme. De sa formulation la plus proche du figuratif elles vont jusqu'à celles les plus proche de l'abstraction. Avec la toile « Bambous et Cascades », une acrylique sur toile (80x60 cm), c'est à la fois la vie et la paix qui se retrouvent dans cette cascade, dans cette œuvre pleine de fraîcheur de vie, et d'harmonies. Une poétique. L'auditoire chinois, a compris la portée de quiétude de cette œuvre . Laquelle a suscité un engouement légitime beaucoup, et n'a pas laissé insensible les artistes chinois présents. On retrouve en effet beaucoup de l'Asie dans cette œuvre, cette association des bambous et de la cascade, est apparue pour les chinois, comme une association de la vie, par l'eau et en même temps de la fragilité de la vie par les bambous. Une émanation de calme spiritualité qui se dégage de cette œuvre, dont les couleurs parfois diaphanes, au-delà de l'auditoire ont séduit le Jury international. « Bambous et Cascades » marquent bien cette ouverture de l'artiste Ellhëa sur le monde de l'Asie, et comme un complément de ses aspirations impressionnistes, on se rend compte ici de l'immense sensibilité qui guide son travail pictural. Une aptitude de cette peintre aux ressentis esthétiques les plus subtils a été au-delà des frontières, au plan international.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. L'impressionnisme possède des racines très anciennes dans l'art. En Chine, dès le XIIe siècle, certains peintres anciens chinois, ont compris que pour aborder la vérité du paysage dans l'expression picturale, il peindre au-delà de la figuration académique, pour s'exprimer avec son cœur, avec son émotion, pour faire passer un souffle dans l'œuvre et atteindre l'authenticité profonde du motif. Le « Chi », c'est aussi ce qui permet d'aller plus loin que l'image réaliste pour donner à l'oeuvre-d'art une atmosphère transcendante du paysage. En se libérant des contraintes du figuratif stricto-sensu, Ellhëa a intégré cela dans sa peinture. Une tendance constante dans l'art se maintient et se développe aujourd'hui, visant à atteindre « en sensibilité » la vérité du paysage, pour aller plus loin qu'une « peinture-réalité » fidèle au modèle. L'impressionnisme dès ses débuts à mis en modernité les principes d'une peinture qui sort de l'intérieur de l'artiste, le visible n'étant qu'un prétexte. Le peintre contemporain, face à l'apparent motif, peut devenir un filtre de ressentis, pour transmettre un autre essentiel sur la toile.© EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Chantal FRANCOIS, peintre, style figuratif. Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015.


présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

présentation de la peintre Chantal FRANCOIS à PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

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PEKIN 2015. Pour la seconde année consécutive, le style de la peintre Chantal François a été présenté dans la capitale chinoise, au travers d'œuvres à dominante de paysages ainsi qu' avec une nature morte. Le succès obtenu l'année dernière par la peintre s'est renouvelé cette année lors du « Style et Tendances dans l'art international PEKIN 2015 » et elle a ainsi pu marquer à nouveau de son style l'année 2015. Déjà connue dans la capitale chinoise, ses nouvelles présentations ont été très appréciées. A tel point qu'à l'issue des présentations des styles celle-ci s'est trouvée au Palmarès décrochant la Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2015. Une récompense qui vient couronner un talent et une rigueur créative issue de la tradition, pour la réalisation de l'œuvre-d'art en peinture à l'huile ainsi qu' aux pastels.


Style. L'œuvre « Cascade de Nice », très belle huile sur toile (65x50 cm), à démontré la capacité stylistique de Chantal François sur un registre impressionniste, à forte connotation figurative, bien ancré dans la proximité au motif. L'artiste se distingue par l'application de la touche picturale avec une grande méticulosité, à l'ancienne. La « Cascade de Nice », est emblématique de l'approche visuelle et picturale que peut avoir l'artiste sur le motif. Elle en saisit l'essentiel, l'élague, pour en faire ressortir un esprit, une ambiance, tel que cela lui convient au mieux. Elle sait associer les principes de la peinture traditionnelle et une façon de peindre moderne, contemporaine. Ses œuvres sont le réceptacle des règles strictes de la peinture à huile, celles qu'impose ce médium, connu pour être particulièrement délicat à l'application. Son œuvre « Les Pommes », en peinture aux pastels, représente une modalité de compétence à réaliser les natures-mortes, avec une architecture très bien élaborée. L'œuvre d'art commençant, dans ces sujets, chez Chantal François, au moment de disposer des éléments à peindre. De la même façon que lorsqu'elle choisit un angle de vue dans la nature, selon sa liberté de décider de quel aspect du paysage va s'emparer le peintre. Ici, avec une nature-morte, sera le choix des objets, des fruits, qui emporteront sa préférence par l' originalité des formes, par la couleur, si c'est un objet également son originalité selon la lumière qui peut s'en dégager ou des dessins décoratifs qu'il comporte. Chantal François, avec la présentation de son style au travers de l'œuvre « Les Pommes » nature-morte, peinture aux pastels (55x46cm) affirme tout l'intérêt qu'elle porte à l'objet immobile, à peindre la rotondité, tout en arrivant à donner force et équilibre à la disposition qu'elle choisit. Ainsi les pommes ont été retenues comme sujet par Chantal François pour la force expressive qu'elles dégage. Leur importance emblématique pour les artistes du figuratif ou impressionnistes. La pomme qui garde une connotation quelques peu symbolique dans l'histoire de l'art, lorsque l'on repense au peintre peintre Paul Cézanne qui aimait a dire qu'il voulait « étonner Paris » en peignant « une pomme ». Ce fruit qui resta pour lui un sujet de prédilection à peindre. La pomme gardera toujours ses mystères depuis la Genèse à l'art contemporain. Fruit emblématique de la nature pour Chantal François, elle présente ses pommes à l'intérieur d'une corbeille, associant la rotondité des fruits à leur installation dans un récipient à forme également ronde. Elle pose en premier plan sur la table une pomme ouverte, telle une invitation à découvrir l'intériorité de la nature, ce qui se cache à l'intérieur de ce que l'on voit, brisant le mystère des apparences. D'autres fruits, une grappe de raisin, des prunes, font bon voisinage aussi bien dans la rotondité que dans un contraste de coloris dans le respect des couleurs originelles de ces fruits. Avec le tableau de paysage « Rivière à Gussignies », huile sur toile, (55x38cm), l'artiste nous montre son aptitude à saisir la nature en tant que telle, sans aucun élément représentant la présence humaine. Une œuvre dans laquelle rien ne vient troubler la nature essentielle qui emplit de diverses tonalités verdoyantes l'ensemble du tableau. Des tons multiples d' arbres et de végétaux qui se reflètent dans cette rivière forment comme un camaïeu de verdure. Un tout paysagiste, où un soin particulier est apporté à traiter le feuillage, avec délicatesse,minutie, ainsi que les reflets dans l'eau de cette rivière paisible. Chantal François propose une peinture d'où émane une paix, une peinture plaisante à vivre, apaisante,faite pour mettre de la beauté sous le regard, chaque jour. Dans ses œuvres réalisées à la peinture à huile, Chantal François s'attache à respecter les règles d'application avec des temps de séchage, les superpositions de couches légères qui permettent de produire des glacis. C'est une intervention sur la toile qui respecte les préceptes des grands Maîtres de la peinture, elle sait avec talent ajouter à cette haute tradition, une autre façon de touche, inventer d'autres manière d'épurer et d'élaguer le sujet dans l'œuvre, jusqu'à atteindre parfois une beauté sublime issue d'un rendu de l'essentiel. C'est dès-lors en quelques sorte l'âme du motif, qu'elle parvient à capturer autour de cette « Rivière à Gussignies », dont elle déploie la matérialisation sur sa toile en s'en tenant à un chemin de perfection picturale. Qu'il s'agisse de motifs les plus différents, ou de natures-mortes, l'essentiel sera pour Chantal François, de faire une œuvre qui aura respecté, inclus, la notion de temps, qui aura arrêté le temps sur la toile. Pour elle, une peinture à huile, aux pastels, doit être un moment d'intimité entre l'artiste et le motif, et la durée de réalisation ne doit pas intervenir. Il y a une maturation qui doit se faire ; non seulement dans l'esprit, mais cette maturation doit se traduire par une distance temporelle, un recul, pour bien réaliser le tableau. Ainsi chez Chantal François la peinture véhicule toutes les règles et les critères de ce que l'on appelle la « grande peinture ». Elle intègre les règles des académismes uniquement dans leurs aspects techniques. La démarche artistique, son esthétique s'autorise un champ de liberté ; elle n'hésite pas, lorsqu'il le faut, à produire une œuvre sans aucune allégeance à un hyperréalisme quel qu'il soit. Sa créativité réagit au mieux, dans son espace pictural qui se situe dans les périmètres de l'impressionnisme.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. L'évolution de l'art contemporain, s'il se fait en grande partie en dehors des académismes, certains artistes, savent en retenir les règles primordiales, notamment lorsqu'il s'agit d'utiliser des médiums de tradition, tel que pour l'Europe, en particulier la peinture à l'huile. On peut ici discerner la survivance d'une double tendance autour des aspects techniques des médiums. D'une part, une tendance esthétique « académique », qui s'appuie sur les « techniques » rattachées aux règles d'application des médiums anciens. D'autre part, une tendance globale qui utilise les règles de ces techniques anciennes de la peinture à huile, ou d'autres médiums anciens, pour en faire des applications esthétiques non-académiques, très différentes, en d'autres styles contemporains des plus variés. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Fang MIN, peintre, style contemporain figuratif. Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015.


le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

le peintre chinois Fang MIN expliquant à PEKIN sa démarche artistique et son style

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

Médaille d'Or Internationale des arts de PEKIN 2015

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* * * *  Reportage PEKIN (Texte et Photos) en cours  * * * *

 

 

Ont obtenu: Prix internationaux des arts Chine, PEKIN 2015, les artistes suivants:


 

 

■ Thérèse BOSC, peintre, style abstrait. Prix international des arts de Chine 2015.


Thérèse BOSC, peintre abstraite

Thérèse BOSC, peintre abstraite

Thérèse BOSC, peintre abstraite

Thérèse BOSC, peintre abstraite

Thérèse BOSC, peintre abstraite

Thérèse BOSC, peintre abstraite

Prix International des arts de Chine 2015

Prix International des arts de Chine 2015

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VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre abstraite Thérèse BOSC à PEKIN 2015

VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre abstraite Thérèse BOSC à PEKIN 2015

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PEKIN 2015. La présentation du style et des oeuvres de Thérèse BOSC, lors des rencontres artistiques, a suscité un légitime intérêt autour d'une modalité de peindre l'abstraction, qui a su retenir l'attention du Jury international. Une expression très bien équilibrée en une architecture picturale originale, qui de plus a su « abstractiser » tout un ensemble d'émotions et de sensations, en lien étroit avec un environnement régional. Ceci a donné une autre vision de ce que pouvait être l'attachement au lieu où l'on vit et comment l'abstraction pouvait intervenir pour exprimer des sentiments par la peinture, avec une grande subtilité. Le Prix international des arts de Chine , obtenu par l'artiste lors du « Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015, est venu confirmer ce talent et cette impression d'ensemble de haut niveau international, que l'on a ressenti pendant toute la durée de la présentation du style et de la démarche artistique de Thérèse BOSC.

 

Le style de Thérèse Bosc a été présenté à travers des œuvres sélectionnées. Tout d'abord, la peinture "Quercy 1"; il s'agit d'une très belle huile sur toile,technique mixte(100x81 cm), représentative "de l’émotion provoquée par la danse de la lumière sur les pierres du Quercy". L'oeuvre "Quercy 2", huile sur toile, technique mixte (100x81 cm). Nous signale "L'émergence des pierres quand se lève la brume matinale". "Quercy 6" « Quand pleure la pierre » , selon l'artiste « peut-être le point de départ d’une légende ou d’un conte inspirés par l’atmosphère poétique qui règne à certains moments sur les Causses du Quercy ». Au vu de la particularité de cette abstraction "régionale", il est intéressant de savoir ce que l'artiste ressent dans ses oeuvres, "le Quercy est une région naturelle située dans le Sud-ouest de la France". La famille de Thérèse Bosc y possède une maison. Voyons ce que nous dit l'artiste: ..."C'est une petite maison toute en pierres blanches du Lot, comme toutes les maisons de cette région et les cabanes de bergers. C’est un pays où la roche calcaire affleure le sol, où les champs minuscules sont bordés de murets de « pierres sèches » où les rivières creusent le calcaire pour former de gigantesques falaises colorées par les lichens. C’est un pays âpre en hiver, plein de lumière le reste de l’année. Et cette lumière danse sur la pierre faisant apparaître des reflets de toutes les couleurs. J’y passe une grande partie de l’été. Notre petite maison abrite un grand atelier lumineux où je peux peindre sans retenue"…. Thérèse Bosc poursuit... "En été, vers midi, je suis fascinée par ces pierres et ces falaises colorées. Ma peinture n’est pas figurative. Je ne cherche pas à représenter ce que je vois, mais plutôt à traduire cette forte émotion et la fascination exercée sur moi par cette danse de la lumière sur les pierres du Quercy." Thèrèse Bosc. Superbe témoignage de l'artiste. Le style de la peintre avec le tableau "Quercy 1" en regroupant les géométries sur le bas de la toile, avec l'adjonction de couleurs intenses, semble exprimer une narration mystérieuse, qui prend forme d'espaces colorés complémentaires les uns aux autres, construits, et amalgamés, comme pour faire une symbiose d'appartenance à la même évocation. Le mode de peindre, en épaisseur, en couleur sèche, donne un caractère lumineux, solaire, à ce fond gris clair. "Quercy 1" propose ainsi, une architecture abstraite fascinante, qui laisse admirer une construction colorée, en ambiguité de volumes interprétés et d'allusions plus matérielles, puisque nous sommes sur un registre de l'évocation de pierres. Une oeuvre qui apparait comme représenter cette osmose de l'artiste avec sa propre région, symbiose, qui est essentielle dans la démarche de Thérèse Bosc, autour de la représentation de l'émotion suscitée par la force de ces "pierres sèches". Elle en capture la beauté, ce qui s'en exhale de lumineux. On y ressent bien cette mémoire qui s'y est incrustée, insérée, inspirant l'artiste pour constituer une véritable grammaire de conscience collective de la région par l'abstraction. Identité aussi de ce patimoine local, reconnaissable, et qui dispose autour de ces empierrements, de ces qualités de matériaux granitiques, une capacités à styliser une architecture rurale, de la bergerie, à la maison autochtone. Le talent de l'artiste ouvre des visions, d'autres lectures possibles autour de ses oeuvres sur le Quercy. Ainsi avec le tableau "Quercy 2" comme dans "Quercy 6", Thérèse Bosc peint une abstraction qui chevauche le réel et l'interprété. L'explication de l'artiste indiquée plus haut rejoint bien dans "Quercy 2" cette évanescence, cette graduation dans une émotion diaphane. Une abstraction qui noue avec le réel, pour en dire un autre message plus sensible. La brume du matin se lève, laissant surgir dans une netteté puissante les pierres devenues plus apparentes,"émergentes", qui vont directement se poser au premier plan, juste sous le regard du spectateur. "Quercy 6" (Quercy) donne une vie à ces pierres, une personnification dans une suprême allégorie, pleine d'une esthétique aboutie. "Quercy 6" intitulé aussi "Quand pleure la pierre", nous fait atteindre un sommet émotionnel, comme seule peut la traduire une abstraction aussi bien menée.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. L'abstraction interprétative de Thérèse Bosc nous emmène vers des significations sensibles et émotionnelles, telles qu'elles peuvent être données aux motifs constitutifs du paysage; pierres, maisons, falaises, reliefs. Grâce à l'abstraction, comme dans une poétique colorée picturale, des formes extraites du réel peuvent en arriver à être transcendées par le talent de Thérèse Bosc. Formes et éléments, paysages, qui peuvent alors dépasser leur propre état d'être, leur existant matériel, pour entraîner le spectateur dans un art miroir fait de sensations personnelles et à la fois expression de conscience collective régionale. Thérèse Bosc nous démontre que le ressenti de l'artiste peut exprimer et mettre en relief la mémoire collective d'un lieu, à travers des allégories bien choisies, au myens de représentations abstraites, en peignant des éléments emblématiques dans le paysage. Thérèse Bosc marque bien, ici, une tendance internationale en art, qui va dans le sens d'un traitement poétique, interprétatif, des éléments du paysage peint en registe d'abstraction et en lien étroit avec le patrimoine local. L'étendue du paysagisme abstrait et la vaste capacité polysémique de l'abstraction, permettent une approche interprétative individuelle, ou à la fois plus collective, du paysage. L'art abstrait, comme le confirment le style et la démarche artistique de la peintre Thérèse Bosc, lors du « Styles et Tendances dans l'art international » PEKIN 2015, peut, au travers du paysage ou de ses éléments, évoquer une pure esthétique, mais aussi véhiculer mémoire et conscience collective d'un lieu. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Isabelle RAYNAL-DELCOL, peintre, style abstrait. Prix international des arts de Chine 2015.


présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

présentation de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

Prix international des arts de Chine 2015

Prix international des arts de Chine 2015

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VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre abstraite Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

VIDEO Présentation des oeuvres et du style de la peintre abstraite Isabelle RAYNAL-DELCOL à PEKIN 2015

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PEKIN 2015. Le style et la démarche artistique de la peintre Isabelle RAYNAL-DELCOL ont été présentés, avec succès, dans la capitale chinoise. Son expression abstraite, tout en délicatesse, en tonalités à la fois vives et atténuées, en nuances diaphanes, avec la présence du sujet central interprété dans des harmonies très étudiées, ont honoré l'art abstrait par ce talent unanimement apprécié. Les évocations signifiantes de ses œuvres, à partir des titres très bien choisis par l'artiste, ont séduit le Jury international. Celui-ci a souhaité récompenser le talent de la peintre, en lui attribuant le prestigieux Prix international des arts de Chine 2015, à l'occasion du " Styles et Tendances dans l'art international, PEKIN 2015 ".

 

Style . Avec son œuvre " De Passage " , acrylique sur toile (100x100cm, légère incrustation de mâchefer, limailles de fer, éclats de verre et poussière de verre) Isabelle Raynal-Delcol, témoigne d'une interprétation abstraite et pleine de spiritualité, tout en conservant un aspect cosmique. On y ressent le sens de l'abstraction, qui se situe au-delà de l'existant, au-delà d'un champ constitué matériel. La démarche d' Isabelle Raynal-Delcol nous montre le sens que l'artiste peut donner à l'abstraction,  afin d'exprimer des ressentis intemporels. On comprend au travers de cette toile, les moyens de l'artiste, de se rapprocher par le pictural de la sensation ultime. La peintre accède ici, à ce que l'on peut imaginer de plus  impalpable, qui appartient au registre du non visible, au-delà du réel. Cette œuvre magistrale intitulée " De Passage " représente pour Isabelle Raynal-Delcol, le passage d’une âme, sa venue sur terre. Elle en dit: " J’ai voulu un côté sauvage, puissant mais aussi doux, velouté. Le signe de l’espoir d’une naissance." Un style d'une exceptionnelle ampleur, qui en arrive à nous rappeler la touche des grands maîtres anciens, pour ce qui concerne la beauté de l'application picturale, la sensibilité diaphane, l'ambiance, que cette peinture véhicule dans un ensemble de nuances extrêmes, qui nous conduisent irréversiblement à une vérité du "beau" en art. Isabelle Raynal-Delcol, par cette œuvre questionne l'esthétique, créant un lien entre la perfection du classicisme et le transfert dans l'art contemporain de l'atmosphère suave, sensuelle, que l'on peut rencontrer dans les feux atténués d'une peinture hollandaise. Une démonstration de talent, avec la présentation d'une capacité picturale poussée aux ultimes limites des jeux de lumière, des à-plats voluptueux, de dégradés devenant bouleversants. Un talent du peindre qui a su créer une grammaire personnelle, pour évoquer par la minutie et la variation de tonalités colorées, par une palette feutrée, un univers émotionnel exceptionnel. Avec l'oeuvre "Guérison", acrylique sur toile (100x100cm, légère incrustation de limailles de fer, éclats de verre, étain et poussière de verre), Isabelle Raynal-Delcol  confirme une esthétique dans laquelle l'artiste sait jouer avec les évanescences, contrôler les émulsions de pigments, élevant l'art abstrait dans la dimension de la plus haute subtilité. "Guérison" propose le motif central comme élément principal d'animation de l'œuvre, toujours en corrélation avec les mouvantes volutes colorées, qui savent apporter une animation complémentaire dans la toile. En fait, c'est un ensemble qui resitue l'œuvre d'art abstraite, dans sa fonction première d'expression. La peintre abstraite est dans son talent interprétatif, capable de traduire ce qui est enfouis au fond du cœur et de la conscience, un monde ne pouvant être transmis, à la surface, au visible, ni par le figuratif, ni par la littérature. Isabelle Raynal-Delcol, redonne au champ pictural abstrait sa vocation de territoire réceptacle qui fixe sur la toile l'intériorité de l'artiste, mais aussi l'immatériel, l'intemporalité. "Guérison" évoque ici encore, une mutation, un passage, d'un état d'être à un autre plus positif, l'idée de cette transition qui nous emmène vers un ailleurs salvateur. L'artiste met en osmose dans cette toile, une forme évocatrice d'optimisme et de beauté picturale plasticienne. Dans l'oeuvre "Colère Océane ", acrylique sur toile (41x33cm, légère incrustation de mâchefer, étain, éclats de verre et poussière de verre), la peintre traite dans d' autres coloris, dans son style particulier, un sujet fameux, celui de la vague. Comme chacun sait il s'agit ici d'un thème, auquel les plus grands artistes ont aimé se confronter, afin d'éprouver leurs grammaires artistiques, leurs émotions dans la traduction marine du mouvement. " Colère Océane " met donc en exergue la capacité d'expression stylistique d'Isabelle Raynal-Delcol. On y voit tous les ingrédients de douceur, de volupté et de nuances qu'elle peut maîtriser et surtout comment elle sait aller vers un redéploiement de son vocabulaire pictural sur un autre registre, en puissance, voire en violence, ici dans "Colère Océane". À noter que pour l'ensemble des trois œuvres, Isabelle Raynal-Delcol insère dans l'oeuvre-d'art, des inclusions matiéristes étonnantes (limailles de fer, mâchefer, étain), qui vont rehausser de manière précieuse, par d'étranges éclats,  les belles émotions qui transparaissent sous nos yeux. Des lueurs incrustées, des effets ganulés luminescents, issus du vitraillisme, (éclats de verre et poussière de verre), viennent parachever la magnificence de cette peinture.

 

Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Isabelle Raynal-Delcol a su conquérir un vocabulaire pictural, autre, qui va plus loin que celui des couleurs, que celui des signes ou des lignes ; L'artiste s'est rendue maîtresse de la nuance, du sfumato ancestral, transmis au fil des siècles de hautes écoles en académies. Elle maîtrise une plastique évocatoire, cosmique. Cette artiste à conquis et nous révèle, aujourd'hui, un nouvel espace de signifiances esthétiques abstraites dans l'art contemporain. Isabelle Raynal-Delcol, se pose sur l'international, par son engagement stylistique, en lien immémorial, en synthèse des visibles artistiques, pour nous offrir un art expression de vie, anthologique, puisé aux sources des nuances colorées génériques, d'avant le trait inné. Des œuvres à mieux connaître, qui donnent à réfléchir. Des peintures qui  sont un authentique pontage dans notre société , entre art et culture. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Jean-Paul SCHMITT, peintre, style figuratif. Prix international des arts de Pékin 2015. "Avec félicitations du Jury".


présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

présentation du peintre Jean-Paul SCMITT à PEKIN 2015

Prix international des arts de Pékin 2015.

Prix international des arts de Pékin 2015. "Avec félicitations du Jury".

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PEKIN 2015. A l'occasion du « Styles et Tendances dans l'art international PEKIN 2015 », le style et la démarche artistique, les œuvres sélectionnées de Jean-Paul Schmitt, ont été présentés avec succès dans la capitale chinoise. À l'issue des présentations l'artiste est entré brillamment au Palmarès, avec l'obtention du Prix international des arts de Chine, attribué par le Jury international. Lequel a souhaité accentuer la portée de ce Prix, en l'accompagnant des « Félicitations du Jury ». C'est l'évolution de l'art contemporain, mais aussi  et de nouvelles approches expressives du figuratif, qui sont ainsi saluées et honorées sur l'international, au travers des œuvres de Jean-Paul Schmitt.

 

Style. C'est tout d'abord l'œuvre « La Femme au Violon », une splendide œuvre sur toile (116x 89 cm) qui a ouvert la présentation de la démarche artistique du peintre Jean-Paul Schmitt. L'accent est mis sur la particularité des constructions et des équilibres picturaux dans les œuvres de l'artiste. C'est une architecture des différents éléments constituant le tableau qui a su intégrer les démarches des grands peintres modernes, tels notamment Paul Cézanne, dont la structure des œuvres, parfois bouscula les à-prioris esthétiques de certains académismes, pour donner plus de puissance à l' expression peinte. Jean-Paul Schmitt dans « La Femme au Violon », travaille l'agencement des formes, les perspectives; leur position sur la toile, parait vouloir glisser hors du tableau, dans la partie inférieure. Jean-Paul Schmitt nous démontre ici, qu'il a su se rendre maître de logiques visuelles qui font progresser le figuratif. Ses toiles comportent de plus une animation intrinsèque dans leur structure de composition. Il y a une autorégulation des lignes de force, des lignes de fuites, qui créent un aboutissement exceptionnel de présence du sujet principal. Des espaces colorés en larges à-plats, viennent marquer un signal très contemporain dans son figuratif. Le talent de Jean-Paul Schmitt s'inscrit tout autant dans les aspects narratifs, qui peuplent ses œuvres. Il sait replacer le personnage dans un temps fort de vie, au travers les indices d'un quotidien intimiste. Sa réalité peut être poétisée mais garde une authenticité qui touche le cœur, la mémoire, du spectateur. Les œuvres de Jean-Paul Schmitt véhiculent une ambiance, une histoire, avec beaucoup de subtilité. Dans les œuvres présentées « Immobile Voyage », ou bien encore  « La Lectrice Assoupie », le sujet semble à la fois ici et ailleurs, présent et absent. Le peintre a ce don de saisir son sujet comme s'il ne le dérangeait pas, comme si le sujet ne sentait pas la présence du peintre. Il en résulte une représentation du personnage, de la scène, pleine d'une  vérité, de  naturel dans l'attitude. Jean-Paul Schmitt, par sa délicatesse sait nous faire partager un temps de vie. Ainsi avec « Immobile Voyage » , huile sur toile (80x120 cm), il nous montre le personnage qui lit, s'évade de son quotidien, une maquette de navire, à proximité, accentue l'idée du titre. Il crée un ensemble esthétique de haut niveau, en jeux d'architectures, de plans, d'échelles d' objets. Le peintre arrive à créer une palette faite de ton recherchés, de nuances entre les gris, les ocres, déclinés dans des luminosités vives et sourdes à la fois. Le traitement de la lumière chez Jean-Paul Schmitt est élaboré. Effets d'ombre, d'intensités de coloris, la palette et le pinceau jouent sur le vif et la sobriété de couleurs qu'il sait assourdir en les gardant chaudes, froides. Une couleur passée au filtre des sensations intérieures de l'artiste, qui crée avec bonheur une ambiance ambivalente, celle d'un sujet statique dans un environnement animé. Il donne  vie aux objets, par leurs emplacements, les couleurs. Une peinture en paradoxe, en distorsion d'équilibres recherchés, afin de créer une vie esthétique nouvelle dans la scène, pour trouver une autre proximité entre le spectateur et la toile. On entre très volontiers dans un tableau de Jean-Paul Schmitt,son histoire nous y accueille aisément grâce titrage qui conforte le chemin à suivre. Une fois dans ce territoire de couleurs et de sens, le spectateur va vers une plénitude de ressentis, pour découvrir comment la peinture contemporaine peut-être proche de la vraie vie, mais aussi de la mémoire. Le tableau « La Lectrice Assoupie » huile sur toile (80x80 cm), nous entraîne plus loin dans cette originalité de construction architecturale sur la toile. C'est avec talent que Jean-Paul Schmitt ici, nous offre des éléments prétextes à des espaces géométriques, des à-plats sobres et vifs, comme cette lumière amortie qui se pose sur un coussin jaune, l'épaule, ou le genou, de cette liseuse assoupie, cela dans un environnement aux ombres légères. En fond, quelques tonalités sourdes créent une sensation de réalisme. Tous les ingrédients d'un figuratif très contemporain, évolué, élaboré, sous-tendent ce travail pictural. Des œuvres immergées dans un monde de vie, en miroir de paix et d'amour des êtres et des choses qui nous entourent. Ce peintre sait arrêter le temps.


Tendances artistiques internationales Pékin 2015. Avec l'œuvre de Jean-Paul Schmitt, domine toute  l'originalité et la technicité du savoir peindre . Le choix de répartition des plans, les détails narratifs, le sujet, personnage par lui-même, en lien avec le quotidien, le sociétal, la vie. Des œuvres dans lesquelles, le poétique, l'intimisme, l'artistique s'entrecroisent pour ouvrir la porte à la représentation du sujet au coeur d'une scénographie. Jean-Paul Schmitt, réussit une réalité ambivalente, entre existence vraie et pose artistique. Il nous emmène vers une vérité émotionnelle. Les personnages sont à la fois immergés dans leur propre vie, dans leur existence, ainsi que dans la création artistique de Jean-Paul Schmitt. C'est cette dualité d'atmosphère qui nous séduit. Celle de l'être dans la société, sujet du tableau, et cette existence du sujet qui prend une autre vie particulière sur la toile, telle celle d'un acteur, figé par le talent du peintre. Jean-Paul Schmitt illustre bien cette vocation du peintre, capable de maîtriser deux états de réalité en une même approche. La réalité du personnage sujet existant hors du tableau, et l'autre forme de réalité de ce même personnage, une fois intégré au tableau. Il entre dans cette autre matérialité peinte qu'est l'œuvre-d'art. Une expression stylistique telle une vérité de la vie et du monde, passée au filtre des sentiments du peintre, restituée par le regard, la palette et les pinceaux de l'artiste. On a pu apprécier à Pékin avec le style de Jean-Paul Schmitt, une excellente expression figurative contemporaine de niveau international. © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Cécile DURET, peintre, style abstrait. Prix international des arts de Pékin 2015.


présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

présentation de la peintre Cécile DURET à PEKIN 2015

Prix international des arts de Pékin 2015

Prix international des arts de Pékin 2015

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PEKIN 2015. Le style de la peintre Cécile DURET a été présenté dans la capitale chinoise, ainsi que sa démarche artistique en abstraction lors des Rencontres de « Style et Tendances dans l'art international PEKIN 2015 ». Cette artiste par sa créativité, son imagination à traiter par la couleur et les formes, l'évocation de sujets en abstraction, a obtenu l'attribution du Prix international des arts de PEKIN, attribué le Jury international franco-chinois. Une reconnaissance de la dynamique créative que celle-ci déploie dans la  discipline difficile de l'art contemporain abstrait.

 

Style. La présentation de Cécile Duret a débuté par l'explicatif du style qui ressort de son œuvre abstraite « Pluie », une étonnante acrylique sur toile (80x60 cm), qui démontre à la fois, la capacité d'abstraction de l'artiste à partir d'un sujet, mais également la grande amplitude de son jeu de lignes, de formes et de couleurs, pour produire une évocation abstraite originale. C'est ainsi un florilège de couleurs dans le haut de la toile, qui se décline en blancs diaphanes sur la partie plus centrale. Cécile Duret a compris comment sa profonde sensibilité pouvait trouver une application matérialisée, à travers l'interprétation picturale. C'est dans l'art contemporain notamment au moyen de l'art abstrait qu'elle peut l'exprimer au mieux. Cette sensibilité qui constitue donc pour elle, un élément essentiel, pour lui permettre de transmettre au spectateur une autre façon de voir, une autre façon d'appréhender le réel au-delà de toutes normes figuratives. Le titre « Pluie », en allant vers les éléments de la nature montre sa capacité d'abstraire  parfois en lien avec la nature, ce qui peut l'entourer. Dans cette œuvre, Cécile Duret, pose ce sujet en élément central de la toile, jouant avec une grammaire qui lui est propre, en émergence de son monde intérieur profond. Elle propose au spectateur de l'accompagner sur un chemin coloré vers le partage d'une émotion. L'originalité de ce sujet réside aussi dans un acte d'évocation, montre l'univers des ressentis de l'artiste. Le contenu signifiant, sémantique, dans le style de cette peintre abstraite, n'a pas un besoin d'être en adéquation avec le signe. En effet, l'interprétation abstraite, en ce cas, ne provient pas de l'extérieur, à savoir la représentation de la pluie, mais de l'intériorité de l'artiste qui va émettre, picturalement, un message spécifiquement personnel autour du thème, en provenance de sa conscience et de son inconscient à la fois. Avec l'œuvre abstraite « Envolée », acrylique sur toile (80x60 cm), le style de Cécile Duret s'affirme, d'une part, totalement libéré là aussi des contraintes représentatives, d'autre part, à-même de communiquer, comme dans le tableau précédent, une interprétation issue de profondeurs sensibles. « Envolée », joue sur un contraste entre l'intensité d'un pigment orangé, posé en modalité tachiste, sur le plan premier de l'œuvre, en superposition à un fond aux couleurs éthérées. Une œuvre tout en subtilité, qui sait mettre en jeux visuels, des blancs légers, ainsi que des gris, en support de jaunes et d' oranges plus vifs. Sur le bas du tableau, la disposition d'une couleur noire, intervient dans une double résonnance, en premier lieu, « arrête » et « fonde » l'œuvre par un effet socle, et en second lieu, agit tel un contre-plan permettant de donner de la profondeur, de l'éloignement, aux autres espaces de couleurs. Cécile Duret, avec cette œuvre, traite le mouvement, en y adjoignant la spatialité, une logique directionnelle. Cette toile « Envolée » insiste sur l'extrapolation que peut utiliser l'artiste abstrait comme moyen de dire une autre originalité, pour affirmer d'autres essentiels possibles, dans le vaste champ de l'évocatoire par le pictural. Avec son œuvre « Constellation », acrylique sur toile, (76x60 cm), Cécile Duret nous ramène à une allégorie plus accessible par le spectateur. On y voit une variété de tonalités que ce sujet permet, une animation, tout en restant dans la dimension de l'interprétation abstraite. Au-delà d'un thème prétexte à un jeu d'harmonies, d'éclats vifs et multicolores, qui s'appellent et se répondent dans l' œuvre, « Constellation » attire notre attention par l'aspect cosmique, qui émane de cette démarche abstraite. Puissance d'inspiration, spiritualité intérieure, peuvent alors rejoindre l'esthétique de l'artiste créant l'œuvre-d'art. Cécile Duret exprime avec ce travail abstrait, une allusion re-créative, une grammaire personnelle, qui en vient par ces effets de ressentis, à ouvrir une voie hors de notre quotidien, en élévation plus cosmique, témoignant d'une certaine universalité de l'œuvre-d'art.

 

Tendances artistiques internationales, Pékin 2015. La grande mouvance de l'abstraction comporte de nombreuses intentions picturales, les expressions les plus variées sur la toile. Cécile Duret, marque une tendance d'une abstraction, qui, hors des sentiers battus, garde un espace de signification élargi. Entre le titrage littéral et l'extrapolation susceptible d'en être faite par l'abstrait, le sujet est évoqué à un autre degré d'entendement. Le grand intérêt des titrages en abstraction, réside dans la capacité de l'artiste à dépasser la notion pré-écrite des intitulés, à entraîner le spectateur au-delà d'une sémantique première, permettant ainsi un progrès pour des acceptions esthétiques les plus diversifiées, les plus avant-gardistes, les plus audacieuses. La présentation de l'abstraction de Cécile Duret, intuitive, qui questionne l'art, permet lors de ce « Styles et Tendances dans l'art international Pékin 2015», de dégager et mettre en relief la tendance picturale, qui distend ainsi dans l'art l'abstrait  le lien entre l'image préconstruite de l'intitulé et l'interprétation qui en est faite par l'artiste, hors de toutes références à un visible s'y rapportant. Les stylistiques abstraites peuvent générer la progression de nouveaux sens esthétiques, qui vont inclure, non seulement les sensibilités intérieures des artistes, mais  autant une appréhension du monde pouvant exister aux antipodes des attentes du spectateur, au-delà de toutes les apparences objectives. Ce sont ces données, primordiales, qui deviennent des clés pour un entendement contemporain de l'œuvre-d'art.  © EDMC Janvier 2016.

 

 

■ Qiao MIN, peintre, style impressionniste. Prix international des arts de Pékin 2015.


Qiao MIN, peintre chinoise, présente son style à PEKIN 2015

Qiao MIN, peintre chinoise, présente son style à PEKIN 2015

Qiao MIN, peintre chinoise, présente son style à PEKIN 2015

Qiao MIN, peintre chinoise, présente son style à PEKIN 2015

Qiao MIN, peintre chinoise, reçoit le Prix International des Arts Styles et Tendances PEKIN 2015

Qiao MIN, peintre chinoise, reçoit le Prix International des Arts Styles et Tendances PEKIN 2015

Prix International des arts de PEKIN 2015

Prix International des arts de PEKIN 2015

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* * * *  Reportage PEKIN (Texte et Photos) en cours  * * * *

PALMARES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2015  Chine PEKIN 2015" 

 

 

■ Chine PEKIN 2015


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PEKIN 2015

PEKIN 2015

"Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

"Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

"Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

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"Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015", la table du Jury

"Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

Présentations d'artistes lors du

Présentations d'artistes lors du "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015", le Jury

Présentations d'artistes chinois lors du

Présentations d'artistes chinois lors du "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

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Hotel Novotel Beijing Peace Pekin

Hotel Novotel Beijing Peace Pekin "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

Antoine Antolini présentation des artistes lors du

Antoine Antolini présentation des artistes lors du "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

Arrivée dans les salons de Hotel Novotel Beijing Peace Pekin pour

Arrivée dans les salons de Hotel Novotel Beijing Peace Pekin pour "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

Hotel Novotel Beijing Peace Pekin

Hotel Novotel Beijing Peace Pekin "Styles et Tendances dans l'Art International Chine PEKIN 2015"

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* * * * * VIDEO * * * * * Interview 2015 Annie d'HERPIN à PEKIN, Vice-présidente du Jury

* * * * * VIDEO * * * * * Interview 2015 Annie d'HERPIN à PEKIN, Vice-présidente du Jury "Styles et Tendances dans l'Art International"

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DECEMBRE 2015 CHINE PEKIN -  "Styles et Tendances dans l'Art International" 2015 Organisé par les Editions des muséees et de la culture EDMC. Rencontres artistiques annuelles pour la mise en relief de la création contemporaine et des styles innovants en art.

 

Editorial par Antoine Antolini. Délégué général des Editions EDMC


"Les Editions EDMC, sont parmi les premières en Europe et au plan international, sinon les premières, à proposer une véritable "muséologie d'actualité" qui sait conjuguer, d'une part, la dimension humaine et sensible qui entoure l'oeuvre-d'art et d'autre part, les nouvelles technologies numériques de l'image et de la communication. Les Editions EDMC proposent une nouvelle forme de présentation "hors les murs", dans ces conditions exceptionnelles que nous offre notre XXIème siècle naissant, avec les nouveaux médias numériques,pour la plus grande diffusion des Talents vivants des arts d'aujourd'hui sur le plan international."


"On assiste à un développement important de la muséologie et l'art international actuellement. Ce phénomène lié à l'évolution de la société et aux techniques de communication va se poursuivre dans les années à venir. La création, l'art, la muséologie, les sciences de la conservation et de la promotion du patrimoine culturel ont de plus en plus tendance à s'intégrer dans les sociétés de notre époque. Elles se rapprochent toujours plus de la vie quotidienne, des individus. Le patrimoine culturel, c'est aussi en grande partie le patrimoine artistique et les artistes vivants. Chaque jours ils font avancer l'art et la culture par leur créativité. L'art contemporain est devenu un art universel. Cela en "temps réel" grâce aux nouveaux médias. Les artistes de talent sont de plus en plus nombreux dans l'art pictural, l'art numérique, l'art statuaire, tout comme dans la création artistique contemporaine en général et au sens large. La création, les styles, les grammaires esthétiques n'ont plus de frontières aujourd'hui. Le XXIème siècle est le temps d'une nouvelle muséologie mondialisée. L'image plus que jamais joue un rôle essentiel pour développper la connaissance de l'art. Les Editions EDMC sont au rendez-vous... "Styles et Tendances dans l'Art International", est un évènementiel artistique multimédias exceptionnel international. Des styles émergents, des aspects des tendances contemporaines, se dégagent à partir des présentations et analyses esthétiques pendant ce moment fort de l'art international." (c) 2015 Antoine Antolini EDMC.

 

201512月  2015年度国际当代艺术潮流和风格”

文化和博物馆出版社(EDMC)主办  彰显艺术领域当代创作和创新形式的年度艺术盛会


多媒体的创新艺术展现: 通过大屏幕高清投影进行艺术作品及其风格展示,由EDMC播放音视频资料,最后会以文字、图片和纪录片的形式通过网络和电视频道进行报道。

该盛会可称为“艺术报道”,它将艺术作品所传递的人文情感和新的数字成像、通信技术结合起来。21世纪初,新数字媒体技术的高速发展,使艺术作品得以摆脱艺术馆和画廊的地域限制,正是基于此,EDMC出版社提供了一种新的作品展现形式,以便最大程度上宣传当代艺术人才。

当今的国际艺术与博物馆学发展取得了重大进展。这一现象与社会发展及通信技术是密不可分的,并且在未来几年还会一直持续 下去。创作、艺术、艺术馆学、文化遗产推广渠道和艺术品收藏科学技术和我们的生活越来越息息相关,和每一个人、每一天的生活都密不可分。某种程度上而言, 艺术遗产和当下在世的艺术家们也是文化遗产的一部分,其创造性在推动着艺术和文化前行,当代艺术已经非常普及,其传播和更迭由于新媒体的广泛应用而有了极 强的即时性。 在绘画艺术、数码艺术、雕塑艺术领域,正如在广义上当代艺术创作领域一样,具有才华的艺术家越来越多。如今创作、风格、美学原理之间不再有界限。21世纪 是一个新的世界性艺术馆学的世纪。图像在推广艺术知识方面起到前所未有的重要作用。文化和博物馆出版社(EDMC)由此应运而生...... “国际当代艺术潮流和风格”是一次国际性的多媒体艺术盛会,此次国际艺术盛会将通过美学艺术介绍和赏析,向您呈现出当代艺术潮流和新兴艺术风格。2015 (c) EDMC Editorial Antoine Antolini traduit en chinois.

 

 

■ STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2015 Chine PEKIN 2015


art international


■ PALMARES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2015 Chine PEKIN 2015"


■ INFO FLASH 2015 * * * * * STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2015 Chine PEKIN 5 Décembre 2015 REPORTAGES EN COURS SUR LES PRESENTATIONS ARTISTIQUES* * * * *


PEKIN:  PROCLAMATION DES RESULTATS 2015

PEKIN: PROCLAMATION DES RESULTATS 2015

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 2015  P A L M A R E S  2015

"Styles et Tendances dans l'Art International Pékin 2015".

 

Le jury international à proclamé le 5 Décembre 2015 à Pékin (Chine) les résultats du Palmarès des rencontres artistiques "Styles et Tendances dans l'Art International Pékin 2015" .

Les résultats sont les suivants

Ont obtenu :


Le GRAND PRIX INTERNATIONAL DES ARTS, ETOILE TENDANCE PEKIN 2015

est revenu à :

BAZIN Régine

DELIC Alain, peintre européen d'honneur

SUISSIA Gérard

 

TROPHEE INTERNATIONAL DES ARTS DE CHINE 2015

TOURNIER Nadette

 

TROPHEE INTERNATIONAL DES ARTS DE PEKIN 2015

DAUVERT Dominique

LIU YI

 

MEDAILLE D'OR INTERNATIONALE DES ARTS DE CHINE 2015

CASTILLE Georges

MABRIS

DE RUS Betty

SOIGNON Laurence


MEDAILLE D'OR INTERNATIONALE DES ARTS DE PEKIN 2015 

AUBERT Daniel

ELLHEA

FRANCOIS Chantal

MIN Fang

 

PRIX INTERNATIONAL DES ARTS DE CHINE 2015

BOSC Thérèse

RAYNAL-DELCOL Isabelle

 

PRIX INTERNATIONAL DES ARTS DE PEKIN 2015

SCHMITT Jean-Paul (avec félicitations du Jury)

DURET Cécile

MIN Qiao

 

 

Le jury international franco-chinois était composé de :

Président du Jury:  M. Eugène GERMAN

Vice-Présidente du Jury:  Mme Annie D'HERPIN

Membres du Jury :  Mme ZHENG DAI, Mme Jade BAO.



Chargé du Secrétariat & Commissariat exposition :

M. Antoine Antolini, Délégué Général Editions EDMC

 

Remerciements

Les Editions EDMC organisatrices des Rencontres artistiques "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2015 Chine." adressent leurs plus vifs remerciements à toutes les personnes qui ont participé à la réussite de cet évènement, notamment à la Direction et au personnel de l'Hôtel Novotel Beijing Peace, adressent également tous leurs remerciements à Mme Ying DENG, Enseignante de français à l'Université de Technologie de l'Hebei et à ses étudiantes pour la partie traduction franco-chinoise, qui a permis de faciliter les échanges et la compréhension mutuelle dans ces rencontres. Remerciements tous particuliers aux Membres Chinois et Français du Jury.


 * * * "Styles et Tendances dans l'art international" contacts e-mails: editions_edmc@yahoo.fr ou art.eurostyle@yahoo.fr * * * * *  Tel : 06 10 99 90 98  Tel international:   +336 10 99 90 98



PEKIN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL Chine PEKIN 2015".
Préselections/Sélections artistiques en cours


* * * * * * * V I D E O * * * * * CLIQUER SUR L'MAGE POUR VOIR LA VIDEO DECEMBRE 2014 TELEVISION CENTRALE DE CHINE C.C.T.V. (TELEDIFFUSION EN FRANCAIS) * * * PATIENTEZ PENDANT LE TELECHARGEMENT *

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2015 Manifestation "Styles et Tendances dans l'Art International – Chine PEKIN 2015", organisée  par les Editions des musées et de la culture EDMC, aura lieu prochainement en Décembre 2015 en Chine à PEKIN. Mise en relief des Styles et Tendances dans l'art international 2015. Les artistes particulièrement talentueux ayant des particularités intéressantes dans leur création peuvent proposer leurs candidatures sur préselection. La présentation des styles artistiques aura lieu à Pékin le 5 Décembre 2015, dans les salons du NOVOTEL Beijing Peace, au coeur de la capitale chinoise. Le développement important de l'art international en Chine actuellement et dans les années à venir laisse augurer des débouchés à conquérir dans l'art comme dans divers autres domaines culturels. La création et l'art, n'ont plus de frontières aujourd'hui, pour les artistes de talent dans le pictural, le numérique, en passant par la statuaire bien sûr, tout comme dans la création artistique contemporaine plurielle en général. La muséologie chinoise est en pleine évolution aussi et les Editions EDMC sont au rendez-vous... L'accueil réservé en Chine à notre manifestation de Présentations de Styles européens, qui a été largement suivie par la Télévision Chinoise CCTV, en 2014, ainsi que la participation d'artistes chinois et français de haut niveau, nous ont honoré et nous conduisent à renouveler en 2015, à PEKIN, cette Rencontre qui a été un succès l'an passé. (voir tous les reportages individuels et vidéos sur les artistes sur ce wesite EDMC, plu bas sur cette page ou en page films-vidéos). Décembre 2015 "Styles et Tendances dans l'Art International", à nouveau en Chine, à PEKIN. Un évènementiel artistique exceptionnel international (Chine) ouvert aux artistes sélectionnés et régulièrement inscrits. Présentation de Styles émergents et Aspects des Tendances 2015, se dérouleront dans les Salons du luxueux Novotel de Pékin, le Beijing Peace. Réalisation avec mise en oeuvre de moyens multimédias; vidéoprojection sur grand écran des styles et des oeuvres, interface de suivi documentaire audiovisuel par EDMC, post-diffusion vidéos de reportages sur le plan international, via internet et chaînes vidéos. Animation, commentaires avec présentations artistiques avec interprétation en chinois en continu des Styles et Tendances dans l'art international sur grand écran Salons du Novotel Beijing Peace Pékin. 5-12-2015  voir aussi https://www.youtube.com/user/EDMCEUROPE/featured 
Sélections ouvertes:  Renseignements contacter le 06 10 99 90 98 (M. Antoine Antolini) pour recevoir le dossier de sélection.   
Contacts e-mails: editions_edmc@yahoo.fr ou art.eurostyle@yahoo.fr

reportage CCTV 2014


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201512

2015年度国际当代艺术潮流和风格”

文化和博物馆出版社(EDMC)主办

彰显艺术领域当代创作和创新形式的年度艺术盛会

 

该盛会可称为“艺术报道”,它将艺术作品所传递的人文情感和新的数字成像、通信技术结合起来。21世纪初,新数字媒体技术的高速发展,使艺术作品得以摆脱艺术馆和画廊的地域限制,正是基于此,EDMC出版社提供了一种新的作品展现形式,以便最大程度上宣传当代艺术人才。

 

DECEMBRE 2015 

"Styles et Tendances dans l'Art International" 2015

Organisé par les Editions des muséees et de la culture EDMC.

Rencontres artistiques annuelles pour la mise en relief de la création contemporaine et des styles innovants en art. 

 

Les Editions EDMC, proposent  une véritable "muséologie d'actualité" qui sait conjuguer, d'une part, la dimension humaine et sensible qui entoure l'oeuvre-d'art et d'autre part, les nouvelles technologies numériques de l'image et de la communication. Les Editions EDMC  proposent une nouvelle forme de présentation "hors les murs", dans ces conditions exceptionnelles que nous offre notre XXIème siècle naissant, avec les nouveaux médias numériques, pour la plus grande diffusion des Talents vivants des arts d'aujourd'hui.

 


Evènementiel 2014 - "Actualité des Styles et tendances dans l'art international Chine PEKIN 2014"

"国际当代艺术潮流和风格" 介绍当代艺术家的作品及其风格 欧洲 - 文化和博物馆出版社EDMC    国际艺术机构 主办 


  * * * * * * V I D E O * * * * * Lien CLIQUER SUR L'IMAGE pour visionner l'interview d'Antoine ANTOLINI à la Télévision Centrale de Chine CCTV

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 * * * * * * * V I D E O * * * * * * ANNONCE DU PALMARES  par le Président du Jury International  M. Eugène GERMAN - Novotel Beijing Peace, PEKIN Décembre 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * ANNONCE DU PALMARES par le Président du Jury International M. Eugène GERMAN - Novotel Beijing Peace, PEKIN Décembre 2014

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"Art international et émergence des talents"


CHRONIQUE EDMC 2014

 

"Styles et Tendances dans l'Art International, Chine, PEKIN 2014 " est un évenementiel artistique et culturel de haut niveau organisé dans le cadre des Editions EDMC et ouvert à un nombre limité d'artistes du domaine des Beaux-Arts, aux créateurs contemporains novateurs préalablement sélectionnés. L'objectif de ces Rencontres est de permettre une communication des artistes afin de mieux faire connaitre leurs styles, leur création, notamment au plan international. Après la France et Cannes en 2013, en 2014 c'est à partir de la Chine et de sa capitale PEKIN, que les artistes ont fait connaitre leurs styles et leur écho dans la compétiton mondiale pour de nouvelles grammaires esthétiques. Les Editions EDMC, grâce aux prolongements médiatiques et les moyens audio-visuels multimédias et de diffusion via internet, dans le contexte général de l'art contemporain vivant et actuel, s'efforcent de dégager des tendances émergentes et des expressions talentueuses de nouveaux styles. En contexte international, rendre visible et lisibles des oeuvres remarquables, est un plus sur le plan de l'avancement et du progrès des arts contemporains... Qu'il s'agisse de peinture, sculpture, installations, land-art, mais aussi qu'il s'agisse de la création artistique d'aujourd'hui au sens le plus large, le "Savoir-faire" doit nécessairement s'accompagner d'un "Faire-savoir"... Les Editions EDMC, proposent en ce sens, une véritable "muséologie d'actualité" qui sait conjuguer à la fois d'une part la dimension humaine et sensible qui entoure l'oeuvre-d'art et d'autre part, le multimédia, les technologies de la communication, cela pour la plus grande diffusion des talents vivants des arts d'aujourd'hui, par une "nouvelle forme de présentation" hors les murs, cela, dans ces conditions exceptionnelles que nous offre notre XXIème siècle naissant et dont il faut savoir, non seulement saisir la portée, mais autant l'appliquer concrètement.  Au travers d'artistes parmi les plus créatifs, au coeur de la société, par une mise en relief d'une "mémoire en temps réel", par le "signalement sociétal" des caractéristiques principales des différents styles actuels, en "sentinelle des talents de haut niveau", sélectionnés dans tous les domaines qui fondent notre patrimoine artistique international, "Styles et Tendances dans l'Art International, Chine, PEKIN 2014 " contribue, au travers de l'art, des hommes et du multimédia, aux révélations ou aux consécrations de talents, à l' approche d'une "nouvelle muséographie référentielle" internationale, in fine, au développement, par un "phasage actualisé", des arts et de la culture. © Antoine Antolini Délégué EDMC 2014 "Art international et émergence des talents"

 

 

PEKIN 2014.


PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN NOVOTEL BEIJING PEACE

PEKIN NOVOTEL BEIJING PEACE

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PEKIN

PEKIN

PEKIN NOVOTEL BEIJING PEACE

PEKIN NOVOTEL BEIJING PEACE

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

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PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

PEKIN

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                                                                          P A L M A R E S  2014


"国际当代艺术潮流和风格"
介绍当代艺术家的作品及其风格 


欧洲 - 文化和博物馆出版社EDMC   
国际艺术机构

主办 

_________________

 


                                "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL" Chine, PEKIN 2014 

                                                Organisé par les Editions des muséees et de la culture EDMC.

    Rencontres artistiques annuelles pour la mise en relief de la création contemporaine et des stylistiques innovantes.

 

 

                                                                       PALMARES  ARTISTES 


                                                                         CHINE 2014 PEKIN


                                          STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL 2014

                                                    proclamé à PEKIN Hotel Novotel Beijing Peace.

 

                                                                                __________

 

 

                                                    Trophées internationaux des arts - Chine - Pékin 2014

                                                                            Jiang DAHAI

                                                                            Gérard SUISSIA

                                                                            Alain DELIC

                                                                            Paul ALEXEFF

                                                                            Isabelle GELI

                                                                            Régine BAZIN

                                                                            Iga GIELNIEWSKI

                                                                            Alain PINEDE

 

                                                  Médailles d'Or internationales des arts – Chine - Pékin 2014

                                                                            Lu RUI

                                                                            José SORIA

                                                                            Roselyne MORANDI

                                                                            Jean-Marc LABEYRIE

                                                                            Dominique DAUVERT

                                                                            Nadette TOURNIER

                                                                            Cécile FAURE

 

                                                            Prix internationaux des arts - Chine - Pékin 2014

                                                                            Fang MIN

                                                                            LILILUS

                                                                            ELLHËA

                                                                            Gilberte FERRARI

                                                                            Chantal FRANCOIS

                                                                            Jeanne BLANC

 

                                                               Prix du Jury international - Chine - Pékin 2014

                                                                            Cécile DURET

                                                                            Mireille RUFFINONI

 

                                                                    Diplôme du Jury international Pékin 2014

                                                                            Qiao MIN

 

 

Le jury international franco-chinois était composé de :

Président du Jury:  M. Eugène GERMAN

Vice-Présidente du Jury:  Mme Annie D'HERPIN

Membres du Jury :  Mme ZHENG DAI, M. Michael MENG

 

Chargé du Secrétariat & Commissariat exposition :

M. Antoine Antolini, Délégué Général Editions EDMC

 

Remerciements

Les Editions EDMC organisatrices des Rencontres artistiques "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art International PEKIN 2014 Chine." adressent leurs plus vifs remerciements à toutes les personnes qui ont participé à la réussite de cet évènement, notamment à la Direction et au personnel de l'Hôtel Novotel Beijing Peace, adressent également tous leurs remerciements à Mme Ying DENG, Enseignante de français à l'Université de Technologie de l'Hebei et à ses étudiantes pour la partie traduction franco-chinoise, qui a permis de faciliter les échanges et la compréhension mutuelle dans ces rencontres. Remerciements tous particuliers à Sophie CHI, ainsi qu'à la Télévision Centrale de Chine CCTV.

 

 

* * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * P A L M A R E S * * * * * * * * * * * * * * * * * * * * *

Reportages artistes."Styles et Tendances dans l'Art international PEKIN 2014",Chine

Ont obtenu: Trophées internationaux des arts:


■ Jiang DAHAI, peintre, style abstrait. Trophée international des arts de Chine 2014.


Le peintre abstrait Jiang DAHAI

Le peintre abstrait Jiang DAHAI

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PEKIN. Jiang DAHAI est actuellement l'un des plus grands peintres chinois contemporains. Très connu en Chine, mais également en France, son oeuvre est d'une grande délicatesse, elle évoque le mystère d'un paysagisme abstrait de très haut niveau. Jouant sur l'infinitude d'un pointillisme qui lui appartient, son style est l'épanouissement des ressentis du ciel et de la terre, de la mer et des nuages, des horizons crépusculaires, qui laissent entrevoir l'image de la nature au-delà du sensible. Jiang DAHAI est un maître incontesté de l'expression ultime abstraite du paysage. Il crée et nous montre dans sa peinture la transcendance du réel et de la nature. Il est le seul peintre asiatique à ma connaissance, a réussir la grande alchimie picturale, qui parvient à mettre en symbiose, à la fois, transcendance et transfiguration du paysage sensible, c'est à dire à conjuguer une abstraction interprétative avec une vision supérieure exceptionnellement lucide, hors des limites de l'image narrative. Il est arrivé à passer derrière le rideau du réel pour aller peindre pour nous, l'émotion qui y est enfouie, la saisir, l'immortaliser. Sa peinture à elle seule est plus qu'un "champ coloré", elle est un champ d'au-delà, un morceau capturé de cet ailleurs quasi-magique et inacessible dont l'artiste a su percer l'étrangeté et nous la révéler. Les pinceaux de Jiang DAHAI évoluent dans une vérité, dans sa vérité, hors des espaces de nos consciences. Ainsi le peintre dépose aujourd'hui sur ses toiles un territoire novateur d'absolu vibrant. Chacunes de ses créations sont d'inestimables moments d'émerveillements de nos sens, de nos regards. Sa peinture est un choc de bonheur.

                                                                                                                                               Antoine Antolini 

 

 

■ Gérard SUISSIA, peintre, style abstrait. Trophée international des arts de Chine 2014.


Présentation en Chine du style abstrait du peintre Gérard SUISSIA

Présentation en Chine du style abstrait du peintre Gérard SUISSIA

Présentation du peintre Gérard SUISSIA ici le tableau

Présentation du peintre Gérard SUISSIA ici le tableau "PARIS 75003"

Présentation du peintre Gérard SUISSIA ici le tableau

Présentation du peintre Gérard SUISSIA ici le tableau "PARIS 75002"

Présentation du peintre Gérard SUISSIA avec traduction en chinois

Présentation du peintre Gérard SUISSIA avec traduction en chinois

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PALMARES PEKIN 2014

PALMARES PEKIN 2014

La toile

La toile "PEKIN" créée par Gérard SUISSIA, émergence d'un nouveau paysagisme abstrait

Présentation en Chine de artistes européeens

Présentation en Chine de artistes européeens

Le Trophée international des arts de Chine 2014

Le Trophée international des arts de Chine 2014

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PEKIN 2014. Le peintre abstrait Gérard Suissia à libéré l'écriture du Surréalisme. Son paysagisme urbain abstrait présenté à Pékin, confirme l' avancée internationale incontestable de son style dans l'art contemporain d'aujourd'hui.

 

Style. Gérard Suissia présente trois œuvres "Paris 75003", "Paris 75002" ainsi que "Pékin". Le travail de Gérard Suissia part d'un postulat, à savoir que l'écriture est de l'abstraction. Ceci dit écrire a toujours été une forme abstraite puisque chacun peut s'imaginer diverses images personnelles qui sont produites en lui à partir d'une expression écrite. Les œuvres de Gérard Suissia et sa série "Les capitales" avec ses tableaux sur Paris reflètent un dynamisme,du mouvement à partir notamment des graphismes des noms de rues. Les couleurs jouent également un rôle important puisque elles vont donner différentes caractéristiques aussi bien esthétiques qu' architecturales plus ou moins vives dans l'œuvre d'art . Gérard Suissia présente des œuvres d'art tels des tableaux écrits, la façon de former les lettres pourront avoir aussi une fonction primordiale dans la création de son esthétique. Le tableau Pékin où l'on voit des lettres écrites chinoises à savoir des idéogrammes est particulièrement expressif et modélisant de la caractéristique même d'abstraction. On se rend bien compte avec l’œuvre "Pékin" que le sens et le signe s'entremêlent en interdépendance d'harmonies et d'équilibres. Au-delà de ce que nous pouvons comprendre par le sens, nous voyons émerger une esthétique très spécifique liée au signe. C'est bien là où l'on situe la démarche de Gérard Suissia qui est d'abstraire et encore abstraire en tenant l'écriture pour moyen graphique d'une nouvelle esthétique; Le peintre nous confronte à un nouvel absolu de l’œuvre d'art, à un nouveau type d'abstrait. Le style de Gérard Suissia reste ici relativement proches des géométries, du fait qu' il s'agit de formulation de plans de villes qui sont mis en expression d'un nouveau paysagisme urbain. Des rues qui s'entrecroisent, le plan de la ville va devenir œuvre-d'art, va générer une esthétique intrinsèque. Un style constant depuis de nombreuses années, unique; On peut dire que le travail de Gérard Suissia s'intègre dans une sphère internationale avec un talent novateur, un acte de peindre très puissant, très fort. La grammaire et le style de Gérard Suissia constituent sans nul doute une des avancées les plus flagrantes dans cette décennie. Le travail de Gérard Suissia qui traite l'écriture comme de l'abstraction au sens littéral du terme rejoint les approches linguistiques, esthétiques, de sémiologie et met en œuvre au niveau de son jeu pictural une forme de recherche sémiologique.

 

Tendances 2014.  Gérard Suissia à libéré l'écriture du surréalisme. Loin et en avant-garde de toutes les explorations ou utiles et belles digressions surréalistes européennes, iconographiques, ou d'écritures expressionnistes plus ou moins abstractisées, loin des items idéographiques, Gérard Suissia, vient redéployer l'écrit en son vrai sens, pour ouvrir un nouveau champ à l'abstraction contemporaine; Dans le contexte international tel que nous avons pu l'identifier on peut considérer que ce travail s'inscrit dans une nouvelle lignée de recherches abstraites innovantes. L'œuvre de Gérard Suissia apporte une convergence entre le graphisme intelligent, significatif abstrait, et l'esthétique dans une osmose qui nourrit un contenu totalement abstrait du tableau. La tendance de l'usage de l'écriture dans l'art contemporain ne semble pas en évolution croissante, actuellement dans l'art contemporain, ceci paraissant tenir au fait qu'elle est le plus souvent utilisée stricto-sensu à son titre premier d'écriture. Cette perte de vitesse de l'écriture dans la peinture se justifie par les limites de l'expression du mot, de la lettre, de l'écrit, qui restent presque toujours assignés au Surréalisme ou encore à la figuration, aux expressions narratives, anecdotiques, voire aux diverses formes du pop-art et de ses messages, thématiques ou de communication, ou encore aux compositions d'affichisme... Autant de démarches qui généralement consignent le graphisme à un sens, littéral ou poétique, à une logique de mémoire ou documentaire (affichisme, lacérations...). Le travail de Gérard Suissia dans une vision nouvelle recycle la sémantique en son expression ultime "signique" (de signe). Avec le peintre Gérard Suissia on assiste non pas aujourd'hui à une relance de l'écriture utilisée dans la peinture, mais à une nouvelle tendance novatrice qui consiste à utiliser l'écriture dans sa vérité première: l'abstraction. Ceci pour en faire un tableau abstrait.

 

L'utilisation par Gérard Suissia de l'écriture en 2014 en lui redonnant son sens anthologique dans l'expression peinte dépasse le paradoxe du mot écrit pour le sublimer en un statut initial non-verbal. On assiste ainsi avec Gérard Suissia à un rissorgimento fondé de la démarche abstraite, par la peinture sur la toile de ce qui est de l'ordre de l'écrit. Le peintre recentre le mot, la lettre et les signes, dans leur vrai registre du visuel.

 

 

 

 

■ Alain DELIC, peintre, style abstrait. Trophée international des arts de Chine 2014.


Alain DELIC. Trophée.

Alain DELIC. Trophée.

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 * * * * * * * V I D E O * * * * * * LE PEINTRE  ALAIN DELIC, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * LE PEINTRE ALAIN DELIC, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014. Le peintre Alain Delic crée une nouvelle métaphysique contemporaine au travers de l'œuvre d'art.


Style. le peintre Alain Delic présente trois œuvres à l'occasion de  "Styles et tendances dans l'art international Pékin 2014 " :"Implosion Originelle " (89 × 130 cm) " Luminescence cosmique " (89 × 130 cm) " Les Racines du ciel " (89 × 130 cm). Alain Delic est bien connu en Chine particulièrement dans le nord du pays où il a pu exposer ses œuvres particulièrement à Tianjin. Egalement il connaît bien Pékin et les différents hauts lieux artistiques de la capitale. Surnommé " le peintre des étoiles ", il poursuit une carrière fulgurante dans une grammaire incontestablement novatrice qui le qualifie aux tous premiers rangs du progrès de l'art international, avec un style fort et puissant qui surgit depuis l'intériorité la plus profonde de son être, des ressentis de cet artiste qui se libère sur la toile des énergies environnantes qui le traversent en provenance d'un au-delà intemporel et infini. Il pose alors sur la toile un condensé de sensations "énergétiques". Sa technique contribue a une transmission au spectateur de son champ magnétique grâce à l'utilisation du papier de soie qu'il froisse et triture, et qu'il applique sur la toile chargé de ses vibrations, charnelles et métaphysiques. Il peint ses œuvres sur double support de papier de soie froissé sur toile avec des pigments intenses, qui lui permettent d'intégrer dans l'œuvre l'interprétation colorée de ces énergies venues d'ailleurs. Son style est donc à la fois en ressentis extra-sensoriels, il insiste sur le rôle du papier de soie comme matière essentielle, qui emmagasine ses vibrations. Son talent pictural, sa démarche plasticienne, s’appuie sur son innovation de double support de papier de soie froissé sur toile. L'œuvre " Implosion Originelle " traite l'idée du " trou noir ", interprète les étranges " trous noirs " à partir de données scientifiques et esthétiques, de ses ressentis en provenance des confins des immensités inter-galactiques... Alain Delic, s'efforce de comprendre par le moyen de l'interprétation picturale ce phénomène d'implosion stellaire qui abouti à un condensés d'énergie maximal. L'artiste s'enfonce à l'intérieur de son allégorie d'un " trou noir " qu'il représente, qu'il ressent comme en osmose, avec tout le potentiel créatif de sa démarche et de son support prégnant. Pour ce " peintre des étoiles ", qui suit de très près le progrès des sciences du futur, des technologies de l'espace, de la recherche spatiale, ou de l'astronomie et de la cosmologie, mais aussi de l'exo-biologie, l'acte de peindre pour est devenu pour Alain Delic un acte à la fois pictural mais autant une forme de recherche fondamentale par l'esthétique. Pour lui aucun obstacle ne peut s'interposer entre le ressenti en provenance des sphères les plus éloignées de l'univers et cet ensemble de sensations d'énergies qu'il pose, jette, sur ses toiles. Un style qui manifeste une grammaire faite de froissures comme autant d'éléments de vie, de vibrations originelles. Dans la toile " Implosion Originelle " ses froissures sont comme autant de fenêtres sur les galaxies, au plus près du paroxysme énergétique qu'il veut représenter. Alain Delic est un des rares peintres à interpréter avec autant d'émotion et de beauté des énergies qu'il ressent et qu'il traduit en formes, reliefs et coloris. Sa toile " luminescence cosmique " vient confirmer à ce "Style et tendances dans l'art international 2014" à Pékin, toute la magnificence de son talent réel, sa grande capacité à gérer la progressivité des clartés dans l'œuvre. Aux antipodes des clairs-obscurs rembrandiens, c'est la recherche de la perfection intense au travers des froissures du papier de soie sur la toile. Lueurs irisées, espaces obscurs, telles des fentes d'infini sur la matière astrale. Les ressentis et les œuvres du peintre Alain délicat apportent dans la modernité une autre acception, une nouvelle signification de ce qui est peut être appelé généralement pour un artiste le " don ". Avec les " Racines du ciel " il touche à l'absolu et relie l'acte de peindre aux origines de la vie. Mystère du cosmos, mystère du temps, pour Alain Delic, c'est l'énergie qui règle la mesure universelle, qui fait qu'un astre explose ou implose. Il pose le questionnement de la puissance d'explosion de milliers de soleils pour un petit clignotement d'étoile venue de la nuit des temps. Alain Delic explique tout cela, à sa façon dans ses toiles, qu'il veut de véritables " toiles-étoiles ", des " condensés d'univers ", des " morceaux d'énergies colorées ". Ses œuvres sont des visions de ses certitudes. Dès lors ses œuvres prennent la dimension de témoignages futuristes proposés aux réalités de l'avenir. Il nous permet de voir et d'avoir une idée, une sensation, ce qu'on ne verra nous probablement jamais dans l'immédiateté de nos générations actuelles. Alain Delic peint un sentiment autre, qui ne correspond pas aux critères actuellement connus de l'expression de la sentimentalité, de la spiritualité sur la toile dans l'art contemporain. Alain délicat donne sa vraie dimension alors à l'art, à l'art actuel. Un acte de peindre aussi fort que la vie, qui traduit l'énergie qui remplit de vide sidéral.

 

Tendances 2014. Aujourd'hui dans le progrès galopant des technologies de pointe Alain Delic apporte sa propre interprétation de l'univers, sa propre interprétation des étoiles lointaines, des galaxies hors de notre système solaire dont il ressent une intuition existentielle. Comme un Jules Vernes de la peinture il voit l'avenir de la peinture et des planètes et pour lui l'abstraction est un vrai langage comme un lien entre les hommes, un lien entre la terre et le ciel infini et le futur. La peinture d'Alain Delic montre une nouvelle forme allégorique d'interprétation du réel et de l'immatériel par l'abstraction. Le peintre redéfinit l'œuvre d'art comme vecteur esthétique de l'appréhension des sciences cosmiques. De ce fait l'artiste apparaît comme un chef de file d'une tendance qui pousse l'esthétique a rejoindre les sciences et les technologies nouvelles du futur, le progrès spatial, la recherche astronomique, mais en même temps et c'est cela qui est déterminant chez l'artiste, rare, en tenant compte de la part de mystère, d'inconnu, de non-intelligibilité de l'infinitude, de questionnement sur les énergies qui régentent les galaxies.

 

La démarche d'Alain Delic à donné irréversiblement un sens nouveau à la spiritualité dans l'œuvre-d'art en ce début de XXIe siècle. Il a réussi à conjuquer, associer dans le pictural, le progrès des sciences et la spiritualité. Le peintre Alain Delic a créé et porte ainsi avec un talent inouï, une nouvelle conscience métaphysique contemporaine au travers de l'œuvre-d'art, qui le classe parmi les grands peintres de notre époque. Reportage et rédactionnel : Antoine Antolini. Commissaire d'exposition. Pékin 2014.

 

 

 

 

 

 

■ Isabelle GELI, peintre, style impressionnisme contemporain. Trophée international des arts de Chine 2014.


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La peintre Isabelle GELI a présenté ses oeuvres à PEKIN, ici interviewée par la Télévision Centrale de Chine, la CCTV. (LIEN: Cliquer sur l'image pour voir son interview )

La peintre Isabelle GELI a présenté ses oeuvres à PEKIN, ici interviewée par la Télévision Centrale de Chine, la CCTV. (LIEN: Cliquer sur l'image pour voir son interview )

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 * * * * * * * V I D E O * * * * * * ISABELLE GELI, peintre présentation de l'artiste en Chine à PEKIN 2014 - LIEN cliquer sur l'image pour voir la vidéo.

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PEKIN 2014. Isabelle Geli prolonge, à sa manière, dans l'art contemporain d'aujourd'hui, avec ses toiles solidement construites, l'émotion originelle de l'impressionnisme depuis Turner.

 

Style. La peintre Isabelle Geli a confirmé en Chine la qualité de sa peinture contemporaine ; ses interprétations d'un impressionnisme modernisé on été accueillies à Pékin avec un plein succès pour l'artiste. Ses atmosphères littorales, la présentation de ses ambiances marines incomparables, la beauté de ses ressentis exprimés dans ses peintures portuaires lui ont valu de décrocher à juste titre le trophée international des arts de Chine. Interviewée à la Télévision Centrale de Chine CCTV, en français, l'artiste a su dire son bonheur de peindre et à su incarner avec beaucoup d'à-propos et de prestance, toute la pertinence de la culture artistique européenne actuelle, en particulier concernant sa peinture d'un nouvel impressionnisme, notamment littoral, maritime et portuaire. Peintre depuis de nombreuses années, professeur de peinture, l'acte créatif sur la toile n'a plus de secret pour Isabelle Geli. Elle a su se libérer de toutes les contraintes techniques par son savoir, pour aller peindre dans l'univers des sentiments et des sensations, recueillir les plus belles couleurs, créer une palette chargée d'émotion, de force et de vision sensible. On ne peut rester indifférent devant les jeux de couleurs, ses barques vibrantes, ses voiliers, on ressent ces vagues qui viennent animer le tableau avec une vérité qui séduit le spectateur. Une artiste qui dans son style de marines impressionnistes entre réel et ressentis, a su atteindre une très grande qualité, une authentique purté, autant plasticienne dans ses techniques à la spatule, que coloriste, pour offrir au regard du public un ensemble de sentiments peints emplis d'émotions. Son esthétique est marquée par sa grande capacité à traiter avec justesse un colorisme évocateur, avec puissance et contraste, ce qui est rare, l'évanescence subtile du paysage littoral, de la mer et du ciel en différents états et moments. La peintre Isabelle Geli à su se rapprocher au plus près de ce qu'il peut y avoir d'irréel dans le réel, pour le fixer sur ses toiles. Elle a expliqué avec bonheur en Chine ses toiles, tel " l'Ancrage " huile sur toile (33 × 55 cm), ou " Après la tempête ", huile sur toile (100x50 cm), également " Lever du jour ", huile sur toile (60x38 cm). C'est une palette chaude et vaporeuse, des petites barques qui se balancent dans un contexte portuaire qu'Isabelle Geli a su rendre archétype, universel, avec une ambivalence entre mélancolie intérieure et mystère majestueux et grandiose du paysage maritime... en y posant parfois la fragilité d'une voile. Ses marines portuaires sont à la fois d'ici et d'ailleurs, d'hier et d'aujourd'hui, elles ont leur port d'attache dans le cœur du spectateur. Son travail à la spatule, qui sait jouer sur les épaisseurs de la couleur pure, donne une force et une intensité particulières à son expression picturale. L'artiste sait maîtriser les harmonies tonales, parfois plus froides dans les blancheurs des aubes naissantes, ou plus chaudes, aux lourds crépuscules, mais qui s'entrelacent, se rencontrent parfois en apothéoses, pour illuminer une atmosphère aux horizons inégalables. Parfois la mélancolie devient couleur magique pour atteindre en symbiose la beauté de l'union entre la mer et le ciel... Avec ses mâts comme autant de traits-d'union entre la mer et le ciel... Beauté qui touche au sublîme. Dans son style Isabelle Geli, peint sans se préoccuper de la finalité, car au bout de sa main elle sait l'assurance du talent, la certitude du tableau qu'elle conduit et qui jaillira peu à peu du plus profond d'elle-même. C'est dans son cœur que réside le secret de sa réussite ; ce sont avant tout ses ressentis intérieurs, sa sensibilité, sa subtilité qui a su intégrer son environnement, pour le retranscrire en langage peint. Son style traite avec nuances les lignes de fuites, les à-plats, les contrastes, sa toile "L' Ancrage " nous montre un ciel aux lueurs diaphanes, qui se pose sur la mer, avec une sensation de profondeur, d'espace bien géré, d'immensité... Induisant, fragile et étrange, la présence de ces barques, de ces voiliers... "Après la tempête " offre des caractéristiques de beauté esthétique qui se marient à des clairs-obscurs particuliers, nouveaux, d' une totale modernité, un style de nuances fortes, qui organise, redistribue, contraste ou atténue les lueurs et les reflets. Un registre de caractère à la fois délicat, qu' Isabelle Geli maîtrise, dans lequel elle évolue avec aisance. "Lever du jour" manifeste certains points forts du style de l'artiste, où l'on peut voir la graduation des clartés, aménagée tout en préservant l'ambiance locale, l'atmosphère du lieu amplifiée d'authenticité par le pictural, jusqu'à la rendre quasi-palpable. L'artiste peint au-delà du visible, ce qui n'apparaît pas au premier regard, ajoutant au paysage intériorisé sa vision du cœur. Les ressentis les plus profonds d'Isabelle Geli, sont chaque touche du tableau, ils sont le tableau.

 

Tendances 2014. L'impressionnisme renouvelé dans l'art contemporain, d'Isabelle Geli, importé en Chine, est arrivé au  "Styles et tendances dans l'art international Pékin 2014 " dans le contexte international artistique, avec une fraîcheur vivante des générations actuelles européennes qui veulent peindre sans perdre tout l'acquis culturel que les grands maîtres leur ont légué tels Monet, Manet, Pissarro, mais aussi Cézanne ou Van-Gogh dont le regain d'interêt est fortement réapparu en Europe ces dernières années, et qui se sont imposés comme des modèles incontournables pour les jeunes artistes figuratifs. Isabelle Geli dans son nouvel impressionnisme actuel de 2014, ajoute la sensibilité, la mélancolie parfois, avec une force coloriste qui donne à ses marines comme une magie du monde ; elle entraîne ainsi l'impressionnisme vers de nouveaux chemins hors de l'école traditionnelle du genre. L'artiste a fait de la thématique portuaire, de la thématique de la mer, des territoires picturaux d'excellence pour prolonger à sa manière, avec ses toiles solidement construites, l'émotion originelle de l'impressionnisme depuis Turner. Elle ouvre la voie à un nouvel impressionnisme maritime, un néo-impressionnisme d'aujourd'hui appliqué au portuaire. Isabelle Geli se situe ainsi avec un bagage important dans les tous premiers rangs internationaux de la peinture du paysage portuaire, de la peinture de marine.

 

 

 

■ Paul ALEXEFF, peintre, style figuratif. Trophée international des arts de PEKIN 2014.


ALEXEFF Paul, Trophée

ALEXEFF Paul, Trophée

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* * * * * * * V I D E O * * * * * * Présentation de l'artiste Paul ALEXEFF à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * Présentation de l'artiste Paul ALEXEFF à PEKIN 2014

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PEKIN 2014. Le peintre Paul Alexeff a créé un véritable langage pictural traduisant l'émotion par le choix lieu, l'envie du motif. Il fait son choix de sujets dans la nature pour nous livrer à travers eux son intériorité, comme autant d'états d'être.


Style. Félicie Alexeff a présenté avec émotion sur place à Pékin les œuvres de son mari le peintre Alexeff (1933-2012). Un moment chargé et d'art et d'amour. Félicie Alexeff a dédié le trophée de son mari à la jeunesse chinoise. Le peintre Alexeff a créé un style figuratif, académique, avec une forte sensibilité. Durant sa vie il a fait partager sa passion à sa femme Félicie, qui le représente aujourd'hui en Chine, après sa disparition en 2012. Le peintre Alexeff a créé un véritable langage pictural traduisant l'émotion par le lieu. Son choix de motifs pour parler de son intériorité. Comme autant d'états d'être. Des tableaux emplis de délicatesse, d'amour de la nature, d'amour de ce qui est beau. Alexeff peint la vie. Il a compris l'art, il a prouvé que la peinture, comme la poésie, est un moyen de dire ce que l'on ressent au plus profond de soi-même. Son œuvre comporte des paysages, des natures-mortes, des personnages et des scènes de vie. Félicie Alexeff a voulu présenter une marine " la Mouette ", une huile sur toile (92 × 60 cm), " Prairies inondées", huile sur toile (80 x 60 cm); également "Paysage littoral", huile sur toile (92 × 73 cm). Les paysages d'Alexeff, restent d'une grande fidélité à la nature, à l'image qu'il voit. Il cherche à mieux comprendre, à peindre, à reproduire le mystère de ses sensations intérieures. Des sentiments qui arrivent tout au bout de son pinceau, quand il est au face au paysage. Il sent et peint pour nous cette force d'émotion qui sort de ce lac, la poésie de cette colline, l'étrangeté ce bord de mer avec cette mouette qui regarde les vagues frapper les rochers. Le peintre Alexeff, dévoile son âme à travers ses paysages, il peint le reflet de son cœur. Paysages tristes ou gais, pleins de soleil ou de mélancolie, il en à fait un vocabulaire, une vraie grammaire de couleur, les couleurs de son cœur... Il peint dans de nombreuses régions de France, posant sur ses toiles une diversité de sites et d'ambiances comme autant de pensées profondes, comme autant de cris ou de chants intérieurs... Du Nord au Sud de la France, il peint des tableaux, qui son ses états intérieurs. Une nouvelle façon de parler avec un pinceau, mais aussi avec des tableaux clairs ou sombres. Des tableaux pleins d'espoir dans un matin riant, ou emplis de souffrance, de lassitude, de fatalité, dans ce crépuscule d'automne,derrière ces arbres nus, solitaires. Félicie sa veuve, nous dit que le peintre Alexeff peignait avec ses entrailles. Ses peintures sortaient du plus profond de lui-même...Lorsqu'il peignait il entrait dans son monde intérieur et n'en ressortait que quand le tableau était fini. Alexeff, à voulu rester hors de toutes influences des grands maîtres français de l’impressionnisme. Pour lui le figuratif dans ses dimensions de réalité se suffit à lui même. Le tableau est pour lui un défi, un moyen de son propre dépassement; Un moyen de dire plus fortement ce qu'il ressent qu'avec l’expression de simples paroles. Le peintre Alexeff, laisse derrière lui une œuvre artistique très importante, de peintures, d'huiles sur toiles, de pastels... Une pluralité de sujets qui font apprécier cet artiste accompli. Il aimait la Chine, il avait exposé Chine dans au cours de sa vie. Aujourd'hui avec la présence de son œuvre à Pékin, dans "Actualité des Styles et tendances dans l'Art Pékin 2014" Félicie Alexeff continue le parcours du peintre, elle donne ainsi une des plus belles leçons d'amour ; Non seulement d'amour de l'art, mais aussi c'est un exemple d'attachement profond et constant à son mari. Avec la présence émouvante de son épouse à Pékin un bel exemple référent nous est donné ici quant aux dimensions de spiritualité qui peuvent entourer un peintre, une œuvre, le lien indissoluble que peut créer la peinture entre les êtres. L’œuvre du peintre Alexeff au delà de la vie de l'artiste, relie étroitement le couple qu'il formait avec son épouse Félicie, couple qu'ils continuent d'être encore dans le présent, comme reliés au travers de l'art par un lien plus fort que la mort.

 

Tendances 2014. L'œuvre du peintre Alexeff marque un figuratif académique résolument éloigné des tendances impressionnistes, la recherche d' une figuration sensible qui traite le paysage comme un reflet des émotions intérieures. Par une stylistique de la touche, par le choix de sujets, allégoriques de ses sentiments, motifs qui correspondent à ses joies ou à ses peines. D'un rivage ensoleillé qui reflétera un état d'être optimiste jusqu'aux prairies inondées en traduction de sentiments mélancoliques qui le submergent Alexeff reste un grand représentant de la figuration européenne. Il contribue à renforcer une version moderne et contemporaine de l'académisme, en faisant évoluer cette Ecole par un phasage de modernité, dans l'esprit par ses approches sensibles, et sur la toile par un style pictural revivifiant et rénovateur.

 

 

 

■ Iga GIELNIEWSKI, peintre, sculpteur, style contemporain, allégorique. Trophée international des arts de PEKIN 2014.


Iga GIELNIEWSKI, Trophée

Iga GIELNIEWSKI, Trophée

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* * * * * * * V I D E O * * * * * * Iga GIELNIEWSKI, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * Iga GIELNIEWSKI, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014.L'œuvre d'Iga Gielniewski: une nouvelle esthétique sociétale qui suscite un grand intérêt. Elle marque sur l'international une évolution dans la sculpture, avec ses " statiques spatiales "; L' univers interprétatif de l'artiste autour de l'être, de la femme, de l'homme et de la destinée, son approche figurative en intensité de couleurs et en expressions anecdotiques, rénovent le pontage entre le grand public et un " art  miroir de société ".

 

Style. La présentation des œuvres d'Iga Gielniewski avec ses "statiques spatiales" a été très appréciée, proposant des peintures sur céramiques particulièrement explicites de son style très différent, qui se détachait de tout autre . Des œuvres chargées de messages et de spiritualité, qui apparaissent dès le titrages : "La mort ouvre sur la vie", œuvre peinte sur céramique (55x32x31 cm). "Souffrance et compassion", une œuvre aux dimensions (57x30x30 cm). "Le domaine de l'inoubliable". (76x33x33cm), une œuvre toute récente de 2014. Iga Gielniewski offre une figuration peuplée de symbolique, d'allégories, de personnages, de femmes notamment,mais aussi d'animaux, ainsi que de différents motifs, dans un ensemble de coloris très puissant aux fortes intensités, très vives telles que peuvent les produire des peintures sur céramique. L'approche artistique d'Iga Gielniewski reste multiple et plurielle en 2014, au travers de sa création statuaire originale, qui présente en plusieurs faces différentes étapes, différents épisodes, d'histoires de vie, d' histoires de destinées. Les œuvres d'Iga Gielniewski, se posent en originalité nouvelle sur le niveau international, en aspect et en contenu. Son style fixe un retour figuratif qui illustre une sémantique sociale de la destinée, de l'avenir caché au yeux des hommes, thématique de référence aussi bien théorique que plasticienne, qui commençait à se perdre, avant Iga Gielniewski, dans les propositions de l'art contemporain. L'œuvre d'Iga Gielniewski, qui traite de la vie et la mort, de la destinée, de l'évanescence des choses, du tragique, comme de la fatalité, mais aussi du bonheur, de la joie, de la vie tout comme de la mort, a su trouver un moyen d'expression complet avec sa création de sculptures céramiques, statiques spatiales signifiantes, véritable statuaire novatrice. Des œuvres emplies de leçons de vie, de chemins de destinées sous l'empire d'une symbolique qui vient alimenter d'inconscient, la narration imagée très réaliste. Un style vrai de scénographies qui ont toutes un sens et qui deviennent miroir de société, dépeignant la fragilité de l'être, ce qui est vain dans les choses du quotidien. Les statuaires d'Iga Gielniewski peuvent nous consoler, nous guider aussi vers l'entendement du pourquoi de cet avenir inconnu. Le style d'Iga Gielniewski se fonde dans une inspiration visionnaire où surgit la symbolique pour appuyer ses récits, des aventures de vie, résultats de chance ou de hasard, mais aussi fruits de la raison comme de la déraison. Un style direct qui présente le sujet, le contenu immédiat de la scène, édulcoré de symboles autour, comme pour une autre voie possible. Iga Gielniewski montrent le paradoxe et le questionnement d'une réalité de destinée, déterminée ou pré-déterminée. Iga Gielniewski propose plusieurs lectures au spectateur face à ces iconographies. Des leçons de vie, décrites là, à découvrir subjectivement ou spirituellement sous les auspices de ces conjonctions qui dépasse l'être, l'humain fragile face à l'avenir inconnu. Pour l'artiste, c'est cette non-connaissance de l'avenir qui produit un destin sur lequel l'homme ou la femme n'a pas de prise. Dès lors la tradition, le passé parfois lointain, devient un refuge d'expérience, la mémoire du groupe devient protectrice, d'où la symbolique comme un recours. La femme joue un rôle majeur dans l'œuvre d'Iga Gielniewski parce qu’elle est à l'origine et représente la fécondité, le renouvellement du groupe. La femme a tous âges est omniprésente dans la grammaire de l'artiste. Une œuvre avec un style fort, percutant, qui relie la réalité quotidienne à la spiritualité immémoriale. Le lien entre le quotidien, l'avenir, ce qui nous dépasse, est une préoccupation de l'artiste. Iga Gielniewski a fait sien l'art statuaire pour aller plus loin dans l'expression de ses visions du monde.Une statuaire peinte en géométries de plusieurs faces, pour parcourir tout autour l'évolution, l'histoire de la vie, l'histoire d'une vie. Iga Gielniewski évolue et s'exprime dans une scénographie signifiante, devenue maîtresse d'une iconographie exceptionnellement riche, qui propose des histoires de vie qui sont aussi celles de chacune et chacun d'entre-nous, mais tout autant qui sont les palpitations du cœur de la société. Le style d'Iga Gielniewski atteint un paroxysme de perfection en termes d'harmonies. L'artiste a su faire converger les couleurs, le sens, les scènes, produire une nouvelle esthétique sociétale. Une esthétique qui redonne à l'art des fonctionnalités essentielles, celles d'être miroir de société, un miroir de vie quotidienne, une projection en sensibilité du spectateur dans cette iconographie magnifique, pour une nouvelle compréhension de lui-même.

 

Tendances 2014. L'œuvre d'Iga Gielniewski était attendue dans le contexte international des arts contemporains où elle trouve sa pleine place. Le questionnement de la destinée, l'interrogation face à l'inconnu, les caprices du sort, l'innocence de la fatalité étaient devenus avant la relance qu'en a fait Iga Gielniewski, une thématique relativement rare dans le traitement pictural au niveau de l'art contemporain d'aujourd'hui. Cela peut se comprendre en effet, du fait de la complexité à traduire par des grammaires picturales, ces thématiques qui sont de l'ordre du narratif. Iga Gielniewski vient de combler un vide qui se creusait inéluctablement dans l'art actuel. Une particularité à signaler, non seulement son travail reste très original et quasi-unique, mais également l'artiste a su, à force d'expérimentation technique, d'étude de couleurs et de sujets, atteindre une forme du Beau, par le poétique, le « ré-créatif », l'évocation de la vie et de l'optimisme par la couleur et l'originalité de sa statuaire. C'est donc une œuvre nouvelle, pleine de justes équilibres, aboutie, qui a caracolé avec bonheur sur les sommets de l'esthétique à Pékin, rayonnante d'harmonie et de pertinence de contenu. Avec plaisir, il nous a été donné de voir, d'apprécier et d'analyser ce travail. Le jury franco-chinois en lui attribuant en Chine le trophée international à l'occasion de "Styles et tendances dans l'art international, Pékin 2014" a apporté une reconnaissance suprême et très méritée à la peintre et sculptrice céramiste, Iga Gielniewski.

 

 

 

 

■ Alain PINEDE, peintre, style figuratif. Trophée international des arts de PEKIN 2014.


Alain PINEDE, Trophée

Alain PINEDE, Trophée

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Pékin 2014. Alain Pinède présente des œuvres figuratives de haute qualité esthétique. Il a été grandement apprécié comme peintre amoureux du patrimoine historique et culturel, reflétant avec talent les beautés de la France profonde. Sa peinture met un accent sur le rôle de l'art contemporain dans la préservation du patrimoine et pour une meilleure connaissance de l'environnement historique, culturel et des paysages pittoresques.


Style. Alain Pinède est un peintre figuratif qui réalise un travail sur le motif avec toute l'authenticité, toute la vérité d'une vision directe du sujet à peindre. Ses œuvres reflètent sa région, les richesses anciennes liées au patrimoine architectural passé, mais aussi aux lieux pittoresques qui se détachent par une beauté poétique particulière. Alain Pinède a choisi parmi les œuvres à présenter aux Rencontres " Styles et tendances dans l'art 2014 " à Pékin, les tableaux " Le Donjon " peinture à huile (61× 65 cm), "A la croisée des rivières" huile (81x65cm), " La Loir au Gerbier " huile (80x60cm). Le style d'Alain Pinède avec " Le Donjon " marque fortement sa propension à la fidélité au réel, une figuration qui témoigne de fortes potentialités esthétiques. La démarche artistique développe une fonctionnalité de l'art peu utilisée par les peintres consistant en la peinture de haut lieux historiques dans un objectif de promotion du patrimoine historique et culturel. Il ressort de nombreux efforts fait par l'artiste pour permettre, faciliter par l'acte de peindre la découverte d'un lieu particulièrement intéressant pour le public. Le spectateur sensible, qui voit une œuvre d4Alain Pinède en exposition pourra avoir envie par la suite de connaître le lieu en allant sur place. Son œuvre conduit ainsi à une meilleure connaissance du patrimoine régional mais aussi rejoint les qualité du peintre, qui en tant qu'artiste sait voir ce qu'il y a de beau autour de lui pour en faire une œuvre-d'art. Le peintre sait bien voir les caractéristiques de beauté des paysages ou des architectures anciennes ("Le Donjon"). Le style d'Alain Pinède est en réalité complète par rapport à la vision du motif. Un seul choix d'angle de vue devra être le plus intéressant, ici le choix de cette vision géométrique avec "Le Donjon" est un exemple de la capacité de l'artiste à s'emparer des aspects d'architectures essentiels, classiques, pour nous en montrer avec beaucoup d'originalité des aspects de volume, de lignes de fuites élégantes, reconstituant un tableau moderniste in fine, très bien équilibré et parfaitement abouti. "A la Croisée des rivières", un castel ancien au cœur d'une abondante verdure, trône au sommet d'une colline arborée avec en premier plan la rivière. Avec cette œuvre de paysage Alain Pinède confirme un style sobre et narratif. Sa grammaire reflète au plus près et objectivement le motif peint. Son style plus généralement modernise toutefois une forme d'académisme pictural traditionnel, le débarrassant de tout graphisme superflu, et de tout colorisme trop appuyé. L'expression peinte d'Alain Pinède reste mesurée et dans des nuances tonales bien réglées. L'essentiel pour lui réside avant tout dans le choix du sujet, qui exprimera le plus fort écho historique, mais également dans lequel surgira la reconnaissance d'un patrimoine culturel connu, ou redécouvert par l'artiste. Alain Pinède reste médiateur de la beauté, mais aussi de l'intérêt archéologique, de ces traces dans le paysage de tout ce qui peut ou doit rester omniprésent dans la mémoire collective d'une région, du pays. Ses tableaux sont des fenêtres ouvertes sur l’histoire d'un lieu. Son style constant centre toujours bien le sujet de manière à en faire ressortir au mieux les éléments principaux qui le composent. La peinture d'Alain pinède montre une rigueur, une qualité esthétique mais aussi sur le plan technique une application mesurée, des nuances et des couleurs variées posées avec beaucoup de luminosité et une clarté d'ensemble qui donne une grande fraîcheur et une actualité à ses œuvres-d'art.Avec "La Loire au Gerbier" Alain Pinède offre un style paysagiste où la nature est en dominante. Les couleurs, la vision du peintre, restent proche de ce qu'il y a de plus essentiel à transmettre aux spectateurs, un lieu pittoresque, les tonalités d'une saison. Le choix d'Alain Pinède pour l'emplacement de son chevalet est décisive, cela va conditionner non seulement le tableau mais également ce qu'il mettra en exergue, les ressentis primordiaux qu'il aura eu d'un lieu.

 

Tendances 2014. Alain Pinède propose une peinture en lien avec l'histoire régionale, en lien avec la survivance d'éléments du patrimoine ancien. Sa peinture porte une fonctionnalité artistique et esthétique, un fort contenu pour la meilleure connaissance culturelle d'un lieu et de son aspect existant. Si la tendance internationale actuelle est de mettre en valeur le territoire et le patrimoine au travers de nombreuses photographies et d'illustrations, Alain Pinède fait partie des rares peintres qui par amour de leur région, assurent au travers de leur œuvre une meilleure connaissance du patrimoine local par le choix de ses sujets. Son choix du motif, son attirance pour le patrimoine de sa région montre tout l'attachement de l'individu aux survivances architecturales, a ses pans entiers de mémoire encore présente, qui construisent et portent références pour sa vie quotidienne. La peinture d'Alain Pinède de haute qualité esthétique nous permet aussi de voir comment peut se définir aujourd'hui, le rôle du peintre, de l'œuvre-d'art dans la société. L'art effectivement peut présenter des fonctionnalités de plus en plus importante aujourd'hui lorsqu'il s'agit de préserver, sauvegarder, maintenir dans la mémoire collective l'histoire d'une région ou d'un lieu particulier. Alain Pinède s'inscrit ainsi au plan international parmi les rares artistes qui ont su faire converger leur talent et leur amour de leur région, pour immortaliser par la peinture ce qui nous est parvenu d'un lointain passé.

 

 

 

■ Régine BAZIN peintre numérique, Trophée international des arts de PEKIN 2014


Régine BAZIN, Trophée

Régine BAZIN, Trophée

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* * * * * * * V I D E O * * * * * * REGINE BAZIN, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * REGINE BAZIN, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014. Avec ses œuvres de peinture numérique Régine Bazin réconcilie le progrès des techniques, les sensations profondes et les sentiments humains. La peintre numérique Régine Bazin apporte une nouvelle forme d'esthétique dans une modernité, un avant-gardisme, qui intègrent les émotions intérieures profondes; se situant ainsi, par sa recherche originale, aux premiers rangs internationaux de ces nouvelles formes d'expression artistique.

 

Style. Régine Bazin évolue dans l'art numérique avec la sensibilité d'un peintre, la curiosité d'une créatrice qui utilise des nouveaux médias pour exprimer ses ressentis et son intériorité. Depuis de nombreuses années l'artiste pratique la construction virtuelle dans les domaines de l'abstraction, où elle est passée maîtresse en matière d'intensité de formes et de couleurs, d'équilibres et d'harmonies. Ses œuvres sont des compositions issues de son imaginaire, de son inconscient, de sa spiritualité. Un titrage vient la plupart du temps donner une direction aux spectateurs pour apprécier la plénitude de l'expression de l'artiste. Régine Bazin utilise de nombreux logiciels et notamment les technologies fractales qui lui permettent d'optimiser son sens créatif dans le monde du numérique, en constante mouvance. Le style de Régine Bazin se veut pluriel et hors de toutes limitations théoriques ; pour elle chacune de ses œuvres-d'art comporte sa propre justification d'existence, de vérité, se suffit à elle-même en tant que passage du champ virtuel à la réalité artistique en statut d’œuvre. Aussi Régine Bazin propose un style dynamique dans la diversification des approches, souhaitant explorer toutes les ouvertures infinies que recèle l'art numérique. Elle a su se positionner à la pointe du progrès des technologies de la couleur et des transparences. Ses œuvres sont des temps-forts d'art qui surprennent à chaque fois le spectateur par leur variété, leur originalité, leur caractère novateur et différencié. Avec "Esthétisme pictural", la peintre numérique montre comment elle peut atteindre des transparences, des superpositions, et jouer également des volumes, des espaces et des sensations de profondeur. Son style avec " Terre, ma terre " nous amène à un ressenti multiforme qui émerveille par l'amplitude créative. Rotondité, concavités ou convexités de volumes, colorismes chatoyants, superposition de couches colorées, avec "Terre, ma terre ", Régine Bazin marque un moment important dans son évolution théorique et technique. Son œuvre est forte en termes esthétiques et le contenu sémantique reste autant puissant. Il permet au spectateur de se projeter avec différentes logiques dans cette œuvres, qui ouvre un champ de liberté interprétative pour le public. En prenant ce sujet aux échos universalistes, cosmiques, elle lui donne un éblouissant traitement de modernité et d'actualité par la par la richesse des détails numériques. Clartés irisées sur les pourtours, stratifications en vagues bleues, " Terre, ma terre " œuvre récente de l'artiste, restera majeure dans sa muséologie. Ses capacités techniques dans l'avant-gardisme de ces technologies du numérique s'expriment avec beaucoup d'aisance comme le démontre " Fluidité " par une approche du mouvement, de la gestion de l'espace coloré, la dégressivité des couleurs, les nuances qui peuvent être obtenues en pleine luminosité, et qui sont posées telle une architecture d'épaisseurs. Complémentaire de " Terre, ma terre ", " Fluidité ", signale la dextérité de l'artiste, son talent, mais aussi une nouvelle forme d'ingénierie artistique que la peintre numérique maîtrise dans ses propres perfections. Des œuvres-d'art à l'esthétique irréprochable, des œuvres numériques qui laissent toutefois le spectateur dans sa vérité d'homme, d'être humain, pour se projeter avec des sensations très fortes telles que l'on peut des ressentir devant des œuvres d'art traditionnel.

 

Tendances 2014. Régine Bazin réussit un pontage émérite dans son travail esthétique en produisant une similarité de sensations avec le numérique comme on peut les avoir face à l'art traditionnel. Alors même que nous sommes en présence de modalités avancées de l'informatique et du virtuel , l'aspect de ressenti profondément humain est sauvegardé par Régine Bazin au cœur de ses œuvres. En ce sens on peut dire que Régine Bazin s'est posée en leader d'une nouvelle forme d'art numérique abstraite totalement différente de ce que l'on peut comprendre ou voir sur l'international habituellement, à savoir elle crée une forme de peinture numérique qui sait préservée de manière intacte les délicates émotions, la curiosité du voir, la sentimentalité intime, mais sa peinture numérique laisse bien que virtuelle toute l'humanité dans le cœur du spectateur. En ayant réussi ce pontage entre virtualité et humanité Régine Bazin aujourd'hui marque un tournant par son œuvre dans l'art numérique, dans la peinture numérique. Elle génère une nouvelle peinture numérique à dimension humaine voire humaniste. Elle est la première artiste connue à savoir revêtir le numérique avec autant de part de conscience, de spiritualité, de souci de coexistence du sentiment humain dans le numérique. Avec " Terre, ma terre ", elle a démontré que ce sentiment d'humanité peut s'étendre dans un contexte plus collectif et répondre aux nombreuses attentes de la mémoire collective face aux technologies de pointe et à l'art numérique. Régine Bazin réconcilie aujourd'hui progrès des techniques et sentiments humains. Elle ouvre une nouvelle voie qui désormais humanise définitivement le virtuel.

 

Artiste numérique particulièrement diffusée sur internet et les réseaux sociaux, les très nombreuses oeuvres de Régine Bazin sont notamment visibles par les fenêtres de recherche Google et Bing.

 

 

 

Ont obtenu: Médailles d'Or internationales des arts de Chine - PEKIN 2014. Les artistes suivants:

■ Lu RUI, peintre, designer, style figuratif. Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2014.


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■ José SORIA, peintre, style abstrait. Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2014.


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PEKIN 2014.  José Soria propose une esthétique abstraiteaux échos impressionnistes,  empreinte de clairs-obscurs nuancés et voluptueux et offre une qualité technique du pictural qui ouvre de nouveaux champs créatifs.

 

Style. Le style de José Soria est un style qui se libère de la matérialité, pour offrir une abstraction subtile, aux applications colorées aériennes, voluptueuses, qui joue avec aisance des différents plans de profondeur. Ce nouveau maître de l'abstrait, à décelé tous les secrets de l'alchimie picturale, pour proposer une esthétique moderniste délicate. A partir d'un titrage c'est toute une synthèse visuelle que peut faire le regard pour ressentir l'ensemble du tableau.  Avec l'œuvre "Cygne d'Argent" (120x90cm) José Soria entraîne le public vers une interprétation du sujet, en une évanescente vision. Des couleurs diaphanes se superposent ; la matérialisation effleurée du sujet se forme avec autour une aura légère.  Tour à tour on ressent l'éminent talent du peintre, la majesté suggérée de cet oiseau de lumière. La perfection des applications colorées, la finesse des nuances, élèvent les œuvres vers l'immatérialité, la spiritualité. Son style avec le "Crabe d'Or", (100x75cm) se situe dans cette recherche de perfection, apportant une définition plus impressionniste du sujet qui apparaît ici effleuré au centre, avant que le peintre nous entraîne dans un tourbillon d'abstraction. La modalité d'abstraire de José Soria maintient le lien à l'image, comme un prétexte qui va donner la caractéristique de départ, qui va potentialiser et mieux faire naitre les caractéristiques esthétiques de l'ensemble du sujet finalisé. C'est un style évocateur, intuitif, qui pose l'élément principal comme signal d'existant, pour  éluder, dissoudre dans son propre environnement le thème en sfumatis contrôlés. José Soria laisse l'abstraction prendre le pas, nous entraîner dans une autre subtilité, nous hisser hors des limites du visuel premier. Son style est encore plus évanescent, aérien et mystérieux avec son tableau "Dragon" (100x75cm). Le peintre traite ce sujet jouant de la thématique de la légende ou de la spiritualité, nous en disant une vision d'irréel. Il propose un style  abstrait, avec des échos d'impressionnismes actualisés qui frolent le réel. Il va esthétiquement abstraire le sujet de son état initial. L'œuvre est menée avec une intuition ultime, une expression de haute peinture en termes de réserve graduée dans la signification, dans l'idée peinte, mais aussi de technique bien au point pour produire des œuvres-d'art de niveau international.

 

Tendance 2014. José Soria s'inscrit dans la lignée d'un nouvel impressionnisme-abstrait européen, qui sait  garder un lien ténu avec l'image du réel, pour transposer le sujet en sensations immatérielles. La douceur de ses nuances, la délicatesse de ses coloris, la finesse ultime de ses graphismes, conservent l'artiste dans l'expression de ressentis intérieurs. Une esthétique interprétative et évocatrice compose un univers, un style, très personnel. José Soria par son talent unique, par le choix inspiré de ses sujets construit une démarche qui chemine entre réalité et fiction, imaginaire et mythe, légende et vérité. C'est cette dialectique ambivalente  que traite avec un paroxysme de subtilité ce grand artiste. Il marque à Pékin l'avènement d'une catégorie d'art abstrait définitivement sauvegardée, stabilisée à la croisée de chemins entre réel et irréel, vérité et interprétation, image et extrapolation artistique. L'oeuvre de José Soria témoinge ainsi de toutes les possibilités évocatrices que possède le champ de l'abstraction aujourd'hui.

 

 

 

■ Roselyne MORANDI, peintre, poète, style abstrait. Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2014.


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Pékin 2014. Roselyne Morandi, propose en Chine une peinture telle une véritable poésie esthétique qui va à la rencontre de toutes les sensibilités artistiques avec un nouveau langage de sentiments peints.


Style. Le style de Roselyne Morandi devient progressivement le "style Morandi" qui reflète tout le talent de sensibilité intérieure d'une peintre et d'une poète; Ce style a été présenté à Pékin, avec trois œuvres importante de la muséologie de l'artiste " Feux d'artifice ", huile sur toile (65x50cm), "La Source " huile sur toile (75x50cm) ensuite " Pianissimo Forte "  huile sur toile (72x60cm). Des œuvres qui témoignent d' un style dynamique avec des couleurs à la fois douces et éclatantes, illuminant de clarté des toiles très bien construite, bien menées jusqu'à leur expression finale. " Feux d'artifice " et " Pianissimo Forte " montrent le traitement en même temps spontané et régulé en graduations de puissances des intensités de couleurs sur la toile. Elles suivent les sentiments pour aboutir à un paroxysme de la couleur et des touches vibrantes, en allégorie venue du plus profond de l'artiste. Peindre l'intensité musicale, peindre ces sentiments qui nous envahissent, l'artiste donne de la couleur à la musique comme aux sentiments. Roselyne Morandi sait aller plus loin que les mots, plus loin que la musique, encore et encore plus loin que la signification première des couleurs, qu'elle vient mettre pour nous en osmose avec notre cœur. Une gestualité ample dans ses œuvres, qui montre la maîtrise de l'artiste à traiter une abstraction qui vient de ses sensations profondes pour jaillir sur la toile. La spontanéité de Roselyne Morandi s'exprime ainsi au bout de son pinceau, en un lien étroit, spirituel et physique, avec l'œuvre d'art, une osmose universelle entre un tableau et une artiste. Une poésie douce ou violente de couleurs sélectionnées en une palette qui suit avec justesse les ressentis de la peintre. Son œuvre "La Source " montre un style spontané mais à la fois très bien construit, voire élaboré en intelligence du lisible, l'artiste représente ainsi la source dans un florilège gradué de coloris en sauvegardant l'identité du thème de départ mais laissant les détails apparaître progressivement aux yeux du spectateur. " La Source "  montre les grandes dispositions picturales de cet artiste dans un style très européen à traiter l'abstraction d'une manière impressionniste abstraite. Cette mouvance a bien évolué depuis Matisse, Roselyne Morandi, pousse les sensations colorées jusqu'à cette possible reconstitution synthétique d'ensemble du motif, synoptique,  lorsque le tableau se révèle en son tout au regard du spectateur tel un "insight".

 

Tendances 2014. Impressionnisme abstrait. Poésie et peinture. Roselyne Morandi en associant une démarche picturale à une sensibilité poétique, peintre et poète, marque sur l'international son territoire de langage pictural en osmose avec la poétique. L'artiste témoigne à travers ses œuvres que deux langages peuvent se rejoindre sur la toile au-delà des mots par l'acte de peindre, celui du ressenti et des émotions et celui que traduit la couleur et les formes. Une ligne stylistique fondée clairement sur l'international par Roselyne Morandi, dont le talent en présentation à Pékin, à signalé toute l'importance et l'originalité, mais aussi la forte sensibilité du poète dans la pratique de la peinture.

 

 

■ Dominique DAUVERT, peintre, style abstrait. Médaille d'Or internationale des arts de Chine 2014.


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 * * * * * * * V I D E O * * * * * * Le peintre Dominique DAUVERT, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * Le peintre Dominique DAUVERT, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014. Dominique Dauvert, développe un style sur les frontières du figuratif et de l'abstraction, du sens et du signe, du lisible et de l'inconscient. Il propose à Pékin, des sujets qui traitent de la mer, ou de la nature avec une logique impactante de formes et de couleurs, de graphismes, créant sur la toile des sensations fortes et puissantes, avec le sens du mouvement. Un style de synthèse qui fusionne impressionnisme et expressionnisme pour peindre et faire ressortir les éléments les plus immatériels, les ressentis les plus abstraits, énergie, mouvement, force et vie.

 

Style. Le peintre Dominique Dauvert aime traiter le mouvement, il sait l'importance du geste sur la toile, et pratique la peinture avec une spontanéité d'abstrait, tout en conservant le sens initial du motif. Il prend le recul nécessaire à partir du sujet, pour créer une œuvre dans laquelle il retient la forme première, la matérialité physique du sujet, pour aller vers ce qui l'intéresse, d'autres aspects tels l'énergie qui peut s'en dégager, pour porter ensuite le tout en un paroxysme de lumière, de force, amplifiant l'essence même du sujet initial pour le redéployer dans sa vérité : le transcender. Les toiles "La Vague" huile sur toile  (65x100 cm) ou "Racines" huile sur toile  (54x73cm) sont particulièrement représentatives de la manière dont Dominique Dauvert extrait, met en avant parce qu'il sait les ressentir, les plus belles lignes de force de son motif. Une vague qui prendrait son élan sur le tableau pour aller s'éclater, buter sur la limite de la toile ; l'artiste recrée un espace d'authenticité, une scénographie avec un autre possible, une dialectique d'existence entre le motif et la peinture. Le style Dominique Dauvert, sait abstraire au sens littéral du terme, tous les éléments essentiels, les potentialités autres que celles visibles, comme dans "La Vague" ou encore avec cet arbre immense dans sa toile "Racines". Pour lui l'intérêt principal et primordial du sujet réside dans ce qu'il en émane, s'en extériorise de plus absolu ; il situe sa recherche au-delà de l'aspect premier, plus loin que la forme qui lui est donnée de voir au premier regard. Son œuvre va reformer, reconstruire, repositionner le sujet dans une amplification, pour mettre en relief les caractéristiques esthétiques fondamentales. Dès lors son style libère le peintre de la matérialité exiguë de la forme, enlève les contraintes de l'amarrage figuratif strict, et permet l'envol du talent, laisse la gestualité pousser les sensations à l'extrême. Dominique Dauvert va ainsi donner en définitive toute sa réalité mais surtout sa plus profonde vérité au sujet. De l'oeuvre " La Vague " à celle intitulée " Promenade "  on peut voir une évolution qui sait se tenir toujours sur la frontière ténue entre réel, sensation, abstraction. C'est un peu ce triptyque, cette alchimie atypique pour peindre, qui donne une grande liberté de style à Dominique Dauvert. " Promenade " fait une symbiose du visible, du non visible, des impressions et des sensations, des ressentis, mais aussi des moyens de l'abstraction pour l'interprétation de l'idée, pour émettre une proposition esthétique forte. " Promenade " reste un questionnement mystérieux, le paysage oscille entre figuratif et non figuratif, seule la conscience du spectateur pourra y tracer le chemin, son chemin, circuler dans le tableau, flaner entre les différentes perspectives et lignes de fuite pour décider de ce qu'il voit, de ce qu'il y veut voir , en se projetant, ou non, dans l'oeuvre. Chaque spectateur pourra ainsi s'approprier sa propre vérité en regardant " Promenade ", en ressentant ces mouvements dans le tableau avec ce qu'il peut y voir de réel ou d'irréel .  " Promenade " laisse flotter une spiritualité, une intellectualisation du visible, en dehors de toutes les conventions établies entre réel ou interprétation peinte.

 

Tendance 2014. Dominique Dauvert, pratique un style qui ne s'enferme dans aucune logique prédéfinie, sa démarche est vivante, voire vivifiante, dans la proximité à la nature, à ce qui en jaillit à nos yeux de prime abord, mais son style va au-delà pour nous dire tout ce que lui en voit, nous peindre ce qu'il y a trouvé, vu, de plus essentiel. Une synthèse de figuration, une autre forme d'impressionnisme, une autre utilisation de l'abstraction, créant une nouvelle stylistique très actuelle qui se pose utilement sur l'international. Le peintre retient l'image comme prétexte pour nous en dire toute l'aura, "exprimer" au sens le plus littéral, extraire, abstraire un autre contenu . Dominique Dauvert recherche au-delà de la forme première du sujet le " merveilleux esthétique " qui y réside, et qui paradoxalement est le " vrai du sujet ". Il sort ainsi le motif de l'enfermement de la vision première, libérant le paysage, la mer. Dominique Dauvert a su faire intuitivement la synthèse de recherches artistiques, il parvient aujourd'hui avec aisance à transcender le motif dans sa peinture.

 

 

 

■ Jean-Marc LABEYRIE, peintre, style figuratif. Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014. Jean-Marc Labeyrie. L'oeuvre d'un grand impressionniste européen présentée en Chine. L'univers sensible, moderne et universaliste du peintre Jean-Marc Labeyrie à été grandement apprécié en Chine. Son style confirme une maîtrise de la peinture, des personnages qui offrent une esthétique épurée dans une vision renouvelée et rafraîchie de l'acte de peindre. Une œuvre avec une grammaire bien réglée appuyée par une constance aboutie de la palette. Peintre de la grâce et de la danse, il arrive à exprimer les atmosphères les plus ultimes de subtilité autour de ses personnages.

 

Style. Véritable peintre de la grâce, il a su notamment traiter dans son œuvre d'ensemble très importante, la thématique de la danse. Il a réalisé aussi des œuvres particulièrement intéressantes dans le domaine du cirque. A Pékin Jean-Marc Labeyrie nous fait entrer avec sa toile "A toi la vie" huile sur toile (65x54cm) dans son univers de beauté, de pureté et d'excellence. Il a réussi avec cette toile à synthétiser tout ce qui relie les êtres humains. Les plus proches avec la mère et l'enfant, l'amour et l'avenir, mais aussi cette sublime abnégation des parents qui offrent la vie à leur enfant. "A toi la vie" c'est aussi un écho social avec la transmission de la vie entre les générations qui se succèdent, mais dans ce titre si bien trouvé on sent toutefois les lourdes perspectives possibles, certes de joies , mais aussi de difficultés inéluctables pour chaque être humain. "A toi la vie" reste toutefois un message de paix et d'encouragement au bonheur. Le style direct de Jean-Marc Labeyrie, montre toute cette sollicitude qui va vers l'enfant. Un tableau avec des formes épurées, une vérité originelle, aucun signe social vestimentaire, ne vient troubler le message qui reste dans sa plénitude de spiritualité. Le style du peintre est constant dans ses œuvres comme avec "L'Amour des Deux colombes" huile sur toile (61x46cm) présentée à Pékin. On y ressent ici l'éminent exercice du haut niveau pictural, qui apparaît dans l'élégance de la posture du sujet central. Les colombes, l'une volant autour du personnage, alors qu'il tient l'autre au creux de sa poitrine en un joue à joue optimiste et bouleversant. L'universalité de l’impressionnisme de Jean-Marc Labeyrie ressort bien de l’œuvre par le choix du sujet bien sûr, les colombes archétype de paix , toutefois , le fond de l’œuvre comporte des lignes en rotondité telles des méridiens qui font échos à un champ extrapolé, le sujet au centre d'une globalité. Son style témoigne que la touche impressionniste reste impérissable, et avec une intervention minimaliste de couleurs, il a su créer une palette pleine de force et de vérité. Une œuvre majeure dans la muséologie de l'artiste. Avec un autre tableau "Sébastien au supplice" huile sur toile (100x73cm) est d'une grande étrangeté et originalité, marquant l'immense talent du peintre. Reprenant une scène du domaine religieux, il en fait une nouvelle représentation à mi-chemin entre parabole et allégorie. Un repositionnement actualisé d'une scénographie sacrée retransposée dans notre époque, peinte dans le quotidien, avec toute une pluralité de significations liées à cette proposition de l'artiste. La société avec un groupe de jeunes gens est représentée, la scène est peinte dans notre temps. La souffrance du Saint entouré de ces jeunes gens, prend un sens à lire et interpréter dans notre époque. Une œuvre lourde de significations, qui montre que Jean-Marc Labeyrie a su réaliser des œuvres très fortes, avec du message, tout en sachant sauvegarder, potentialiser l'interface artistique, la scénographie stylistique.

 

 

Tendances 2014. Jean-Marc Labeyrie manifeste une aptitude particulièrement talentueuse à exprimer des personnages, avec beaucoup d'élégance, mais surtout il arrive à faire ressortir la grâce dans l'attitude de ses sujets; un contenu d'atmosphère des plus évanescents. Il est un des rares peintres a traiter cette aura raffinée et délicate extrêmement difficile à capter et à peindre. C'est donc un niveau international de subtilité qu'il nous est ainsi donné de voir à Pékin 2014, avec des tableaux emplis de sensibilité, d'émotion, de raison esthétique, qui savent autant contribuer profondément à la prise de conscience que la peinture peut être moyen de lien entre les hommes, les générations, mais aussi un lien de paix avec " L'Amour des Deux colombes". L'universalisme de la peinture de Jean-Marc Labeyrie reste une constante, dans chacune de ses toiles; un écho, une référence au monde suscite toujours l'extrapolation possible, apparaissant ainsi par des lignes courbes signalant le sujet au cœur cœur d'un univers, entouré de lignes comme autant de méridiens, de lignes de vies, de cycles du temps ou de destinées.

 

 

 

■ Nadette TOURNIER, peintre, style surréalisme-abstrait. Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014. La peintre Nadette TOURNIER, ouvre avec ses œuvres, de nouvelles dimensions dans le surréalisme et innove un surréalisme-abstrait maritime subaquatique, avec le support de ses techniques originales "d’huilerelles". Son monde imaginaire, fonde une stylistique intuitive qui lui est propre. Son investigation picturale interprétative et évocatrice, mystérieuse et allégorique du monde subaquatique, de la flore et de la faune qui y résident a produit des œuvres d'une magnificence peu courante, d'une rayonnante beauté, conjuguant toutes les luminosités et les couleurs les plus diaphanes. Une œuvre précieuse de haut niveau international.

 

 

Style. Nadette Tournier a connu de près monde subaquatique pour avoir été plongeuse en profondeur pendant de nombreuses années. Elle a retenu, emmagasiné, la beauté, l'éclat incomparable de la lumière irisée des profondeurs marines, la faune et la flore subaquatique. Par ailleurs son œuvre s'est amplifiée par des recherches techniques lui permettant de pratiquer une peinture " l'huilerelle " particulièrement adaptée à ses sujets. Son style avec "Eclair" huilerelle (51x44cm) offre une scénographie étrange d'un élément botanique imaginé de la vie sous-marine ; l'artiste se rapprochent en intuition du réel, avec le recours aux multiples souvenirs qu'elle a pu conserver. Elle a emmagasiné des souvenirs, des visions diaphanes et son style de peintre avec des souvenirs aurait pu la verser dans une abstraction sensible. Toutefois le grand talent imaginatif de Nadette Tournier, créant ses constructions de motifs autant dans son cœur que dans son esprit, dans l’inspiration que lui rend son amour de la mer la rapproche d'un surréalisme abstrait. Son expression peinte qui vient interpréter, donner vie, matérialité à cette passion de la vie subaquatique. Son style avec "Eclair" huilerelle (51x44cm) offre une vision douce et colorée, une essence, un existant, une botanique irréelle mais pourtant emplie de tous les possibles. Lorsque le soleil pénètre au-dessous de la surface pour rencontrer ce monde inconnu, tout est loin du regard humain de tous les jours. Le style de Nadette Tournier dans son approche va en conscience de peindre au-delà du réel, produit une évocation colorée par les sentiments de vie, elle crée avec tous ces sentiments abstraits, qui la poussent encore plus loin que le rêve. Nadette Tournier avec "Trouée d'Or" huilerelle (43x49cm) confirme le style maîtrisé, la miraculeuse alchimie quand son œuvre noue le lien entre rêves et réalités. Une artiste de grand talent qui nous offre le sublime, rendant l'inconnu vivant. Les évanescences deviennent des volumes, elle sait donner du corps à l' application colorée pour qu'elle devienne sous ses doigts une apothéose de réel et de la vie. Parce que Nadette Tournier invente de la vie, invente par le cœur une autre beauté du paysage subaquatique, son grand talent nous offre un paysagiste surréaliste abstrait avant-gardiste et de grande portée esthétique. C'est de ce fait que son style prend toute cette importance et cette pertinence dans un cadre international. "Première Langue" huilerelle (64x59cm). marouflé sur support rigide carton ou bois, est un aboutissement de la délicatesse et de la vérité qui peut rejaillir de sa démarche de création. Nadette Tournier est une créatrice au sens premier du terme, elle s'est crée de la vie à travers une flore dont elle seule détient des secrets. Une botanique de fée. Elle nous entraîne dans son jardin magique du fond des mers, dans son rêve inouï de vérité, de validité, hors de toutes les logiques, hors de toutes les normes, pour dire la beauté la plus pure, libérée de tous les conditionnements, de tous les canons d'une esthétique figurative restreignante. La portée de son travail rejoint l'étrangeté d'une monde inconnu, l'allégorie d'une imagerie subaquatique, qu'elle met en scénographies de couleurs et de matérialité intuitive, en une formulation de grand-art .

 

Tendance 2014. En soulevant le questionnement du connu et de l'inconnu, de l'imaginaire et du réel, de la vérité de la fiction, du vu et du ressenti , le style de Nadette Tournier s'inscrit sur le plan international ici à Pékin . On note l'avènement d'un nouveau style et nouvelle tendance de paysagisme surréaliste-abstrait maritime subaquatique. Nadette Tournier ouvre une voie particulièrement intéressante pour l'art contemporain. Son style particulièrement abouti peut désormais faire référence.

 

 

 

■ Cécile FAURE, peintre, style abstrait. Médaille d'Or internationale des arts de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014. Les peintures de Cécile Faure ont été présentées à Pékin avec succès. L'abstraction de l'artiste, les coloris de ses œuvres, sa puissance d'application, le contenu des sujets ont été particulièrement appréciés. Un choix de thèmes et de palette qui se marient bien avec l'abstraction dynamique, maîtrisée, que pratique avec talent cette artiste française. C'est un travail qui s'inscrit dans un continuum d'une abstraction qui plaît, qui suscite un intérêt aussi bien pour les amateurs éclairés que pour le grand public, c'est la démarche d'une artiste en pleine progression picturale qui a été présentée en Chine.

 

Style. Cécile Faure avec "La Baie de Sydney" acrylique sur toile (81x65cm) a su faire converger en abstraction les éléments constitutifs de l’œuvre en style d'un paysagisme urbain, avec la gestualité et la créativité propres l'expression abstraite. Beaucoup de force et d'énergie expressionnistes abstractisées dans une application spontanée de la couleur, en échos lointains et abrégés du visible. L'artiste sait donner à l'œuvre une envolée et une présence exceptionnelle. Le tableau "La Baie de Sydney" montre une intelligence des harmonies, de la construction sobre, qui viennent poser en cette talentueuse composition colorée, l' abstraction de formes du réel, caractéristiques, que l'on peut voir dans cette baie de Sydney, à savoir son opéra, superbe architecture au design avant-gardiste bien connue dans le monde. Le choix du sujet de Cécile Faure, est judicieux car il se prête bien aux techniques de l'artiste, aux amplitudes contrôlées du geste, qui pose les couleurs en à-plats semi-circulaires, bien conduits, superposés parfois, en modalité aboutie d'intervention abstraite sur la toile. Le style de Cécile Faure, avec "Les Dauphins", acrylique sur médium (81x65cm), signe à nouveau de grandes qualités picturales chez l'artiste qui sait déceler, avec cette vision des dauphins, à propension monochrome, les points forts qui orientent l’œuvre vers un sens donné, dont elle seule sait gérer les signes pour nous conduire le regard. Un talent qui recentre l'œuvre dans une formulation inédite, une interprétation abstraite, intuitive et archétype de la mer, des différents bleus, de ces dauphins dans l'immensité du large, comme des traits-d'union entre la mer, le ciel, le spectateur. Cécile Faure joue avec une grande aisance et dextérité sur le degré de lisibilité, la graduation du visible. Elle va avec assurance des frontières impressionnistes aux territoires abstraits. Une œuvre, en un style riche et intuitif, emplie de ressentis dans une expression qui veut rester résolument éloignée de la figuration. L'artiste porte une autre acception peinte de l'image du monde, dans une dimension de modernité, dans une démarche qui veut faire avancer le pictural contemporain. La grammaire de Cécile Faure est vaste dans la thématique de l'abstraction comme elle le démontre par le style de son œuvre "Sous-Bois" acrylique sur médium (81x65cm) où elle traite ici le motif en paysagisme abstrait. Son sens du peindre, que l'on appele talent, selon le sujet que Cécile Faure aborde, lui fera utiliser la modalité la plus appropriée pour abstraire, dématérialiser, retransposer, nous faire ressentir et vibrer en recourant aux expressionnismes ou aux impressionnismes les plus abstraits.

 

Tendance 2014. Cécile Faure appartient cette nouvelle génération d'artistes au style direct qui vont traiter leur sujet par les chemins les plus contemporains de l'abstrait, pour arriver au meilleur langage entre leurs sensations et leur vision. Cécile Faure veut dans sa démarche une représentation contemporaine renouvelée, hors des toutes conventions de formes ou de couleurs, audacieuse, en phase avec les logiques visuelles et perceptives de notre siècle. Une artiste qui pratique la peinture comme un moyen de l'art, comme un moyen dédié de la création. Elle sait faire appel à toutes les meilleures techniques, toutes les meilleures pratiques de l'abstrait, pour une expression la plus optimisée du sujet dans un esprit contemporain, pour le bonheur du spectateur.

 

 

 

PEKIN 2014


■ Fang MIN, peintre, style contemporain figuratif. Prix international des arts de Chine 2014.


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Le style des portraits féminins de Fang MIN. Le peintre Fang MIN (Pékin - Chine) est un artiste de la nouvelle génération d'artistes chinois; Il sait pratiquer une peinture aussi bien académique tels ses portraits de femmes, que plus contemporaine et audacieuse avec différents sujets et personnages. Sa manière de peindre dans le thème du portrait féminin, dans lequel il excelle, lui a valu d'être sélectionné pour Styles et Tendances dans l'art international Pékin 2014. 

 

Le peintre Fang MIN pose son talent avec un style très personnel aux dominantes de figuration poétique. Parfois on y trouve quelques clins-d'oeils à un surréalisme nostalique, tel cet oiseau de papier qui vole sur la mer, ou bien à une harmonie du monde avec ce petit animal de compagnie qui vient nous dire toute l'émotion, l'intemporalité du genre. Quelques objets en posture atypique oscillent entre symbolique et questionnement du narratif.  Fang MIN, a fait sien l'art pictural avec une immense capacité technique, exceptionnelle de vérité. Une perfection qui sait aller encore plus loin sur le registre de l'émotion; Ce peintre connaît les profonds secrets et la meilleure expression de l'émoi naturel, des sentiments vibrants, palpitants, sans qu'il n'y paraisse rien de disgracieux, de triste, tout est retenue et respect dans ces portraits féminin, mystère, jusqu'au ressenti même d'une présence de l'invisible, comme seul cela peut émaner dans de véritables chefs-d'oeuvres. Fang MIN sait si bien créer ces échos de mélancolie qui vont faire surgir l'empathie du fond du coeur du spectateur, jusqu'au bord des yeux. Des yeux pour regarder, des yeux émus. Un peintre étonnant. Fang MIN, est un grand pinceau chinois. Son style déploye un univers aux atmposphères immanentes, indescriptibles de raffinement esthétique, de sensibilité ultime, la sensation pleine et entière d'être en face d'un authentique maître de l'art pictural, accompli sur tous les registres du peindre. De l'architecture de l'oeuvre à la palette étudiée et ses nuances, des clairs-obscurs, des dégradés, jusqu'aux traits de portraits les plus subtils, des ambiances évanescentes les plus feutrées aux attitudes les plus délicates, Fang MIN, détient tout, rien ne lui échappe, rien ne manque; il peint jusqu'au sublime. A Pékin, la manifestation "Styles et Tendances dans l'art international 2014" à su mettre en relief les caractéristiques de haut niveau de cet artiste éblouissant. Il a obtenu le Prix international des arts de Chine 2014 délivré avec félicitations par le jury franco-chinois. La peinture poétique et académique de l'artiste Fang MIN le place au meilleurs rangs de l'art figuratif international actuel en matière de portrait féminin.    

 

 

■ LILILUS, peintre, style contemporain, portraits. Prix international des arts de Chine 2014.


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PEKIN 2014 . L'œuvre de LILILUS Lilli, nous entraîne dans le domaine de la peinture de portrait, modernisée. Une démarche contemporaine qui redéfinit le style du peindre de ce genre artistique. L'oeuvre de LILILUS réalise le passage, la transition avec la modernité le siècle actuel, est offre un pontage artistique avec les nouvelles générations. LILILUS donne une autre envie de l'art, un autre appétit de découvrir l'esthétique, le portrait et de s'y reconnaître ;  ceci avec un regard frais, différent, déconditionné de tout classicisme. Un style qui permet de se retrouver en miroir de sentiments simples, directs, vrais. Un langage de jeunesse, une peinture de vérité qui fait sortir définitivement le portrait des ombres du passé, qui extrait le portrait vers les térritoires de demain hors des empreintes des grands maîtres.Une peinture, une peintre, en présence de son temps, en pleine conscience de la société moderne, qui sait que l'art est, peut ou doit être un média, et tout autant une communication collective de sentiments. La présentation en Chine de son œuvre à permis de valider sur le plan international, à la fois un talent, mais aussi de reconnaître la communication, l'image, l'illustration, comme un nouveau langage esthétique qui vient fonder un nouvel état d'art du portait .

 

Style. Les œuvres de LILILUS "Adieu" Acrylique sur toile (100x100cm) "Gabrielle" Acrylique sur toile (100x80cm) "Blabla" Acrylique sur toile (100x80cm) ont été présentée avec succès en Chine. Le style de LILILUS propose des portraits dans un style direct, frais comme le miroir de nouvelles génération dans lequel se reflètent les sentiments intérieurs avec simplicité, authenticité. Un contenu sémantique original et nouveau qui propose un autre statut dans l'art à la démarche illustrative et simplifiée du portrait. Si on a pu voir nouvelle esthétique apparaître au travers des images de mangas et de l'illustration contemporaine, ces dernières années, quils ont générés ; on peut dire que LILILUS fait entrer entrer dans le monde de l'art pictural une nouvelle façon de penser l'illustration, en dimension pleine d'art contemporain comme avec "Blabla", et son regard sublîme. LILILUS se situe dans une version actuelle de l'expression visuelle des sentiments sur le visage, en dehors de toute intervention de dialogue complémentaire. Ainsi c'est l'expression première peinte sur le visage, comme des larmes par exemple dans "Adieu", qui donne la caractéristique principale, manifestant la forte intention pour LILILUS de se dispenser de tout environnement verbal en tant que compément illustratif, pour exprimer pleinement en peinture les sentiments le plus directement. LILILUS fait en Europe et sur le plan international une synthèse intuitive de la bande dessinée, des mangas, qui fonctionnent dans l'écrit ou dans l'audiovisuel et crée un nouveau style de portrait en modalité de peinture d'art à part entière, qui intègre et dépasse les influences du passé pour créer un portrait en véritable style LILILUS, tel par exemple "Gabrielle". La grammaire élaborée de LILILUS et plurielle et permet notamment de traiter la profondeur du regard d'une autre manière très originale par plans d'éclats de lueurs successifs et dégressifs. On peut dire que les caractéristiques d'expression directe des sentiments sur le visage notamment des jeunes filles et des femmes que peint LILILUS, correspondent à la simplicité pour traiter le sentiment à travers le portrait avec un sens très personnel, on y retrouve la conjugaison novatrice aujourd'hui de l'illustration et de l'art contemporain vers une nouvelle esthétique.


Tendance 2014. LILILUS marque un positionnement artistique en émergence des générations actuelles et nouvelles. Elle a compris son époque et son temps; elle a su faire la synthèse de tous les courants tendant à la simplification de l'expression des sentiments dans le style du portrait. On pourrait la considérer aujourd'hui en tête de file, bien au-delà d'un nouveau type de mangas européen, effectivement dans un nouveau territoire esthétique qui transfigure le portrait, le faisant évoluer depuis ses notions hyper-réalistes et hyper- figuratives pour la placer sur le registre exprimé du sentiment, totalement épuré du conditionnement lié au figuratif absolu, ou académique. En ce sens LILILUS est une artiste novatrice qui mérite bien d'être reconnue sur le plan international. C'est ce qui est advenu avec bonheur à Pékin.

 

 

 

■ ELLHËA, peintre, style impressionnisme contemporain. Prix international des arts de Chine 2014.


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* * * * * * * V I D E O * * * * * * ELLHËA Présentation de l'artiste à PEKIN

* * * * * * * V I D E O * * * * * * ELLHËA Présentation de l'artiste à PEKIN

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PEKIN 2014. La peintre ELLHËA propose un style aux caractéristiques impressionnistes, modernisées et mise dans le contexte d'une vision plus éthérée, le motif est allégé du trop figuratif, avec parfois dans certaines œuvres, des échos d'abstraction. Si l'artiste apprécie l'héritage culturel des grands maîtres de l'impressionnisme, elle a su aller sur d'autres registres que l'art contemporain et son amour de la peinture ont pu lui suggérer. Dans les œuvres les plus émergentes de son style, on remarque sa signature dans un nouvel impressionnisme actuel, qui évoque une forte poésie intuitive, parfaitement inhérente chez ELLHËA, à son acte de peindre.

 

Style. ELLHËA avec son "Jardin Anglais" huile (55x46cm), propose une démarche d'un impressionnisme différent, qui sait inclure une connotation poétique et lyrique, tout en y conjuguant l'écho d'un pointillisme de synthèse. Une œuvre où l'artiste sait construire le motif en plusieurs plans, qui deviennent prétexte à une intervention paysagiste sur la toile. Elle construit des espaces colorés étagés comme autant de perspectives d'éloignement. La nature domine l’œuvre et la verdure crée un florilège de verts en une palette diversifiée dans cette tonalité. Un personnage à l'allure diaphane s'inscrit en silhouette dans ce " Jardin Anglais ", donnant une allure énigmatique mais également translucide et légère.  On ressent là une interprétation impressionniste de jardin très réussie et novatrice, différente de toutes autres références de jardins impressionnistes. ELLHËA, maîtrise la délicatesse, et garde en réserve la lumière dans son œuvre comme on le ressentirait d'une superbe aquarelle. Cette application picturale toute en finesse et légèreté sur l'œuvre, lui donne une immatérialité, qui élève le tableau vers le beau, vers une sorte d'absolu de sensations impressionnistes contemporaines. C'est cet apport de l'artiste qui joue si finement sur la lumière, sur les contrastes, qui entraîne le spectateur en des ressentis premiers, provenant à la fois du visuel conscient face au tableau, mais aussi de tout ce que l'inconscient cherchera à découvrir dans ces "non-dits " sous-jacents dans les nuances de l'œuvre. Un questionnement sur le mystère de l'art, lorsque le message esquissé n'appartient plus au peintre, pour devenir l'interrogation du spectateur, du public. C'est ce que dégage tout le " surnaturel " de cette œuvre, avec une force d'énergie, la présence d'un véritable rayonnement d'auras multiples qui circulent dans le "Jardin Anglais " d'ELLHËA. Une œuvre pertinente de haut niveau dans la muséologie de l'artiste. Le style impressionniste très original de l'artiste se confirme encore avec le "Jardin Majorelle" acrylique (92x73cm) avec ces sensations qui viennent sous le regard, tout le charme exotique de cette interprétation si harmonieuse de beauté. Son immatérialité nous transporte en une véritable spiritualité inconnue. Le motif simplifié semble s'être élagué, épuré, pour ne laisser flotter en contact avec la lumière et le soleil, que l'essence même de ce "Jardin Majorelle". Une œuvre là encore majeure, qui montre les capacités d'ELLHËA aux répartitions des volumes, à la synthèse esthétique, pour aller par sa palette chercher l'essentiel coloré, qu'elle pose en dominante de tout graphisme.  ELLHËA par son style, avec "Voiles et Couleurs" Acrylique (81 x65cm), montre la gestualité opportune et spontanée que l'artiste peut faire, la voile devenant quasi-ambivalente du geste. Un acte de peindre en force d'abstraction, pour nous donner une image lisible impressionniste, importée de techniques gestuelles éprouvées de l'abstrait. La couleur joue un rôle primordial chez ELLHËA, qui maîtrise la gamme chromatique et ses nuances pour leur faire dire une alchimie de signes et d'intensités simplifiées. Son talent triomphe par l'obtention d'un résultat encore plus pur, pourtant matériel et immatériel, se fixant dans la vie et dans le cœur. Elle a su pour nous, transcrire une vérité initiale de la peinture.

 

tendances 2014 . La peintre ELLHËA, porte avec son style une nouvelle forme d' impressionnisme pluriel, qui sait faire la synthèse, après les recherches les plus abouties du pointillisme, de l'impressionnisme abstrait, de la figuration poétique et lyrique. L'œuvre d'ELLHËA, souligne la tendance de la peinture contemporaine à utiliser de manière systémique les modalités théoriques d'approche du peindre des différents grands courants artistiques. Ceci, tout comme leurs techniques d'expression,  afin de mieux faire partager aux spectateurs des ressentis encore plus profonds. ELLHËA, réussit avec son style à faire de l'acte de peindre, un langage pictural toujours enrichi de nouveauté, de recherches, une expression artistique toujours ainsi renouvelée.

 

 

 

■ Gilberte FERRARI, peintre, style abstrait. Prix international des arts de Chine 2014.


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* * * * * * * V I D E O * * * * * * GILBERTE FERRARI, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * GILBERTE FERRARI, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014. Gilberte FERRARI, propose une abstraction épurée qui s'appuie sur les concepts fondamentaux de l'art abstrait. Une abstraction qui ne cède rien à l'impressionnisme ni au figuratif, pour occuper une place imposante dans cette mouvance de l'abstraction internationale qui a désormais acquis ses références dans l'histoire de l'art du XXème siècle à travers le monde. Gilberte Ferrari a su se maintenir avec rigueur dans ce genre en gardant dans un style personnel constant toute la liberté créatrice. Elle participe à la sérénité de l'héritage des grands abstraits et fait acte de muséologie et de mémoire vivante. Son talent et son engagement dans l'abstraction lui permettent de creuser un sillon profond dans l'art contemporain nouveau. Talent intact qui intègre ainsi pour la maintenir présente dans la peinture, l'histoire de l'art des grands abstraits tout en conservant sa personnalité, percutante et pertinente, fin d' imposer sa démarche et son sens de l'abstraction sur l'international. Son travail a été compris et accueilli en Chine avec un grand intérêt.

 

Style. Avec "Abstrait" N° 12 (98x189cm) Acrylique sur papier marouflé sur bois, le style de Gilberte Ferrari montre un univers où les graphismes qui s'enchevêtrent se posent en équilibre de formes et de couleurs dans un florilège d'harmonies, de références déconditionnées. Une gestualité qui fondent le style de Gilberte Ferrari, et qui prolonge la grande tradition abstraite de la seconde partie du XXe siècle, dans notre décennie. Action painting, peinture gestuelle, de Pollock à Mathieu, Gilberte Ferrari en a fait le pontage pour sa génération, avec le recul nécessaire qu'un artiste peut avoir aujourd'hui en confrontant les apports de ces deux monstres sacrés de l'art abstrait. L'artiste sait, après eux, qu'elle dispose aujourd'hui d'un territoire bien exploré, dans lequel les sensations, les géométries, les drippings, ont déjà pu dire tant de sens, tant de significations intérieures ou sociétales. Pour Gilberte Ferrari, il s'agit de faire un nouveau parcours en tenant compte de l'acquis existant certes, mais surtout de montrer que tout n'a pas été dit, et que peut-être tout encore reste encore à faire dans des temps où l'art contemporain en pleine évolution se cherche malgré tout, se questionnant sans cesse, sur son propre progrès. Aussi l'artiste évolue quant à elle sur un niveau d'abstraction déjà entré dans la référence, qui ne fait plus débat d'existence, qu'il s'agisse d'artistes new-yorkais ou parisiens, abstraire picturalement est avant tout un engagement, une passage obligé pour ouvrir les portes d'un langage supérieur qui fait appel à l'esprit le plus immatériel pour impacter d'esthétique notre quotidien. Gilberte Ferrari détient alors un style qui fait de son pinceau, de ses couleurs, de ses gestes amples et sûrs le meilleurs lien-contact entre l'histoire contemporaine de l'abstraction, le progrès de l'abstrait, et sa passion d'artiste pour un langage pictural toujours renouvelé, toujours enrichi comme le serait une véritable linguistique. Son style porte ainsi les signes de l'abstraction absolue, un vocabulaire qu'elle maîtrise et qui est devenu universel et impérissable. C'est à partir de cette grammaire reconnue universellement que l'artiste construit ses toiles, réalise ses tableaux, comme le prolongement d'une étape de l’histoire de l'art, qui est pour elle loin d'être terminée. Si certains ont pu penser que la nouveauté et le progrès plasticien peuvent faire oublier les fondamentaux de l'art, il n'en est rien parce que ce langage pictural est désormais un moyen irréversible de communication esthétique de haut niveau entré dans la culture sociétale. C'est ce que l'œuvre de Gilberte Ferrari a démontré clairement dans le contexte international de ce Style est Tendance dans la international à Pékin 2014. La non-figuration, l'expressionnisme abstrait, l'art informel, sont les chemins d'une autre verbalité, la peinture du non-dit existentiel, mais qui sait cerner au plus près le sentiment le plus profond. Cette rencontre d'esprit à esprit au travers des sentiments ressentis sur l’œuvre se retrouve aussi bien dans "Abstrait" N° 15 (98x188cm) que dans "Abstrait" N° 76 (105x161cm) de Gilberte Ferrari.

 

Tendance 2014. L'œuvre de Gilberte Ferrari se pose sur le plan international à sa pleine place, aux côtés des meilleurs styles des peintres de talent. Sa représentativité abstraite dans le prolongement de nos plus grands abstraits porte une ligne esthétique qui doit toujours être animée de créativité et de vie dans l'actualité de l'art. Au-delà d'une recherche pour le progrès de l'abstraction, c'est le maintien d'un acquis pictural exceptionnel que fait Gilberte Ferrari ; Elle réalise avec talent, une sauvegarde créative, d'un patrimoine commun universel artistique et pictural.

 

 

 

■ Chantal FRANCOIS, peintre, style figuratif. Prix international des arts de PEKIN 2014.


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* * * * * * * V I D E O * * * * * * CHANTAL FRANCOIS, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

* * * * * * * V I D E O * * * * * * CHANTAL FRANCOIS, présentation de l'artiste à PEKIN 2014

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PEKIN 2014.  La peintre Chantal FRANCOIS, au travers de son œuvre, maintient un lien étroit avec un certain classicisme. Elle crée une qualité picturale traditionnelle en apportant une attention très soigneuse à la réalisation de ses peintures figuratives, comme cela a pu être apprécié avec les natures-mortes qui étaient présentées à Pékin en décembre 2014. Se situant dans l'école d'un académisme moderne et renouvelé, la peintre Chantal François maîtrise la difficile technique de la peinture à huile, des glacis superposés minutieusement, ainsi que l'art de la peinture aux pastels. Du travail tout en délicatesse avec des motifs réalisés au plus fin de la représentation figurative. L'artiste excelle autant dans la pratique de la peinture à l'huile que dans la peinture aux pastels. Les peintres chinois restent admiratifs de l'exercice pictural à l'huile dont les secrets ont été découverts et dévoilés de l'Italie à la Hollande au fil des siècles passés. Le travail à huile pour la création des natures-mortes reste un travail de haut niveau qualitatif esthétique. Chantal François dans sa logique artistique poursuit son œuvre dans une modernité vivante dans la lignée des académismes fondateurs du figuratif.

 

Style. Chantal François avec son œuvre "La Tulipière" peinture aux pastels (55x46cm) témoigne d'un style figuratif académique moderniste particulièrement abouti. Ses natures-mortes offrent un grand talent scénographique dès la constitution de l'œuvre à peindre devant l'oeil de l'artiste. Cette nature-morte "La Tulipière" particulièrement dense d'objets, d'éléments à peindre est dès le départ un acte artistique des plus complexes à peindre. C'est déjà un défi que l'artiste se lance à elle-même. Le vase sur la table, la tasse, sont décorés de nombreuses frises et dessins déjà peints sur porcelaine, d'une extrême précision et d'une infinie délicatesse. L'artiste Chantal François réussit comme une prouesse, la représentation de ces infimes détails, avec un colorisme au plus proche de celui de l'objet. Cette démarche porte l'acte pictural à l'un de ses sommets. Une réalité multiforme de lignes et de volumes, posée devant le regard et la main de l'artiste. C'est une œuvre d'art scénographique avec des objets denses de graphismes qui sont à peindre , à reproduire en respectant les équilibres, les lignes de fuite, les premiers plans et les contre-plans. Puis c'est toute une qualité d'atmosphère à faire s'exhaler du tableau qui est essentielle, pour rendre la beauté d'ensemble de la nature-morte. Chantal François pour réaliser un tel travail entre dans un univers intimiste, en lien d'esprit et de cœur avec la scène d'objets, de fleurs, ou de fruits qu'elle va devoir produire. C'est un exercice de très haut niveau, qui aussi bien avec des médiums tels l'huile ou les pastels, devra tenir compte de contraintes propres de proportions et de couleurs qui s'imposeront à l'artiste. A Pékin ce travail a plu et surpris par le soin et la méticulosité que l'artiste met dans ses œuvres. Il est vrai que la peinture chinoise peut être aussi particulièrement méticuleuse comme lorsqu'il s'agit de peintures sur soie ou de peintures des fleurs et oiseaux. C'est donc une compréhension mutuelle de talent qui s'est produite entre les œuvres de Chantal François est une certaine idée du peindre, comme on peut l'avoir en Chine. Avec cette artiste confirmée on s'aperçoit que  talent et technique vont de pair. En effet atteindre un tel niveau de précision qualitative ne peut se faire qu'avec beaucoup d'expérience, mais autant avec une immense sensibilité intérieure. Le style de haut niveau de Chantal François se confirme avec son œuvre "Le Potiron" peinture aux pastels (55x46cm) ; cette œuvre est constituée de positionnements scénographiques des objets très étudiés. On s'aperçoit immédiatement dans cette œuvre d'une recherche sur les volumes, sur les formes, avec des rotondités en particulier celle du potiron, mais également une ligne verticale avec le col du flacon et un autre volume en creux avec la soupière. Au-delà de toute comparaison impressionniste, ou cézannienne, le travail de Chantal François se suffit à lui-même, pour offrir un niveau qualitatif qui témoigne d'un savoir-faire exceptionnel dans la peinture de natures-mortes. Le tableau "Les Mirabelles" peinture à huile sur toile (46x38cm) vient confirmer la capacité éminente de l'artiste à maîtriser ce médium particulièrement complexe qu'est la peinture à huile. Avec son style figuratif et moderniste, épuré, sensible, aux couleurs vraies, aux résonnances d'harmonies vives et bien graduées, l'artiste sait transporter le charme de la tradition picturale intimiste dans le regard contemporain. Chantal François témoigne d'un amour de l'art, qu'elle sait transmettre aux spectateurs au travers de ses oeuvres.

 

Tendance 2014. Les œuvres de Chantal François présentées à Pékin en Chine ont suscité un grand intérêt mais autant un grand respect, face au degré de perfectionnisme que l'artiste a déployé dans ses œuvres. Le jury international franco-chinois a reconnu les qualités talentueuses de la peintre en primant ses natures-mortes sur l'international. Désormais les natures-mortes de Chantal François ont un style reconnu et validé dans le contexte pictural international.

 

 

 

■ Jeanne BLANC, peintre, style abstrait. Prix international des arts de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014. Jeanne BLANC lors du Styles et tendances dans l'art international Pékin 2014, à proposé une présentation d'œuvres particulièrement élaborées et abstraites. Un support de soie pour accueillir une formulation d'abstraction permettait pour l'artiste un pontage avec la Chine sachant que la soie reste un matériau privilégié sur lesquels les peintres chinois aiment à s'exprimer. Ainsi Jeanne Blanc à choisi de montrer une abstraction très européenne avec une œuvre de paysagiste impressionniste abstrait et deux autres œuvres abstraites. Jeanne Blanc maîtrise un langage d'expression des sentiments par la couleur, son idée de s'exprimer sur la soie devait rendre un aspect esthétique peu habituel pour l'Europe mais qui a plu dans le contexte chinois. Jeanne Blanc a voulu poser ainsi sur l'international une logique picturale qui fait un pont, un lien entre une démarche européenne abstraite et un support traditionnellement usité en Asie. Un acte de peindre novateur qui a été accueilli avec succès autant du point de vue de son style abstrait que de sa technique.

 

Style. Le style de Jeanne Blanc avec "Chute d'Eau" N°12 (soie peinte encre indélébile 90x90cm) nous maintient dans la grammaire habituellement connue de l'artiste en matière de paysagiste impressionniste abstrait. La chute d'eau, comme une cascade, reste diffuse dans le contexte du colorisme de son environnement de paysage. Ce sera plus facilement dans une deuxième lecture que le spectateur entrera plus pleinement dans l'œuvre à partir du titre. Dans cette œuvre Jeanne Blanc a souhaité titrer, pour orienter donner un sens et une direction de lecture à son tableau. Cela de gênant en aucun cas la possibilité pour le spectateur de se projeter au gré de ses sensations. Cette abstraction paysagiste sur soie a rendu du fait de la soie une atténuation des couleurs et leur a donné une profondeur différente, une autre sensualité. Cela a gommé ce qui peut provenir des reliefs de couches de peinture lorsque les applications picturales sont faites sur la toile. Ainsi il a été donné à voir un ensemble sensible, dispensé de tout artefact en surface, qui auraient pu densifier l'appréciation visuelle du pictural. Cette peinture sur soie a suscité une autre sorte d'atmosphère d'où il émanait une paix et une certain recul possible de sens et de signe quant à l'expression de cette chute d'eau. Cette œuvre d'impressionnisme abstrait était régulée avec beaucoup d'audace par l'artiste qui avait posé en premier plan le tracé vertical clair de l'eau comme une gestualité d'action painting. La vision d'ensemble de l’œuvre restant toutefois un questionnement du sensible et de l'impact émotionnel que l'œuvre-d'art peut créer en fonction de son support. Jeanne Blanc offre ainsi une possibilité d'apprécier une technique sur soie dans une grammaire abstraite ce qui reste de grand intérêt sur l'international. Le style de Jeanne Blanc avec son "Sans-Titre" N°4 (soie peinte encre indélébile 90x90cm) et son œuvre "Sans Titre" N°5 (soie peinte encre indélébile 90x90cm) a prolongé la magie de la présentation en nous entraînant dans un territoire d'émotions subtiles par la couleur, comme l'artiste sait bien les créer en nous offrant un florilège de nuances intenses et chatoyantes qui peuvent faire vibrer le spectateur au gré de ses sentiments. Ces deux œuvres également en support de tissu de soie, avaient une intensité feutrée, parfois par endroit une vivacité de couleur néanmoins harmonisée par la grande finesse de tissage de la soie. Des couleurs vaporeuses, voluptueuses, irisées, un plaisir pour les yeux et un contentement pour l'esprit. Jeanne Blanc par son style démontre que l'on peut dépasser l'expression des sensations grâce à la finesse du support.

 

Tendances 2014. L'art contemporain continue d'évoluer de manière multiforme par sa grammaire, par ses couleurs, par ses supports. Jeanne Blanc peintre impressionniste abstraite, qui sait à travers ses couleurs, toute une grammaire du cœur et les secrets d'adéquation des tonalités peintes aux sentiments, a voulu aller plus loin en présentant son travail à l'encre sur soie. Elle a marqué une évolution intéressante sur le registre de l'évocation des sentiments par les couleurs et le rôle du support. Son mariage d'une abstraction européenne avec un support artistique traditionnel chinois de tissu en soie à produit un acte esthétique expérimental qui qualifie désormais la peintre Jeanne Blanc pour l'international.

 

 

 

Ont obtenu: Prix du Jury international - Chine - PEKIN 2014, les artistes suivants:


■ Cécile DURET, peintre, style abstrait. Prix du Jury international de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014.  la peintre Cécile DURET a choisi de présenter des œuvres émergentes dans sa muséologie et en particulier des œuvres non-figuratives, qui ont été particulièrement appréciées. L'artiste a généré une abstraction ancrée dans les références européennes de l'abstraction, dont il a résulté une esthétique comportant beauté d'harmonies dans les couleurs, sens de l'équilibre des formes, un tout bien pensé et architecturé. Au cœur des présentations dans diverses mouvances, l'abstraction de la peintre Cécile Duret est venue proposer une démonstration de puissance de coloris et de signes. Elle a pu obtenir une distinction éminente pour ses œuvres, le prix du jury international.

 

Style. C'est l'œuvre "Plongée multicolore" acrylique sur toile (100x80cm) qui a tout d'abord permis de surprendre l'auditoire par l'architecture et la distribution des couleurs dans l'espace de la toile. Une intime intuition d'équilibre, une résonance de couleurs en échos, produisant une dynamique intrinsèque, a posé cette toile en un statut de questionnement. Ceci quant à la dynamique que peut créer ou que peuvent créer des espaces colorés dans une œuvre lorsqu'ils sont en interdépendances d' intensités, en occupations modulées de surfaces. En dépassement de tout tâchisme, "Plongée multicolore" est venue proposer avec son titre signifiant, une œuvre optimiste, ré-créative, bien construite et fondée au regard des critères traditionnels de l'abstraction. C'est avec "Abstrait" 2, acrylique sur toile (100x80cm) et "Abstrait" 3, acrylique sur toile (100x50cm), que le style de Cécile Duret a signé la capacité de cette artiste à jouer de la couleur et produire des sensations très fortes pour le spectateur. L'appréciation qualitative principale est issue de l'animation exceptionnelle, toutefois bien réglée, que l'artiste réussit à produire dans ses œuvres. Qu'il s'agisse de l’œuvre "Abstrait" 2 ou "Abstrait" 3, ces peintures sont en elles-mêmes des événementiels de par le temps-fort de vie, de bouleversements, d'émulsions colorées, de modulations intenses qui s'y produisent. Le talent de Cécile Duret en abstraction est ainsi apparu dans une aptitude rare à créer de la vie dans l'abstrait, à réussir un intense animation interne dans l'oeuvre. C'est avec un grand plaisir que chacun a pu apprécier et admirer ses œuvres pleines de potentiel et qui ont su capturer le moment M, l'instant T, du mouvement, de l'intensité sur la toile, donnant ainsi sur le plan international tout son sens premier à l'abstraction.

 

Tendances 2014. Le style de Cécile Duret a marqué la qualité de l'abstraction contemporaine dans le jeu intrinsèque qui peut se produire entre les espaces colorés positionnés dans l'œuvre d'art. L'artiste a démontré qu'une toile abstraite portant en elle sa propre dynamique, et elle a prouvé que le talent de l'artiste peut ainsi consister à comprendre avant tout le mécanisme d'animation qui peut se produire dans l'interdépendance des formes et des couleurs, a en jouer pour composer l’œuvre. Cécile Duret en créant de véritables " toiles-événements " à montré que l'abstraction est aussi et avant tout, un temps fort de vie. Une artiste dont le travail talentueux méritait sa pleine place sur l'international.

 

 

 

■ Mireille RUFFINONI, peintre, style figuratif. Prix du Jury international de PEKIN 2014.


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PEKIN 2014. Confirmée dans son art à Pékin, l'artiste s'est posée dans le style figuratif comme un talent de niveau international à travers les œuvres qu'elle avait choisies pour être présentées dans la capitale chinoise et qui ont séduit le jury international. Les œuvres de la peintre Mireille RUFFINONI montrent un talent figuratif dans le " Styles et tendances dans l'art international 2014" en Chine, avec des caractéristiques très contemporaines dans une peinture fidèle au motif. L'artiste témoigne d'un sens abouti de la composition picturale sur la toile, d'un grand sens de la construction artistique, mais également d'une aptitude à produire une sensation de proximité, une ambiance intimiste dans ses tableaux. Ses peintures reflètent tout un ensemble culturel français et européen du savoir-peindre en un figuratif en techniques à l'huile de haut niveau. Le traitement de l'ombre et la lumière, le travail sur les intensités, l'aspect spécifique du rendu par l'application des pigments, le choix des sujets sont autant de points forts qui font de Mireille Ruffinoni une grande artiste.

 

Style."Le Mastodonte" huile sur toile (92x63cm) marque une expression picturale réussie. Dans cette œuvre Mireille Ruffinoni à su faire ressortir les principales lignes de force, la puissance, la lourdeur , mais aussi la majesté du navire et la robustesse de ce bâtiment amarré au quai. Une sobriété de coloris  renforce cette impression de masse, laissant la place aux géométries de gros volumes. L'ensemble de l'œuvre baigne dans un colorisme atténué et adouci, qui laisse transparaître dans l’œuvre une lumière, une luminosité ambiante d'ensemble. Les traits sont harmonisés en intensités par une qualité d'application de la couleur, ce qui renforce encore les principales caractéristiques graphiques ; un aspect délavé par endroit, patiné, tel que le soleil pourrait le produire parachève une atmosphère de silence et de clarté. Une toile qui montre l'aptitude de l'artiste à comprendre et à maîtriser la lumière. Mireille Ruffinoni a le grand talent de savoir mettre en situation, à sa façon, ses sujets à la fois dans l'espace et dans le temps. Avec "Le Mastodonte", l'artiste signale bien une qualité de logique picturale a créer des œuvres très bien architecturée. Une perfection de répartition dans le jeu des volumes et des géométries. L' intervention de l'artiste sur la toile est au point en terme de vision esthétique, qui font de cette œuvre un tableau de premier intérêt dans la muséologie de l'artiste, un modèle d'équilibre artistique des masses peintes. On retrouve avec "Le Bistrot" huile sur toile (40x60 cm) cette aisance, telle un don, de Mireille Ruffinoni à savoir équilibrer les volumes pour donner une impression de forte présence en conservant la volumétrie colorée dans la sobriété. Au centre du tableau, le bistrot, sa tenture parasol constitue un axe de force rouge horizontal qui construit l'aspect, l'artiste par son talent nous fait oublier son jeu de volumes et de géométries avec les fenêtres au-dessus, pour nous faire pénétrer dans l'intimité du lieu, dans l'ambiance essentielle du tableau. Le grand talent de Mireille Ruffinoni est d'arriver à entraîner le spectateur en proximité et intimité, au cœur du narratif de l'œuvre en en lui faisant oublier toutes les géométries constitutives. On comprend ainsi tout son art qui débute dès son choix du motif à peindre, le lieu devra correspondre à ses critères de construction de la toile tels que le souhaite Mireille Ruffinoni. Un style de haut niveau qui se confirme dans "Tourisme", huile sur toile (60x50cm) ; cette œuvre de Mireille Ruffinoni souligne son sens intuitif pour gérer la lumière et traiter les ombres dans des dimensions d'équilibres et de choix de couleur. Au-delà des répartitions de volumes on s'aperçoit dans cette œuvre combien l'artiste met d'intelligence, de sens du peindre pour aménager, espaces en géométries de lumière, de clartés, d'ombres, en superposition et sauvegarde des autres géométries des architectures elles-mêmes.

 

Tendances 2014. Mireille Ruffinoni montre qu'elle maîtrise pleinement en peinture les répartitions des équilibres et des géométries visuelles de l'espace et des couleurs.C'est une artiste qui a l'intuition des distances et du point de vue à retenir pour le report du sujet dans l’œuvre face au spectateur, pour en donner l'essentiel avec puissance. Ce qui est encore plus particulier dans son style, c'est que l'artiste sait nous conduire au contenu narratif et intimiste qu'elle peint, elle sait sauvegarder ce contenu en essentiel d'ambiance, en dominantes d’atmosphère qui ne seront jamais gênés par la construction d'ensemble du tableau. Les œuvres de Mireille Ruffinoni présentées à Pékin ont témoigné d'un figuratif contemporain européen très sensible et d'une haute qualité esthétique.

 

 

 

Styles et tendances dans l'art international Chine PEKIN 2014


 

 

 

Ont obtenu: Diplôme du Jury International PEKIN 2014 les artistes suivants:


■ Qiao MIN, Diplôme du Jury International PEKIN 2014


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fin de la liste du palmares PEKIN Chine 2014


PALMARES 2014 PEKIN Chine


Actualités Styles et tendances dans l'art international Chine PEKIN 2014


PEKIN 2014


Styles et tendances dans l'art international Chine Pékin 2014.

Styles et tendances dans l'art international Chine Pékin 2014. "Dragon" de José SORIA est passé à la Télévision chinoise CCTV.

Lien CLIQUER SUR L'IMAGE pour visionner le reportage de la télévision centrale de Chine CCTV

Lien CLIQUER SUR L'IMAGE pour visionner le reportage de la télévision centrale de Chine CCTV

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Le Jury franco-chinois de

Le Jury franco-chinois de "Styles et tendances dans l'art international" PEKIN 2014 Chine.

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"Styles et Tendances dans l'art international" a eu lieu en Chine, en Décembre 2014, à l'Hotel Novotel Beijing Peace à PEKIN

"Styles et Tendances dans l'art international" a eu lieu en Chine, en Décembre 2014, à l'Hotel Novotel Beijing Peace à PEKIN

PEKIN, capitale de la Chine,  ville gigantesque ultra moderne de plus de vingt millions d'habitants, aux architectures futuristes

PEKIN, capitale de la Chine, ville gigantesque ultra moderne de plus de vingt millions d'habitants, aux architectures futuristes

"Styles et Tendances dans l'art international" en Chine, en Décembre 2014, à l'Hotel Novotel Beijing Peace à PEKIN

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Présentation des oeuvres des artistes durant

Présentation des oeuvres des artistes durant "Styles et Tendances dans l'art international " Chine, 2014, Ici la toile abstraite "Pékin" de Gérard Suissia présentée par Antoine Antolini

"Styles et Tendances dans l'art international" Chine, 2014, ici le peintre Fang MIN reçoit le Prix international des arts de Pékin, à l'Hotel Novotel Beijing Peace, en présence de la CCTV

Logo pour le Styles et tendances  dans l'Art international  Chine 2014 à PEKIN

Logo pour le Styles et tendances dans l'Art international Chine 2014 à PEKIN

Présentations d'oeuvres d'artistes lors du

Présentations d'oeuvres d'artistes lors du "Styles et Tendances dans l'art international " 2014 en Chine à PEKIN.Ici présentation avec traduction en chinois d'une oeuvre de Chantal FRANCOIS

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Durant le

Durant le "Styles et Tendances dans l'art international " Chine, 2014 à PEKIN.

vue de PEKIN, immeuble de la CCTV

vue de PEKIN, immeuble de la CCTV

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"VERS UNE REALITE INTERNATIONALE DE L'ART"

 

"APPROCHE DE LA REALITE INTERNATIONALE DU TALENT VIVANT DANS LES ARTS AU COEUR DES SOCIETES CONTEMPORAINES"

 

© Rédactionnel Editions EDMC 2014

 

À l'occasion du "Styles tendances dans l'art international Pékin 2014", qui s'est tenu en Chine au mois de décembre, au travers de différents artistes occidentaux et asiatiques, les Editions EDMC, s'étaient fixé l'objectif de dégager certains aspects des tendances de la figuration et de l'abstraction à l'heure actuelle en particulier pour l'année 2014, sur l'échelon international. Une approche de la réalité de l'art et de son expression vivante, au travers de la créativité esthétique d'artistes authentiques qui peignent au quotidien, au coeur des sociétés modernes d'aujourd'hui.


Ceci afin d'avoir un reflet de l'évolution de l'art pictural, en cerner des aspects de tendances constantes ou nouvelles, dans le contexte de cette entrée dans le nouveau siècle. Mettre en évidence des talents artistiques notoires d'aujourd'hui et mieux comprendre leurs démarches esthétiques permettant de mieux se rapprocher de l'art lui-même au plus près du grand public. Ainsi les mises en relief de différents styles, de différentes grammaires picturales, présentés à partir de créations originales ont laisé entrevoir l'âme profonde de l'acte de peindre à l'intérieur du corps social. Grâce aux nouveaux médias, près de quatre-cents peintres chinois ont été visionnés individuellement par les Editions EDMC. Pour les lieux dédiés, ce sont près de deux-cents galeries et ateliers-galeries qui ont été sélectionnés pour la Chine, contactés et invités à participer au "Styles et tendances dans l'art international 2014" qui se tenait dans la capitale PEKIN (BEIJING); Il a été de même proposé à ces lieux d'art de sensibiliser leurs meilleurs artistes à l'interêt de cette manifestation et à en choisir trois des plus représentatifs, parmi ceux qui y étaient exposés, afin de leur proposer de participer, ou pour les représenter à l'évenementiel PEKIN 2014. Ceci afin d'expliquer, montrer, analyser, promouvoir, les caractéristiques de leurs styles. C'est près de six-cents artistes de haut niveau, peintres sculpteurs et photographes chinois qui pouvaient ainsi être sélectionnés et informés pour participer s'il le souhaitaient, à ce temps-fort artistique international. En Europe pareillement près de six-cents artistes on été visionnés directement, ceci afin d' aboutir à une présélection d'une quarantaine d'artistes de langue française, pouvant être suffisamment représentatifs des principaux styles et tendances ayant vogue en Europe au cours de l'année 2014, dans les mouvances allant de la figuration jusqu'à celles de l'abstraction contemporaine actuelle, sans omettre une représentation éminente de l'art numérique. Partant de là, a été retenu au final, un groupe de synthèse d'artistes sélectionnés, qui concentrait les paramètres de styles nécessaires du figuratif à l'abstrait, en vingt-quatre styles artistiques différents. Ces vingt-quatre styles, suscéptibles de modéliser aussi bien des tendances européennes et occidentales, que chinoises et asiatiques, ont été présentés avec succès et analysés à PEKIN, ayant été considérés suffisamment expressifs pour dégager compactement une ligne de tendances internationales dans l'art, pour l'année 2014; intégrant aussi bien des approches esthétiques plus traditionnelles, constantes, que des émergences innovantes. Sans avoir ni l'intention, ni la prétention de "dire l'art", les Editions EDMC souhaitent par cette action apporter une contribution utile à toutes celles et ceux qui s'intéressent à l'art, afin d'offrir une aide référentielle, pour situer dans un cadre international, les aspects les plus évidents des styles et des tendances en art, au cours de l'annéee 2014. Chaque année les Editions EDMC perfectionnent et modernisent les présentations des oeuvres-d'art en direction du public. Cette année a vu le phasage aux nouvelles technologies audiovisuelles par l'intégration de nouveaux moyens multimédias aux présentations, précisément avec des vidéoprojections haute définition des oeuvres sur grand écran. Cette modalité technique permettant une meilleure visibilité et lisibilité de l'oeuvre et de plus d'affiner efficacement les analyses esthétiques des grammaires et des styles. Avec d'autres champs d'analyses par ailleurs, cet évènementiel international 2014, à PEKIN, contribue à une meilleure compréhension de l'art au travers de  l'évolution des styles; cela au plus près de la création vivante contemporaine, authentique, au coeur de la société elle-même. Les Rencontres artistiques "Styles et tendances dans l'art international 2014" à PEKIN, se sont déroulées en présence de la Télévision Centrale de Chine CCTV, avec diffusion en français, qui a couvert une large partie de l'évènement en reportage sur place.

 

Sur les styles retenus pour cet évènementiel 2014, près de deux-cents oeuvres ont été analysées au total à PEKIN, une centaine en galeries durant les jours précedents la manifestation (dont des paysages traditionnels chinois et trois peintures en style "Sie-i" sélectionnées) et quatre-vingt trois oeuvres qui ont été présentées et analysées lors du "Styles et Tendances dans l'art international 2014" au Novotel Beijing Peace le 6 décembre 2014. Près de la moitié des styles portent sur l'art abstrait: soit 11 styles abstraits avec 33 oeuvres; On retiendra des tendances monochromes et d'abstraction impressionniste, des oeuvres en abstraction plus intégrale, des formes de peintures gestuelles et de non figuration. Des modalités de sans-titre, mais un maintien de la tendance au titrage sur l'abstraction. 9 styles figuratifs avec 26 oeuvres on été présentés sur des démarches figuratives, dont deux styles maintiennent des tendances académiques dans les registres des portraits, ce qui se comprend, mais aussi des natures-mortes, dans le prolongement des traditions picturales européennes. 1 style figuratif allégorique sur statuaire (3 sculptures "statiques spatiales" incluant 9 oeuvres) est venu marquer les besoins d'une recherche de nouvelles expressions figuratives sur de nouveaux supports et la présence de la peinture sur céramiques ; 4 styles (12 oeuvres) sur des formes impressionnistes, dont deux styles marquent le maintien sur des modalités d'impressionnisme abstrait. 1 style d'art numérique (3 oeuvres) clairement positionné en modalité de "peinture numérique". Le Jury international franco-chinois composé de personnalités spécialistes des arts a validé les 24 styles présentés pour l'année 2014 et attribué des récompenses artistiques soulignant la mise en relief d'artistes remarqués à l'occasion du Styles et tendances dans l'art international à PEKIN pour l'Année 2014.

 

L'évènementiel d'actualité "Styles et Tendances dans l'art international" est devenu d'une grande utilité pour le monde artistique depuis de nombreuses années, ayant pris un véritable essor depuis 2004. Produisant la mise en relief de talents, révélés à partir du coeur profond de la société, générant l'émergence de nouveautés stylistiques et esthétiques, cet évènementiel est reconnu par les artistes pour leur parcours et participe activement au rayonnement de l'art actuel. Chaque année ce "temps-fort artistique" se veut une actualité de référence pour la presse et les médias en termes de nouvelles émergences d'artistes et de styles, d'analyses esthétiques et conjoncturelles de la mode, des couleurs et nouveaux graphismes, ainsi que d'approches de l'évolution de l'art. "Styles et Tendances dans l'art international" PEKIN 2014 par la photographie spécialisée en temps réel de l'art contemporain qu'il propose, peut être une aide à la décision aussi bien pour les salles de ventes et les experts, que pour les galeries internationales ou tout autres salons d'arts, ainsi que pour les amateurs d'art ou grands collectionneurs.

 

 

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL PEKIN 2014, Chine


titre "VERS UNE REALITE INTERNATIONALE DE L'ART".

© Etudes et recherches sur les styles et tendances dans l'art contemporain. Décembre  2014

© Editions des musées et de la culture EDMC 2014

Le texte peut être utilisé librement en totalité ou en extraits par tout utilisateur, écrivains, étudiants,journalistes,galeries,audio-visuel,en citant: titre,auteur,sources et date de publication

TOUS DROITS RESERVÉS POUR TOUS PAYS - LOI DU 11 MARS 1957 -



Candidatures 2015 pour "Styles et Tendances dans l'Art International 2015  " contact e-mail: editions_edmc@yahoo.fr ou tel: 06 10 99 90 98 (internationaltel:  +336 1099 9098) 

 

 

 

Actualité 2013 - "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART INTERNATIONAL CANNES 2013", France


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ACTUALITES DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART

CANNES 07 Décembre 2013


"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" CANNES 2013 - Manifestation artistique d'actualité des arts et de mise en relief de la création contemporaine organisée par LES EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE (EDMC)


STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance - Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance - Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART - Vues de l'assistance et des participants - CANNES 2013

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"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013 - Une vue de la présentation du Style CHRISTIANE BROUSSARD

"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013 - La peintre ISABELLE GELI -

"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013 - Vue de l'assistance et participants -

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La peintre Estérelle présente son style de peinture figurative représentant des thèmes régionaux

La peintre Estérelle présente son style de peinture figurative représentant des thèmes régionaux

La peintre Christiane BROUSSARD présente son style de paysages abstraits portuaires et côtiers

La peintre Christiane BROUSSARD présente son style de paysages abstraits portuaires et côtiers

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la peintre Isabelle GELI présente son style et ses oeuvres à CANNES, lors du

la peintre Isabelle GELI présente son style et ses oeuvres à CANNES, lors du "Styles et Tendances dans l'Art" 2013

La photo-peintre du numérique Martine ANCIAUX présente son style en présence du poète André THOMAS lors de la manifestation Styles et Tendances dans l'ART CANNES 2013 -Voir la vIdéo.

La photo-peintre du numérique Martine ANCIAUX présente son style en présence du poète André THOMAS lors de la manifestation Styles et Tendances dans l'ART CANNES 2013 -Voir la vIdéo.

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* * * * * * * * * * * * * *  PALMARES DES LAUREATS * * * * * * * * * * * * * *

Ont obtenu le TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013 :


■ Alain DELIC, peintre, abstrait


Présentation du style  ALAIN DELIC - CANNES 2013

Présentation du style ALAIN DELIC - CANNES 2013

Présentation du style ALAIN DELIC - CANNES 2013

Présentation du style ALAIN DELIC - CANNES 2013

Présentation du style ALAIN DELIC - CANNES 2013

Présentation du style ALAIN DELIC - CANNES 2013

Pour son style, le peintre ALAIN DELIC  a obtenu le TROPHEE EUROPEEN

Pour son style, le peintre ALAIN DELIC a obtenu le TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013

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Le peintre Alain DELIC, a obtenu le Trophée Européen de Styles et Tendances dans l'Art 2013 L'artiste présente au plan formel un style en abstraction, épuré, dans lequel une tonalité monochrome domine avec une ensemble de signes-motifs. Le double support, papier de soie froissé collé sur toile, qui véhicule son esthétique, ne fait plus qu'un seul ensemble, pour produire une œuvre rayonnante de force et d'énergie. L'artiste a ainsi su trouver et mettre au point un procédé pictural, matiériste et plasticien, qui lui permet réaliser comme une peau de son âme, une peau du monde, un territoire de sensibilité ultime, pour exprimer ses ressentis profonds métaphysiques, immatériels, cosmiques. Par ses toiles Alain DELIC, exprime une recherche aux limites de l'art et de la science. Il crée un moyen de poser dans notre réalité l'image et les sensations d'un au-delà. Le peintre veut nous faire prendre conscience de la notion d'énergie vitale, d'énergie cosmo-planétaire, l'énergie qui est dans la matière, qui nous entoure au plus près comme au plus loin. Alain DELIC innove une recherche esthétique à vocation scientifique, autour de la représentation picturale et plasticienne de la force de l'énergie. Une recherche franco-australienne de plus de quarante années, au cours desquelles il a notamment déjà créé une période  picturale novatrice, la "Diachromie énergétique", qui se poursuit aujourd'hui en évolution stylistique, avec "l'Espérance de la vie" et "Eruption chromosphérique", deux toiles majeures dans le parcours de l'artiste présentées à Cannes durant la manifestation « Styles et Tendances dans l'Art » 2013. Celle-ci expriment sa démarche d'une part, humaniste, intuitive, et positive et d'autre-part tournée vers une capture visuelle et matiériste, à l'intérieur de l'oeuvre-d'art, des représentations des mystères de l'énergie, des ondes et forces vibratoires, jusqu'aux énergies de l'espace sidéral et galactique. La recherche de l'artiste tente ainsi de cerner, montrer, une logique, une expression esthético-matiériste d'une énergie universelle, potentiel et source vitale pour l'être vivant, tout autant que force cosmique du mouvement des planètes et astéroides. C'est ce dualisme, ces ambivalences de l'énergie, qui fondent la recherche du peintre. Les œuvres d'Alain DELIC veulent contribuer à l'évolution de nos sociétés, de notre civilisation. L'artiste s'efforce à travers ses peintures de définir un nouveau lien concret entre l'individu et l'immensité de l'univers, de nous questionner, pour nous faire réfléchir sur les origines de la vie, du cosmos, notre existant depuis la nuit des temps et notre avenir toujours inconnu.



 

■ Iga GIELNIEWSKI, peintre-plasticienne céramiste


Présentation du style IGA GIELNIEWSKI peintre-plasticienne céramiste - CANNES 2013

Présentation du style IGA GIELNIEWSKI peintre-plasticienne céramiste - CANNES 2013

Présentation du style IGA GIELNIEWSKI, peintre-plasticienne céramiste - CANNES 2013

Présentation du style IGA GIELNIEWSKI, peintre-plasticienne céramiste - CANNES 2013

Pour son style, la peintre-plasticienne céramiste IGA GIELNIEWSKI  a obtenu le TROPHEE EUROPEEN

Pour son style, la peintre-plasticienne céramiste IGA GIELNIEWSKI a obtenu le TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013

 IGA GIELNIEWSKI , TROPHEE EUROPEEN

IGA GIELNIEWSKI , TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" - CANNES 2013

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IGA GIELNIEWSKI, peintre-plasticienne céramiste, l'artiste aborde la statuaire dans l'espace avec des œuvres très colorées qui véhiculent un art empli de réalisme et de symbolisme, d'un figuratif anecdotique, au travers duquel, celle-ci nous dépeint tour à tour, la vie et l'amour, la destinée de l'homme et de l'humanité, la morale du vécu comme expérience et leçon pour l'avenir. Attachée à la tradition d'une culture qui se transmet de générations en générations, Iga GIELNIEWSKI, parle dans ses œuvres, de la femme et de son rôle dans le couple et dans la société; L'artiste-plasticienne aime observer les différentes étapes de la féminité, la femme incarnation du beau, la femme, maternité qui assure la survie du groupe, jusqu'à la femme âgée qui est garante des traditions et transmet le savoir ancestral. Des logiques narratives mises en scénographie par Iga GIELNIEWSKI, sur les différentes faces de ses diverses œuvres statuaires, lesquelles se présentant avec quatre côtés généralement, (parfois trois) et ornées au sommet, sur le dessus, d'une amplification symbolique composées d'objets, de petits volumes, de figurines, qui complètent, finalisent, les allégories exprimées sur les côtés de l'oeuvre. L'artiste à présenté  à CANNES, lors de « Styles et Tendances dans l'Art » 2013, la sculpture céramique « Souffrance et Récompense » 57 x 30 x 30 cm. Une histoire qui commence et continue tout autour de l'œuvre comme autant d'épisodes animés qui se succèdent, permettent de générer un questionnement chez le spectateur. On peut tout en regardant autour relier entre-eux tels ou tels des éléments exprimés. Plus qu' un ressenti posé sur un plan unidimensionnel, Iga GIELNIEWSKI, a su utiliser l'espace et le jeu des fractionnements de quatre faces, pour créer une sensation de vision morcelée, un tout décliné en visions partielles. L'artiste joue sur cette continuité du regard, l'atout évolutif par le contournement de l'œuvre. Une statuaire interactive qui s'anime au grès de l'imagination et de la promenade du regard du public. Au cœur de la mouvance artistique contemporaine, on retrouve chez Iga GIELNIEWSKI des préoccupations sur l'émancipation de la féminité, le rôle des femmes dans la société, communes à celles de Niki de SAINT-PHALLE en son temps. On retrouve chez Iga GIELNIEWSKI dans sa démarche plasticienne céramiste une expression déclarative voir dénonciatrice d'un certain statut de la féminité, et cette même ambition de le faire évoluer encore plus aujourd'hui, mais aussi un style esthétique très spontané et direct qui va à l'essentiel, dans un enchantement de vivacité colorée céramique, une puissance allégorique fortement ponctuée d'une grammaire symbolique. Avec l'oeuvre présentée on s'aperçoit que sous des aspects lyriques aux premiers abords, « Souffrance et Récompense » nous entraine très vite dans un processus de réflexion véritable.

 

 

■ Martine ANCIAUX, photographe-peintre numérique, créatrice de la photo-peinture


Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique - CANNES 2013

Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique - CANNES 2013

Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique, avec le poète ANDRE THOMAS - CANNES 2013

Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique, avec le poète ANDRE THOMAS - CANNES 2013

Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique - CANNES 2013

Présentation du style MARTINE ANCIAUX photographe-peintre numérique - CANNES 2013

Pour son style, la photographe-peintre du numérique MARTINE ANCIAUX  a obtenu le TROPHEE EUROPEEN

Pour son style, la photographe-peintre du numérique MARTINE ANCIAUX a obtenu le TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" ET DES EDITIONS EDMC - CANNES 2013

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Martine ANCIAUX, photographe-peintre du numérique comme elle aime a se définir, à honoré de sa présence la manifestation « Style et Tendances dans l'Art 2013 » à CANNES, durant laquelle elle a présenté deux de ses oeuvres "Les Ailes" et "Organique" deux photo-peintures de 50 x75cm. Son style part d'une forme du réel, c'est sur la base de photographies prises selon son inspiration, dans son environnement qu'elle crée sa photo-peinture. Elle retravaille ses photos dans un second temps avec les outils du numérique, à partir de logiciels. Depuis plusieurs décennies elle œuvre dans ce domaine et a été dans les toutes premières artistes à entrevoir les immenses possibilités esthétiques du progrès numérique et à les appliquer à la photographie figurative pour l'abstraire. Des expositions dans le monde entier lui ont permis de confronter son talent à d'autres recherches, et aujourd'hui elle représente d'une part une synthèse de ce qui se fait dans ce domaine, mais d'autre part un dépassement avant-gardiste que l'on retrouve au travers de ses œuvres. Son style s'il nait du réel avec la photo prise intuitivement va ensuite s'épanouir en une connotation abstraite. L'artiste redeploye le réel dans une autre dimension. Martine ANCIAUX aime, par l'intervention numérique, qu'elle considère comme un nouveau médium, agir sur le figuratif pour l'extrapoler vers un autre ensemble visuel, fait d'intensités éblouissantes, de subtiles stries lumineuses qui sauront jouer à la fois du jour et de la nuit. Un style en puissance d'intensités, une création pleine d'imagination, une intervention numérique sur la vie du quotidien, les paysages, les personnages. Martine ANCIAUX dans son œuvre a su faire basculer l'image hyper-réaliste dans la fiction par les outils du virtuel. L'artiste a ainsi redonné une vocation logique aux outils immatériels que sont ses pinceaux numériques, pour faire s'auto-dépasser l'esthétique, comme pour donner une vision concrète d'un au-delà intrinsèque résidant dans l'image première du réel. A souligner que le poète André THOMAS, à su créer et crée autour du travail de Martine ANCIAUX, un prolongement communiquant, une atmosphère narrative et authentique, qui complète les présentations vidéos des œuvres de l'artiste avec ses nombreux poèmes en style réaliste, spontané et novateur.

 

 

■ Roselyne MORANDI, peintre impressionniste abstrait, poète


Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

Présentation du style ROSELYNE MORANDI - CANNES 2013

Présentation du style ROSELYNE MORANDI, peintre et poète - CANNES 2013

Présentation du style ROSELYNE MORANDI, peintre et poète - CANNES 2013

Pour son style, la peintre et poète  ROSELYNE MORANDI a obtenu le TROPHEE EUROPEEN

Pour son style, la peintre et poète ROSELYNE MORANDI a obtenu le TROPHEE EUROPEEN "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" ET DES EDITIONS EDMC - CANNES 2013

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La peintre et poète, Roselyne MORANDI, à obtenu lors des Rencontres artistiques à CANNES 2013, le Trophée Européen « Styles et Tendances dans l'Art » mais aussi celui du XXème Anniversaire des Editions des musées et de la culture EDMC; Une reconnaissance méritée pour une artiste au parcours original, à la fois pictural et poétique. Deux disciplines complémentaires aussi difficiles l'une que l'autre, que l'artiste mène de front avec un talent accompli. Roselyne MORANDI, peint en abstraction et écrit une poésie très contemporaine, comme un complément de ressenti à sa peinture. Ce sont des poésies créées indépendamment des tableaux, mais qui peuvent être mises en relation, en étroite résonance avec ses toiles. On a la sensation d'être en présence d'une artiste que l'on attendait depuis longtemps sur les podiums de nos Trophées, celle qui a su faire le lien, un pontage émérite entre deux arts prestigieux, la peinture d'un côté, la poésie de l'autre. Sa peinture abstraite reste en lien, en proximité diffuse avec le réel, le vécu, l'image, afin de pouvoir mieux nous entrainer vers une sublimation perceptive, dans son nouveau territoire de beauté fantastique; Des œuvres tel l' « Arbre Lumière » ou « Aria » qui nous ont été présentées en témoignent. Un nouveau souffle est donné pour la peinture et la poésie, chacune pouvant s'enrichir des sensations de l'autre, de méditations introspectives réciproques. L'artiste vient ainsi redéployer sous nos yeux un tissus de sentiments aigus, doux, parfois plus amers. Sa palette est réactive aux états de son cœur. Sa poésie se pose sur la feuille comme un trop plein d'émotion qui doit s'extraire du plus profond de l'artiste, du plus intime pour aller vers les ailleurs, les lointains intemporels, les autres, la société. De la plume au pinceau l'espace est comblé et l'osmose en a été faite par Roselyne MORANDI; Elle juxtapose ces deux langages comme deux forces d'expression qu'elle sait si bien se faire s'entrecroiser, se répondre, dans cet univers impalpable et fugace des intuitions colorées, des mots de l'inconscient qui dévoilent en une seconde tout un pan de vie intérieure. La stylistique de la peintre nous propose une abstraction paysagiste, la nature y est prépondérante, des accents impressionnistes viennent nous rappeler que le fil conducteur du motif est présent, mais repensé en émergences essentielles, recentré en interfaces de sensibilités ultimes. Un langage de délicatesse infinie et de vibrations émouvantes, une peinture spontanée qui veut donner un sens sincère à l'action de l'esprit sur la toile, à la mémoire des mots. Les titres sont là pour nous rappeler la dimension fascinante de ces évocations colorées. Un style dans lequel la palette et ses contrastes de nuances supplantent toute violence de graphismes, où les tons, les harmonies, ou bien de subtiles disharmonies, règnent sur la composition esthétique. Du sens et du sensible, se posent sur les toiles de lapeintre comme autant de touches d'air pur et de liberté lyrique pour embellir l'atmosphère de nos vies quotidiennes. Roselyne MORANDI a été ainsi à juste titre la « Révélation Art-2013 » de ces Rencontres « Styles et Tendances dans l'Art » à CANNES.

 

 

Ont obtenu le TROPHEE "ART ET STYLE" - CANNES 2013 :


 

 

■ Christiane BROUSSARD, peintre, paysagiste abstrait marines


Présentation du style CHRISTIANE BROUSSARD - CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIANE BROUSSARD - CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIANE BROUSSARD - CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIANE BROUSSARD - CANNES 2013

Pour son style, la peintre CHRISTIANE BROUSSARD a obtenu le Trophée

Pour son style, la peintre CHRISTIANE BROUSSARD a obtenu le Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

La peintre CHRISTIANE BROUSSARD Trophée

La peintre CHRISTIANE BROUSSARD Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

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Christiane BROUSSARD, développe un style de paysagisme abstrait portuaire et littoral. Le style artistique BROUSSARD, ouvre une voie novatrice dans le pictural par la conjugaison du paysagisme abstrait et d'un progrès du monochrome. 1° Son paysagisme abstrait couvre l'extrême limite du visible, du discernable, entre impressionnisme abstrait et abstraction totale, sur les motifs du portuaire, du littoral, du côtier et du maritime. L'artiste réside dans la rade de Toulon, importante zone portuaire de Méditerranée abritant la Marine nationale, mais aussi des paquebots géants de croisièristes, de très nombreux voiliers de toutes tailles, ville-étape Tall Ships Régatta. Ces éléments d'environnement sont essentiels pour mieux comprendre comment s'est construit ce style de l'artiste, qui peint aujourd'hui en France dans une abstraction paysagiste principalement portuaire et marine. 2° Progrès dans le monochrome à travers la palette de Christiane BROUSSARD, qui impose avec une gamme de couleurs restreintes ses camaïeux très européens. Monochromes aux accents bichromes déclinés en blancs-ocres clairs, gris-bleus notamment, où l'on rencontre parfois des inclusions minimales de journaux, ou plus sporadiquement quelques touches vives. Son choix de couleurs reste intégral et dédié au travail des contrastes, en subtilité du visible et du lisible, avec des réhauts de graphismes éthérés noirs ou gris foncés, effleurant sens et signes. Dans le contexte plus international de l'art contemporain, en rapport en particulier des Etas-Unis ou de la Chine, le style Christiane BROUSSARD conceptualise une approche renouvelée et revivifiante des Monochromes, y apportant l'animation de nuances, d'un travail gestuel à la spatule, enrichissant ce domaine pictural, d'une grammaire minimaliste ainsi que d'une orientation significative avec des titres explicites. Le paysagisme abstrait de Christiane BROUSSARD à conquis et intégré le territoire monochrome en une nouvelle grammaire innovante qui lui est personnelle. Les œuvres présentées à Cannes, en 2013, "Régates" et "Le Port-paysage abstrait portuaire" marquent bien le style de Christiane BROUSSARD, comme synthèse de paysagisme abstrait et de progrès du monochrome, appliquée aux marines et au thème du maritime.

 

 

 

■ Isabelle GELI, peintre, figuratif


Présentation du style ISABELLE GELI - CANNES 2013

Présentation du style ISABELLE GELI - CANNES 2013

Présentation du style ISABELLE GELLI - CANNES 2013

Présentation du style ISABELLE GELLI - CANNES 2013

Pour son style, la peintre ISABELLE GELI a obtenu le Trophée

Pour son style, la peintre ISABELLE GELI a obtenu le Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

La peintre ISABELLE GELI Trophée

La peintre ISABELLE GELI Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

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Isabelle GELI, peintre de paysages de marines, aux atmosphères incomparables; L'artiste a présenté lors de la manifestation « Styles et Tendances dans l'Art » CANNES 2013, une œuvre emblématique de ses réalisations de marines et une autre représentative de ses peintures de fleurs. Une très intéressante présentation d'un tableau de bouquet de fleurs, réalisé à la spatule, dans une gestualité spontanée, a attiré une attention soutenue du public. Qu'il s'agisse de ses marines tel l'œuvre présentée « Rayon de Lumière » ou de sa thématique des « Fleurs », Isabelle GELI, à les atouts d'un geste sûr, qui n'entraine aucun repentir sur la toile, mais donne une animation colorée emplie de justesse tonale. Chez Isabelle GELI, l'harmonie des couleurs semble une seconde nature, c'est une qualité de regard, une aptitude innée. C'est à la fois mesure et audace bien maitrisées dans l'application de la peinture à la spatule, poussées à leur paroxysme, pour devenir un style qui s'impose maintenant auprès du grand public, des amateurs d'art, d'une élite. En création de bouquets, sa spatule, d'un coup saura créer la feuille élégante qui caressera le pétale, en jouant sur la couleur et la densité de la matière picturale étalée judicieusement; Sa main peint et sculpte à la fois les pigments. En Chine, lors d'expositions, ses fleurs et sa technique sont très appréciées. Dans le contexte de son autre axe fort, celui de ses marines, la peintre est parvenue comprendre la sensibilité de l'univers impressionniste, en faisant porter sa recherche autour des atmosphères, des ambiances paysagistes portuaires, des reflets sur l'eau, aux racines mêmes de l'inspiration d'un Turner, elle à voulu jouer des scintillement sur la vague, ressentir sous son pinceau ces clairs obscurs ondulants aux pieds des barques, se familiarisant avec ces touches en miroirs des cieux dans l'eau, fixés à jamais par Monet dans la mémoire collective par son « Impression Soleil levant ». Une propension naturelle existe bien chez Isabelle GELI, à faire vivre cet existant entre ciel et mer. Que ce soit par sa palette et ses harmonies colorées, ses applications à la spatule, elle a su côtoyer ce grand ressenti impressionniste, au-delà du figuratif premier, pour en définitive, aller encore plus loin et se laisser porter avec sa génération du nouveau millénaire vers le contemporain de son temps. C'est bien la place et le rôle d'Isabelle GELI, que de nous transmettre à sa façon, ce contexte pictural de la mer et du ciel, pour cette artiste qui est résidente du bord de mer, qui a le littoral imprégné au fond de son cœur. C'est bien une peinture de ce qui lui appartient depuis l'enfance qu'elle montre aujourd'hui au travers de ses marines portuaires, de ses littoraux côtiers sous un bleu fort et intense, caractéristique de son style. L'artiste évolue, au sein de son patrimoine naturel et culturel. Il émane parfois de sa peinture une certaine nostalgie, avec des ambiances étranges mais vraies, mystérieuses. Sa toile est animée souvent d'une lumière ambiguë, entre aube et crépuscule, mais avec au bout un résultat étonnant qui fixe un rêve éveillé. Une sensation magique, qui nous transporte en 2013 encore plus loin. Isabelle GELI ouvre la voie dans la modernité d'une expression poétique en peinture qui conjugue nostalgie et réalisme. Le questionnement romantique et bouleversant de l'espace portuaire, réapparait dans l' œuvre d'Isabelle GELI, et se met en symbiose chez le spectateur avec son propre monde intérieur.

 

19/08/2014 - Communiqué CRACP-Europe. Mai 2014 - les oeuvres d'Isabelle Geli ont été sélectionnées par le Centre de Recherche en Art et en Conservation du Patrimoine Europe (CRACP EUROPE) pour être présentées lors de plusieurs conférences au printemps , durant le mois de Mai, en Chine, sur le sujet de la peinture contemporaine européenne actuelle. Après avoir été comparées par le Centre avec d'autres peintures d'artistes chinois, au village international des artistes le 798 de Pekin, la peinture de l'artiste a été expliquée en Asie au titre d'une expression qualitative et maîtrisée du style dit figuratif impressionniste contemporain. Un style que l'on peut rencontrer aujourd'hui sur le continent européen et dont les sources européennes incontestées restent notamment Turner (1775-1851) et Monet (1840-1926) . Citée ainsi comme une peintre aboutie, l'approche marine d'Isabelle Geli, a pu exemplariser ce qui peut se faire dans ce style, au coeur de création contemporaine en Europe, sa démarche à été précisée pour montrer encore ce que l'on peut exprimer comme ressentis en réalisant une peinture de recherche sur des ambiances portuaires et des atmosphères littorales. Un exercice artistique reconnu particulièrement difficile en peinture, car il s'agit de peindre des sensations immatérielles qu'Isabelle Geli arrive à faire passer sur la toile, touchant au poétique et parfois à une certaine mélancolie romantique. Il s'agit de quatre marines qui ont représenté la démarche esthétique de l'artiste lors des conférences tenues par le directeur du Centre CRACP Europe, lui-même, Antoine Antolini, à la prestigieuse Académie des Beaux-Arts de Tianjin. Institution officielle de l'enseignement de haut niveau des Beaux-Arts, qui fait autorité en Chine, installée dans la 3ème ville de Chine ,Tianjin, neuf millions d'habitants. Face à un public de spécialistes, d'étudiants, de professeurs, le conférencier M. Antoine Antolini, a dit en Chine à l'Académie des Beaux-Arts, que cette démarche d'Isabelle Geli "témoigne d'un talent exceptionnel" et que "seule une immense sensibilité picturale mais aussi beaucoup de travail peuvent arriver à rendre de pareilles nuances de l'invisible pour traduire des ambiances, cela par les couleurs"... et a poursuivi "Isabelle Geli a su créer son propre style comme un deuxième langage pour traduire son intériorité par les couleurs"; Il  a ensuite répondu aux nombreuses questions de l'auditoire sur cette modalité de peindre. Communiqué CRACP-Europe. contact: pole.exposition@yahoo.fr - tel: 06 10 99 90 98 - fin communiqué.19/08/2014

 

 

■ ESTERELLE, peintre, figuratif


Présentation du style ESTERELLE - CANNES 2013

Présentation du style ESTERELLE - CANNES 2013

Présentation du style ESTERELLE - CANNES 2013

Présentation du style ESTERELLE - CANNES 2013

Pour son style, la peintre ESTERELLE a obtenu le Trophée

Pour son style, la peintre ESTERELLE a obtenu le Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

La peintre ESTERELLE Trophée

La peintre ESTERELLE Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

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ESTERELLE, peintre figurative, réalise des oeuvres qui comportent des sujets régionaux, des personnages, des paysages, des scènes originales et vivantes, avec des ambiances pittoresques, principalement en rapport avec la Provence. Elle affectionne particulièrement les ocres. Une peintre au style abouti, sûr, qui joue avec la force d'académismes picturaux, pour dégager une esthétique entre réalisme et impressionnisme. Parfois des atmosphères vibrantes, puissantes, font échos à un certain classissisme. Une admirable sobriété d'harmonies tonales flotte sur son oeuvre, procurant une sensation incomparable de justesse, d'une qualité muséale. La peintre restitue l'authenticité profonde de ses sujets avec une grande vérité. Sa manière intimiste allie simplicité et spontanéité, pour atteindre l'essentiel, touche le coeur et l'esprit du spectateur, au-delà de toutes superficialités. Par sa prédiléction pour le sujet régional, ESTERELLE, fait partie des artistes qui sauvegardent et font mieux connaitre par leur art, culture et identité régionales. Le style ESTERELLE, avec un talent avéré, pose, incontournablement, la peinture régionale sur la scène de l'art contemporain européen et international. Elle a obtenu le Trophée "Art et Style" - Cannes 2013.

 

 

 

■ Thérèse MASSOT, peintre, figuratif


Présentation du style THERESE MASSOT - CANNES 2013

Présentation du style THERESE MASSOT - CANNES 2013

Présentation du style THERESE MASSOT  avec  Antoine Antolini - CANNES 2013

Présentation du style THERESE MASSOT avec Antoine Antolini - CANNES 2013

 Pour son style, la peintre THERESE MASSOT a obtenu le Trophée

Pour son style, la peintre THERESE MASSOT a obtenu le Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

La peintre THERESE MASSOT Trophée

La peintre THERESE MASSOT Trophée "ART ET STYLE" - CANNES 2013

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La peintre Thérèse MASSOT, lors du « Styles et Tendances dans l'Art » CANNES 2013, en présentant ses œuvres « la Dame et la licorne » 80x100cm et « la Licorne noire » 89x116cm, nous invite à découvrir son univers mythique, à mi-chemin entre les traductions du fantastique collectif et les contes légendaires du monde de la jeunesse. Une démarche artistique qui fait du thème de la licorne, un moyen privilégié que se donne l'artiste pour peindre le figuratif dans un style capable de nous faire nous évader du quotidien. La licorne des mers ou terrestre, reste l'allégorie de lieux inconnus, autour desquels les fantasmes ont pris la forme de l'animal. Une représentation concrétisant à la fois la beauté élégante des équidés, la pureté, le rêve d'autres vies parallèles et inaccessibles, qui se côtoient au travers des licornes émissaires. Un questionnement pluriel de la réalité au Moyen-Age, se développe avec cet engouement symbolique qui ressurgit dans les arts et les lettres. La toile de Thérèse MASSOT, « la Dame et la licorne » vient comme un rappel de ces sources de l'époque, marquantes dans la peinture comme dans la poésie ou la littérature. Si le surréalisme à su traduire le rêve avec des messages modernistes, le symbolisme certaines formes de représentations mythologiques et spirituelles, les licornes de Thérèse MASSOT nous montrent l'image idéalisée d'un doute collectif, entre existant romanesque et inexistant. Peu a peu, au fil des siècles, l'animal magique, a perdu son contenu de croyance populaire pour ne perdurer que comme la nostalgie d'une rêverie de l'impossible. Moyen de déplacement icône pour se transporter vers un ailleurs surnaturel, à une l'époque du cheval locomotion première. Les artistes de tout temps usèrent abondamment de ce sujet de fiction.Auour'hui Thérèse MASSOT, lorsqu'elle peint ses licornes marines ou terrestre, voire célestes, nous offre cette vision matérialisée d'un élément primordial de la psychologie des contes. Ses œuvres nous apportent la continuité de cette tradition universelle des arts, ce moyen de se rappeler encore aujourd'hui de ce rêve des temps anciens, qui revendique toutes les utopies, les mers et rivages lointains demeurés à jamais inconnus. De ces époques lorsque le monde de la jeunesse, rêvait au diapason de la société toute entière, il nous reste la trace des arts; La peintre, avec un talent d'artiste-conteuse, sait nous faire revenir à nos souvenirs d'enfance, à un passé immémorial. Le style d'évocations mythiques, coloré et imaginatif de Thérèse MASSOT, produit des œuvres denses et riches de détails méticuleux, avec fréquemment des inclusions d'extraits feuilles-parchemins écrits, ou encore des étoiles ciselées et collées en relief sur le tableau comme dans « Licorne noire ». Thérèse MASSOT est une artiste qui ressent profondément l'art et s'exprime avec une sensibilité harmonieuse dans ce qu'elle peint. Il se dégage des ses œuvres la force d'un talent authentique, un véritable amour de la création artistique. La peintre a obtenu le Trophée « Art et Style » CANNES 2013.

 

 

Lauréats présentés en première partie des Rencontres:


■ Aurélie KRAFT, peintre, abstrait


Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style AURELIE KRAFT par Antoine Antolini CANNES 2013

La peintre AURELIE KRAFT, style abstrait, obtient à CANNES le Trophée Art et Styles 2013, pour ses recherches sur l'abstraction.

La peintre AURELIE KRAFT, style abstrait, obtient à CANNES le Trophée Art et Styles 2013, pour ses recherches sur l'abstraction.

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La peintre abstraite Aurélie KRAFT. Aurélie KRAFT peintre contemporaine, de la nouvelle génération abstraite, crée une abstraction en miroir d'un monde intérieur de sensibilité et d'émotion. L'artiste réalise un travail à partir de la couleur et de l'art particulier de l'appliquer, pour la rendre signifiante de vie, de cœur, du monde. Selon le choix de sa couleur de départ, l'artiste aime se tenir dans la gamme colorique initiale, pour traduire un état de ses ressentis, au moyen des différentes vibrations tonales, que produiront les pigments. Selon les ocres jaunes qu'elle poussera, plus ou moins, vers les orangés, elle traduira dans la langue étonnante des couleurs et de l'art pictural non figuratif, une description sensible de ses pensées les plus profondes, de ses sentiments. Ce mélange de souvenirs et d'émois, que les paroles limitent à la simple expression verbale, Aurélie KRAFT à compris, par sa façon de travailler la couleur, toute la vérité qu'elle peut faire ressortir de la peinture. L'art abstrait, offre pour elle, un moyen majeur d' aller plus loin dans son expression intérieure. Lorsqu'elle aborde la gamme des gris, des bleus, elle sait en faire émaner un langage bien spécifique, qui correspond à son contact entre son esprit et la toile. Aurélie KRAFT est une rare peintre abstraite, aujourd'hui, qui s'efforce de faire évoluer le monochrome en lui redonnant sa part de sensible, en lui attribuant sa vision de l'authenticité picturale. Depuis l'Ecole New-yorkaise du siècle dernier, au Minimalisme actuel qui se porte bien, l'ombre de Rhotko plane encore dans ces dimensions de l'unicolor. Si les tendances de recherche autour du « territoire coloré » uni de la toile semblent s'essouffler dans notre décennies, évoluant en effleurant le motif ou gérant le signe minimaliste pour animer l'œuvre, il n'en va pas de même pour la démarche d'Aurélie KRAFT. Elle peint quant à elle, à bras-le-corps l' espace mono-color en lui insufflant quelque chose de notre culture européenne, une european-touch. Même si l'informel et le tachisme ont eu leurs lettres de noblesse, si l'Europe à su produire sa non-figuration ou son abstraction lyrique en différence de l'Action painting américain, Aurélie KRAFT fait maintenant un retour aux vraies valeur du monochrome. Elle initie dans la nouvelle génération montante des jeunes artistes, une véritable « Renaissance » contemporaine du monochrome. Un « Rinascimento » pour un nouveau monochrome. Si les fondements initiaux de la couleur souveraine en choix chromatique unique, sont respectés par l'artiste, on n'assistera pas à ici à l'application d'une « infinitude » telle que l'aurait aimée Klein, mais plutôt, à un bouillonnement de peinture et de sentiments. En jeux camaïeux mis en mouvements subtils, comme autant d'émulsions de sensibilités. Aurélie KRAFT sait faire apparaître, des superpositions de déclinaisons de nuances éthérées, des harmonies de bonheur, mais aussi ses contrastes de tristesse, ses disharmonies de souffrances, ses cris de couleurs intruses. Des abstractions uniques de talent et de qualité intrinsèques. Chaque touche de la peintre reste l'expression d'un sens profond. L'aspect matiériste intervient dans son style pour amplifier le langage pictural. A-plats, nuances et légers reliefs, empâtements sourds, parfois stries de spatules, telles des cicatrices d'une souffrance indicible mais visible, peuplent et animent ses toiles. L'engagement d'Aurélie KRAFT, dans ce monde étrange de l'abstraction est absolu, il se traduit aujourd'hui par son choix du non-titrage de ses peintures, qui sont ainsi des « Sans-Titres » rejoignant la grande vocation de l'abstraction contemporaine, pour laisser aux spectateurs l'œuvre en effet miroir de leur propre inconscient. Les toiles d'Aurélie KRAFT sont des plate-formes de vie, des points de départ de tous les possibles, vers des ailleurs inconnus au plus profonds de soi, de notre inconscient, ou bien vers notre propre dépassement, vers d'autres entendements de l'universalité. « Styles et Tendances dans l'Art CANNES 2013 » Antoine Antolini EDMC.

 

 

■ Christian ALLIGROS, peintre, impressionniste abstrait


Présentation du style CHRISTIAN ALLIGROS  par  Antoine Antolini  CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIAN ALLIGROS par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIAN ALLIGROS  par  Antoine Antolini  CANNES 2013

Présentation du style CHRISTIAN ALLIGROS par Antoine Antolini CANNES 2013

Style CHRISTIAN ALLIGROS

Style CHRISTIAN ALLIGROS "Styles et Tendances dans l'Art" CANNES 2013

Le peintre CHRISTIAN ALLIGROS, 2013 style impressionnisme abstrait

Le peintre CHRISTIAN ALLIGROS, 2013 style impressionnisme abstrait

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DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

DOSSIER DE PRESSE CHRISTIAN ALLIGROS

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Le temps a bien passé depuis cette époque où l'artiste adolescent copiait les maîtres, à partir des images des calendriers, que lui rapportait son père. Il pouvait être alors se mettre en osmose avec Corot, qu'il affectionnait particulièrement, ou bien encore Van Gogh. Cette époque de son jeune âge allait donner définitivement à Christian ALLIGROS, le goût des Beaux-Arts et l'orienter vers une carrière artistique. Un parcours avec de nombreuses années de peinture figurative aux accents expressionnistes, qui peu a peu, ont évoluées vers un impressionnisme « abstractisé ». Avec ces deux œuvres « Les Coloquintes » (h.s.t 81x50cm) et « Aux alentours de Knox » (h.s.t 55x46cm) , paysage d'un lieudit de sa région, du côté d'Aubière (Puy-de Dôme), le peintre Christian ALLIGROS signe deux œuvres importantes dans sa muséologie et qu'il a souhaité présenter pour le « Styles et Tendances dans l'Art » de CANNES 2013; Ceci afin de marquer un tournant emblématique et montrer les nouvelles tendances de son travail, l'orientation nouvelle de son style. Ces œuvres traduisent, pour ce qui est de la première « Les Coloquintes », la période figurative du peintre dans laquelle il excelle tant par le choix de sujets originaux, mais aussi, par le traitement de la perspective et l'utilisation mesurée de cernes, pour la mise en valeur des formes ; Il nous propose avec cette œuvre la compréhension d'un expressionnisme feutré, avec cette force de surlignage caractéristique de son style ( sa période figurative à tendance expressionniste), qui sait inscrire en plus forte matérialité à la fois ses ressentis visuels et ses sensations si bien extériorisées. C'est son œuvre charnière « Aux alentours de Knox » qui nous propulse dans l'actuelle et seconde période que l'artiste innovait en présentation exclusive à CANNES, qu'est venu récompenser un Trophée « Art et Style CANNES 2013 ». Cette très belle toile « Aux alentours de Knox », marque l'entrée du peintre Christian ALLIGROS, dans une nouvelle forme d'impressionnisme abstrait qui a fait l'unanimité à CANNES. Une beauté de représentation dont les nuances se glissent à l'intérieur du regard du spectateur, pour entraîner celui-ci dans un univers poétique et original. De formulations parfois fauves, en touches impressionnistes, Christian ALLIGROS, à su nous faire reconsidérer le paysage pour nous élever vers l'essentiel plus loin que les apparences aux frontières inconnues de l'abstraction; Son style traduit avec délicatese et talent, une rencontre, entre la Nature et une esthétique supérieure de représentation, qui sait prolonger notre vision au delà des formes, jusqu'au au bord des sentiments les plus émouvants du cœur. Une œuvre qui mérite que les amateurs d'art se déplacent pour la voir. On se laisse alors guider sous les pinceaux de Christian ALLIGROS vers un absolu pictural du paysage, qu'il a su faire sien et cela dans une véritable fraîcheur artistique contemporaine. Cette manifestation de 2013 à CANNES, nous a permis de découvrir avec un grand bonheur cette nouvelle dimension de travail du peintre désormais incontournable dans l'art contemporain français.

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art CANNES 2013". Antoine Antolini EDMC.

 

 

■ Régine BAZIN, artiste peintre numérique


Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style REGINE BAZIN par Antoine Antolini CANNES 2013

La créatrice REGINE BAZIN, artiste peintre numérique

La créatrice REGINE BAZIN, artiste peintre numérique

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Régine BAZIN, peintre numérique, de plus en plus connue en France, pour son œuvre autant qualitative qu'abondante, constituée au fil des années de très nombreuses peintures numériques, se devait d'être représentée à cette manifestation significative de l'art contemporain le plus actuel. Ainsi « Actualité des Styles et Tendances dans l'Art » à CANNES 2013 accueillait la présentation de deux œuvres de peintures numériques de grand intérêt. Œuvres saillantes non seulement dans la muséologie personnelle de cette peintre numérique, mais aussi pour l'éclairage que celles ci peuvent apporter pour mieux connaître, mieux comprendre et défendre cette discipline de l'art numérique, qui conquiert progressivement ses lettres de noblesses ; Cela grâce à des artistes telle Régine BAZIN, mais ce n'est pas encore gagné dans notre modernité, ni même dans l'esprit du grand public et l'art numérique, en particulier la « peinture numérique » doit encore souvent rappeler au musées son existence. Régine BAZIN, peintre numérique de la première heure, nous montre à CANNES, avec son œuvre « La Bête du Gévaudan Mythe ou Réalité » comment elle sait et peut jouer des superpositions de couleurs et des techniquement des transparences, pour nous amener par le titre inattendu à un subit insight, soudaine illumination intérieure, lorsque l’œil recompose l'idée, la voit se matérialiser... forme expressive qui apparaît, signifiante, comme cet animal mythique surgissant mystérieux et intrigant entre les touches et les couleurs, entre rêve et réalité, se profilant tout à coup, entre les contre-plans et les à-plats, au milieu d'une succession de douces tonalités colorées. Dans l' harmonie éthérée de sa palette, la peintre numérique nous surprend par le sens que le titre vient nous révéler. Une caractéristique du style de l'artiste, qui intitule ses œuvres pour nous faire accéder pleinement à la dimension lyrique, poétique, mais autant parfois, aux différents messages plus cosmiques ou métaphysiques, que l'on peut retrouver dans ses œuvres. Une peinture numérique maîtrisée sur le plan esthétique certes, mais aussi quant aux diverses vocations de l'art contemporain. Parfois en abstraction lyrique, ou bien en abstraction plus intégrale, l'art de Régine BAZIN, ne veut pas succomber à une catégorie prédéfinie; Son style se veut en liberté de créativité, comme pour explorer l'infini des possibles, que lui offre la peinture numérique. Son œuvre « Éclat de Rire » était bien là elle aussi à CANNES, pour confirmer cela, cette inexorable envie, cet incompressible besoin de liberté. Un ressenti en abstraction totale pour ce sujet « Éclat de Rire » exprimé dans une configuration de formes, de touches, interprété en gamme de touches rondes, en une accentuation crescendo dans une géométrie de mouvement, voilée de couleurs diaphanes ou plus aiguës, une maestria qui vient nous démontrer toutes les ressources et l'étendue de son talent. C'est la seconde année que cette artiste est primée sur la Côte-d'Azur, lors d'un « Styles et Tendances dans l'Art » cette fois ci elle décroche à CANNES en 2013 le Trophée « Art et Style ». Le succès pour une deuxième fois du style de cette peintre du numérique à CANNES en 2013 nous fait remarquer que progressivement, relayée par internet et les réseaux sociaux, une « tendance Régine Bazin » est en train de s'installer, en contexte international, dans les nouvelles approches de l'art contemporain, dans l'art numérique, et notamment dans la « peinture numérique ».

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art CANNES 2013". Antoine Antolini EDMC.

 

 

■ Chantal FRANCOIS, peintre, figuratif


Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style CHANTAL FRANCOIS, par Antoine Antolini CANNES 2013

La peintre CHANTAL FRANCOIS, style figuratif

La peintre CHANTAL FRANCOIS, style figuratif

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La peintre Chantal FRANCOIS, ne cesse de nous étonner à chaque nouveau tableau. Une peintre- « orfèvre », qui cisèle ses motifs du bout de ses pinceaux fins; Ses arbres sont si délicatement détaillés, comme dans son tableau intitulé « Potelle », avec des couleurs si méticuleusement posées, que l'artiste nous émerveille de précisions, de bon goût, avec ses atmosphères paisibles, claires, optimistes. De nombreuses œuvres de Chantal FRANCOIS, restent une passerelle entre un passé rayonnant de notre peinture classique, que l'on voit associé, rejoindre une surprenante modernité d'aujourd'hui. Un académisme distancié, simplifié, d'où ne surjaillit plus que l'essentiel dans le respect des règles de la peinture à l'huile. La peintre nous donner à voir de la belle ouvrage ou résonnent parfois des échos impressionnistes. Entre l'éclatante luminosité des Sisley, les formes épurées des Manet, Chantal FRANCOIS à réussit à se forger, à se frayer, à force d'un long travail d'amour et de patience, une place bien à elle, avec son univers plein de retenue, de grand respect pour ce noble-art que reste la peinture au fil des époques. Pas d'effets superflus, chez cette artiste, ni de jeux de coloris inutiles; C'est dans la grande tradition de la constance du geste pictural, de la sobriété des choix de sujets, qu'elle a voulu présenter à CANNES en 2013 son tableau « Les Mirabelles ». Ce sont ces qualités là, d'une intuition conjuguée aux techniques du peindre, qui font que peu à peu l'œuvre de Chantal FRANCOIS, avance, surgit sans bruit, pour s'imposer tout doucement dans le cœur des spectateurs. Ils sont de plus en plus nombreux, sous le charme de tant d'équilibre et d'harmonie. La peinture à l'huile n'a plus de secrets pour Chantal FRANCOIS; Ses glacis sont si parfait que nous les oublions en regardant ses toiles lumineuses. Cette peintre nous enseigne encore, que l'on peut atteindre un niveau supérieur dans l'art pictural, en restant soi-même, en laissant la force de sa passion tout simplement agir, jours après jours. Chantal FRANCOIS s'est laissée conduire – et elle a eu raison - par son amour du beau, vers la perfection, « sa » perfection, vers cet épanouissement intérieur qui finit par se laisser poser sur la toile. Elle a conquis par sa détermination, le seul vrai langage du peintre:  le « style ». Lors des rencontres « Actualité des Styles et Tendances dans l'Art » 2013 à CANNES le trophée « Art et Style », que lui a attribué le Comité du Jury la récompense de ses efforts et de son talent authentique. A travers elle, dans notre époque de mutation des arts, c'est aussi un encouragement pour tous ceux qui ont fait le choix du difficile itinéraire de l'académisme et du figuratif et qui savent en faire une grande tendance encore bien vivante dans l'art en 2013.

« Actualité des Styles et Tendances dans l'Art » CANNES 2013. AntoineAntolini. EDMC

 

 

■ Eric BRUNI, peintre, figuratif


Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style ERIC BRUNI par Antoine Antolini CANNES 2013

Le peintre ERIC BRUNI,  style figuratif à dominante paysagiste

Le peintre ERIC BRUNI, style figuratif à dominante paysagiste

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REPORTAGE EN COURS

 

■ Annie d'HERPIN, peintre, photographe, créatrice des "Pinxit numérica"


Présentation du style Annie d'HERPIN les

Présentation du style Annie d'HERPIN les "Pinxit numérica" par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style Annie d'HERPIN les

Présentation du style Annie d'HERPIN les "Pinxit numérica" par Antoine Antolini CANNES 2013

Présentation du style Annie d'HERPIN les

Présentation du style Annie d'HERPIN les "Pinxit numérica" par Antoine Antolini CANNES 2013

La peintre photographe Annie d'HERPIN créatrice du

La peintre photographe Annie d'HERPIN créatrice du "Pinxit numérica"

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REPORTAGE EN COURS

 

■ PANORAMA IMAGES DES RENCONTRES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" CANNES 2013


Reportage en cours - Evènementiel artistique


DECEMBER 07 The major events of current arts COMING SOON "CURRENT EVENTS OF STYLES AND TRENDS IN ART" - FRENCH RIVIERA MEETINGS 2013 in CANNES - 2013 -


SELECTION ARTISTIQUE STYLES ET INSCRIPTIONS OUVERTES <br/>Demander Fiche candidature

SELECTION ARTISTIQUE STYLES ET INSCRIPTIONS OUVERTES
Demander Fiche candidature

CONTACT Tel: 06 10 99 90 98 ou editions_edmc@yahoo.fr

CONTACT Tel: 06 10 99 90 98 ou editions_edmc@yahoo.fr

NOVOTEL MONFLEURY CANNES 2013 STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2013 A CANNES Présentations des Styles 7 Décembre 2013

NOVOTEL MONFLEURY CANNES 2013 STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2013 A CANNES Présentations des Styles 7 Décembre 2013

LOGO 2013  ACTUALITE STYLES & TENDANCES DANS L ART CANNES 2013

LOGO 2013 ACTUALITE STYLES & TENDANCES DANS L ART CANNES 2013

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LOGO ACTUALITE STYLES & TENDANCES DANS L'ART CANNES 2013

LOGO ACTUALITE STYLES & TENDANCES DANS L'ART CANNES 2013

NOVOTEL MONTFLEURY CANNES COTE D'AZUR

NOVOTEL MONTFLEURY CANNES COTE D'AZUR

CANNES, JOYAU DE LA COTE D'AZUR AU RAYONNEMENT INTERNATIONAL

CANNES, JOYAU DE LA COTE D'AZUR AU RAYONNEMENT INTERNATIONAL

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2013 AVEC LA PARTICIPATION DE CHORISTES DE

STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2013 AVEC LA PARTICIPATION DE CHORISTES DE "JUBILATE"

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The major events of current arts COMING SOON "CURRENT EVENTS OF STYLES AND TRENDS IN ART"

- FRENCH RIVIERA MEETINGS 2013 in CANNES - 2013 -

presentation of WORKS AND STYLES -

FOR REGISTRATION SHEETS,

dossiers d'inscriptions CONTACT: Mr. Anthony Antolini

TEL +336 1099 9098 - BY MAIL editions_edmc@yahoo.fr -

Sélections candidaturesmanifestation artistique

"ACTUALITES STYLES ET TENDANCES 2013" 7 Décembre 2013

REGISTRATION OPEN > INSCRIPTIONS OUVERTES POUR SELECTION

 

 


■ 2012 ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 : Des styles remarqués et récompensées par le Comité du Jury.


2012 ANTOINE ANTOLINI

2012 ANTOINE ANTOLINI "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012"

"STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012"

2012

2012 "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012"

2012 ANTOINE ANTOLINI PRESENTATION DU PEINTRE ARNAUD MILLET

2012 ANTOINE ANTOLINI PRESENTATION DU PEINTRE ARNAUD MILLET "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012"

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2012 RENCONTRES ACTUALITES

2012 RENCONTRES ACTUALITES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012"

2012 HYERES-LES PALMIERS COTE-D'AZUR

2012 HYERES-LES PALMIERS COTE-D'AZUR "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012"

CHRISTIANE BROUSSARD

CHRISTIANE BROUSSARD "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012"

EDITIONS EDMC EUROPE

EDITIONS EDMC EUROPE

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"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES ART AUTOMNE 2012" EDITIONS EDMC

"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES ART AUTOMNE 2012" EDITIONS EDMC

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya créatrice des triptyques

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya créatrice des triptyques "Trilogies" récipiendaire du "Trophée Styles et Tendances" 2012.

EDITIONS EDMC EUROPE

EDITIONS EDMC EUROPE

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2012

2012 "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012" HYERES LES PALMIERS COTE-D'AZUR

2012

2012 "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012" ANTOINE ANTOLINI PRESENTE LES TABLEAUX D'ARNAUD MILLET

EDITIONS EDMC EUROPE

EDITIONS EDMC EUROPE

2012

2012 "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012" HYERES LES PALMIERS COTE-D'AZUR

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MIWAL et son pontage entre peinture et littérature; Arnaud MILLET, avec son expression de la ville; Annie d'HERPIN obtient le trophée européen "Styles et Tendances dans l'Art" pour la création des Pinxitnumérica.

Choisie par les Editions EDMC, c'est Hyères-les-Palmiers qui a vu l'édition AUTOMNE 2012 des Rencontres Artistiques de Communication sur les Styles créées en 2004 par les EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE (EDMC). Association internationale pour le développement de la muséologie et des arts; Celle-ci s'est tenue dans les Salons de l'Hotel MERCURE * * * * Hyères Côte-d'Azur (France).

 

Evenementiel ▼


■ ANNIE D'HERPIN a obtenu le Trophée Européen "Styles et Tendances dans l'Art" Année 2012, pour ses recherches sur l'art abstrait et la création des Pinxitnumérica, aux Rencontres artistiques de communication Côte-d'Azur, le 24 Novembre 2012


PRESENTATION DES PINXITNUMERICA PAR ANNIE D'HERPIN ACTUALITE STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012

PRESENTATION DES PINXITNUMERICA PAR ANNIE D'HERPIN ACTUALITE STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012

LA PEINTRE ANNIE D'HERPIN OBTIENT AVEC LES PINXITNUMERICA LE TROPHEE EUROPEEN 2012

LA PEINTRE ANNIE D'HERPIN OBTIENT AVEC LES PINXITNUMERICA LE TROPHEE EUROPEEN 2012

A HYERES SUR LA COTE-D'AZUR  24 NOVEMBRE 2012 A EU LIEU

A HYERES SUR LA COTE-D'AZUR 24 NOVEMBRE 2012 A EU LIEU "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE

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La peintre photographe Annie d'Herpin a présenté les "Pinxitnumérica" devant le Comité du Jury et expliqué comment son travail esthétique sous forme de module apportait une nouvelle dimension méthodologique dans l'abstraction et dans l'art contemporain en général. En effet à partir d'une peinture abstraite générique qu'elle réalise l'artiste saisit, "capture" des artefacts, qu'elle présente ensuite au public sous forme d'oeuvres à part entière jusqu'à élaborer une capture sous forme d' "image-objet de l'artefact" © A.d'Herpin 2012. Pour cette démarche référente dans la progression de l'art abstrait et ses créations Annie d'Herpin a obtenu le 24 novembre 2012, lors de la cérémonie du Palmares "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art" la remise dans la soirée du Trophée Européen de "Styles et Tendances dans l'Art" pour l"Année 2012, avec les félicitations du Comité du jury. Cette prestigieuse récompense vient ainsi couronner les recherches de l'artiste sur l'art abstrait et en particulier la création des "Pinxitnumérica". Ce temps-fort d'actualité pour l'art à pour objectif de remarquer et mettre en lumière les travaux d'artistes présentant des caractéristiques esthétiques innovantes dans la création contemporaine en contexte de l'art en Europe et international. Ce choix du Jury a été très applaudi lors des Rencontres artistiques et de communication sur la Côte-d'Azur, qui se sont déroulées en présence d'un auditoire attentif d'invités du monde de la culture et des arts; La manifestation se tenait dans les Salons de l'Hôtel Mercure **** à Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur (France).

 

 

 

■ ARNAUD MILLET. Ses oeuvres de paysages poétiques dans l'urbain reflètent le message d'une recherche du bonheur aujourd'hui. Son style , vif, dynamique et coloré, marque un expressionnisme renouvelé pour clamer encore plus fort la vie.


PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES

PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES ART" AUTOMNE 2012

PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES

PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES ART" AUTOMNE 2012

LE PEINTRE ARNAUD MILLET A DECROCHÉ UN DES PRESTIGIEUX TROPHEES DE

LE PEINTRE ARNAUD MILLET A DECROCHÉ UN DES PRESTIGIEUX TROPHEES DE "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012

PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES

PRESENTATION DES OEUVRES DU PEINTRE ARNAUD MILLET ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES ART" AUTOMNE 2012

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Arnaud MILLET, peintre au Havre. Au travers de la présentation de ses tableaux effectuée par les Editions EDMC, le peintre à pu mieux faire connaitre son style et les caractéristiques particulières de sa peinture lors des Rencontres  Artistiques de Communication "Actualité des Styles et Tendances dans l'Art" du 24 novembre 2012 sur la Côte-d'Azur à Hyères-les-Palmiers. Les oeuvres présentées reflettant l'univers de la ville, dégagent une atmosphère puissante,  exprimant néanmoins de la douceur, pouvant mettre en valeur aussi bien des couleurs tendres ou plus vives. Un style sur la ville avec une connotation poétique et ludique, récréative, optimiste. Un style hors des conventions habituelles de la figuration; Le peintre maitrise le dessin épuré et joue avec son imaginaire interprétatif, qui vient égayer les réalités pesantes du contexte urbain. L'artiste est arrivé à produire sur ses toiles une sérénité moderniste et inattendue. Arnaud MILLET pose devant les yeux des spectateurs un univers émerveillé dans des échos abstraits, qui va les rendre ravis, comblés, heureux. Son talent, s'appuie sur une grammaire bien architecturée, d'images simplifiées allant de l'essentiel, parfois jusqu'à l'interprétation quasi allégorique. Le pinceau cerne pour souligner, insister sur la vivacité positive des coloris. Le message de la recherche du bonheur dans la ville... Une idée originale et atypique qu'Arnaud MILLET décline en bouleversant tous les a-priori du pictural anectotique, avec un savoir-peindre entre inné et acquis. Le Comité du Jury, à souhaité remarquer cette démarche esthétique dans la thématique de l'urbain et ce style ample et bien construit.  Un Trophée "Styles et Tendances dans l'Art" Automne 2012 est allé au peintre Arnaud MILLET. Son style en un expressionnisme poétique original, fait de couleurs fortes et de sérénité récréative, a ainsi été honoré ce 24 Novembre 2012 dans les Salons de l'Hotel Mercure**** à Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur.

 

 

 

■ MIWAL, son style non-conventionnel, aux graphismes signifiants, délivre en pictural les messages de notre société. L'artiste par son pinceau tel une plume, tisse des liens de sensibilité et d'émotion entre peinture et littérature.


LE PRESIDENT DU JURY PASSANT DEVANT L'OEUVRE DE MIWAL AUX RENCONTRES

LE PRESIDENT DU JURY PASSANT DEVANT L'OEUVRE DE MIWAL AUX RENCONTRES "ACTUALITE STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012

PRESENTATION DU TABLEAU

PRESENTATION DU TABLEAU "LE BAISER" DE MIWAL PEINTRE "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012

PRESENTATION DES OEUVRES DE MIWAL PEINTRE

PRESENTATION DES OEUVRES DE MIWAL PEINTRE "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012

LA PEINTRE MIWAL, SES PONTAGES PEINTURE-LITTERATURE LUI ONT VALU L'OBTENTION D'UN TROPHEE

LA PEINTRE MIWAL, SES PONTAGES PEINTURE-LITTERATURE LUI ONT VALU L'OBTENTION D'UN TROPHEE

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La peintre MIWAL, un talent qui vibre avec l'actualité, la société, le monde... Sa peinture veut être une expression visible, lisible en langage de couleurs, d'images fortes, de mots peints; Ceci pour nous dire ses sentiments et ses ressentis profonds, ses doutes ou certitudes. Une peintre qui donne un prolongement pictural à la littérature; qui produit par l'amour de la peinture comme par celui de la littérature, un pontage, une peinture-passerelle entre le pinceau et la plume, pour nous dire clairement que l'émotion est un domaine commun à ceux qui lisent ou regardent un tableau. avec "le Baiser" ou "Corps" ce sont les idées affluant au coeur de l'artiste, qui sont posées sur le tableau. Son expressionnisme non-conventionnel, sait prendre à contre-pieds les mouvances picturales les plus avant- gardistes. MIWAL est déja plus loin que les esthétiques silencieuses de l'art contemporain. Dans les dédales de l'art, entre fracas de l'actualité et calme de l'atelier, ses toiles émergent comme des morceaux d'originalité, des pièces de vie. Plus que pour d'autres, il est besoin pour des artistes spontanés tel que MIWAL, que le travail qu'elle porte, sa modernité novatrice différentes et difficile, son engagement-passion dans l'art, soient pleinement reconnus. Art utile pour dire par la peinture ce que l'écrivain nous a dit par la plume. Mais de plus, par son oeuvre "Corps",  MIWAL nous fait aussi remarquer et de façon emblématique, cette tendance dans les arts de la thématique anatomique, qui abonde dans une nouvelle peinture, sculpture, installation, vidéo; Anatomie interne du corps, devenue aujourd'hui, enjeu de dépassement concurrentiel des esthétiques externes, voire des canons classiques du corps humain, cela au-dela définitivement de l'existant artistique du modèle académique. Avec "Corps" MIWAL a su stigmatiser cette "extraversion" nouvelle, avec la poésie audacieuse et indépendante de sa peinture; Elle peint, elle écrit en pictural les chocs de toutes nos émotions. Comme une incitation à découvrir, mieux connaitre cette artiste, en phase directe avec notre société actuelle, le Jury a décerné à la peintre MIWAL un Trophée "Styles et Tendances dans l'Art" Automne 2012. La cérémonie du Palmares a eu lieu le 24 Novembre 2012 dans les salons de l'Hôtel Mercure**** de Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur. (France)

 

 

■ "ACTUALITÉ DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" AUTOMNE 2012


Actualités générales par l'image des Rencontres artistiques de communication - Automne 2012


UN MOMENT FORT POUR L'ART. Les artistes présentent leurs tableaux et leur style, devant le Comité du Jury, en mettant en évidences les choix de leurs sujets, leurs choix de palettes, ou les principales caractériqtiques de leur art, du figuratif à l'abstrait. Les artistes étaient soit présents sur place, ou soit représentés, pour ceux qui n'avaient pu faire le déplacement. Les oeuvres artistiques et les messages esthétiques ont été présentés dans un cadre particulièrement accueillant et bien équipé techniquement avec sono et micro sans fil, pour l'animation et pour les questions des invités installés dans les salons. De nombreuses impressions ressenties ont été signalées, des questions ont été posées, notamment lors du passage de la peintre photographe Annie d'Herpin, pour ses travaux de recherche sur les "Pinxitnumérica" inventés par la créatrice, laquelle a su à chaque fois répondre avec beaucoup d'amabilité et en expliquer directement les caractéristiques innovantes, mais aussi préciser le contenu de cette évolution dans l'art contemporain actuel. Après le Dîner lors des cérémonies en fin de soirée ce 24 novembre 2012 à l'Hôtel Mercure de Hyères-les-Palmiers Côte-d'Azur, le Palmarès Officiel a été proclamé en présence du délégué général des Editions des musées et de la culture EDMC : c'est la peintre photographe Annie d'Herpin, qui à remporté le Trophée Européen Styles et Tendances dans l'Art Automne 2012, sous des applaudissements appuyés. Le travail pictural de Miwal, à séduit le Comité du Jury par  la particularité du style de ses tableaux, qui créent une passerelle entre le peintre et l'écrivain, heureuse idée pour Miwal puisqu'elle a obtenu un Trophée Styles et Tendances dans l'Art Automne 2012; Le peintre Arnaud Millet du Havre, qui n'avait pu venir sur la Côte-d'Azur, bien représenté sur place pour la présentation de ses tableaux qui traitent du monde urbain d'une façon très originale, à conquis le Jury par  son univers artistique, poétique, plein d'imagination, son style très maitrisé en une grammaire  personnelle et très aboutie plait; Il a décroché un Trophée. La mise en relief de la création contemporaine par les Editions EDMC, permettent d'apporter une contribution pour l'identification des talents, des tendances émergentes au coeur de la société.

 

 

Actualité des Styles et Tendances dans l'Art - 24 novembre 2012


ACTUALITÉ DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Hôtel Mercure Hyères-Côte-d'Azur

ACTUALITÉ DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Hôtel Mercure Hyères-Côte-d'Azur

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012  Antoine Antolini, animateur des Rencontres EDMC

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012 Antoine Antolini, animateur des Rencontres EDMC

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012  vue des personnalités présentes

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012 vue des personnalités présentes

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Hyères-Les-Palmiers Côte-d'Azur

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012  Annie d'Herpin Trophée Européen Styles et Tendances dans l'Art 2012

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Annie d'Herpin Trophée Européen Styles et Tendances dans l'Art 2012

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Affiche des Rencontres d'Automne de Communication sur les Styles

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Affiche des Rencontres d'Automne de Communication sur les Styles

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 présentation du style du peintre Arnaud Millet par Antoine Antolini

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 présentation du style du peintre Arnaud Millet par Antoine Antolini

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 le peintre Arnaud Millet

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 le peintre Arnaud Millet

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 logo communication

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 logo communication

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 présentation des tableaux d'Arnaud Millet

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012  tableaux de la peintre Miwal

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 Antoine Antolini présentant deux oeuvres de Miwal

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012  la peintre Mireille Walter MIWAL

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 présentation des Pinxitnumérica d'Annie d'Herpin

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 la ville de Hyères-les-Palmiers

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART 2012  vue des personnalités présentes

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 le Président du Jury remettant le Trophée européen Styles et Tendances dans l'Art à l'artiste Annie d'Herpin

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 le Président du Jury remettant le Trophée européen Styles et Tendances dans l'Art à l'artiste Annie d'Herpin

ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012  au coeur des Grands Rendez-Vous Européens des Arts ©

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012

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ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART AUTOMNE 2012 une vue de Hyères-les-Palmiers

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■ "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 RENCONTRES ARTISTIQUES COTE-D'AZUR - HYERES-LES-PALMIERS 2012 HOTEL MERCURE


CET AUTOMNE PROCHAINES RENCONTRES  STYLES ET TENDANCES DANS L'ART

CET AUTOMNE PROCHAINES RENCONTRES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART

"Actualité des Styles et Tendances dans l'Art" Rencontres de communication artistique sur les styles © EDMC 2004 / 2012

Régine BAZIN artiste du numérique, présentée par Antoine ANTOLINI, sociologue des arts, durant les Rencontres

Régine BAZIN artiste du numérique, présentée par Antoine ANTOLINI, sociologue des arts, durant les Rencontres "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" ETE 2012

Régine BAZIN , artiste du numérique.

Régine BAZIN , artiste du numérique. "Actualité des styles et tendances dans l'art" Eté 2012

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Formulaire de CANDIDATURE & INSCRIPTION A DEMANDER PAR MAIL  editions_edmc@yahoo.fr

 

 

■ ETE 2012 - ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART- ETE 2012 - REPORTAGE SUR LES NOUVEAUTES STYLISTIQUES DANS L'ART CONTEMPORAIN ACTUEL


ACTUALITE DES

ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 RENCONTRES COMMUNICATION STYLES création EDMC 2012

ACTUALITE DES

ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 RENCONTRES COMMUNICATION STYLES création EDMC 2012

ACTUALITE DES

ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 RENCONTRES COMMUNICATION STYLES création EDMC 2012

ACTUALITE DES

ACTUALITE DES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2012 RENCONTRES COMMUNICATION STYLES création EDMC 2012

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REPORTAGE SUR LES NOUVEAUTES STYLISTIQUES DANS L'ART CONTEMPORAIN ACTUEL* * * * * * "ACTUALITE STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" LES VISIONS REFERENTES DE L'INNOVATION PICTURALE  ET DE L'AVANCEE DES ARTS EN TEMPS REEL* * * * * *

 

 

■ ALBERIC. Le peintre présente un style abstrait emblématique contemporain, composé de signes, de reminiscences esthétiques historiques et allégoriques, en provenances intemporelles de son berceau culturel européen.


Le peintre Albéric présente ses oeuvres

Le peintre Albéric présente ses oeuvres

Le peintre Albéric présente ses oeuvres

Le peintre Albéric présente ses oeuvres

Le peintre Albéric présentant ses oeuvres en expliquant son style

Le peintre Albéric présentant ses oeuvres en expliquant son style

Le peintre Albéric récipiendaire du

Le peintre Albéric récipiendaire du "Trophée Styles et Tendances dans l'Art " Eté 2012

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Albéric: Une grammaire immatérielle dans l'objectif de représentation d'une identité de continent à travers l'espace et  le temps.

 

 


 

■ Alysée Yasalys Luna Lya. Une peintre qui prouve que le talent n'attend point le nombre des années... Elle a créé un style de triptyques impressionnistes au centre, abstraits latéralement, au contenu à la fois esthétique et sémantique.


La peintre Alysée Yasalys Luna Lya présentant ses

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya présentant ses "Trilogies".

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya créatrice des triptyques

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya créatrice des triptyques "Trilogies" récipiendaire du "Trophée Styles et Tendances" Eté 2012.

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya présentant ses

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya présentant ses "Trilogies"

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya  durant la présentation de son oeuvre intitulée

La peintre Alysée Yasalys Luna Lya durant la présentation de son oeuvre intitulée "Introduction à mon Anthologie des Cités"

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Un talent, une oeuvre, exprimés en Trilogies: C'est le style personnel que présente la peintre Alysée Yasalys Luna Lya. Son "Anthologie des Cités" © Alysée Yasalys Luna Lya 2012, sera sa prochaine grande exposition personnelle en supports trilogiques.

 

 


 

■ Dominique BOYER. Un style paysagiste impressionniste-abstrait. En constante évolution créative, ses nouvelles oeuvres 2012 intègrent l'impressionisme-abstrait dans l'esthétique du monochrome.


La peintre Dominique Boyer présente son style et explique au public comment elle peint en impressionnisme-abstrait

La peintre Dominique Boyer présente son style et explique au public comment elle peint en impressionnisme-abstrait

Dominique Boyer devant son oeuvre

Dominique Boyer devant son oeuvre "Burning Evernings", innovante en stylistique par un "impressionnisme-abstrait intégré à l'idée du monochrome" © D.Boyer 2012

Trophée

Trophée "Styles et Tendances dans l'Art" Eté 2012, pour la peintre Dominique Boyer, pour son style impressionniste-abstrait et son oeuvre "Burning Evernings".

la peintre Dominique Boyer explique son impressionnisme-abstrait et sa démarche esthétique avec

la peintre Dominique Boyer explique son impressionnisme-abstrait et sa démarche esthétique avec "Burning Evernings"

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En dépassant toutes les possibilités du fauvisme, la peintre Dominique Boyer pousse l'impressionnisme-abstrait à ses dernières limites jusqu'au concept du monochrome. Elle redynamise à la fois l'impressionnisme abstrait sur un autre territoire, celui de la couleur et le monochrome, par une logique plus soutenue en terme de sens, notamment par des titrages explicites et référents (souvent en anglais, "I am on the sea", "The Burning evernings") qui donnent une indication de lecture du tableau au spectateur. Son style élabore des oeuvres en une nouvelle forme de "paysagisme-abstrait monochrome" © D. Boyer 2012, tel "The Burning evernings", mais aussi "Aglow sea"... La peintre aime utiliser parfois des inclusions matiéristes, de nouveaux médiums, ou un support en verre synthétique pour marquer la concordance entre progrès du technologique et du pictural.

 

 


 

■ Christine BROUSSARD Cri. Un style impressionniste et abstrait sur les thèmes du voyage, diversifié et matiériste, s'appliquant à des paysages, des personnages, ou conjuguant les deux , traitant souvent des scènes urbaines.


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L'inclusion dans sa peinture de traces du voyage, journeaux , écritures rapportées des lieux traversés, constituent le phasage mémoire renforcant l'identité dans la représentation peinte du pays traversé. Un apport à la fois conceptuel et matiériste qui densifie le contenu de l'oeuvre en termes de signes et de sens. 

 

 


 

■ Annie d'HERPIN. peintre, photographe, chercheur en art, son style abstrait réalise des créations originales, les Pinxitnumérica, qui poussent encore plus loin les limites de la peinture abstraite en lui ouvrant un nouveau territoire esthétique.


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La peintre-photographe Annie d'Herpin à présenté en public son style abstrait constitué de photographies "Pinxitnumérica" réalisées à partir de ses planches peintures-étalons dont elle extrait les artefacts et les signes archétypes pour les repositionner en nouveau statut d'oeuvre-d'art à part entière, au moyen du médium numérique photographique.(© RECHERCHE) Annie d'HERPIN 2012.

 

 


 

 

■ Robert GAILLOT, Une peinture figurative, colorée, pleine de la lumière et d' ombres claires du Sud. Il dit le paysage urbain paisible, imposant une poétique forte dans des perspectives et angles de vues originaux.


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Robert Gaillot, décrit le Sud, des scènes de  la ville au quotidien, comme prises sur le vif. Celles-ci animées d'une  vive clarté lumineuse,  tout comme d'ombres douces. Une façon de voir l'univers local, avec un autre regard plein de soleil et de sérénité. au travers  de plans perspectifs très personnels, l'artiste peint la ville telle qu'il la voit, aux détours de ses promenades, en rapportant une ambiance, avec un plus subtil de talent poétique...

 

 

 


■ Véronique GENIYES. Son style pictural abstrait anime la mémoire sociétale par le reconditionnement de matériaux rejetés que son talent ennoblit en oeuvres-d'art. Ses monochromes or ou argentifères innovent un nouveau "Risorgimento matiériste".


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La peinture de Véronique GENIYES est une archéologie du présent. Son style donne un autre sens aux matériaux et aux éléments obsolets, qu'elle récupère pour les placer en statut d'oeuvres-d'art matiéristes aux inclusions les plus inattendues. L'artiste à su construire ainsi, au fil des ans, une logique artistique contemporaine différente. Ses monochromes or, qui réapparaissent en provenance du magma consumériste profond de la société, innovent aujourd'hui une nouvelle esthétique abstraite paradoxale: un nouveau "Risorgimento matiériste" (Création 2012). Ceci au sens propre en termes du matériau redéployé, comme au sens figuré en terme de nouvelle tendance, voire mouvance.

 

 

 

 

■ Iga GIELNIEWSKI . Un nouveau style en peinture céramique. En modalité figurative colorée, l'artiste met en symbiose poétique des souvenirs, son imaginaire, intuitions prémonitoires, peint un "inconscient symbolique" autour de la femme.


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L'artiste a créée un univers innovant de représentations d'un inconscient symbolique. Cette peintre apporte de nouvelles scénographies contemporaines sur le territoire de l'expression en peinture céramique. Elle à choisi cette pratique, comme médium privilégié permettant l'intensité et la luminosité pour venir en appui de sa grammaire esthétique. L'artiste est en pointe actuellement sur l'investigation du support et de la peinture céramique comme nouveau format de diffusion de l'art aujourd'hui. L'artiste veut promouvoir et défendre l'aspect artistique, mais aussi spécifiquement culturel, que véhiculent la peinture céramique, les peintures sur porcelaines, connues depuis toujours dans nos sociétés, mais pour en faire reconnaitre encore plus à présent leur validité comme expression dans l'art contemporain. La céramique devient avec Iga Gielniewski, support d'une intensité colorique exarcerbée, pour peindre en narratif, les confrontations entre réalités et d'imaginaire au XXIème siècle. L'artiste affectionne le thème de la femme, qui devient sous ses pinceaux,  prétexte à dépeindre tout autant l'homme, la société. Chaque céramique de l'artiste est une anecdote picturale complète, qui peut être emplie de sensibilité, de poésie, mais aussi de réalité tourmentée, d'intuition, de non-dit, de mystères à élucider...

 

 

 

 

 

■ Ergod RIET. Un style innovant qui traite pour le même sujet , son expression dualiste figurative et abstraite. La plupart du temps en dyptiques, dont un exprimera le sujet en figuratif , l'autre en abstrait.


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Ergod RIET de retour d'une grande exposition personnelle en Mars 2012 en Chine, a bien voulu réserver à "Actualité Styles et Tendances dans l'Art", la primeur des impressions rapportées de son récent voyage en particulier sur les réactions très favorables des chinois face à sa peinture dualiste et à son style innovant. Il est le seul artiste contemporain connu à l'heure actuelle, a faire cette démarche double, d'expression figurativo-abstraite, et a ériger ainsi un style nouveau internationalement. A contre-courant de toutes les conceptions stylistiques, le peintre français RIET, traite le même sujet en figuratif et en abstraction, pour en représenter d'une part, l'image apparente dans toute sa beauté esthétique et d'autre part, en extraire et exprimer les sensations ressenties qui s'y cachent au plus profond, tant du sujet que du peintre. Une innovation qui n'a pas échappé au public chinois, tout comme aux nombreux peintres et professeurs de peinture chinois. Ceux-ci  ont posé de nombreuses questions au peintre européen, tout au long de son exposition et l'ont honoré et félicité, en témoigant le plus grand interêt pour ses travaux.


 

 

 

■ Régine BAZIN. Son style numérique maitrise le technologique au service de l'art. Une grammaire du futur, poétique et abstraite, mystérieuse, cosmique.Du lyrique au géométrique l'artiste a créé un langage esthético-numérique ouvert,universaliste


VIDEO PRESENTATION OEUVRE DE REGINE BAZIN

VIDEO PRESENTATION OEUVRE DE REGINE BAZIN

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La peinture numérique comme moyen d'expression artistique d'un monde intérieur et du monde extérieur. La gamme de couleurs, de formes, devient infinie avec le potentiel créatif technologique et conceptuel de la peintre numérique. Régine Bazin est pionnière sur le territoire de ces nouvelles technologies de l'esthétique, qui vont nous donner peu à peu d'autres visions, d'autres approches de l'art contemporain. Cette artiste, aujourd'hui, ouvre de nouvelles voies, avec son style qui peut aller sur tous les registres artistiques de l'expression des ressentis, des plus enfouis et intérieurs, aux plus extravertis, tournés vers les mystères des civilisations, de la vie et du futur de l'humanité. En pointe dans une nouvelle génération de "computer artists" qui ont su dépasser technologiquement bien sûr, les recherches des plus anciens, mais aussi, explorer les éléments théoriques et conceptuels qu'offre le nouvel art numérique actuel. Pour l'instant, hors de considérations holographiques, ou installations, Régine Bazin, à fait le choix pour le numérique de la démarche picturale, en y intégrant la dialectique profonde de la peinture. L'artiste avec talent,  se positionne ainsi, internationalement en première ligne, dans les challenges numériques de l'art contemporain autour de la construction et de la définition de ce que peut être l'image peinte du XXIème siècle. Elle a été récipiendaire, au titre de l'Art numérique, du Trophée "Actualité des Styles et Tendances dans l'art" pour l'Eté 2012.

 


 


■ Caroline MERCIER. Son style veut redynamiser l'art contemporain par l'esthétique de polyptiques et l'abstraction. Réalisant une oeuvre-d'art par le contenu pictural, mais autant par l'empreinte dans l'espace.


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Les oeuvres de Caroline MERCIER, sont autant un contenu esthétique de signes et de couleurs, qu'un signal fort et novateur dans l'espace environnant. Elle appartient à la nouvelle génération d'artistes, qui, aujourd'hui, veulent sortir de plus en plus des sentiers battus du tableau unique. C'est ainsi que l'on peut voir, dans le travail de Caroline MERCIER, un assemblage de formes et de volumes, chacun participant au tout, qui vient s'approprier l'espace, le mur, en une nouvelle acception esthétique du format et de l'oeuvre-d'art. Son style gestuel et abstrait, reste orienté vers une recherche esthétique fondée, qui intègre les multiples paramètres de l'abstraction, pour les redéployer dans notre modernité du XXIème siècle. Ceci, avec ses propres critères de réflexion personnels, non seulement sur l'occupation de l'espace, de l'environnement de l'individu et sa relation à l'art, à l'oeuvre d'art, mais aussi son travail est un questionnement qui convoque les nouveaux enjeux et paradoxes d'un décoratif qui peut et doit être aussi culturel; Cette artiste souhaite réanimer de cette façon, au-delà de tout a-priori, des fonctions initiales de l'abstraction et de l'art contemporain au coeur de la société. Les oeuvres "infinity" et "Ascension" qui ont été présentées au Rencontres Artistiques Côte d'Azur, lors de la manifestation nationale "Actualité des Styles et Tendances dans l'art" ont permis à Caroline MERCIER d'obtenir le Trophée Styles et Tendances dans l'art Eté 2012, au titre de son oeuvre polyptique. 

 

 


 


■ David PONS. Son style est "restructuraliste", fondateur du mouvement d'art dénommé "Restructuralisme". Il associe les mouvements impressionnistes, cubistes et fauves, pour peindre une nouvelle grammaire de synthèse sur ses toiles.


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MOUVEMENT DE PEINTURE LE "RESTRUCTURALISME". David PONS peint en figuratif, divers paysages notamment, de montagnes, de marines, des paysages littoraux ou portuaires, en faisant convergences et conjugaisons de ses recherches personnelles avec celles des maîtres disparus de l'art moderne. Imprégné de l'art de son berceau culturel européen, qui a forgé sa culture picturale au regard des grands courants d'arts français (impressionnisme , cubisme, fauvisme,... ), qui on pu modéliser à travers le monde une certaine vision de la peinture française, l'artiste David PONS, s'efforce aujourd'hui d'apporter une pierre supplémentaire à ce grand continuum de construction de l'art avec son idée originale du "Restructuralisme" et son style restructuraliste. Style de synthèse et d'articulation de plusieurs techniques et façon d'interpéter l'image, le visuel, le figuratif, de choisir et d'appliquer les couleurs: un concept esthétique unique, que l'artiste à su mettre au point au terme de plusieurs années d'études et de pratiques personnelles en France.

 

 

 

 

■ Anne-Sophie VIEREN. Un style figuratif, impressionniste aux connotations fauves, parfois abstraites, accentué par des graphismes rayonnants. Un traitement de la lumière, empli d'intensité, une atmosphère d'émotions, étrangement poétique.


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Anne-Sophie VIEREN, a su créer un univers, particulièrement construit et élaboré, avec une grammaire qui lui est très personnelle. Graphismes irradiants, personnages évanescents, paysages aux couleurs intenses telles des éruptions de couleurs pleines de force, d'énergie, d'émotions au paroxisme...  Ses tableaux expriment une ambiance réelle et irréelle, une atmposphère quasi-magique, qui évoquent, en un ressenti profond, tous les bouleversements d'un monde de sensibilité intérieure. 

 

 


TROPHEES "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" Eté 2012 - PALMARES DES RECIPIENDAIRES


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TROPHEES "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART"  Eté 2012 

RENCONTRES ARTISTIQUES COTE-D'AZUR - HYERES-LES-PALMIERS

 

PALMARES  DES  RECIPIENDAIRES: 

 

ALBERIC

style abstrait


ALYSEE YASALYS LUNA LYA

style "Trilogies" en impressionnisme et abstraction

 

BOYER Dominique

style impressionniste-abstrait

 

BROUSSARD Christine CRI

style impressionnisme-abstrait

 

D'HERPIN Annie

Style abstrait créatrice des "Pinxitnumérica"


GAILLOT Robert

Style figuratif


GENIYES Véronique

Style abstrait


GIELNIEWSKI Iga

Style figuratif imaginaire narratif


RIET Ergod

Style dualiste en diptyque figuratif abstrait

 

 

représentés :

 

BAZIN Régine

 Style peinture numérique 


MERCIER Caroline

 Style polyptyques abstraits 


PONS David

 Style "Restructuralisme", créateur du Mouvement de peinture du même nom

 

VIEREN Anne-Sophie

Style impressionnisme paysagiste fauve graphique


 

 


30 JUIN 2012 HOTEL MERCURE HYERES-LES-PALMIERS

 

 Remerciements à toutes personnalités du monde de la culture et des arts

qui ont favorisé la réussite de cet 

événement artistique,

au Comité d'Honneur et de Sélection et en particulier à

M. le Délégué Général des Editions des musées et de la Culture (EDMC) 

M. le Président de l'Association Méditerranéenne des Inventeurs

Fondateur de l'Observatoire de l' Innovation et des Inventions

ainsi qu'au personnel et à la Direction

de l'Hôtel Mercure ****  de Hyères-les-Palmiers

 

 

 

"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" © EDMC 2012 est une manifestation artistique et culturelle créée et organisée par les Editions des musées et de la culture. (EDITIONS EDMC)


Cette manifestation Eté 2012, a connu un succès. Le reportage, commentaires, traitement photographique et  bandes images, est en cours de réalisation et prendra quelques jours, du fait de la densité des Rencontres, des présentations stylistique et des présentations des artistes et des tableaux. La mise en ligne s'effectuera prochainement. 

 

Cette manifestation a permis d'avoir à un moment donné, dans notre société, en cet été 2012 une "photographie" en temps réel, un aspect fort et direct de ce qui se passe dans l'art en France actuellement. Ceci au travers d'artistes engagés dans des démarches esthétiques pertinentes, qui se sont déplacés pour expliquer leur style eux-mêmes. Des artistes sélectionnés, qui ont chacun une particularité stylistique.  La manifestation culturelle "Actualité Styles et Tendances dans l'Art" été 2012, comme son nom l'indique, est un moment de mise en relief dans l'art contemporain d'aspects stylistiques forts et novateurs. Une manifestation culturelle d'importance nationale, qui a accueilli des artistes venus de diverses parties de l'hexagone. Son objectif sans être de représenter tout l'art en France, est toutefois de permettre d'en présenter des aspects forts et très actuels au travers d'artistes présentant, en tant qu'acteurs de l'art contemporain, l'originalité de leur esthétique et de leur modalité d'élaboration de style, avec leurs tableaux en appui de leurs explications. Une manifestation qui s'avère incontournable pour tous ceux qui souhaitent connaitre l'actualité dans l'art en 2012 et l'évolution en profondeur de celui-ci dans notre société, mais aussi les nouvelles expressions stylistiques qui ont vu le jour,présentées cet été sur la Côte-d'Azur, ainsi que les nouveaux mouvements de peintures. Des artistes, une actualité, une immersion en temps réel au coeur du tissus vivant de notre art et de nos talents d'aujourd'hui en France. Ces rencontres artistiques nationales "Actualité Styles et Tendances dans l'Art" organisées sur Côte-d'Azur cet été 2012 ont été un succès et on permis à des artistes présents, de tous styles, du figuratif à l'abstrait, en passant par l'impresionnisme-abstrait, et bien d'autres styles, de montrer leurs toiles et dire leur art et montrer leur style. Ils ont su poser leur esthétique dans le contexte national certes, mais également grâce à l'interface art-multimédia communication internet des Editions EDMC, ils ont posé clairement et nettement, l'originalité de leur style dans le contexte international. Ceci sous la présidence effective du Président Fondateur de l'Observatoire de l'Innovation et de l'Invention, qui nous a fait l'honneur de suivre  sur place l'ensemble des différentes présentations par les artistes. Manifestation animée par le sociologue des arts A. Antolini, Délégué général des Editions EDMC qui fêteront leur 20 ème anniversaire l'an prochain, continuant ainsi inlassablement leur oeuvre au service de la culture.

 

Cette manifestation de référence a été créée et s'est tenue pour la première fois en juilet 2004, pour devenir aujourd'hui un moyen objectif et efficace pour comprendre et voir la réalité de l'art, la manière dont naissent les styles et les tendances esthétiques dans notre société contemporaine du XXIème siècle. Qu'il s'agissent de galeristes, d'institutions d'animations culturelles, de musées publics ou privés, de centres d'arts, de grandes Foires internationales, mais aussi de magazines internationaux des arts, de critiques d'art, de journalistes de presse écrite ou audio-visuelle, ou d'écrivain, enseignants ou étudiants en art, chacune et chacun pourra trouver dans cette manifestation évenementielle Rencontres artistiques Côte-d'Azur été 2012 "Actualités Styles et Tendances dans l'Art" des artistes et des styles nouveaux à mieux connaitre, également matière à d'intéressants reportages sur des artistes en pointe de la recherche esthétique, sur des styles différents et tendances émergentes dans l'art actuel. Cette manifestation étant placée sous copyright international © EDMC 2012,  toutes facilités seront faites pour les accréditations, contacts et autorisations films & images, se mettre en rapport avec le Secrétariat EDMC  Tel: 06 10 99 90 98 ou +336 1099 9098 ou E MAIL: editions_edmc@yahoo.fr

 

 

D O C U M E N T A T I O N    P H O T O G R A P H I Q U E    P R O C H A I N E M E N T    E N    L I G N E 

 

 

          

EXTRAITS VISUELS DE QUELQUES PRÉSENTATIONS D'ARTISTES EN JUIN AUX RENCONTRES "STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" ÉTÉ 2012


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Les Grands Rendez-Vous de l'Actualité des Arts ▼

■ "ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2013 © EDMC
Côte-d'Azur Voir début de page "STYLES ET TENDANCES" Présentations d'Œuvres et Styles


"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" 2013 PROCHAINES RENCONTRES ARTISTIQUES COTE-D'AZUR ART CONTEMPORAIN EN MARS 2013  A HYERES-LES-PALMIERS présentation des OEUVRES ET DES STYLES par les artistes eux-mêmes et par divers spécialistes.

 

"ACTUALITE DES STYLES ET TENDANCES DANS L'ART" © EDMC est une manifestation artistique et culturelle créée et organisée par les Editions des musées et de la culture depuis 2004. (EDITIONS EDMC)

 

Description, nature et portée de l'évenement:

Il s'agit d'un "temps-fort" culturel de l'actualité des arts ouvert aux artistes des disciplines Art - Art contemporain - Peinture, sculpture, céramique, photographie, design, art conceptuel, installations, disciplines des Beaux-Arts et des Arts Numériques. Cet événementiel vise à mettre en relief les caractéristiques existantes de la création contemporaine du XXIème siècle. Faire repérage des éléments émergents des expressions stylistiques. Identifier les mouvances actuelles au coeur de notre société ainsi que les nouvelles théories ayant cours dans l'art contemporain. Ces Rencontres Artistiques sont le moyen d'inventorier et d'analyser en "temps réel" diverses esthétiques innovantes et avant-gardistes de la création. Permettant de promouvoir et d'animer une muséologie concrète du présent. Au travers de ces rencontres en faire reportage, afin de favoriser une meilleure connaissance et compréhension de l'évolution vivante et des progrès effectifs de l'art actuel.


© Editions EDMC - Mai 2012 - Tous droits réservés pour tous pays -

 

organisation et communication des rencontres artistiques EDMC MARS 2013

MANIFESTATION D'EXCLUSIVITE ARTISTIQUE CREEE ET ORGANISEE PAR LES EDITIONS DES MUSEES ET DE LA CULTURE EDMC - IL S'AGIT DE RENCONTRES ARTISTIQUES  

SOUS COPYRIGHT INTERNATIONAL EXCLUSIVITE © EDMC

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ARTISTES :  SELECTIONNÉS ET ADMIS SUR INSCRIPTION PREALABLE DANS LA LIMITE DES PLACES DISPONIBLES

AUTRES :   PUBLIC SPECIALISE, GALERIES, PRESSE ECRITE OU AUDIOVISUELLE, MEDIAS : ADMISSION AUX RENCONTRES UNIQUEMENT SUR AGREMENT MUNI D'UNE INVITATION NOMINATIVE DELIVREE PAR EDMC. LES INVITATIONS EN NOMBRE LIMITÉ SONT RESERVÉES EN PRIORITE PROTOCOLE ET SECTEUR ART CULTURE

(compte tenu du caractère d'exclusivité média de cette manifestation, il ne pourra y avoir de dérogation de dernière minute, les personnes intéressées auront du prendre contact pour agrément et inscription préalablement auprès de EDMC, MERCI soit email : editions_edmc@yahoo.fr soit appel tel: +336 10 99 90 98 )  

 

* * * * * PROCHAINEMENT * * * * A HYERES-LES-PALMIERS MARS 2013

POUR LES FICHES D'INSCRIPTIONS CONTACTER M. ANTOINE ANTOLINI TEL 06 10 99 90 98 PAR MAIL editions_edmc@yahoo.fr

 

 

COMMUNICATION ARTISTIQUE - RELATIONS PUBLIQUES DE PRESSE ET MEDIAS

Catalogues Artistes - Dossiers et Fiches de Presse


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Gérard SUISSIA, peintre / fiche de presse / Chine

Gérard SUISSIA, peintre / fiche de presse / Chine

Annie d'HERPIN peintre /  Fiche de presse / Chine

Annie d'HERPIN peintre / Fiche de presse / Chine

Jeanne BLANC peintre / Fiche de presse / Chine

Jeanne BLANC peintre / Fiche de presse / Chine

Régine BAZIN,peintre numérique / Fiche de  presse / Chine

Régine BAZIN,peintre numérique / Fiche de presse / Chine

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Isabelle GELI peintre / Fiche de presse / Chine

Isabelle GELI peintre / Fiche de presse / Chine

Christian ALLIGROS  peintre / Fiche de presse / Chine

Christian ALLIGROS peintre / Fiche de presse / Chine

Roselyne MORANDI, peintre, poète / Fiche de presse/ Chine

Roselyne MORANDI, peintre, poète / Fiche de presse/ Chine

Aurélie KRAFT peintre/ Fiche de presse / Chine

Aurélie KRAFT peintre/ Fiche de presse / Chine

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CATALOGUE ALAIN DELIC 1 LES ERUPTIONS CHROMOSPHERIQUES

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CATALOGUE ALAIN DELIC  2 ALAIN DELIC EN CHINE POUR SON EXPOSITION

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CATALOGUE ALAIN DELIC 3

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CATALOGUE ALAIN DELIC  4

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CATALOGUE ALAIN DELIC 5

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CATALOGUE ALAIN DELIC  6

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CATALOGUE ALAIN DELIC  7  ERUPTION CHROMOSPHERIQUE UPSILON

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CATALOGUE ALAIN DELIC 8

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EXPOSITIONS

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